Que se passe-t-il quand un homme cesse de peindre le monde derrière sa fenêtre et se met à peindre la tempête qui gronde dans ses côtes ? Wassily Kandinsky, né sous le ciel sombre de Moscou, a tourné le dos au droit et à l’empire pour courir après la lisière tremblante de l’abstraction pure, là où la ligne oublie la forme et où la couleur ne décrit plus, mais chante.

À Munich, il a cofondé la Phalanx, où les coups de pinceau se sont mutinés et où l’art d’avant-garde s’est glissé dans l’existence comme une naissance à la fois violente et divine.

Avec Der Blaue Reiter, aux côtés de Franz Marc, Kandinsky a trouvé son code spirituel : le bleu pour l’infini, le cavalier sur sa monture pour l’envol de l’âme au-delà des limites terrestres.

Dans des œuvres comme Composition VII, le chaos est devenu composition et la géométrie s’est dissoute en prophétie. Des cercles, tremblants comme des orbites, remplissaient des toiles comme Quelques cercles, où la théorie des couleurs devenait évangile et l’abstraction un nouvel alphabet.

En tant que professeur du Bauhaus, Kandinsky n’enseignait pas la technique, mais le courage : aux peintres expressionnistes, à toutes les mains tremblantes venues après lui.

Le parcours artistique de Kandinsky, du dilettante impressionniste au virtuose de l’abstraction, a atteint son crescendo dans le creuset d’avant-garde de Munich, où il a cofondé le groupe Phalanx puis, plus tard, le légendaire Der Blaue Reiter. Ici, le bleu n’était pas qu’une couleur : c’était un escalier spirituel vers le cosmos, chaque silhouette équestre un jockey métaphysique chevauchant vers l’horizon non objectif.

Prends « Improvisation 30 (Canons) » : ce n’est pas seulement une peinture, c’est un cyclone chromatique, un tourbillon de formes et de teintes qui pirouette sur le fil du rasoir entre chaos et harmonie. De son côté, « Tableau avec un centre vert » danse sur la toile, un ballet céleste d’interprètes géométriques qui défient à la fois la gravité et la logique.

Au Bauhaus, Kandinsky n’enseignait pas seulement : il recâblait les synapses de la perception artistique, ses théories allumant un incendie créatif qui brûle encore dans les annales de l’expressionnisme. Cette dynamo russe a fait plus que peindre des tableaux : elle a composé des concertos visuels, chaque coup de pinceau une note dans la grande symphonie de l’abstraction, laissant un héritage indélébile qui continue de résonner dans les couloirs de l’art moderne et nous met au défi de voir au-delà du visible et de sentir le pouls invisible de la pure créativité.

Se tenir devant son œuvre, c’est assister au moment où une toile oublie le monde et se souvient de l’esprit à la place.

Aujourd’hui encore, sa vision vibre sous la peau de l’art moderne, comme une couleur qu’on peut entendre sans jamais tout à fait la nommer.

Wassily Kandinsky était célèbre pour avoir été l’un des pionniers de l’art abstrait. Voici les points clés de ce qui a fait sa renommée :

• Il a été pionnier de l’art abstrait en s’éloignant de la peinture figurative. Il croyait que l’art devait exprimer le monde intérieur de l’artiste plutôt que représenter le monde physique extérieur. Ses œuvres sont devenues de plus en plus abstraites avec le temps, à mesure qu’il éliminait les références aux objets et à la profondeur.
• Il a développé un langage visuel unique de forme, de couleur et de ligne pour exprimer les émotions et la spiritualité. Il voyait des liens entre la musique et la peinture, entendant les couleurs et voyant les sons, ce qui a influencé son style artistique.
• Il a publié des écrits théoriques qui formulaient ses idées sur la nature spirituelle de l’art et sur le pouvoir expressif des formes abstraites et de la couleur. Parmi ses grands textes figurent « Du spirituel dans l’art » (1912) et « Point et ligne sur plan » (1926).
• Il a été membre fondateur de groupes d’art moderne influents comme Le Cavalier bleu et le Bauhaus, qui promouvaient des styles d’avant-garde.
• Il a créé des peintures abstraites emblématiques, comme ses séries « Compositions », « Improvisations » et « Impressions », aux titres musicaux et aux styles expérimentaux.
• Il a eu une grande influence sur le développement de la peinture abstraite moderne au XXe siècle, par son art et ses théories. On le considère comme un chef de file de l’art abstrait, avec des artistes comme Mondrian.

Oui, Kandinsky avait bien une synesthésie, une condition neurologique où la stimulation d’un sens déclenche une expérience involontaire dans un autre sens. Kandinsky associait les couleurs aux sons et à la musique.

• Kandinsky percevait des couleurs en entendant de la musique, et entendait de la musique en peignant. Il décrivait ses peintures comme des « compositions » et leur donnait des titres musicaux pour refléter cette expérience synesthésique.
• Sa synesthésie a directement influencé le développement de son style artistique vers l’abstraction, car il essayait d’exprimer visuellement les couleurs et les sons qu’il éprouvait intérieurement.
• Dans son livre de théorie de l’art « Du spirituel dans l’art », Kandinsky formulait des liens entre couleur, émotion et son. Il voyait la couleur comme un langage spirituel capable d’exprimer des états intérieurs.
• Kandinsky a exploré les expériences synesthésiques dans des spectacles multimédias intitulés « Der gelbe Klang », qui combinaient musique originale, éclairages et visuels.
• Sa synesthésie a forgé sa conviction que l’art abstrait pouvait exprimer la « nécessité intérieure » de l’artiste par la couleur et la forme, et non la réalité extérieure.
• Des peintures abstraites emblématiques comme « Composition VII » incarnaient la perspective synesthésique de Kandinsky, avec leurs couleurs fluides, leurs formes et leurs titres musicaux.

