Les peintures de Gauguin vibrent d’une énergie primitive, chaque coup de pinceau étant une rébellion contre les conventions. « Le Grand Arbre » se dresse comme un témoignage monumental de la puissance brute de la nature, tandis que « Le Jour du dieu » plonge celles et ceux qui le regardent dans un rêve polynésien mystique. Ces chefs-d’œuvre ornent désormais des carnets, des tirages d’art et des coques iPhone, et apportent les visions exotiques de Gauguin dans ton quotidien.

Plonge dans l’usage audacieux de la couleur non naturaliste et des formes simplifiées chez Gauguin. Son œuvre, un festin sensuel d’ocres, de bleus céruléens et de verts luxuriants, capte l’essence de l’attrait enivrant de la Polynésie française. Cette collection t’invite à fuir le banal et à embrasser l’esprit sauvage et indompté du postimpressionnisme.

Son développement du synthétisme (formes aplaties, couleur franche et brute, motif plutôt que réalisme) a directement nourri le symbolisme, le fauvisme et, finalement, les premières percées cubistes de Picasso, ce qui fait de lui une figure charnière entre la peinture du XIXe siècle et le modernisme du XXe siècle.

Inventé, et Gauguin le savait. Ses scènes tahitiennes les plus célèbres mêlent souvent des références européennes à l’histoire de l’art, des photographies qu’il avait emportées avec lui et des détails « exotiques » imaginés, plutôt que de documenter ce qu’il a réellement vu : un collage de sources façon oiseau jardinier, déguisé en vie authentique du Pacifique.

En grande partie, oui. Il a soigneusement façonné l’image que le public avait de lui : celle d’un esprit libre sans formation, qui peignait sans préparation, même quand les esquisses préparatoires de grandes œuvres comme D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? prouvaient le contraire.

Intense et explosive : les deux peintres ont travaillé côte à côte à Arles pendant neuf semaines, ont profondément admiré les théories l’un de l’autre, et se sont heurtés assez violemment pour que le départ brusque de Gauguin précède la nuit où Van Gogh s’est tranché l’oreille.

Il vendait ses œuvres pour des sommes modestes et a été en grande partie écarté par la critique et les collectionneurs de son vivant ; il a fallu attendre une grande rétrospective au Salon d’automne de 1906, trois ans après sa mort, pour qu’on le reconnaisse comme une figure majeure du primitivisme et du postimpressionnisme.

Parce que son art et sa biographie sont indissociables du colonialisme : de grandes expositions interrogent désormais explicitement le mythe qu’il s’est lui-même créé de l’« artiste sauvage » et lisent son œuvre tahitienne à la lumière de la critique postcoloniale, au lieu d’y voir une peinture de paradis intact.