Famoso por su composición dinámica y su detalle vibrante, el trabajo de Hokusai trasciende los límites tradicionales del ukiyo-e e infunde a la naturaleza y a la vida cotidiana japonesa un aire dramático, casi narrativo, que anticipa el relato visual moderno. Sus famosas imágenes del monte Fuji, no solo como un hito natural sino como un ser vivo y que respira dentro de la psique cultural japonesa, muestran su capacidad para transformar lo mundano en sublime. Con ello, esta colección celebra los logros artísticos de Hokusai y ofrece una ventana al rico tapiz de la estética de Edo.

Sus cuadernos de bocetos xilográficos dieron origen al movimiento del japonismo que arrasó la Europa del siglo XIX: el grabador Félix Bracquemond descubrió un cuaderno de Hokusai en un taller de París hacia 1856, y la fiebre resultante por las estampas japonesas marcó directamente el impresionismo, el Art Nouveau y a artistas desde Monet hasta Van Gogh y Klimt, que coleccionaron sus grabados en madera.

Estaba situando a Hokusai por encima de cualquier categoría corriente: no simplemente un hábil artista de ukiyo-e entre sus iguales, sino una fuerza creativa singular cuyo alcance —paisaje, naturaleza, perspectiva y vida cotidiana— redefinió lo que podía abarcar todo el género de la estampa japonesa.

Antes de Hokusai, el ukiyo-e se centraba casi exclusivamente en cortesanas y actores de kabuki; rompió con la escuela de su maestro tras una humillación profesional y reorientó el género hacia los paisajes, las plantas, los animales y la vida cotidiana de todas las clases sociales: un giro que hoy se reconoce como uno de los puntos de inflexión decisivos de la historia del arte japonés.

Además de dar a Hokusai su reputación internacional, inspiró directamente la obra orquestal La Mer de Claude Debussy, de 1905: Debussy tenía una copia de la estampa en su salón y pidió personalmente que figurara en la portada publicada de la partitura, un caso poco frecuente de una sola estampa que da forma a un arte completamente distinto un siglo después.

Adoptado en 1834, el nombre reflejaba una obsesión genuina y de toda la vida por superarse; en sus propios escritos afirmó que nada de lo que dibujó antes de los 70 años merecía contarse y que solo pasados los 73 empezó a entender de verdad la estructura de la naturaleza: una filosofía de crecimiento artístico sin fin que aún enmarca el modo en que los historiadores hablan de sus obras maestras de madurez.

A lo largo de unos 70 años de práctica continua, produjo más de 30.000 pinturas, bocetos, estampas e ilustraciones de libros: una producción tan vasta y sostenida que los historiadores del arte consideran su carrera menos un único estilo que una sucesión de periodos distintos, cada uno marcado por uno de sus más de treinta nombres adoptados.