Como pintor, Etty no temía adentrarse en los temas del homoerotismo y la vulnerabilidad, y a menudo mostraba a sus figuras sin ropa, de una manera que deja a la vista su desnudez física y emocional. Esta colección revela la profunda comprensión de Etty de la anatomía y su capacidad para dotar a sus obras de inmediatez e intimidad.

La especulación en torno a la propia homosexualidad de Etty añade una capa de intriga a una obra ya de por sí fascinante, y te invita a contemplar las historias más profundas, y a menudo ocultas, que laten dentro de sus pinturas.

Este conjunto de obras de Etty, que incluye sus famosos desnudos masculinos, ofrece un vistazo a la mente de un pintor que fue a la vez un virtuoso de la técnica y un artista audaz que empujaba los límites. Ideal para coleccionistas y admiradores del arte inglés del siglo XIX, esta colección es testimonio de la duradera influencia de Etty y de su celebración sin miedo del cuerpo masculino.

Los críticos de la época describían los desnudos masculinos de Etty como «actuaciones vigorosas», ejemplares «grandiosos» de heroísmo y muestras «enérgicas» de una «naturaleza atlética», y se libraron en gran medida de las críticas dirigidas a sus desnudos femeninos. A estos últimos se los atacaba por su supuesta lascivia e inmoralidad, y los críticos lo denunciaban como un sensualista por pintar «mujeres seductoras», lo que dejaba al descubierto un doble rasero: el cuerpo masculino heroico pasaba por virtud clásica, mientras que la figura femenina se trataba como una amenaza moral.

Los estudios recientes, en especial las lecturas desde la teoría queer de historiadores como Jason Edwards, han vuelto a presentar los desnudos masculinos de Etty como portadores de una carga homoerótica bajo su marco clásico: no leídos como parodia, sino como un hombre que pinta a otro con ternura, tensión y una atención sostenida que va más allá de la anatomía académica.

Sí. Etty se mantuvo fiel a las clases de dibujo del natural durante toda su carrera: siguió asistiendo mucho después de terminar su formación oficial e incluso cuando el deterioro de su salud lo desaconsejaba. Esta entrega de toda una vida al dibujo directamente del modelo es clave para la intensidad anatómica y la presencia física de sus estudios de figura masculina.

A finales del siglo XIX, toda la obra de Etty quedó eclipsada por la de los prerrafaelitas y, más tarde, por la producción abiertamente más decadente de Aubrey Beardsley y la generación de Oscar Wilde, mientras Turner y los impresionistas franceses transformaban el gusto estético general. Su importante contribución al arte británico estaba casi olvidada en el siglo XX, hasta que la exposición William Etty: Art & Controversy de la York Art Gallery (2011–12) —la primera reevaluación completa de su arte en más de 50 años— reavivó el interés de la crítica desde marcos feministas, queer y poscoloniales.

Etty invocó una y otra vez la defensa bíblica «para los puros de corazón, todas las cosas son puras», y se presentaba no como un corruptor de la moral pública, sino como un artista que revelaba algo divino en la forma humana, empeñado en que el juicio sobre su obra decía más del ojo de quien la miraba que de su pintura.

Los largos viajes de estudio de Etty a Venecia lo pusieron frente a Tiziano y Rubens, y los críticos lo describían como el heredero natural de «los jefes de las escuelas veneciana y flamenca, Tiziano y Rubens». De ellos absorbió un uso saturado y carnal del color y un compromiso sin titubeos con el cuerpo como tema legítimo de la pintura seria, en lugar de algo que debiera idealizarse hasta la abstracción.