Fundas de teléfono con arte japonés

Cajas de teléfonos de arte japoneses

Deleite los ojos, compañeros de vagabuntas, en estas cajas de teléfonos artísticos japoneses. Su teléfono, ya no es un mero dispositivo, se convierte en un objeto renacido: envuelto en memoria lacada y seda desgastada, temblando bajo el peso de los siglos.

Esto no es una decoración, sino traducción: su pantalla se convierte en el lienzo para un susurro de shodo, una mirada fugaz de Ukiyo-e, la geometría marcada del oro Rinpa que se despliega durante la medianoche negro. Cada caso tararea con el espíritu inquieto de la filosofía de Kintsugi, la fractura se hizo luminosa, la costura entre el viejo mundo y el amanecer de neón.

Koi Fish se extiende más allá de un mundo flotante donde la espuma de Hokusai se disuelve en nihonga nihonga abstract. La manga de una geisha, bordada en tinta Sumi, se desplaza como la poesía olvidada a través de la chapa de la flor de cerezo. Desde los cortes lineales en negrita de las impresiones de Kabuki de Pario Edo hasta el silencio espectral de la luz de la luna Shingetsu en la laca, estos casos rechazan el silencio.

Lo que posee no es un accesorio, sino un portal: un puente frágil sobre sombras shogunadas y diseño contemporáneo. Cajones de arte de arte japonés: tanto protección como peregrinación, santuario de madera ukiyo-e de mano, testimonio desafiante de una cultura donde el efímero canta más fuerte que la permanencia.

El arte japonés se llama muchas cosas porque abarca una gama tan amplia de estilos y medios de comunicación, evolucionando sobre una larga y rica historia que se remonta al décimo milenio a. C.

Algunas de las principales formas de arte japonesas tradicionales se llaman:

Caligrafía (shodo)

• Forma elegante de escritura con pincel y tinta sobre papel o seda. Influenciado por la caligrafía china, se convirtió en una forma de arte japonesa única.

Pintura (kaiga)

• Los estilos de pintura tradicionales incluyen pintura de tinta Sumi-e, estampados de madera de ukiyo-e y nihonga. Estos muestran naturaleza, flores, pájaros, paisajes y escenas de la vida diaria.
• Nihonga es un estilo de pintura japonesa que surgió a fines del siglo XIX como contramedición para la creciente popularidad de los estilos de arte occidentales como la pintura al óleo. El término "nihonga" literalmente significa "pintura japonesa" y fue acuñado por el crítico de arte Ernest Fenolla en la década de 1880 para distinguir las técnicas tradicionales de pintura japonesa de la pintura influyente occidental o Yōga. Nihonga enfatiza los contornos y las superficies planas y decorativas sobre la perspectiva 3D y el claroscuro. Captura la emoción a través de formas simples y abstractas en lugar del realismo anatómico. El tema se basa en gran medida en la naturaleza, la literatura, la mitología e historia. Aunque inicialmente tenía como objetivo revivir los estilos de pintura medieval y de la era edos, Nihonga continuó evolucionando hacia el siglo XX con artistas como Yokoyama Taikan. Hoy se enseña en las escuelas de arte, pero permite algunas técnicas e influencias modernas.

Cerámica (tojiki)

• La cerámica japonesa tiene una historia de más de 10,000 años, con estilos distintivos como Jomon, Haji y Arita Ware. Conocido por la simplicidad, las formas naturales y los esmaltes exquisitos.

Escultura

• Las artes escultóricas como la talla de madera, el lacado y las netsuke se usaron para decorar templos, santuarios y hogares. Las esculturas budistas de bronce también eran comunes.

Origami

• El arte japonés del plegado de papel, utilizado para crear formas decorativas y simbólicas. Originado en el siglo XVII, ahora se aprecia en todo el mundo.

Estampados de madera de ukiyo-e

• Impresiones coloridas que representan escenas de los distritos de entretenimiento, paisajes y vida diaria. Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai fueron famosos artistas Ukiyo-E.

Arreglo floral de Ikebana

• Una forma de arte disciplinada se centró en organizar flores y plantas en armonía. Enfatiza la forma, la línea y la forma sobre el color.

Textiles (Kogei)

• Tabrics tejidos como Kimono, Futon y otras ropa y artículos tradicionales. Caracterizado por tintes naturales, patrones elegantes y detalles exquisitos.

En resumen, el arte japonés es de gran alcance y a menudo enfatiza la simplicidad, el minimalismo y la cercanía con la naturaleza. Ha tenido una gran influencia en el arte occidental desde que Japón reabrió al mundo en el siglo XIX.

