Wassily Kandinsky

Was passiert, wenn ein Mann aufhört, die Welt vor seinem Fenster zu malen, und beginnt, den Sturm in seinen Rippen zu malen? Wassily Kandinsky, geboren unter dem düsteren Himmel Moskaus, kehrte dem Gesetz und dem Imperium den Rücken, um den zitternden Grenzen der reinen Abstraktion nachzujagen – wo die Linie die Form vergisst und die Farbe nicht mehr beschreibt, sondern singt.

In München, war er Mitbegründer Phalanx, wo Pinselstriche meuterten, und Avantgarde-Kunst entstand wie eine Geburt, sowohl gewalttätig als auch göttlich.

Mit Der Blaue Reiter, daneben Franz Marc, Kandinsky fand seinen spirituellen Code: Blau für Unendlichkeit, das Reiter zu Pferd für den Flug der Seele über irdische Grenzen hinaus.

In Werken wie Komposition VII, Chaos wurde zur Komposition und Geometrie löste sich in Prophezeiung auf. Kreise, zitternd wie Umlaufbahnen, gefüllte Leinwände wie Mehrere Kreise, wo die Farbtheorie zum Evangelium und die Abstraktion zu einem neuen Alphabet wurde.

Als Bauhaus-LehrerKandinsky lehrte nicht Technik, sondern Mut – dazu Expressionistische Maler, an jede zitternde Hand nach ihm.

Kandinskys künstlerische Odyssee vom Impressionisten zum abstrakten Virtuosen erreichte ihren Höhepunkt im Schmelztiegel der Münchner Avantgarde, wo er die Phalanx-Gruppe und später den legendären Blauen Reiter mitbegründete. Hier war Blau nicht nur eine Farbe; Es war eine spirituelle Treppe zum Kosmos, wobei jede Reiterfigur ein metaphysischer Jockey war, der dem nicht-objektiven Horizont entgegenritt.

Nehmen Sie „Improvisation Nr. 30 (Kanonen)“: Es ist nicht nur ein Gemälde – es ist ein chromatischer Wirbelsturm, ein Wirbelwind aus Formen und Farbtönen, der auf der Messers Schneide zwischen Chaos und Harmonie pirouettiert. In der Zwischenzeit, "Malerei mit einem grünen Zentrum“ tanzt auf der Leinwand, ein himmlisches Ballett geometrischer Darsteller, die sich der Schwerkraft und der Logik gleichermaßen widersetzen.

Am Bauhaus lehrte Kandinsky nicht nur; Er verdrahtete die Synapsen der künstlerischen Wahrnehmung neu und seine Theorien entfachten einen kreativen Flächenbrand, der noch heute in den Annalen des Expressionismus brennt. Dieser russische Dynamo hat mehr getan, als nur Bilder zu malen; Er komponierte visuelle Konzerte, in denen jeder Pinselstrich eine Note in der großen Symphonie der Abstraktion darstellte, und hinterließ ein unauslöschliches Erbe, das weiterhin in den Korridoren der modernen Kunst widerhallt und uns herausfordert, über das Sichtbare hinauszuschauen und den unsichtbaren Puls reiner Kreativität zu spüren.

Vor seinem Werk zu stehen bedeutet, den Moment mitzuerleben, in dem eine Leinwand die Welt vergisst und sich stattdessen an den Geist erinnert.

Auch heute noch summt seine Vision unter der Haut der modernen Kunst, wie eine Farbe, die man zwar hört, aber nie richtig benennen kann.

Wassily Kandinsky war berühmt dafür, einer der Pioniere der abstrakten Kunst zu sein. Hier sind einige wichtige Punkte zu dem, wofür er bekannt ist:

