A finales del siglo XIX, un cierto resplandor magnético parecía seguir a John Singer Sargent dondequiera que colocara su caballete. Su rápida y certera pincelada y su ojo incisivo para el detalle llegarían a definir un momento cultural que ahora recordamos como la Edad Dorada, capturando la ambición, elegancia y tensiones ocultas de un mundo en cambio.

Los críticos lo llamaron un maestro retratista, pero sus dones iban mucho más allá de los salones de la aristocracia. Vagando por Europa en su juventud, sumergiéndose en el dinamismo del flamenco español o en el bullicio de los bazares del norte de África, Sargent adquirió una amplitud de visión que se derramó en cada lienzo que tocó.

Desde los salones reales de Londres hasta las inquietas calles de París y Nueva York, destiló el espíritu de una era—una era impregnada de opulencia pero acechada por un susurro de fragilidad.

Este talento abrumador dio forma a un legado que resuena hasta el día de hoy, y entender a Sargent significa trazar el arco inquieto de un pintor que se negó a quedarse en un solo lugar—artísticamente, culturalmente o geográficamente.

A pesar de la elegancia de sus retratos formales, era, en muchos sentidos, un nómada americano: un vagabundo de la sociedad, siempre uniendo el viejo mundo y el nuevo.

Conclusiones Clave

• Descubre cómo John Singer Sargent se convirtió en el retratista por excelencia de su tiempo.
• Aprende sobre la integración única de técnicas impresionistas en los retratos de Sargent.
• Aprecia la amplitud de la obra de Sargent, incluyendo sus paisajes y murales más allá de los retratos de sociedad.
• Descubre las profundas dimensiones personales y culturales reveladas en las pinturas de Sargent.
• Examina la influencia duradera de Sargent en el arte americano y su continua relevancia en tiempos modernos.
• Explora la riqueza del arte de Sargent y su captura del espíritu de una era en vívido detalle.

Creación de un Maestro: John Singer Sargent como un Expatriado Americano

Fotógrafo desconocido, John Singer Sargent en los Alpes (1910–11 CE)

El viaje de John Singer Sargent comenzó en medio de la belleza cargada de arte de Florencia, Italia, donde sus primeros años fueron tan vívidos e inusuales como las pinceladas que más tarde definirían su arte. Nacido en una familia cosmopolita de expatriados, la juventud de Sargent estuvo marcada por un estilo de vida itinerante: sus padres lo llevaron a través de los epicentros culturales de Europa, ofreciéndole una educación inmersa en las grandes tradiciones del arte occidental.

Las ricas texturas de la Toscana formaron el telón de fondo de sus años formativos, llenos de visitas a museos y lecciones en la grandeza del arte renacentista. La madre de Sargent, Mary, una heredera de Filadelfia y artista aficionada de acuarelas, fomentó en él un amor perpetuo por el mundo visual, a pesar de las presiones sociales que desalentaban a las mujeres de perseguir tales pasiones. La búsqueda incansable de belleza y cultura de Mary llevó a la familia a través de Suiza, París, Salzburgo, Milán, Génova y Roma, nutriendo el incipiente talento artístico de su hijo.

La educación de Sargent fue poco convencional. Como itinerantes permanentes, su familia rara vez tenía los recursos para una educación tradicional, por lo que su padre proporcionó una versión del siglo XIX de la educación en casa, enfocándose en las oportunidades que sus viajes presentaban. Museos, bibliotecas, jardines y ruinas antiguas se convirtieron en las aulas de Sargent, dándole una educación inmersiva única que incrustó una curiosidad y versatilidad en su práctica artística.

Carolus-Duran y la Influencia de los Viejos Maestros

John Singer Sargent, Retrato de Carolus-Duran (1879 CE)

El padre de Sargent había esperado que él se convirtiera en oficial naval, pero rápidamente quedó claro que la pasión de John era el arte. En 1874, a los 18 años, se mudó a París, entonces el centro del mundo del arte, para formarse formalmente como pintor. Se inscribió en la prestigiosa École des Beaux-Arts y, crucialmente, ingresó en el taller independiente de Charles Auguste Émile Durand, mejor conocido como Carolus-Duran , un retratista de moda famoso por su técnica moderna. Bajo la tutela de Carolus-Duran, Sargent fue impulsado a abandonar el tímido trabajo académico con el pincel en favor de una pintura directa.