Japón tiene una rica tradición artística que abarca varios medios, estilos y períodos de tiempo. Algunas de las formas más populares e influyentes de arte japonés incluyen:

Ukiyo-e (impresiones de bloque de madera)

• Ukiyo-E se refiere a un género de impresión de bloques de madera que floreció del siglo XVII a XIX.
• Los famosos artistas de Ukiyo-E incluyen Hokusai, Hiroshige, Utamaro y Sharaku. Sus impresiones a menudo representan escenas del "mundo flotante": teatros, casas de té, luchadores de sumo, geisha y paisajes.
• Ukiyo-E tuvo una gran influencia en los impresionistas europeos como Monet y Van Gogh. Su perspectiva plana, colores audaces y su tema cotidiano inspiraron nuevos enfoques artísticos en Occidente.

Origami (plegado de papel)

• Origami es el arte tradicional japonés del plegamiento de papel, que se remonta al siglo XVII.
• El origami abarca varios estilos como la acción de origami con partes móviles y origami modular usando múltiples hojas.
• Los sujetos de origami tradicionales incluyen animales, flores, cajas y la famosa grúa de papel. El origami todavía se practica ampliamente en Japón hoy.

Shodo (caligrafía)

• Shodo es el arte japonés de la escritura artística con cepillo y tinta sobre papel o seda. Se originó en la caligrafía china.
• Shodo se termina con un cepillo de engaño, tinta Sumi y papel washi. Enfatiza la línea, el ritmo y el equilibrio para formar caracteres.
• Los estilos principales incluyen Kaisho (guión regular), Gyosho (semicursivo) y Sosho (cursivo). Las obras a menudo presentan kanji, hiragana o poesía.

Ikebana (arreglo floral)

• Ikebana es el arte japonés del arreglo floral, que se remonta al siglo VI.
• Enfatiza la forma, la línea y la forma utilizando materiales vegetales mínimos. Los estilos comunes son erguidos, inclinados y en cascada.
• Ikebana está profundamente influenciada por el budismo. Está destinado a crear armonía entre la humanidad y la naturaleza.

Tojiki (cerámica)

• Tojiki se refiere a la cerámica japonesa, que se origina en el período Jomon alrededor de 14,000 a. C.
• Los tipos principales incluyen barro, gres y porcelana. Los hornos regionales produjeron distintos estilos como Seto, Karatsu y Arita Ware.
• La cerámica japonesa enfatiza la sutileza, la asimetría y la imperfección. Influyó en los alfareros modernos como Shoji Hamada.

La pintura más famosa de Japón es "La gran ola de Kanagawa" (c. 1831) de Katsushika Hokusai. Esta icónica impresión de bloque de madera es parte de la serie de Hokusai "Treinta y seis vistas del Monte Fuji". La pintura representa una onda masiva que se eleva sobre tres pequeños botes de pesca en la bahía de Sagami, con el Monte Fuji visible en el fondo distante.

"The Great Wave Off Kanagawa" es considerada una de las imágenes más reproducidas en la historia del arte y un contendiente para la obra de arte más famosa de la historia japonesa. Ha influido en varios artistas y músicos notables, incluidos Vincent Van Gogh, Claude Debussy, Claude Monet y Hiroshige.

La obra maestra de Hokusai se caracteriza por su composición visualmente dinámica, azul completamente saturado y un contraste extraordinario. La impresión presenta el uso de Prussian Blue, un pigmento exótico que estaba recientemente disponible para el mercado de impresiones en ese momento.

La composición está cuidadosamente dispuesta para enmarcar el montaje de Fuji, con las curvas de la ola y el casco de un bote que se sumerge lo suficientemente bajo como para permitir que la base de la montaña sea visible. La cresta blanca de la gran ola crea una línea diagonal que conduce el ojo del espectador directamente a la cima del Monte Fuji.

La popularidad de "The Great Wave Off Kanagawa" ha llevado a su inclusión en numerosas colecciones de museos en todo el mundo, muchas de las cuales fueron adquiridas de colecciones privadas de impresiones japonesas del siglo XIX. La fama de la pintura también ha inspirado varias adaptaciones y reinterpretaciones en el arte contemporáneo y la cultura popular.

Ukiyo-E se refiere a un género de arte japonés que floreció de los siglos XVII a XIX. El término "ukiyo-e" se traduce en "fotos del mundo flotante".

Orígenes y significado

• El término "ukiyo" originalmente proviene de un concepto budista que significa la tristeza y la impermanencia de la vida.
• Sin embargo, el homófono "ukiyo" que significa "mundo flotante" se asoció más tarde con los distritos hedonistas de estilo de vida y entretenimiento del período de Edo Japón.

Materia

• El arte de Ukiyo-E representa escenas de los cuartos de placer, el teatro Kabuki, los viajes, la naturaleza, la historia, la literatura, etc.
• Los sujetos comunes incluían mujeres hermosas, actores de Kabuki, luchadores de sumo, paisajes, flora/fauna, erótica.
• El arte celebró la cultura urbana contemporánea y los placeres sensoriales del período Edo Japón.

Estilo y técnicas

• Ukiyo-E comenzó como obras pintadas a mano, pero luego hizo la transición a la impresión de bloques de madera.
• Combinó el realismo con estilo decorativo y perspectiva aplanada.
• Las impresiones de Ukiyo-E presentaban contornos en negrita, colores vívidos y composición innovadora.
• Se utilizaron técnicas especiales como gradación, estampado, pigmentos metálicos, etc.

