Celebre per la composizione dinamica e i dettagli vividi, l’opera di Hokusai supera i confini tradizionali dell’Ukiyo-e, dando alla natura e alla vita quotidiana giapponese una qualità drammatica, quasi narrativa, che anticipa il racconto visivo moderno. Le sue famose raffigurazioni del monte Fuji, non solo come punto di riferimento naturale ma come entità viva che respira dentro la psiche culturale giapponese, mettono in luce la sua capacità di trasformare il banale in sublime. Ecco perché questa collezione celebra i risultati artistici di Hokusai e offre allo stesso tempo una finestra sul ricco arazzo dell’estetica di Edo.

I suoi album di schizzi xilografici fecero nascere il movimento del giapponismo che travolse l’Europa dell’Ottocento — l’incisore Félix Bracquemond scoprì un album di schizzi di Hokusai in un laboratorio di Parigi intorno al 1856, e la mania per le stampe giapponesi che ne seguì plasmò direttamente l’impressionismo, lo stile Liberty e artisti da Monet a Van Gogh fino a Klimt, che collezionarono tutti le sue xilografie.

Stava collocando Hokusai al di sopra di ogni categoria ordinaria — non semplicemente un abile artista ukiyo-e tra i suoi pari, ma una forza creativa unica, il cui raggio tra paesaggio, natura, prospettiva e vita quotidiana ridefinì tutto ciò che l’intero genere della stampa giapponese poteva abbracciare.

Prima di Hokusai, l’Ukiyo-e si concentrava quasi esclusivamente su cortigiane e attori kabuki; lui ruppe con la scuola del suo maestro dopo un’umiliazione professionale e portò il genere verso paesaggi, piante, animali e vita quotidiana di tutte le classi sociali — una svolta oggi riconosciuta come uno dei momenti decisivi della storia dell’arte giapponese.

Oltre a costruire la fama internazionale di Hokusai, ispirò direttamente l’opera orchestrale La Mer di Claude Debussy del 1905 — Debussy teneva una copia della stampa nel salotto di casa e chiese di persona di averla sulla copertina pubblicata della partitura — un raro caso di una singola stampa che plasma una forma d’arte completamente diversa un secolo dopo.

Adottato nel 1834, il nome rifletteva un’ossessione per il miglioramento di sé che lo ha accompagnato per tutta la vita; nei suoi scritti sostenne che nulla di ciò che aveva disegnato prima dei 70 anni valeva la pena di essere contato, e che solo dopo i 73 cominciò a capire davvero la struttura della natura — una filosofia di crescita artistica senza fine che ancora oggi inquadra il modo in cui gli storici parlano dei suoi capolavori di fine carriera.

In circa 70 anni di pratica continua produsse più di 30.000 tra dipinti, schizzi, stampe e illustrazioni di libri — una produzione così vasta e costante che gli storici dell’arte considerano la sua carriera meno uno stile unico che una sequenza di periodi distinti, ciascuno segnato da uno dei suoi oltre trenta nomi adottati.