Carolus-Duran insistía en que sus estudiantes pintaran au premier coup, o “al primer toque”, una forma de técnica alla prima que implica aplicar pintura húmedo sobre húmedo con trazos seguros. Este método fomentaba un estilo amplio y pictórico y requería precisión técnica y valentía en igual medida. Sargent abrazó este enfoque radical, dominando rápidamente el arte de capturar una escena o un modelo en una sola y animada sesión. Su habilidad para “dibujar con un pincel,” representando formas con trazos fluidos pero precisos, se convertiría en un sello distintivo de su obra.

Mientras perfeccionaba su oficio en París, Sargent también se empapó del legado de los Viejos Maestros. Carolus-Duran, quien admiraba al pintor español del siglo XVII Velázquez, dirigió a Sargent a estudiar a los grandes maestros europeos como Diego Velázquez, Rembrandt, y Tiziano.

En 1879, Sargent viajó a Madrid para copiar las pinturas de Velázquez en el Prado, y al año siguiente a Holanda para estudiar el expresivo trabajo con el pincel de Frans Hals. Estas influencias moldearon profundamente la identidad artística de Sargent. De Velázquez absorbió un sentido de composición y tono, de Hals una soltura y vida en el trabajo con el pincel, y de Rembrandt una penetrante percepción del carácter.

A principios de sus veinte años, Sargent estaba sintetizando estas influencias de los Viejos Maestros con técnicas modernas, logrando lo que un crítico llamaría une simplicité savante – una “simplicidad hábil” que hacía su obra a la vez clásicamente informada y sorprendentemente fresca.

Retratos Alla Prima y el Poder del Realismo

Bajo la tutela de Carolus-Duran, Sargent floreció como un prodigio técnico. Sorprendió a instructores y compañeros al ganar honores en el Salón de París mientras aún estaba en sus primeros veinte años: una Mención Honorífica en 1879 por su retrato del propio Carolus-Duran, y una medalla de Segunda Clase en 1881 por un retrato de Madame Ramón Subercaseaux.

Los críticos comentaron sobre la bravura pincelada del joven americano y las composiciones poco convencionales que desafiaban las normas académicas rígidas sin llegar a derribarlas por completo.

La influencia de Carolus-Duran es evidente en el enfoque audaz de Sargent: el uso de sombras profundas y no moduladas y luz parpadeante, y un énfasis en la inmediatez sobre el laborioso estratificado. Sargent pintaba “húmedo sobre húmedo” – mezclando y dando forma a las formas en el lienzo con pinceladas espontáneas – lo que otorgaba a sus mejores retratos una sensación de presencia viva y respirante.

A finales de la década de 1870, la emergente maestría alla prima de Sargent brillaba tanto en retratos como en escenas de género. Uno de sus primeros triunfos fue Las hijas de Edward Darley Boit (1882), un retrato de cuatro jóvenes hermanas en París que Sargent compuso de una manera poco convencional y enigmática – con las niñas colocadas informalmente en una habitación oscura y espaciosa. La pintura, ahora famosa por su atmósfera inquietante, mostró la deuda de Sargent con Las Meninas de Velázquez en su audaz composición e interacción de luz y sombra.

Otro fue El Jaleo (1882), una representación a tamaño natural de una bailaora de flamenco actuando con músicos, inspirada en los viajes de Sargent en España. Cuando El Jaleo debutó, los espectadores quedaron asombrados por su iluminación teatral y su dinámica pincelada: la bailarina gira en faldas blancas en el centro mientras los guitarristas y los espectadores se desvanecen en una oscuridad ahumada en los bordes, un efecto de movimiento y misterio que un contemporáneo describió como haciendo del lienzo “una cosa viva”. Estas obras anunciaron que Sargent podía manejar no solo retratos de sociedad pulidos sino también escenas dramáticas y desafiantes de género llenas de energía.

