Seine deutschen expressionistischen Wurzeln brechen mit der formalistischen Präzision der Schweiz; Nordafrikanisches Licht strömt durch quadratische Farbstudien und chromatische Skalen, die Tonabstufungen wie Fugenstrukturen überlagern. Der kindliche Primitivismus verdeckt eine strenge Designtheorie. Die Arbeit lehnt eine statische Kategorisierung ab. Die Figuration löst sich in Abstraktion auf und stellt sich dann wieder zusammen. Symbolische Notationssysteme – Pfeilmotive, alphanumerische Glyphen – fungieren als visuelle Polyphonie, wobei jedes Zeichen gleichzeitig pädagogisches Werkzeug und mystische Chiffre ist. Dabei handelt es sich um im Exil entstandene Kunst, die auf die Verfolgung degenerierter Kunst mit der Konstruktion alternativer Symbolsprachen reagiert. Klees spätexpressionistische Phase verschärft das Paradoxon: Formen werden mit zunehmender konzeptueller Dichte elementarer. Was spielerisch aussieht, ist pädagogisch kalkuliert. Was abstrakt erscheint, hat politisches Gewicht. Das Erbe des Bauhaus-Professors bleibt bestehen – nicht als Stil, sondern als Methode, Farbe, Form und Linie als ineinandergreifende philosophische Aussagen zu sehen.

Diese Aussage entstand während einer kurzen, aber transformierenden Reise nach Tunesien mit August Macke und Louis Moilliet und markiert genau den Moment, in dem Klee einen jahrelangen Kampf um die Beherrschung der Farbe auflöste, nach dem die Treue zur Natur nachließ und er sich entschieden dem zuwandte, was er die „kühle Romantik der Abstraktion“ nannte.

Der Satz, der für seine Bauhaus-Lehre von zentraler Bedeutung ist, definierte die Linie nicht als feste Kontur, sondern als einen spontanen, fast lebendigen Prozess – eine Idee, die dazu beitrug, Kernprinzipien der abstrakten Kunst und der modernen Designausbildung zu formalisieren, und die weiterhin als prägende Aussage seiner künstlerischen Philosophie zitiert wird.

Klee, der auf vielfältige Weise mit dem Expressionismus, Kubismus, Futurismus, Surrealismus und der Abstraktion in Verbindung gebracht wird, arbeitete weitgehend isoliert von seinen Kollegen und interpretierte jeden neuen Trend auf seine eigene, eigenwillige Art – eine Weigerung, sich festzunageln, die Marcel Duchamp ausdrücklich lobte und bemerkte: „Ein Klee wurde nie ein anderer Klee.“

André Breton zitierte Klee in seinem ersten surrealistischen Manifest und nahm sein Werk in die Gruppenausstellung von 1925 auf, da er sich von Klees spontanen, traumhaften Symbolsystemen angezogen fühlte – auch wenn Klees Vertrauter Will Grohmann betonte, er sei „keineswegs ein Träumer“, sondern ein disziplinierter moderner Fachmann.

Sein Schriften zur Form- und Designtheorie, später auf Englisch veröffentlicht als Paul Klee Notizbücher, systematisierte Farbtheorie und formale Komposition in einem Lehrrahmen, der so einflussreich war, dass Wissenschaftler seine Bedeutung für die Kunst des 20. Jahrhunderts direkt mit der von Leonardo vergleichen Abhandlung über die Malerei für seine eigene Ära.

In der Presse als „galizischer Jude“ und „Kulturbolschewik“ denunziert, von der Gestapo durchsucht und 1933 von seinem Lehramt entlassen, malte Klee das Selbstporträt Von der Liste gestrichen um diesen Moment zu würdigen – 102 seiner Werke wurden später aus deutschen öffentlichen Sammlungen beschlagnahmt und 17 in der Ausstellung „Entartete Kunst“ von 1937 ausgestellt.