¿Qué pasa cuando un hombre deja de pintar el mundo al otro lado de su ventana y empieza a pintar la tormenta que lleva dentro de las costillas? Wassily Kandinsky, nacido bajo el cielo sombrío de Moscú, dio la espalda al derecho y al imperio para perseguir el borde tembloroso de la abstracción pura, donde la línea olvida la forma y el color ya no describe, sino que canta.

En Múnich cofundó Phalanx, donde las pinceladas se amotinaron y el arte de vanguardia se coló en el mundo como un nacimiento a la vez violento y divino.

Con Der Blaue Reiter, junto a Franz Marc, Kandinsky encontró su código espiritual: el azul para el infinito, el jinete a caballo para el vuelo del alma más allá de los límites terrenales.

En obras como Composición VII, el caos se volvió composición y la geometría se disolvió en profecía. Círculos que tiemblan como órbitas llenaron lienzos como Varios círculos, donde la teoría del color se hizo evangelio y la abstracción, un alfabeto nuevo.

Como profesor de la Bauhaus, Kandinsky enseñó no técnica, sino valentía: a los pintores expresionistas, a cada mano temblorosa que vino después.

La odisea artística de Kandinsky, de diletante impresionista a virtuoso de la abstracción, alcanzó su crescendo en el crisol de vanguardia de Múnich, donde cofundó el grupo Phalanx y, más tarde, el legendario Der Blaue Reiter. Aquí el azul no era solo un color; era una escalera espiritual hacia el cosmos, y cada figura ecuestre, un jinete metafísico que cabalgaba hacia el horizonte no objetivo.

Tomemos «Improvisación n.º 30 (Cañones)»: no es solo una pintura, es un ciclón cromático, un torbellino de formas y tonos que pirueta en el filo de la navaja entre el caos y la armonía. Mientras tanto, «Pintura con centro verde» baila sobre el lienzo, un ballet celestial de intérpretes geométricos que desafían a la vez la gravedad y la lógica.

En la Bauhaus, Kandinsky no se limitó a enseñar: recableó las sinapsis de la percepción artística, y sus teorías encendieron una conflagración creativa que aún arde con fuerza en los anales del expresionismo. Este dínamo ruso hizo más que pintar imágenes; compuso conciertos visuales, cada pincelada una nota en la gran sinfonía de la abstracción, y dejó un legado imborrable que sigue reverberando por los pasillos del arte moderno y nos desafía a ver más allá de lo visible y a sentir el pulso invisible de la creatividad pura.

Estar ante su obra es presenciar el instante en que un lienzo olvida el mundo y recuerda el espíritu.

Aún hoy, su visión zumba bajo la piel del arte moderno, como un color que puedes oír pero nunca nombrar del todo.

Wassily Kandinsky fue famoso por ser uno de los pioneros del arte abstracto. Estos son algunos puntos clave de por qué se le conoce:

• Ser pionero del arte abstracto y alejarse de la pintura figurativa. Creía que el arte debía expresar el mundo interior del artista en lugar de representar el mundo físico exterior. Sus obras fueron volviéndose cada vez más abstractas con el tiempo, a medida que eliminaba las referencias a objetos y a la profundidad.
• Desarrollar un lenguaje visual propio de forma, color y línea para expresar emociones y espiritualidad. Veía conexiones entre la música y la pintura, oía los colores y veía los sonidos, lo que influyó en su estilo artístico.
• Publicar escritos teóricos que articulaban sus ideas sobre la naturaleza espiritual del arte y el poder expresivo de las formas abstractas y del color. Entre sus obras principales están «De lo espiritual en el arte» (1912) y «Punto y línea sobre el plano» (1926).
• Ser miembro fundador de influyentes grupos de arte moderno como Der Blaue Reiter y la Bauhaus, que promovían estilos de vanguardia.
• Crear pinturas abstractas icónicas, como sus series «Composiciones», «Improvisaciones» e «Impresiones», que tenían títulos musicales y estilos experimentales.
• Tener una gran influencia en el desarrollo de la pintura abstracta moderna del siglo XX a través de su arte y sus teorías. Se le considera un líder del arte abstracto junto a artistas como Mondrian.

Kandinsky tenía sinestesia, en efecto: una condición neurológica en la que la estimulación de un sentido desencadena una experiencia involuntaria en otro. En el caso de Kandinsky, asociaba colores con sonidos y música.

• Kandinsky percibía colores al oír música y oía música al pintar. Describía sus pinturas como «composiciones» y les ponía títulos musicales para reflejar esta experiencia sinestésica.
• Su sinestesia influyó directamente en que su estilo artístico evolucionara hacia la abstracción, al intentar expresar visualmente los colores y sonidos que vivía por dentro.
• En su libro de teoría del arte «De lo espiritual en el arte», Kandinsky articuló conexiones entre color, emoción y sonido. Veía el color como un lenguaje espiritual capaz de expresar estados interiores.
• Kandinsky exploró experiencias sinestésicas en representaciones multimedia llamadas «El sonido amarillo», que combinaban música original, iluminación e imágenes.
• Su sinestesia moldeó su convicción de que el arte abstracto podía expresar la «necesidad interior» del artista a través del color y la forma, no de la realidad externa.
• Pinturas abstractas icónicas como «Composición VII» encarnaban la perspectiva sinestésica de Kandinsky, con sus colores y formas fluidos y sus títulos musicales.