• Pionierende abstrakte Kunst und Entfernung von der Repräsentationsmalerei. Er glaubte, dass Kunst die innere Welt des Künstlers ausdrücken sollte, anstatt die äußere physische Welt zu repräsentieren. Seine Werke wurden im Laufe der Zeit zunehmend abstrakt, als er Hinweise auf Objekte und Tiefe beseitigte.
• Entwicklung einer einzigartigen visuellen Sprache von Form, Farbe und Linie, um Emotionen und Spiritualität auszudrücken. Er sah Verbindungen zwischen Musik und Malerei, hörten Farben und Sounds, die seinen künstlerischen Stil beeinflussten.
• Veröffentlichung theoretischer Schriften, die seine Vorstellungen über die spirituelle Natur der Kunst und die ausdrucksstarke Kraft abstrakter Formen und Farbe artikulierten. Zu den wichtigsten Werken "on the Spiritual in Art" (1912) und "Point and Line to Plane" (1926).
• Als Gründungsmitglied einflussreicher moderner Kunstgruppen wie The Blue Rider und The Bauhaus, die Avantgarde-Stile förderten.
• Erstellen Sie ikonische abstrakte Gemälde wie seine "Kompositionen", "Improvisationen" und "Impressionen", die Musiktitel und experimentelle Stile hatten.
• Einen großen Einfluss auf die Entwicklung der modernen abstrakten Malerei im 20. Jahrhundert durch seine Kunst und Theorien. Er gilt zusammen mit Künstlern wie Mondrian als Anführer abstrakter Kunst.

Kandinsky hatte in der Tat eine Synästhesie, eine neurologische Erkrankung, bei der die Stimulation eines Sinns eine unfreiwillige Erfahrung in einem anderen Sinne auslöst. In Kandinskys Fall assoziierte er Farben mit Klängen und Musik.

• Kandinsky erlebte Farben, als er Musik hörte, und hörte Musik, als er malte. Er beschrieb seine Bilder als "Kompositionen" und gab ihnen Musiktitel, um diese synästhetische Erfahrung widerzuspiegeln.
• Seine Synästhesie beeinflusste direkt die Entwicklung seines künstlerischen Stils zur Abstraktion, als er versuchte, die Farben und Geräusche, die er intern erlebte, visuell auszudrücken.
• Kandinsky artikulierte in seinem Kunsttheoriebuch "Über die spirituelle in der Kunst" Verbindungen zwischen Farbe, Emotion und Klang. Er sah Farbe als eine spirituelle Sprache, die innere Zustände ausdrücken konnte.
• Kandinsky erforschte synästhetische Erlebnisse durch Multimedia-Auftritte, die als "gelb Sound" bezeichnet werden und die Originalmusik, Beleuchtung und Bilder kombinieren.
• Seine Synästhesie prägte seinen Glauben, dass abstrakte Kunst die "innere Notwendigkeit" des Künstlers durch Farbe und Form und nicht die externe Realität ausdrücken könnte.
• Die ikonischen abstrakten Gemälde wie "Komposition VII" verkörperten Kandinskys synästhetische Perspektive mit ihren fließenden Farben, Formen und Musiktiteln.

Schlüsselmaterialien Wassily Kandinsky verwendet in seinen Gemälden:

• Öle - Kandinsky verwendete hauptsächlich Ölfarben, insbesondere in seinen ikonischen abstrakten Werken. Er experimentierte mit verschiedenen Arten von Ölen und Bindungsmedien wie Leinöl und Wachsmedium.
• Leinwand - Canvas war Kandinskys bevorzugte Maloberfläche, obwohl er auch andere Stützen wie Papp, Holz und Glas bemalte. Er verwendete verschiedene Leinwandtypen, einschließlich ferblicher Leinwand.
• Aquarelle - Zu Beginn seiner Karriere verwendete Kandinsky häufig Aquarelle, Gouache und Tempera -Farben. Diese erschienen in seiner Blue Rider -Periode.
• Palettenmesser - Kandinsky benutzte Palettenmesser, um Farbe in seinen Plein Air Landscapes aufzutragen. Dies schuf strukturierte, ausdrucksstarke Pinselstriche.
• Druckgrafikmaterial - Kandinsky erkundete verschiedene Druckgrafik -Techniken und arbeitete mit Materialien wie Holz, Linoleum, Zink und Kalkstein, um Holzschnitte, Lithografien und Radierungen herzustellen.
• Gemischte Medien - In späteren Bauwerken in Bauhaus integrierte Kandinsky ungewöhnliche Materialien wie Sand, Glas und Saiten in seine Gemälde.

