Cosa succede quando un uomo smette di dipingere il mondo fuori dalla finestra e comincia a dipingere la tempesta dentro le sue costole? Wassily Kandinsky, nato sotto il cielo cupo di Mosca, voltò le spalle alla legge e all’impero per inseguire il confine tremante dell’astrazione pura — dove la linea dimentica la forma e il colore non descrive più, ma canta.

A Monaco fondò la Phalanx, dove le pennellate si ammutinarono e l’arte d’avanguardia venne al mondo come una nascita insieme violenta e divina.

Con il Der Blaue Reiter, insieme a Franz Marc, Kandinsky trovò il suo codice spirituale: il blu per l’infinito, il cavaliere a cavallo per il volo dell’anima oltre i limiti terreni.

In opere come Composizione VII, il caos divenne composizione e la geometria si dissolse in profezia. Cerchi, tremanti come orbite, riempivano tele come Several Circles, dove la teoria del colore divenne vangelo e l’astrazione un nuovo alfabeto.

Come insegnante al Bauhaus, Kandinsky insegnò non la tecnica, ma il coraggio — ai pittori espressionisti, a ogni mano tremante venuta dopo di lui.

Il percorso artistico di Kandinsky, da dilettante dell’Impressionismo a virtuoso dell’astratto, raggiunse il crescendo nel crogiolo d’avanguardia di Monaco, dove cofondò il gruppo Phalanx e poi il leggendario Der Blaue Reiter. Qui il blu non era solo un colore; era una scala spirituale verso il cosmo, con ogni figura equestre un fantino metafisico in corsa verso l’orizzonte non oggettivo.

Prendi «Improvvisazione n. 30 (Cannoni)»: non è semplicemente un dipinto — è un ciclone cromatico, un turbine di forme e tinte che piroettano sul filo del rasoio tra caos e armonia. Intanto «Pittura con un centro verde» danza sulla tela, un balletto celeste di interpreti geometrici che sfidano gravità e logica insieme.

Al Bauhaus, Kandinsky non si limitò a insegnare; ricablò le sinapsi della percezione artistica, con le sue teorie che accesero un incendio creativo che ancora brucia nelle cronache dell’Espressionismo. Questa dinamo russa ha fatto più che dipingere quadri; ha composto concerti visivi, ogni pennellata una nota nella grande sinfonia dell’astrazione, lasciando un’eredità indelebile che continua a riverberare nei corridoi dell’arte moderna, sfidandoci a vedere oltre il visibile e a sentire il polso invisibile della creatività pura.

Stare davanti alla sua opera significa assistere al momento in cui una tela dimentica il mondo e ricorda invece lo spirito.

Anche adesso, la sua visione vibra sotto la pelle dell’arte moderna, come un colore che puoi sentire ma non riesci mai a nominare del tutto.

Wassily Kandinsky è famoso per essere stato uno dei pionieri dell’arte astratta. Ecco i punti chiave di ciò per cui è conosciuto:

• Aver aperto la strada all’arte astratta, allontanandosi dalla pittura figurativa. Credeva che l’arte dovesse esprimere il mondo interiore dell’artista, e non rappresentare il mondo fisico esterno. Le sue opere diventarono sempre più astratte col tempo, man mano che eliminava i riferimenti a oggetti e profondità.
• Aver sviluppato un linguaggio visivo unico fatto di forma, colore e linea per esprimere emozioni e spiritualità. Vedeva collegamenti tra musica e pittura, sentendo i colori e vedendo i suoni, e questo influenzò il suo stile artistico.
• Aver pubblicato scritti teorici che articolavano le sue idee sulla natura spirituale dell’arte e sul potere espressivo delle forme astratte e del colore. Tra le opere principali ci sono «Lo spirituale nell’arte» (1912) e «Punto, linea, superficie» (1926).
• Essere stato membro fondatore di influenti gruppi d’arte moderna come il Cavaliere azzurro e il Bauhaus, che promuovevano stili d’avanguardia.
• Aver creato dipinti astratti iconici come le serie «Composizioni», «Improvvisazioni» e «Impressioni», con titoli musicali e stili sperimentali.
• Aver avuto una grande influenza sullo sviluppo della pittura astratta moderna nel Novecento, attraverso la sua arte e le sue teorie. È considerato un leader dell’arte astratta insieme ad artisti come Mondrian.

Kandinsky aveva davvero la sinestesia, una condizione neurologica in cui la stimolazione di un senso fa scattare un’esperienza involontaria in un altro. Nel caso di Kandinsky, associava i colori ai suoni e alla musica.

• Kandinsky percepiva i colori quando sentiva la musica, e sentiva la musica quando dipingeva. Descriveva i suoi dipinti come «composizioni» e dava loro titoli musicali per riflettere questa esperienza sinestetica.
• La sua sinestesia influenzò direttamente lo sviluppo del suo stile artistico verso l’astrazione, perché cercava di esprimere visivamente i colori e i suoni che sperimentava dentro di sé.
• Nel suo libro di teoria dell’arte «Lo spirituale nell’arte», Kandinsky articolò i legami tra colore, emozione e suono. Vedeva il colore come un linguaggio spirituale capace di esprimere stati interiori.
• Kandinsky esplorò le esperienze sinestetiche attraverso spettacoli multimediali chiamati «Il suono giallo», che univano musica originale, luci e immagini.
• La sua sinestesia plasmò la convinzione che l’arte astratta potesse esprimere la «necessità interiore» dell’artista attraverso colore e forma, e non la realtà esterna.
• Dipinti astratti iconici come «Composizione VII» incarnavano la prospettiva sinestetica di Kandinsky, con i loro colori fluidi, le forme e i titoli musicali.

