Seine deutschen expressionistischen Wurzeln brechen sich an der Schweizer formalen Präzision; nordafrikanisches Licht sickert durch quadratisch aufgebaute Farbstudien, chromatische Skalen schichten Tonabstufungen wie eine Fugenstruktur. Kindlicher Primitivismus verbirgt eine strenge Gestaltungstheorie. Das Werk verweigert die starre Einordnung. Figuration löst sich in Abstraktion auf und setzt sich dann neu zusammen. Symbolische Notationssysteme – Pfeilmotive, alphanumerische Zeichen – wirken wie visuelle Polyphonie, jedes Zeichen zugleich Lehrmittel und mystische Chiffre. Das ist Kunst aus dem Exil, die auf die Verfolgung als „entartet“ mit dem Aufbau alternativer Symbolsprachen antwortet. Klees expressionistische Spätphase verschärft das Paradox: Die Formen werden elementarer, während die gedankliche Dichte wächst. Was spielerisch aussieht, ist didaktisch kalkuliert. Was abstrakt wirkt, trägt politisches Gewicht. Das Erbe des Bauhaus-Professors lebt fort – nicht als Stil, sondern als Methode, Farbe, Form und Linie als ineinandergreifende philosophische Thesen zu sehen.

Entstanden auf einer kurzen, aber prägenden Reise nach Tunesien mit August Macke und Louis Moilliet, markiert dieser Satz genau den Moment, in dem Klee einen jahrelangen Kampf um die Beherrschung der Farbe für sich entschied. Danach trat die Naturtreue zurück, und er wandte sich entschieden dem zu, was er die „kühle Romantik der Abstraktion“ nannte.

Die Formulierung, zentral für seinen Bauhaus-Unterricht, deutete die Linie nicht als feste Kontur, sondern als spontanen, fast lebendigen Prozess um – ein Gedanke, der half, Kerngedanken der abstrakten Kunst und der modernen Designausbildung zu formulieren, und der bis heute als prägende Aussage seiner künstlerischen Philosophie zitiert wird.

Klee wurde mal mit dem Expressionismus, mal mit Kubismus, Futurismus, Surrealismus und Abstraktion in Verbindung gebracht, arbeitete aber weitgehend abseits seiner Zeitgenossen und deutete jeden neuen Trend auf seine ganz eigene Art – eine Weigerung, sich festlegen zu lassen, die Marcel Duchamp ausdrücklich lobte: „Ein Klee wurde nie zu einem anderen Klee.“

André Breton zitierte Klee in seinem ersten surrealistischen Manifest und nahm seine Werke 1925 in die Gruppenausstellung auf, angezogen von Klees spontanen, traumhaften Symbolsystemen – auch wenn Klees Vertrauter Will Grohmann beteuerte, er sei „keineswegs ein Träumer“, sondern ein disziplinierter moderner Profi.

Seine Schriften zur Form- und Gestaltungslehre, später auf Englisch als Paul Klee Notebooks erschienen, brachten Farbtheorie und formale Komposition in ein Lehrgerüst, das so einflussreich war, dass die Forschung sein Gewicht für die Kunst des 20. Jahrhunderts direkt mit dem von Leonardos Buch von der Malerei für dessen Epoche vergleicht.

In der Presse als „galizischer Jude“ und „Kulturbolschewist“ beschimpft, von der Gestapo durchsucht und 1933 aus dem Lehramt entlassen, malte Klee zur Erinnerung an diesen Moment das Selbstbildnis Von der Liste gestrichen – und 102 seiner Werke wurden später aus deutschen öffentlichen Sammlungen beschlagnahmt, 17 davon in der Ausstellung „Entartete Kunst“ von 1937 gezeigt.