Wassily Kandinsky

Que se passe-t-il lorsqu’un homme arrête de peindre le monde derrière sa fenêtre et commence à peindre la tempête dans ses côtes ? Vassily Kandinsky, né sous le ciel sombre de Moscou, a tourné le dos à la loi et à l’empire pour poursuivre le bord tremblant de l’abstraction pure, où la ligne oublie la forme et où la couleur ne décrit plus, mais chante.

Dans Munich, il a co-fondé Phalange, où les coups de pinceau se mutinaient, et art d'avant-garde glissé dans l'être comme une naissance à la fois violente et divine.

Avec Le Blaue Reiter, aux côtés François-Marc, Kandinsky a trouvé son code spirituel : le bleu pour l'infini, le cavalier à cheval pour la fuite de l’âme au-delà des limites terrestres.

Dans des œuvres comme Composition VII, le chaos est devenu composition et la géométrie s'est dissoute en prophétie. Des cercles, tremblants comme des orbites, remplissaient des toiles comme Plusieurs cercles, où la théorie des couleurs est devenue un évangile et l'abstraction est devenue un nouvel alphabet.

En tant que Professeur du Bauhaus, Kandinsky n'enseignait pas la technique, mais le courage. Peintres expressionnistes, à toutes les mains tremblantes après lui.

L'odyssée artistique de Kandinsky, de amateur impressionniste à virtuose de l'abstraction, a crescendo dans le creuset avant-gardiste de Munich, où il a cofondé le groupe Phalanx et plus tard, le légendaire Der Blaue Reiter. Ici, le bleu n'était pas seulement une couleur ; c'était un escalier spirituel vers le cosmos, chaque figure équestre étant un jockey métaphysique chevauchant vers l'horizon non objectif.

Prenez "Improvisation n°30 (Cannons)" : ce n'est pas qu'un simple tableau, c'est un cyclone chromatique, un tourbillon de formes et de teintes qui virevoltent sur le fil du rasoir entre chaos et harmonie. Entre-temps, "Peinture with a Green Center" danse sur la toile, un ballet céleste d'interprètes géométriques défiant à la fois la gravité et la logique.

Au Bauhaus, Kandinsky ne se contentait pas d’enseigner ; il a recâblé les synapses de la perception artistique, ses théories déclenchant une conflagration créative qui brûle encore dans les annales de l'expressionnisme. Cette dynamo russe a fait plus que peindre des tableaux ; il a composé des concertos visuels, chaque coup de pinceau étant une note dans la grande symphonie de l'abstraction, laissant un héritage indélébile qui continue de se répercuter dans les couloirs de l'art moderne, nous mettant au défi de voir au-delà du visible et de ressentir le pouls invisible de la pure créativité.

Se tenir devant son œuvre, c'est assister au moment où une toile oublie le monde et se souvient de l'esprit.

Même aujourd’hui, sa vision bourdonne sous la peau de l’art moderne, comme une couleur que l’on peut entendre mais qu’on ne peut jamais vraiment nommer.

Wassily Kandinsky était célèbre pour être l'un des pionniers de l'art abstrait. Voici quelques points clés sur ce qu'il est connu:

• Pionnier de l'art abstrait et s'éloignant de la peinture représentationnelle. Il croyait que l'art devrait exprimer le monde intérieur de l'artiste plutôt que de représenter le monde physique extérieur. Ses œuvres sont devenues de plus en plus abstraites au fil du temps car il a éliminé les références aux objets et à la profondeur.
• Développer un langage visuel unique de forme, de couleur et de ligne pour exprimer les émotions et la spiritualité. Il a vu des liens entre la musique et la peinture, entendant les couleurs et voyant des sons, ce qui a influencé son style artistique.
• Publier des écrits théoriques qui ont articulé ses idées sur la nature spirituelle de l'art et le pouvoir expressif des formes et des couleurs abstraits. Les œuvres majeures incluent «On the Spiritual in Art» (1912) et «Point and Line to Plane» (1926).
• Être un membre fondateur de groupes d'art modernes influents comme The Blue Rider et le Bauhaus, qui a favorisé les styles d'avant-garde.
• Créer des peintures abstraites emblématiques comme ses séries «compositions», «improvisations» et «impressions» qui avaient des titres musicaux et des styles expérimentaux.
• Ayant une influence majeure sur le développement de la peinture abstraite moderne au 20e siècle à travers son art et ses théories. Il est considéré comme un leader de l'art abstrait avec des artistes comme Mondrian.

Kandinsky a en effet eu une synesthésie, une condition neurologique où la stimulation d'un sens déclenche une expérience involontaire dans un autre sens. Dans le cas de Kandinsky, il a associé les couleurs aux sons et à la musique.

• Kandinsky a connu des couleurs quand il a entendu de la musique et a entendu de la musique quand il a peint. Il a décrit ses peintures comme des «compositions» et leur a donné des titres musicaux pour refléter cette expérience synesthésique.
• Sa synesthésie a directement influencé le développement de son style artistique vers l'abstraction, alors qu'il essayait d'exprimer visuellement les couleurs et les sons qu'il a vécus en interne.
• Dans son livre de théorie de l'art "sur le spirituel en art", Kandinsky a articulé les liens entre la couleur, l'émotion et le son. Il considérait la couleur comme une langue spirituelle qui pourrait exprimer des états intérieurs.
• Kandinsky a exploré les expériences synesthésiques à travers des performances multimédias appelées "The Yellow Sound", combinant la musique, l'éclairage et les visuels originaux.
• Sa synesthésie a façonné sa croyance que l'art abstrait pourrait exprimer la "nécessité intérieure" de l'artiste à travers la couleur et la forme, et non la réalité extérieure.
• Des peintures abstraites emblématiques comme "Composition VII" incarnaient la perspective synesthésique de Kandinsky avec leurs couleurs fluides, leurs formes et leurs titres musicaux.

