Aquí, el exceso teatral del barroco gay se convierte en un vocabulario de ocultamiento y revelación en la misma pincelada. Cada torso iluminado por velas, cada mandíbula apretada atrapada en medio del éxtasis, se lee de dos maneras. Uno para el altar, otro para el hombre que lo pintó, sabiendo exactamente lo que eso significaba. Se trata de un arte de estilo barroco despojado de su coartada.

Reproducidas como impresiones artísticas, lienzos o arte mural barroco enmarcado, estas imágenes llevan esa doble lectura a habitaciones diseñadas para mirar dos veces. Mientras que el arte y la pintura neobarrocos reviven el drama actual, persiste la metáfora del armario: el claroscuro como la tecnología más antigua que tenían los hombres queer para ser vistos sin ser atrapados.

El arte barroco gay se refiere al arte barroco del siglo XVII que conlleva deseo hacia personas del mismo sexo, ambigüedad de género o anhelo queer codificado dentro de su tema, más a menudo a través del mito, el martirio o retratos cortesanos en lugar de una representación directa. La etiqueta se aplica retrospectivamente: "queer" no era un término de época, pero los estudiosos ahora interpretan que las pinturas y esculturas del período artístico barroco contienen un contenido homoerótico genuino, ya sea a través de las relaciones documentadas de los propios artistas (Caravaggio y sus modelos), coberturas mitológicas (Ganimedes, Baco, Antínoo) o cuerpos ambiguos como los castrati. Hoy en día, el término también cubre el arte neobarroco y la pintura neobarroca que revive este lenguaje visual (luz dramática, figuración muscular, exceso teatral) para representar temas queer abiertamente en lugar de disfrazados.

Los modelos de Caravaggio frecuentemente fueron extraídos de las calles de Roma en lugar de prototipos clásicos, y varios, incluido Mario Minniti, su amante documentado, aparecen repetidamente en su arte barroco del siglo XVII en poses que los estudiosos ahora interpretan como abiertamente cargadas. Un estudioso las ha calificado como una de las obras más abiertamente homoeróticas del arte occidental anterior al siglo XX. Su mecenas, el cardenal Francesco María del Monte, era conocido por cultivar círculos intelectuales homoeróticos, que dieron forma directamente a la producción pictórica del barroco temprano del artista.

Miguel Ángel trabajó al final del Renacimiento, justo antes del Barroco propiamente dicho, pero su influencia en el lenguaje visual homoerótico de la época es profunda. Sus dibujos de presentación para Tommaso de' Cavalieri y sus interpretaciones de Ganímedes y Faetón se citan con frecuencia como algunas de las declaraciones más claras de sentimientos entre personas del mismo sexo en la historia del arte: una gramática visual que los pintores barrocos posteriores trasladaron al arte barroco plenamente realizado del siglo XVII.

Baco de Caravaggio, pintado bajo el patrocinio de Del Monte, rompe con el dios mentor de la tradición anterior y en su lugar se sienta medio desnudo en un sofá, ofreciendo vino directamente al espectador. Comparada con el mundo homosocial de la corte de Del Monte, la figura funciona menos como un mito y más como un doble intencionalmente extraño y vestido de forma moderna, un recurso recurrente en los grabados de arte barroco que representan al dios.

El hermano de Luis XIV, Felipe, duque de Orleans, mantenía amantes masculinos abiertamente y con frecuencia fue pintado o grabado como Ganímedes o Baco, encuadre mitológico que permitió a los pintores de la corte abordar el tema sin escándalo directo. Los historiadores describen cómo a menudo se toleraba la sodomía en la corte cuando estaba envuelta en refinamiento estético y linaje. Los cantantes Castrati como Farinelli, que ocupaban un cuerpo ni completamente masculino ni femenino, fueron pintados con el mismo tratamiento ambiguo e idealizado.

Mientras que el arte barroco enmarcado del siglo XVII a menudo ocultaba el deseo hacia personas del mismo sexo dentro del mito o el martirio, el trabajo neobarroco tiende a exponer su tema abiertamente, sin dejar de tomar prestada la iluminación teatral, la figuración muscular y el exceso emocional del período original. Es menos una ruptura con el período del arte barroco que una continuación del mismo bajo diferentes permisos sociales.