• Russland - Die State Tretyakov Gallery in Moskau verfügt über die größte Sammlung von Kandinskys Gemälden in Russland, einschließlich Meisterwerken wie Komposition VII. Das Hermitage Museum in St. Petersburg und das russische Museum haben ebenfalls bedeutende Bestände.
• Deutschland - Der Lenbachhaus in München enthält die größte Sammlung von Kandinskys Gemälden in Europa, die über seinen blauen Fahrer und seine Bauhaus -Perioden erstrecken. Viele frühe Karrierearbeiten sind hier.
• Frankreich - Das Center Pompidou in Paris und die Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris haben beide beträchtliche Sammlungen von Kandinskys späteren abstrakten Werken, die er während des Lebens in Frankreich gemacht hat.
• Vereinigte Staaten - Das Guggenheim Museum in New York verfügt über über 100 von Kandinskys Gemälden, die größte Sammlung außerhalb Europas. Das Museum of Modern Art, das Metropolitan Museum of Art und das Philadelphia Museum of Art haben ebenfalls hervorragende Darstellungen.
• Schweiz - Die Beyeler Foundation in der Nähe von Basel enthält wichtige spätere abstrakte Gemälde wie mehrere Kreise.
• Andere bemerkenswerte Sammlungen - In der National Gallery in Washington DC, dem Art Institute of Chicago, dem Milwaukee Art Museum und der Tate Modern in London finden auch bedeutende Gruppen von Werken statt.

Kandinskys bekannteste und ikonischste Arbeit wird allgemein als Komposition VII (1913) angesehen. Dieses groß angelegte abstrakte Gemälde veranschaulicht Kandinskys bahnbrechende Stil und Theorien über die Ausdruck spiritueller Zustände durch abstrakte Form und Farbe.

Wichtige Gründe für Komposition VII stechen aus:

• Es war eines seiner ersten rein abstrakten Gemälde, die keine identifizierbaren Objekte enthielten, was einen Durchbruch bei der Abstraktion darstellte.
• Der Umfang und die Komplexität der Arbeit waren zu dieser Zeit beispiellos. Es kombinierte ausdrucksstarke Pinselstriche, Farben, Formen und Linien in eine wirbelnde, dynamische Komposition.
• Kandinsky betrachtete es als sein komplexestes Gemälde und den Höhepunkt seines künstlerischen Stils vor dem Zweiten Weltkrieg und synthetisiert Jahre künstlerischer Entwicklung.
• Es verkörperte seine synästhetische Perspektive mit flüssigen Farben und Formen, die Musik erinnern, die Kandinsky hörte, als er malte.
• Das Werk veranschaulicht Kandinskys künstlerische Philosophie, die in der geistigen Kunst umrissen wurde und seinem Glauben an die spirituelle und emotionale Kraft der abstrakten Kunst visueller Form verleiht.
• Es half, Kandinsky als revolutionärer Pionier der abstrakten Malerei zu etablieren und sich als einen der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts zu sichern.

Maltechniken

• Ausdrucksstarke Pinselstriche - Kandinsky benutzte lose, gestikale Striche, um Farbe aufzutragen, oft mit einem Borstenpinsel. Dies schuf Textur und dynamische Energie.
• Farbmischung -Er mischte Farben direkt auf der Leinwand unter Verwendung von Nassentechniken, um Flüssigkeitsübergänge zwischen Farbtönen zu erzeugen.
• Stipen und Pointillismus - Kandinsky verwendete das Bestimmen und Auftragen kleiner Farbpunkte, um Farben optisch zu mischen, anstatt zu mischen.
• SGRAFITTO - Er würde in feuchte Farbe kratzen, um die zugrunde liegenden Schichten zu enthüllen und Textur und Tiefe zu erzeugen.

Materialien

• Öle - Sein bevorzugte dieses Gemäldemedium, obwohl er mit verschiedenen Ölenarten experimentierte.
• Leinwand - Seine häufigste Oberfläche, aber auch an Bord, Glas, Holz und anderen Stützen gemalt.
• Aquarelle - häufig früh in seiner Karriere eingesetzt.
• Druckgrafik - Erforschte verschiedene Druckgrafik -Techniken wie Holzschnitte, Lithographie und Radierung.
• Gemischte Medien - In späteren Werken ungewöhnliche Materialien wie Sand, Glas und Schnur eingebaut.
• Werkzeuge - Palettenmesser, verschiedene Pinsel und andere Malwerkzeuge.

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