Hokusais Werk, berühmt für dynamische Komposition und lebendige Detailfreude, sprengt die traditionellen Grenzen des Ukiyo-e und verleiht Natur und japanischem Alltagsleben eine dramatische, fast erzählerische Qualität, die modernes visuelles Erzählen vorwegnimmt. Seine berühmten Darstellungen des Fuji, nicht bloß als Naturwahrzeichen, sondern als lebendiges, atmendes Wesen in der japanischen Kulturseele, zeigen seine Fähigkeit, das Alltägliche ins Erhabene zu verwandeln. Damit feiert diese Kollektion Hokusais künstlerische Leistungen und bietet zugleich einen Blick auf den reichen Teppich der Ästhetik der Edo-Zeit.

Seine Skizzenbücher im Holzblockdruck lösten die Japonismus-Bewegung aus, die das Europa des 19. Jahrhunderts erfasste – der Druckgrafiker Félix Bracquemond entdeckte um 1856 in einer Pariser Werkstatt ein Hokusai-Skizzenbuch, und die daraus entstandene Begeisterung für japanische Drucke prägte direkt den Impressionismus, den Jugendstil und Künstler von Monet über Van Gogh bis Klimt, die allesamt seine Holzschnitte sammelten.

Er stellte Hokusai über jede gewöhnliche Einordnung – nicht bloß ein begabter Ukiyo-e-Künstler unter Gleichen, sondern eine einzigartige schöpferische Kraft, deren Spannweite über Landschaft, Natur, Perspektive und Alltagsleben neu definierte, was das gesamte Genre der japanischen Druckkunst umfassen konnte.

Vor Hokusai konzentrierte sich das Ukiyo-e fast ausschließlich auf Kurtisanen und Kabuki-Schauspieler; er brach nach einer beruflichen Demütigung mit der Schule seines Lehrers und lenkte das Genre auf Landschaften, Pflanzen, Tiere und das Alltagsleben aller Gesellschaftsschichten um – ein Wandel, der heute als einer der prägenden Wendepunkte der japanischen Kunstgeschichte gilt.

Sie begründete nicht nur Hokusais internationalen Ruf, sondern inspirierte unmittelbar auch Claude Debussys Orchesterwerk La Mer von 1905 – Debussy hatte eine Kopie des Drucks in seinem Wohnzimmer hängen und wünschte ihn sich persönlich für das veröffentlichte Cover der Partitur –, ein seltener Fall, in dem ein einziger Druck ein Jahrhundert später eine ganz andere Kunstform prägte.

Der 1834 angenommene Name spiegelte eine wirklich lebenslange Besessenheit von Selbstverbesserung wider; in seinen eigenen Schriften behauptete er, nichts, was er vor dem 70. Lebensjahr gezeichnet habe, sei der Rede wert, und erst nach 73 habe er begonnen, den Aufbau der Natur wirklich zu verstehen – eine Philosophie endlosen künstlerischen Wachstums, die bis heute prägt, wie Historikerinnen und Historiker über seine Meisterwerke aus der Spätphase sprechen.

In rund 70 Jahren ununterbrochenen Schaffens schuf er mehr als 30.000 Gemälde, Skizzen, Drucke und Buchillustrationen – ein so gewaltiges und anhaltendes Werk, dass Kunsthistorikerinnen und Kunsthistoriker seine Laufbahn weniger als einen einzigen Stil denn als Abfolge klar unterscheidbarer Perioden betrachten, jede geprägt von einem seiner mehr als dreißig angenommenen Namen.