Figuras gemelas extraídas de la iconografía yoruba se encuentran con adornos de salón en una intimidad reflejada; cuellos de raso y cintas carmesí escenifican la esclavitud neovictoriana como alta costura, claroscuros tomados directamente del tenebrismo de Caravaggio; retratos de moda encorsetados con los ojos vendados a sus modelos con cintas de moderación, nostalgia prerrafaelita vestida de rebelión.

Cuelgue cualquier registro, desnudo académico o ensoñación fetiche y estará recopilando historia queer que la Inglaterra victoriana intentó mantener oculta. Elige tu siglo; ambos están completamente despiertos y esta colección no hace más que crecer.

Es un marco moderno aplicado al trabajo realizado entre los dos puntos de inflexión legal en la historia británica: 1861, cuando se abolió la pena de muerte por sodomía, y 1967, cuando se despenalizó parcialmente el sexo entre hombres. La histórica exposición de la Tate sobre el tema explora las conexiones entre el arte y una amplia gama de sexualidades e identidades de género en este período de cambio dinámico, ya que términos como "gay" y "lesbiana" aún no existían como los entendía la mayoría de la gente.

Porque la representación abierta era legalmente peligrosa. A pesar de la reputación mojigata de la época victoriana, los sensuales desnudos masculinos de Frederic Leighton y las figuras clásicas de Simeon Solomon tenían muchos rastros posibles de deseo transgresor, y Solomon en particular provocó acusaciones sostenidas de "malsana". Mientras no existió ninguna sugerencia pública de que un artista había actuado según sus deseos, la ambigüedad dio a la obra espacio para respirar.

Los propios curadores de la Tate explican que se prefiere "queer" porque evita imponer etiquetas de identidad modernas a figuras históricas cuyas vidas y deseos a menudo no se corresponden claramente con las categorías actuales, y porque la palabra en sí tiene una historia documentada de haber sido reclamada por personas LGBT de su uso anterior como insulto.

Desencadenaron una ola de autocensura. El novelista Samuel Butler se retractó de un poema presa del pánico, temiendo que fuera leído como homoerótico después del juicio, ya que el hombre que conmemoraba había vivido con él durante años. Los juicios hicieron de la ambigüedad una estrategia de supervivencia en el arte británico durante una generación.

Los académicos sostienen que los estetas victorianos como Walter Pater, Oscar Wilde y Vernon Lee trataron el arte como un espacio donde las reglas de la vida social cotidiana se relajaron, permitiendo que las personas queer reflexionaran sobre su condición e imaginaran nuevas formas de vida, lo que efectivamente precedió en un siglo a la teoría queer moderna.

Simeon Solomon y Henry Scott Tuke son los dos citados con más frecuencia. Solomon, un pintor de moda exhibido en la Royal Academy asociado con los prerrafaelitas, construyó una carrera pública sobre mitos clásicos que llevaban una audaz carga homoerótica, e incluso produjo una representación explícita del deseo femenino entre personas del mismo sexo en su acuarela Safo de 1864. Mientras tanto, Tuke se hizo conocido por sus escenas de bañistas y marineros al aire libre arraigadas en la Escuela Newlyn.