Matériaux clés Wassily Kandinsky utilisés dans ses peintures:

• Huiles - Kandinsky a principalement utilisé des peintures à l'huile, en particulier dans ses œuvres abstraites emblématiques. Il a expérimenté différents types d'huiles et de milieux de liaison comme l'huile de lin et le milieu de cire.
• Toile - La toile était la surface de peinture préférée de Kandinsky, bien qu'il ait également peint d'autres supports comme le carton, le bois et le verre. Il a utilisé différents types de toile, y compris une toile tissée fine.
• Aquarelle - Plus tôt dans sa carrière, Kandinsky a fréquemment utilisé des aquarelles, des gouaches et des peintures à la température. Ceux-ci sont apparus dans ses œuvres de la période Blue Rider.
• Couteaux de palette - Kandinsky a utilisé des couteaux de palette pour appliquer de la peinture dans ses paysages Plein Air. Cela a créé des coups de pinceau texturés et expressifs.
• Matériaux de gravure - Kandinsky a exploré diverses techniques de gravure, travaillant avec des matériaux comme le bois, le linoléum, le zinc et le calcaire pour produire des gravures sur bois, des lithographies et des gravures.
• Mixte - Au cours de la période de Bauhaus ultérieure, Kandinsky a incorporé des matériaux inhabituels comme le sable, le verre et la corde dans ses peintures.

• Russie - La galerie d'État Tretyakov à Moscou possède la plus grande collection de peintures de Kandinsky en Russie, y compris des chefs-d'œuvre comme la composition VII. Le musée de l'Hermitage à Saint-Pétersbourg et le musée russe ont également des avoirs importants.
• Allemagne - Le Lenbachhaus à Munich détient la plus grande collection de peintures de Kandinsky en Europe, couvrant ses périodes Blue Rider et Bauhaus. De nombreux travaux de début de carrière sont là.
• France - Le centre Pompidou à Paris et le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ont tous deux des collections importantes des œuvres abstraites ultérieures de Kandinsky qu'il a faites en France.
• États-Unis - Le musée Guggenheim de New York compte plus de 100 des peintures de Kandinsky, la plus grande collection en dehors de l'Europe. Le Musée d'art moderne, le Metropolitan Museum of Art et le Philadelphia Museum of Art ont également d'excellentes représentations.
• Suisse - La Fondation Beyeler près de Bâle contient des peintures abstraites plus tard comme plusieurs cercles.
• Autres collections notables - Des groupes d'œuvres importants ont également lieu à la National Gallery de Washington D.C., à l'Institut d'art de Chicago, au Milwaukee Art Museum et au Tate Modern à Londres.

Le travail le plus renommé et emblématique de Kandinsky est généralement considéré comme la composition VII (1913). Cette peinture abstraite à grande échelle illustre le style révolutionnaire de Kandinsky et les théories sur l'expression des états spirituels à travers la forme et la couleur abstraites.

Raisons clés La composition VII se démarque:

• C'était l'une de ses premières peintures purement abstraites qui ne contenaient aucun objet identifiable, représentant une percée dans l'abstraction.
• L'échelle et la complexité du travail étaient sans précédent à l'époque. Il a combiné des coups de pinceau expressifs, des couleurs, des formes et des lignes en une composition dynamique tourbillonnante.
• Kandinsky a considéré cela sa peinture la plus complexe et le summum de son style artistique avant le monde 1, synthétisant des années de développement artistique.
• Il incarnait sa perspective synesthésique, avec des couleurs et des formes fluides évoquant de la musique que Kandinsky prétendait entendre en peinant.
• L'œuvre illustait la philosophie artistique de Kandinsky décrite sur le spirituel de l'art, donnant une forme visuelle à sa croyance en le pouvoir spirituel et émotionnel de l'art abstrait.
• Il a aidé à établir Kandinsky en tant que pionnier révolutionnaire de la peinture abstraite et a assuré sa renommée comme l'un des artistes les plus influents du 20e siècle.

Techniques de peinture

• Coups de pinceau expressifs - Kandinsky a utilisé des traits gestuels lâches pour appliquer de la peinture, souvent avec une brosse à poil. Cela a créé la texture et l'énergie dynamique.
• Mélange de couleurs - Il a mélangé des couleurs directement sur la toile en utilisant des techniques mouillées pour créer des transitions fluides entre les teintes.
• Pointillé et pointillisme - Kandinsky a utilisé des pointillés et l'application de petits points de peinture pour mélanger optiquement les couleurs plutôt que le mélange.
• Sgrafitto - Il se gratterait en peinture humide pour révéler des couches sous-jacentes, créant une texture et une profondeur.

Matériels

• Huiles - Il a préféré ce support de peinture, bien qu'il ait expérimenté différents types d'huiles.
• Toile - sa surface la plus courante, mais également peinte à bord, en verre, en bois et autres supports.
• Aquarelle - utilisé fréquemment au début de sa carrière.
• Gravure - Explorer diverses techniques de gravure comme les gravures sur bois, la lithographie et la gravure.
• Mixte - Incorporer des matériaux inhabituels comme le sable, le verre et la corde dans les travaux ultérieurs.
• Outils - Couteaux de palette, une variété de pinceaux et autres outils de peinture.

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