La técnica de pintura de retratos de Sargent en ese momento era audaz y fluida. Trabajando principalmente a partir de sesiones en vivo, esbozaba rápidamente la pose en carbón, luego atacaba el lienzo con pinceles anchos, a menudo completando un parecido en muchas menos sesiones que otros retratistas de la época. Su rápida y certera pincelada resaltaba el brillo de los vestidos de satén, el destello de las joyas, la suavidad de la piel y el brillo en un ojo con una economía de medios asombrosa.

“Un retrato es una pintura con algo mal en la boca,” bromeó una vez Sargent, reconociendo la notoria dificultad de complacer a sus modelos. De hecho, era un perfeccionista que a veces raspaba y repintaba una cara varias veces para hacerlo bien. Pero cuando todo iba bien, el resultado era un retrato que latía con vida, capturando no solo la apariencia física de un sujeto sino una impresión de su personalidad y estado de ánimo.

Un ejemplo icónico es Lady Agnew of Lochnaw (1892), un retrato de medio cuerpo de una joven aristócrata escocesa. La representación relajada pero regia de Sargent de Lady Agnew – sentada en una silla tapizada, mirando directamente al espectador con una leve sonrisa – combinó delicadeza y fuerza tranquila en igual medida. La armonía de color matizada de lavanda, marfil y grises suaves y sus pinceladas confiadas y fluidas hicieron que fuera un éxito inmediato, mejorando la reputación de Sargent como el virtuoso del retrato de la época.

Escándalos y Triunfos: Madame X y el Desafío a la Sociedad

Fotógrafo desconocido, Sargent en su estudio con Madame X (1885 CE)

En el Salón de París de 1884, Sargent presentó un retrato que esperaba consolidara su posición entre los retratistas de élite de Francia – una pintura oficialmente titulada Retrato de Madame Pierre Gautreau pero ahora infame como “Madame X.” El sujeto, Virginie Amélie Gautreau, era una joven socialité parisina nacida en Estados Unidos, celebrada por su belleza y estilo excéntrico.

Sargent la retrató con un elegante vestido negro con tirantes de joyas, uno de los cuales originalmente pintado deslizándose provocativamente de su hombro – una pose que él sentía capturaba su personalidad. La reacción fue explosiva. Mientras Sargent había pretendido que el retrato fuera una representación audaz pero de buen gusto de la elegancia moderna, muchos espectadores del Salón lo encontraron impactante e indecente, interpretando el tirante caído y la piel pálida y empolvada de Virginie como sugestiva y “inapropiada.”

Las denuncias de los críticos franceses fueron mordaces: Gautreau estaba mortificada, y Sargent, horrorizado por el escándalo que había causado sin querer, repintó el tirante en su lugar correcto sobre el hombro para calmar el alboroto. Era demasiado tarde – París ya había tomado una decisión. “Un retrato [de una dama] debería mostrar a una mujer de moda, no a una mujer caída,” dijeron con desdén las damas de la sociedad. La clientela de Sargent en París se evaporó de la noche a la mañana; el artista luego bromeó que cada vez que pintaba un retrato, perdía un amigo. Enfrentando la vergüenza y una repentina pérdida de encargos, el pintor de 28 años se retiró a Londres para reconstruir su carrera.

Irónicamente, Madame X ahora se considera la obra maestra de Sargent y una de las imágenes definitorias de la Edad Dorada. Con su marcado contraste de la piel alabastrina de Madame Gautreau contra un fondo de bronce plano, y su altivo perfil en perfecta silueta, la pintura posee un encanto atemporal.

La desafiante actitud hacia la sociedad inherente en la representación de Sargent – mostrando a una mujer con aplomo y sensualidad sin disculpas – marcó un punto de inflexión en el retrato. Ya no meramente decoraciones halagadoras, los retratos podían ser declaraciones de personalidad e incluso provocación. Como señala el historiador del arte Trevor Fairbrother, Sargent “no era un gran pintor de sociedad, era un gran pintor que pintaba a la sociedad” – imbuyendo sus retratos de sociedad con profundidad psicológica y estilo moderno. 