Significado

• Ukiyo-E fue un movimiento de arte influyente que atrajo a través de las clases sociales en Edo Japón.
• Tuvo un profundo impacto en los movimientos artísticos europeos como el impresionismo y el japonismo.
• Ukiyo-E estableció la impresión de bloques de madera como una forma de arte de alto arte e inspiró a muchos artistas posteriores.

En resumen, Ukiyo-E se refiere a un género de arte japonés del período Edo que representaba el mundo flotante contemporáneo y los placeres de la vida urbana utilizando técnicas innovadoras y estética. Se volvió inmensamente popular e influyó en el arte a nivel mundial.

¿Qué es Shin-Hanga?

Shin-Hanga (新版画) se traduce en "nuevas impresiones" y se refiere a un estilo de impresión de bloque de madera japonesa que surgió a principios del siglo XX. Revitalizó la tradición de Ukiyo-E y fue dirigido por el editor Watanabe Shōzaburō.

Características clave

• Utilizado técnicas tradicionales de ukiyo-e como múltiples bloques de madera y cepillo de mano
• Estética japonesa combinada con el naturalismo occidental y la perspectiva
• Temas tradicionales representados como paisajes, mujeres hermosas, actores de Kabuki
• Mercados y clientes extranjeros dirigidos, especialmente en Europa y América

Artistas principales

• Kawase Hasui: famoso por los estampados de paisajes líricos, a menudo con nieve
• Hiroshi Yoshida - paisajes inspirados en viajes al extranjero, con sensibilidad moderna
• Ito Shinsui - Escenas de vida urbana contemporánea, mujeres hermosas y teatro
• Hashiguchi Goyo - Retratos de mujeres elegantes con patrones decorativos

Revival of Woodblock Printing

• El declive de Ukiyo-e en la era de Meiji provocó esfuerzos de renacimiento
• Shin-Hanga Interés público revitalizado en la impresión de bloques de madera como forma de arte
• Éxito en el extranjero Artistas occidentales expuestos a técnicas y estética de Ukiyo-E
• Editores como Watanabe jugaron un papel clave para facilitar la producción

En resumen, Shin-Hanga revivió y modernizó la impresión tradicional de madera Ukiyo-E a principios del siglo XX, combinando enfoques japoneses y occidentales. Preparó un renovado interés en la impresión de bloques de madera e influyó en el grabado occidental.

El estilo RINPA se caracteriza por sus colores vibrantes, patrones decorativos y énfasis en motivos naturales y referencias de literatura clásica. Y los artistas de Rinpa trabajaron en varios medios, incluidas pinturas, textiles, cerámica y lacado. A menudo representaban escenas de literatura clásica, poesía y naturaleza, con un enfoque en pájaros, flores e imágenes estacionales. El estilo es conocido por sus pinturas de colores brillantes y su lujo uso de oro. Los artistas de RINPA también experimentaron con técnicas innovadoras como Tarashikomi (agrupación de tinta), Horinuri (capas) y pintura Mokkotsu (Boneless).

Colores lujosos y brillantes

• RINPA es conocido por el uso de pigmentos y colores vibrantes y exuberantes, a menudo aplicados de manera audaz y expresiva.
• Las obras cuentan con tonos vívidos como Vermilion, Red Cinnabar, Malachite Green, Azurite Blue y Afflower Yellow.
• Los sorprendentes esquemas de color crean un sentido de drama, energía y decoración.

Motivos naturales audaces

• El arte de Rinpa representa ampliamente la naturaleza que incluye flores, pájaros, árboles, paisajes e imágenes estacionales.
• Los elementos naturales se representan con pinceladas enérgicas y fluidas y contornos audaces.
• Los motivos estilizados como las hojas de arce, los iris y las flores de ciruela son comunes.

Referencias a la literatura y poesía tradicionales de la corte

• Los artistas de RINPA se inspiraron en la literatura japonesa clásica, la poesía y la mitología.
• Las escenas y personajes de la historia de Genji, los cuentos de ISE y otros textos se representaban con frecuencia.
• Las inscripciones de la poesía de Waka también se incorporaron a las composiciones.

Uso de oro y plata

• El uso lujoso de la hoja y el polvo de oro o plata es un sello distintivo de la decoración de Rinpa.
• Los fondos y acentos de oro, las nubes de plata y las texturas metálicas crean un efecto lujoso.
• El oro transmite una sensación de eternidad, mientras que la plata representa la luna y el agua.

Experimentación con materiales

• RINPA se extendió a través de medios como pantallas, cerámica, lacado y textiles.
• Los artistas experimentaron con la agrupación de tinta de Tarashikomi, el estampado y los patrones textiles en negrita.
• Este enfoque interdisciplinario fue innovador y distinguido arte de Rinpa.

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