Materiales clave que Wassily Kandinsky usó en sus pinturas:

• Óleos - Kandinsky usó sobre todo pinturas al óleo, especialmente en sus obras abstractas más icónicas. Experimentó con distintos tipos de óleos y aglutinantes como el aceite de linaza y el medio de cera.
• Lienzo - El lienzo era su soporte de pintura preferido, aunque también pintó sobre otros soportes como cartón, madera y vidrio. Utilizó distintos tipos de lienzo, incluido el de tejido fino.
• Acuarelas - Al principio de su carrera, Kandinsky usó con frecuencia acuarelas, gouache y témpera. Aparecen en las obras de su etapa de Der Blaue Reiter.
• Espátulas - Kandinsky usaba espátulas para aplicar la pintura en sus paisajes al aire libre. Así creaba pinceladas con textura y expresividad.
• Materiales de estampación - Kandinsky exploró diversas técnicas de estampación, y trabajó con materiales como madera, linóleo, zinc y piedra caliza para producir grabados en madera, litografías y aguafuertes.
• Técnica mixta - En obras posteriores de su etapa en la Bauhaus, Kandinsky incorporó a sus pinturas materiales poco habituales como arena, vidrio y cuerda.

• Rusia - La Galería Estatal Tretiakov de Moscú tiene la mayor colección de pinturas de Kandinsky en Rusia, con obras maestras como Composición VII. El Museo del Hermitage de San Petersburgo y el Museo Ruso también tienen fondos importantes.
• Alemania - La Lenbachhaus de Múnich alberga la mayor colección de pinturas de Kandinsky de Europa, que abarca sus etapas de Der Blaue Reiter y de la Bauhaus. Aquí hay muchas obras de sus inicios.
• Francia - El Centro Pompidou de París y el Museo de Arte Moderno de la Villa de París tienen colecciones considerables de las obras abstractas posteriores que hizo mientras vivía en Francia.
• Estados Unidos - El Museo Guggenheim de Nueva York tiene más de 100 pinturas de Kandinsky, la mayor colección fuera de Europa. El Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte de Filadelfia también cuentan con excelentes representaciones.
• Suiza - La Fundación Beyeler, cerca de Basilea, conserva pinturas abstractas clave de su etapa tardía, como Varios círculos.
• Otras colecciones destacables - También hay grupos significativos de obras en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de Milwaukee y la Tate Modern de Londres.

La obra más célebre e icónica de Kandinsky se considera, por lo general, Composición VII (1913). Esta pintura abstracta de gran escala ejemplifica su estilo revolucionario y sus teorías sobre cómo expresar estados espirituales mediante la forma y el color abstractos.

Razones clave por las que Composición VII destaca:

• Fue una de sus primeras pinturas puramente abstractas, sin objetos identificables, y supuso un hito en la abstracción.
• La escala y la complejidad de la obra no tenían precedentes en su momento. Combinaba pinceladas expresivas, colores, formas y líneas en una composición arremolinada y dinámica.
• Kandinsky la consideraba su pintura más compleja y la cumbre de su estilo artístico anterior a la Primera Guerra Mundial, una síntesis de años de desarrollo artístico.
• Encarnaba su perspectiva sinestésica, con colores y formas fluidos que evocaban la música que Kandinsky aseguraba oír mientras pintaba.
• La obra ejemplificaba la filosofía artística expuesta en De lo espiritual en el arte, y daba forma visual a su creencia en el poder espiritual y emocional del arte abstracto.
• Ayudó a establecer a Kandinsky como pionero revolucionario de la pintura abstracta y le aseguró la fama como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Técnicas de pintura

• Pinceladas expresivas - Kandinsky aplicaba la pintura con trazos sueltos y gestuales, a menudo con un pincel de cerdas. Así creaba textura y energía dinámica.
• Mezcla de colores - Mezclaba los colores directamente sobre el lienzo con técnicas de húmedo sobre húmedo para crear transiciones fluidas entre tonos.
• Punteado y puntillismo - Kandinsky usaba el punteado, aplicando pequeños puntos de pintura para mezclar los colores ópticamente en lugar de fundirlos.
• Esgrafiado - Rascaba la pintura húmeda para dejar al descubierto las capas inferiores, lo que creaba textura y profundidad.

Materiales

• Óleos - Prefería este medio de pintura, aunque experimentó con distintos tipos de óleos.
• Lienzo - Era su soporte más habitual, pero también pintó sobre tabla, vidrio, madera y otros soportes.
• Acuarelas - Las usó con frecuencia al principio de su carrera.
• Estampación - Exploró diversas técnicas de estampación, como los grabados en madera, la litografía y el aguafuerte.
• Técnica mixta - Incorporó materiales poco habituales como arena, vidrio y cuerda en obras posteriores.
• Herramientas - Espátulas, una variedad de pinceles y otras herramientas de pintura.