I modelli di Egon Schiele - spesso amanti, muse, lui stesso - vengono colti a bocca aperta, i loro arti allungati, le mani esagerate e i bacini storti diventano cartografie di fame, vergogna e terrore erotico. Inchiostro, tempera e olio trasformarono il corpo in una topografia psichica, scarabocchiata con angoscia modernista, morbosità simbolista e sensualità non filtrata.

Influenzato da Gustav Klimt e dalla Secessione viennese, lo stile di Schiele taglia l’ornamento per trovare il ritmo sottostante. Oggi, il suo lavoro suscita fervore sia nel discorso dell’arte contemporanea che nel mercato delle aste blue-chip, desiderato dai collezionisti per il suo impavido confronto con il desiderio, la mortalità e il sé performativo.

Morì a 28 anni, ma lasciò dietro di sé un canone di figure così vive da far sussultare ancora sotto gli occhi.

Lo storico dell'arte Gerald Izenberg collega gli esagerati autoritratti di Schiele - iper-maschili, a volte apertamente sessuali - a quella che definisce una crisi dell'identità maschile di inizio secolo, dove l'eccessiva affermazione della virilità maschera una profonda incertezza sul genere stesso. Gli autoritratti di Schiele condividono tratti visivi con i suoi nudi femminili, suggerendo un artista che lavora attraverso l'identificazione tra i sessi piuttosto che fissandosi all'interno di uno solo.

Schiele lavorò nella Vienna dei primi anni del 1900 al fianco di Sigmund Freud, un periodo in cui la sessualità veniva teorizzata di recente anche se l'omosessualità rimaneva criminalizzata e socialmente rovinosa se sospettata. Quella tensione tra l'apertura psicologica emergente e la repressione legale è parte del motivo per cui gli studiosi sostengono che l'ambiguità di Schiele nel rappresentare corpi e desiderio potrebbe essere stata una deliberata autoprotezione, non un incidente.

La sessualità di Schiele non può essere etichettata in modo definitivo, ma la studiosa di Schiele Jane Kallir - che dirige il Kallir Research Institute dedicato all'artista - sostiene che la sua vita e il suo lavoro riflettono una profonda fluidità sessuale piuttosto che un'eterosessualità fissa, incluso un probabile incontro omosessuale nel 1910. Come dice Kallir, "la fluidità è universale" quando si tratta di leggere la sua eredità oggi.

Nuovi studi ribaltano l'ipotesi di vecchia data secondo cui i nudi degli "Uomini rossi" di Schiele del 1910 erano autoritratti. La ricerca di Kallir indica invece l'amico gay di Schiele Max Oppenheimer e l'amico bisessuale Erwin Osen come probabili modelli, sostenendo che le pose erano fisicamente impossibili per un uomo che si ritraeva dalla vita.

Assolutamente: opere come i suoi abbracci femminili e i dipinti di donne che giacciono intrecciate sono state lette come documenti che documentano l'intimità queer e il desiderio tra donne, non solo il voyeurismo eterosessuale. I critici hanno notato che l'affinità di Schiele per queste pose non può essere nettamente separata dalle domande più ampie sulla sessualità e sulla rappresentazione dello stesso sesso che attraversano il suo catalogo.

Il lavoro di Schiele è diventato un argomento ricorrente nella storia dell'arte queer accademica: figure come Jonathan D. Katz, considerato uno studioso fondatore del campo, hanno esaminato la sua arte insieme agli studi di genere e agli studi queer come discipline a pieno titolo. I gruppi e le istituzioni trattano sempre più la confusione di Schiele tra i codici visivi maschili e femminili come centrale e non periferica rispetto al suo significato.