El uso audaz de Matisse del color puro y no modulado en obras como Mujer con sombrero (1905) definió el fauvismo, un movimiento radical que hizo añicos las tradiciones académicas. El dominio de la composición de Matisse, visto en The Red Studio y Dance, transformó el espacio, reduciendo figuras e interiores a sus ritmos más esenciales. Sus collages de papel recortado, o gouaches découpées, como Desnudo azul II (1952), redefinieron la expresión artística en sus últimos años. Desde las sensuales odaliscas de su época de Niza hasta la austeridad espiritual de La Capilla del Rosario, su obra unió la abstracción y la figuración con una vitalidad inigualable.

Innovador incansable, reinventó las posibilidades de la línea, la forma y la armonía cromática, asegurando su legado como piedra angular del modernismo. Matisse no se limitó a representar la vida: tradujo su energía en pura poesía visual.

Sus viajes a Argelia, España y Marruecos lo expusieron al arte africano, el primitivismo y el diseño árabe, aportando una nueva intensidad de color no modulado a su paleta, un patrón de absorción intercultural que refleja cómo el kachō-ga viajó desde China a través de Japón, ganando una nueva identidad estilística en cada etapa.

Acuñado por el crítico Louis Vauxcelles en 1905 como una etiqueta desdeñosa que significa "bestias salvajes", el color audaz y no naturalista del fauvismo aplicado directamente desde el tubo marcó la llegada de Matisse a la atención crítica y, a diferencia de la mayoría de sus compañeros fauvistas, que luego adoptaron estilos más convencionales, Matisse llevó esa sensibilidad del color crudo durante el resto de su carrera.

Originalmente concebidos como diseños impresos con esténcil para un libro ilustrado en lugar de obras de arte independientes, jazz (1947) utilizó brillantes formas recortadas con temática circense que enmascaraban la violencia de la guerra bajo su superficie lúdica; su creación llevó directamente a Matisse a reconocer el potencial de los recortes como una forma de arte independiente en lugar de meros estudios preparatorios.

Confinado a una silla de ruedas después de que una cirugía de cáncer en 1941 le dejara incapaz de pintar, Matisse llamó a la técnica "dibujar con tijeras" e insistió en que un artista "nunca debe ser prisionero de sí mismo, prisionero de un estilo". El dolor del rey ubicándose entre sus logros más significativos.

Su asistente Lydia Delectorskaya fijaba siluetas recortadas de pájaros, peces y vida marina directamente en las paredes de su estudio, permitiendo que Matisse reorganizara la composición en tiempo real usando un palo para colocarlas directamente una vez que él mismo ya no podía alcanzar las paredes, un método de trabajo que trataba el color y la forma como algo infinitamente ajustable en lugar de fijo desde el primer corte.

Al tratar el corte como equivalente al dibujo, acuñando la frase "dibujar con tijeras", Matisse desafió la supuesta jerarquía entre el boceto preparatorio y la obra de arte terminada, elevando un proceso de estudio colaborativo y físicamente limitado a lo que consideraba su forma de expresión más completa y madura.