Materiali principali che Wassily Kandinsky usò nei suoi dipinti:

• Oli - Kandinsky usava soprattutto colori a olio, in particolare nelle sue opere astratte più iconiche. Sperimentò diversi tipi di oli e di leganti come l’olio di lino e il medium a base di cera.
• Tela - La tela era il supporto preferito da Kandinsky, anche se dipingeva pure su altri supporti come cartone, legno e vetro. Usò diversi tipi di tela, compresa quella a trama fine.
• Acquerelli - All’inizio della carriera Kandinsky usava spesso acquerelli, guazzo e tempera. Compaiono nelle opere del periodo del Cavaliere azzurro.
• Spatole - Kandinsky usava le spatole per stendere il colore nei suoi paesaggi en plein air. Questo creava pennellate materiche ed espressive.
• Materiali di stampa e incisione - Kandinsky esplorò varie tecniche di stampa e incisione, lavorando con materiali come legno, linoleum, zinco e pietra calcarea per realizzare xilografie, litografie e acqueforti.
• Tecnica mista - Nelle opere più tarde del periodo del Bauhaus, Kandinsky inserì nei dipinti materiali insoliti come sabbia, vetro e spago.

• Russia - La Galleria statale Tret’jakov di Mosca ospita la più grande collezione di dipinti di Kandinsky in Russia, compresi capolavori come Composizione VII. Anche il Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo e il Museo Russo hanno importanti raccolte.
• Germania - Il Lenbachhaus di Monaco custodisce la più grande collezione di dipinti di Kandinsky in Europa, che copre i periodi del Cavaliere azzurro e del Bauhaus. Qui si trovano molte opere dei suoi esordi.
• Francia - Il Centre Pompidou di Parigi e il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris hanno entrambi collezioni cospicue delle sue opere astratte più tarde, realizzate mentre viveva in Francia.
• Stati Uniti - Il Guggenheim Museum di New York possiede oltre 100 dipinti di Kandinsky, la più grande collezione fuori dall’Europa. Anche il Museum of Modern Art, il Metropolitan Museum of Art e il Philadelphia Museum of Art offrono ottime rappresentazioni.
• Svizzera - La Fondazione Beyeler vicino a Basilea custodisce importanti dipinti astratti più tardi come Several Circles.
• Altre collezioni importanti - Gruppi significativi di opere si trovano anche alla National Gallery di Washington D.C., all’Art Institute of Chicago, al Milwaukee Art Museum e alla Tate Modern di Londra.

L’opera più celebre e iconica di Kandinsky è generalmente considerata Composizione VII (1913). Questo dipinto astratto di grandi dimensioni incarna lo stile rivoluzionario di Kandinsky e le sue teorie sull’espressione degli stati spirituali attraverso forma e colore astratti.

Ecco perché Composizione VII spicca tra le altre:

• È stato uno dei suoi primi dipinti puramente astratti, privo di oggetti riconoscibili, e rappresentò una svolta nell’astrazione.
• La scala e la complessità dell’opera erano senza precedenti per l’epoca. Univa pennellate espressive, colori, forme e linee in una composizione vorticosa e dinamica.
• Kandinsky la considerava il suo dipinto più complesso e il culmine del suo stile precedente alla prima guerra mondiale, la sintesi di anni di sviluppo artistico.
• Incarnava la sua prospettiva sinestetica, con colori e forme fluidi che evocavano la musica che Kandinsky diceva di sentire mentre dipingeva.
• L’opera esemplificava la filosofia artistica esposta in Lo spirituale nell’arte, dando forma visiva alla sua fede nel potere spirituale ed emotivo dell’arte astratta.
• Contribuì a consacrare Kandinsky come pioniere rivoluzionario della pittura astratta e gli assicurò la fama di uno degli artisti più influenti del Novecento.

Tecniche pittoriche

• Pennellate espressive - Kandinsky applicava il colore con tratti liberi e gestuali, spesso con un pennello a setole. Questo creava materia ed energia dinamica.
• Fusione dei colori - Fondeva i colori direttamente sulla tela con tecniche bagnato su bagnato, per creare transizioni fluide tra le tonalità.
• Tratteggio a punti e puntinismo - Kandinsky usava il tratteggio a punti, applicando piccoli punti di colore per mescolare otticamente i colori invece di fonderli.
• Sgraffito - Raschiava il colore ancora bagnato per rivelare gli strati sottostanti, creando materia e profondità.

Materiali

• Oli - Il suo mezzo pittorico preferito, anche se sperimentò diversi tipi di oli.
• Tela - Il suo supporto più comune, ma dipinse anche su tavola, vetro, legno e altri supporti.
• Acquerelli - Usati spesso all’inizio della carriera.
• Stampa e incisione - Esplorò varie tecniche di stampa e incisione come xilografia, litografia e acquaforte.
• Tecnica mista - Inserì materiali insoliti come sabbia, vetro e spago nelle opere più tarde.
• Strumenti - Spatole, vari pennelli e altri strumenti di pittura.