Principaux matériaux utilisés par Wassily Kandinsky dans ses peintures :

• Huiles : Kandinsky utilisait surtout des peintures à l’huile, notamment dans ses œuvres abstraites emblématiques. Il a expérimenté différents types d’huiles et de liants, comme l’huile de lin et le médium à la cire.
• Toile : La toile était son support de peinture préféré, même s’il a aussi peint sur d’autres supports comme le carton, le bois et le verre. Il a utilisé différents types de toile, dont la toile à tissage fin.
• Aquarelles : Plus tôt dans sa carrière, Kandinsky utilisait fréquemment l’aquarelle, la gouache et la détrempe. On les retrouve dans ses œuvres de la période du Cavalier bleu.
• Couteaux à palette : Kandinsky utilisait des couteaux à palette pour appliquer la peinture dans ses paysages en plein air. Cela donnait des touches texturées et expressives.
• Matériaux d’estampe : Kandinsky a exploré différentes techniques d’estampe, travaillant avec des matériaux comme le bois, le linoléum, le zinc et la pierre calcaire pour produire des gravures sur bois, des lithographies et des eaux-fortes.
• Techniques mixtes : Dans ses œuvres plus tardives de la période du Bauhaus, Kandinsky a incorporé des matériaux inhabituels comme le sable, le verre et la ficelle dans ses peintures.

• Russie : La galerie d’État Tretiakov, à Moscou, possède la plus grande collection de peintures de Kandinsky en Russie, dont des chefs-d’œuvre comme Composition VII. Le musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg, et le Musée russe détiennent eux aussi des fonds importants.
• Allemagne : Le Lenbachhaus, à Munich, détient la plus grande collection de peintures de Kandinsky en Europe, qui couvre ses périodes du Cavalier bleu et du Bauhaus. De nombreuses œuvres de ses débuts s’y trouvent.
• France : Le Centre Pompidou, à Paris, et le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris possèdent tous deux des collections importantes de ses œuvres abstraites plus tardives, réalisées pendant qu’il vivait en France.
• États-Unis : Le Musée Guggenheim de New York possède plus de 100 peintures de Kandinsky, la plus grande collection hors d’Europe. Le Museum of Modern Art, le Metropolitan Museum of Art et le Philadelphia Museum of Art en proposent aussi de très beaux ensembles.
• Suisse : La Fondation Beyeler, près de Bâle, détient des peintures abstraites tardives majeures comme Einige Kreise.
• Autres collections notables : D’importants ensembles d’œuvres se trouvent aussi à la National Gallery de Washington, D.C., à l’Art Institute of Chicago, au Milwaukee Art Museum et à la Tate Modern de Londres.

L’œuvre la plus célèbre et la plus emblématique de Kandinsky est généralement considérée comme étant Composition VII (1913). Cette peinture abstraite de grande taille illustre le style révolutionnaire de Kandinsky et ses théories sur l’expression d’états spirituels par la forme et la couleur abstraites.

Pourquoi Composition VII se distingue :

• C’était l’une de ses premières peintures purement abstraites, sans aucun objet identifiable, une percée de l’abstraction.
• L’ampleur et la complexité de l’œuvre étaient sans précédent à l’époque. Elle réunissait touches expressives, couleurs, formes et lignes dans une composition tourbillonnante et dynamique.
• Kandinsky la considérait comme sa peinture la plus complexe et l’aboutissement de son style d’avant la Première Guerre mondiale, qui synthétisait des années d’évolution artistique.
• Elle incarnait sa perspective synesthésique, avec des couleurs et des formes fluides qui évoquaient la musique que Kandinsky disait entendre en peignant.
• L’œuvre illustrait la philosophie artistique de Kandinsky exposée dans Du spirituel dans l’art, donnant une forme visuelle à sa croyance dans le pouvoir spirituel et émotionnel de l’art abstrait.
• Elle a contribué à faire de Kandinsky un pionnier révolutionnaire de la peinture abstraite et lui a assuré la célébrité parmi les artistes les plus influents du XXe siècle.

Techniques de peinture

• Touches expressives : Kandinsky appliquait la peinture avec des gestes amples et libres, souvent avec un pinceau en soies. Cela créait de la texture et une énergie dynamique.
• Fondu des couleurs : Il fondait les couleurs directement sur la toile en utilisant la technique du mouillé sur mouillé pour créer des transitions fluides entre les teintes.
• Pointillé et pointillisme : Kandinsky utilisait le pointillé, en appliquant de petits points de peinture pour mélanger les couleurs optiquement plutôt que par fondu.
• Sgraffite : Il grattait la peinture fraîche pour révéler les couches sous-jacentes, ce qui créait texture et profondeur.

Matériaux

• Huiles : Son médium préféré, même s’il a expérimenté différents types d’huiles.
• Toile : Son support le plus courant, mais il a aussi peint sur carton, verre, bois et d’autres supports.
• Aquarelles : Utilisées fréquemment au début de sa carrière.
• Estampe : Il a exploré diverses techniques d’estampe comme la gravure sur bois, la lithographie et l’eau-forte.
• Techniques mixtes : Il a incorporé des matériaux inhabituels comme le sable, le verre et la ficelle dans ses œuvres plus tardives.
• Outils : Couteaux à palette, pinceaux variés et autres outils de peinture.