Madame X hoy cuelga en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, emblemática de cómo Sargent capturó el glamour y la tensión de la Edad Dorada. En el vestido negro azabache y la pose aristocrática de Virginie Gautreau, se ve tanto la opulencia de la moda de alta sociedad como un indicio de la independencia transgresora a la que aspiraban tales mujeres, presagiando los cambios en los roles de las mujeres en el nuevo siglo.

Londres eventualmente ofreció a Sargent una segunda oportunidad. Con la ayuda de amigos como el escritor Henry James , quien describió a Sargent como “civilizado hasta la punta de los dedos” y lo presentó con entusiasmo a la alta sociedad británica, Sargent lentamente ganó nuevos mecenas.

A finales de la década de 1880 y 1890, él era el pintor de retratos preferido por la élite adinerada a ambos lados del Atlántico. Su estudio en Tite Street en Chelsea (anteriormente ocupado por James McNeill Whistler) se convirtió en un verdadero desfile de nobleza, industriales, artistas y celebridades posando para sus retratos.

Entre los retratos de alta sociedad de la Edad Dorada de Sargent se encontraban retratos de mujeres aristocráticas como Lady Gertrude Agnew, Mrs. Isabella Stewart Gardner (1888) – la influyente mecenas de arte de Boston a quien Sargent pintó como una figura imponente en un vestido blanco – y las Hermanas Wyndham (1899), un triple retrato de tres elegantes hermanas apodadas “Las Tres Gracias” por la prensa.

Pintó a la realeza y a empresarios, desde Mrs. George Swinton (una gran anfitriona de la sociedad en Londres) hasta el magnate del acero Charles Schwab. Cada retrato Sargent lo adaptaba a su sujeto y entorno: como señaló un observador, sus modelos ingleses parecían majestuosos, mientras que sus modelos estadounidenses irradiaban un vigor democrático.

El agudo ojo de Sargent para los matices sociales significaba que a menudo sugería la pose o vestimenta perfecta para transmitir el estatus y carácter de una persona. Este instinto es evidente en retratos como Lady Agnew, cuya pose lánguida y mirada directa proyectan una confianza moderna, o el Presidente Theodore Roosevelt (1903), a quien Sargent retrató de pie con actitud firme, mano en la cadera, encarnando autoridad ejecutiva.

Al capturar el espíritu de la Edad Dorada, los retratos de Sargent van más allá de la opulencia superficial. Pintó a los nuevos ricos y a la vieja aristocracia con igual perspicacia, desde las socialités enjoyadas de Nueva York hasta los bostonianos patricios “con responsabilidades ancestrales sobre sus hombros”. Sus obras reflejan las contradicciones de la era: enorme riqueza y refinamiento emparejados con tensiones sociales subyacentes.

En las suntuosas sedas y perlas de sus modelos femeninas, se percibe tanto el poder como la trampa decorativa de sus roles. Algunos críticos en la época de Sargent y posteriormente lo acusaron de ser un mero “pintor de sociedad”, halagando a los ricos y bellos por cuantiosas tarifas. Es cierto que para 1900 Sargent cobraba precios altos y era cortejado por la alta sociedad (un crítico francés bromeó a principios de la década de 1880 que “todas las mujeres bonitas sueñan con ser pintadas por él”). Sin embargo, los mejores retratos de sociedad de Sargent tienen un subtexto de narrativa y realismo que los distingue.

En Madame X, dejando de lado el escándalo, hay un estudio casi clínico de una persona: ella es tanto glamorosa como aislada contra ese fondo vacío. En Las hijas de Edward D. Boit, los hijos de una rica familia estadounidense en París no son representados como muñecas querubines, sino como figuras misteriosas e introspectivas dispersas en un espacio sombrío, simbolizando quizás la soledad de la infancia. Los retratos de sociedad de Sargent, en su mejor momento, se convirtieron en fragmentos de vida de la Edad Dorada: capturando el brillo superficial de una era incluso mientras insinúan las complejidades personales y culturales subyacentes.

