Los modelos de Egon Schiele (a menudo amantes, musas, él mismo) quedan atrapados en medio de un grito ahogado, sus extremidades alargadas, manos exageradas y pelvis torcidas se convierten en cartografías del hambre, la vergüenza y el temor erótico. La tinta, el gouache y el óleo convirtieron el cuerpo en una topografía psíquica, garabateada con angustia modernista, morbilidad simbolista y sensualidad sin filtros.

Influenciado por Gustav Klimt y la Secesión de Viena, el estilo de Schiele atravesó los ornamentos para encontrar el pulso debajo. Hoy en día, su obra genera fervor tanto en el discurso del arte contemporáneo como en el mercado de subastas de primera línea, deseado por los coleccionistas por su valiente confrontación con el deseo, la mortalidad y el yo performativo.

Murió a los 28 años, pero dejó tras de sí un canon de figuras tan vivas que todavía se estremecen ante los ojos.

El historiador de arte Gerald Izenberg conecta los exagerados autorretratos de Schiele (hipermasculinos, a veces abiertamente sexuales) con lo que él llama una crisis de principios de siglo en la identidad masculina, donde la afirmación excesiva de la virilidad enmascara una profunda incertidumbre sobre el género mismo. Los autorretratos de Schiele comparten rasgos visuales con sus desnudos femeninos, lo que sugiere un artista que trabaja a través de la identificación entre géneros en lugar de fijarse en uno solo.

Schiele trabajó en la Viena de principios del siglo XX junto a Sigmund Freud, un período en el que se teorizaba recientemente sobre la sexualidad incluso cuando la homosexualidad seguía criminalizada y socialmente ruinosa si se sospechaba. Esa tensión entre la apertura psicológica emergente y la represión legal es parte de la razón por la que los académicos sostienen que la ambigüedad de Schiele al representar los cuerpos y el deseo puede haber sido una autoprotección deliberada, no un accidente.

La sexualidad de Schiele no puede etiquetarse definitivamente, pero la académica de Schiele Jane Kallir, que dirige el Instituto de Investigación Kallir dedicado al artista, sostiene que su vida y obra reflejan una fluidez sexual profunda en lugar de una heterosexualidad fija, incluido un probable encuentro entre personas del mismo sexo en 1910. Como dice Kallir, "la fluidez es universal" cuando se trata de leer su legado hoy.

Nuevos estudios revierten la suposición de larga data de que los desnudos de "Hombres rojos" de Schiele de 1910 eran autorretratos. En cambio, la investigación de Kallir señala al amigo gay de Schiele, Max Oppenheimer, y a su amigo bisexual, Erwin Osen, como posibles modelos, argumentando que las poses eran físicamente imposibles para un hombre dibujado a sí mismo en la vida.

Absolutamente: se ha interpretado que obras como sus abrazos femeninos y sus pinturas de mujeres entrelazadas documentan la intimidad y el deseo queer entre mujeres, no solo el voyeurismo heterosexual. Los críticos han notado que la afinidad de Schiele por estas poses no se puede separar claramente de preguntas más amplias sobre la sexualidad y la representación del mismo sexo que se encuentran en su catálogo.

El trabajo de Schiele se ha convertido en un tema recurrente en la historia académica del arte queer: figuras como Jonathan D. Katz, considerado un académico fundador de este campo, han examinado su arte junto con los estudios de género y los estudios queer como disciplinas por derecho propio. Paneles e instituciones tratan cada vez más la confusión de los códigos visuales masculinos y femeninos de Schiele como algo central, no periférico, a su significado.