Más allá de la sociedad: Obras notables fuera del mundo dorado

John Singer Sargent, A Capriote (1878 CE)

Aunque mejor conocido en su vida por retratos de alta sociedad, el apetito artístico de Sargent era mucho más católico e insaciable de lo que muchos se dieron cuenta. Persiguió una variedad de géneros con igual maestría, a menudo durante descansos de encargos de retratos.

A finales de la década de 1870 y principios de la de 1880, pintó paisajes y escenas de género inspirados en sus viajes: Recolectoras de ostras de Cancale (1878) representaba a chicas campesinas en una playa francesa bajo una luz costera perlada, mientras que A Capriote (1878) mostraba a una modelo italiana descansando en un olivo, reflejando el interés de Sargent en poses naturales y espontáneas.

Durante un viaje al norte de África en 1880, Sargent pintó Fumée d’ambre gris (Humo de ámbar gris), una escena evocadora de una mujer velada inhalando vapores de perfume, un tema teñido de fascinación y misterio orientalista. En Venecia, deambuló con cuaderno de bocetos y pinceles, capturando vistas atmosféricas de los canales y la arquitectura veneciana no como grandes vedute, sino como estudios íntimos y salpicados de luz de la vida cotidiana, radicalmente diferentes de las escenas venecianas más teatrales de otros artistas de su época.

Estas obras menos conocidas revelan la constante experimentación de Sargent. El Jaleo, mencionado anteriormente, es un ejemplo de él saliendo del retrato educado para explorar la música, la danza y la vie bohème.

También pintó a sus amigos y compañeros artistas en entornos informales: su amigo Robert Louis Stevenson aparece delgado e inquieto, paseando por una alfombra en un retrato de 1885 que rompe las reglas convencionales al cortar parte del cuerpo del sujeto y colocarlo fuera del centro. Estos riesgos creativos muestran a Sargent involucrándose con las corrientes impresionistas y realistas de su tiempo.

También estaba familiarizado con los impresionistas: visitó a Monet en Giverny e incluso compró obras de Monet. El propio trabajo de pincel y la iluminación de Sargent en escenas al aire libre como Carnation, Lily, Lily, Rose reflejan esta influencia. Sin embargo, Sargent nunca abandonó completamente el énfasis en la forma y el dibujo que había aprendido; como señala la biografía del MFA, no llegó al extremo de disolver la forma en parches de color puro como lo hizo Monet. En efecto, equilibró la técnica académica con la luz y el color impresionistas, lo que dio a sus obras no encargadas una vitalidad única.

Algunos de los estudios íntimos y bocetos de Sargent permanecieron privados durante su vida, solo para salir a la luz décadas después. Llenó cuadernos de bocetos con dibujos a carbón y lápiz de amigos, escenas de viajes y estudios de la figura.

Especialmente intrigantes son los numerosos estudios de desnudos masculinos que dibujó, a menudo realizados con trazos rápidos y sensibles, que guardó para sí mismo, probablemente consciente de que exhibir tales obras provocaría malentendidos en la época victoriana. Estos dibujos, junto con bocetos al óleo informales de amigos, revelan a un Sargent más introspectivo en el trabajo, fascinado por la forma y la anatomía humana más allá de los confines del arte educado.

Sargent una vez lamentó a un amigo que la pintura de retratos lo estaba confinando, llamándola "una profesión de proxeneta" debido a los juegos sociales involucrados en las comisiones. En su tiempo personal, buscó escapar a través de la pintura de paisajes al aire libre, experimentando con acuarelas y pintando a los más cercanos a él sin filtros.

Comisiones de Murales: El Triunfo de la Religión en Espacios Públicos

John Singer Sargent, Sinagoga (1919 EC)

Otro ámbito en el que Sargent canalizó su prodigioso talento fue la pintura mural, en una escala que iba mucho más allá del caballete. A finales del siglo XIX, Sargent emprendió una prestigiosa comisión pública que lo consumiría de manera intermitente durante casi treinta años: los murales para la Biblioteca Pública de Boston.

Titulado “El Triunfo de la Religión,” este proyecto fue un ciclo ambicioso destinado a adornar la gran escalera y la sala de lectura de la biblioteca con paneles temáticos que combinaban mitología clásica, religiones del mundo y alegoría.

Sargent, siempre ansioso por demostrar su rango, se lanzó a la tarea, estudiando mosaicos bizantinos y frescos renacentistas para inspirarse en la composición a gran escala. A partir de 1890, diseñó y ejecutó una serie de vastos lienzos en su estudio de Londres y los instaló en Boston en etapas durante las siguientes décadas.

Los murales de Boston revelan otra faceta de las habilidades de Sargent. Son simbólicamente complejos y densamente poblados con figuras – profetas, ángeles, deidades y demonios – nada parecido al retrato directo por el que era conocido. En un panel, Friso de los Profetas, se representa una alineación de antiguos profetas hebreos en un estilo de relieve escultórico casi monocromo, transmitiendo gravedad y unidad.

En otro, Los Dioses Paganos, figuras coloridas de la mitología pagana se reclinan entre nubes arremolinadas. La pieza central, Dogma de la Redención, presentaba una figura luminosa de Cristo y fue tan controvertida por su representación de los judíos (un tema de crítica e incluso de desfiguración) que partes de la serie fueron finalmente removidas o reubicadas.

Sargent abordó temas de fe, duda y modernidad en estas obras, si no con éxito total, al menos con un esfuerzo intelectual sincero. Técnicamente, los murales combinan su precisión académica – dibujando sobre el modelo, planificación cuidadosa de las poses – con un espíritu más experimental, incluyendo algunos toques modernistas en patrón y color. Obligaron a Sargent a pensar en una escala narrativa épica, sincronizando múltiples figuras y gestos en un diseño coherente a través del espacio arquitectónico.

Aunque inicialmente recibieron críticas mixtas, los murales de Boston se mantienen hoy como un testimonio de la dedicación de Sargent a expandir sus horizontes artísticos. No contento con ser encasillado como retratista, esencialmente se enseñó a sí mismo el arte de la pintura mural en la mediana edad, produciendo obras que aún adornan la biblioteca e inspiran a los espectadores a mirar hacia arriba con asombro.

Los murales del Triunfo de la Religión han sido reevaluados en tiempos recientes, con académicos encontrando en ellos capas de significado y una visión de las propias contemplaciones espirituales de Sargent. Exploran el choque y la convergencia de culturas, adecuado para un expatriado que cruzaba mundos, y quizás comentan sutilmente sobre el declive de la fe tradicional en una era moderna y científica.

Sargent también completó un segundo gran proyecto mural en Boston: la rotonda del Museo de Bellas Artes, para la cual pintó dioses y musas clásicos (y donde el cuerpo de Thomas McKeller sirvió como modelo para muchas figuras). Estas obras públicas cimentaron aún más el legado de Sargent en la ciudad de sus antepasados, vinculando su nombre al movimiento del Renacimiento Americano que buscaba elevar los espacios públicos con arte de alto nivel.

Viajes Artísticos: Del Medio Oriente a Venecia

John Singer Sargent, Beduinos (1905-06 EC)

Inquieto de corazón, Sargent fue un viajero para todas las épocas, y sus extensos viajes jugaron un papel esencial en la formación de su evolución estilística. Una vez comentó que "nunca podría estar atado a un lugar, debo seguir moviéndome". De hecho, cuando no estaba atado a su estudio por encargos, buscaba nuevos horizontes casi compulsivamente.

En las décadas de 1880 y 1890, cruzó Europa y se aventuró al Medio Oriente, a menudo en compañía de amigos artistas. Estos viajes produjeron una rica cosecha de acuarelas y óleos que revelan el deleite de Sargent por otras culturas y paisajes.

En 1890, Sargent viajó al Medio Oriente y el Norte de África, visitando lugares como El Cairo, Jerusalén, Damasco y Tánger. En lugar de crear fantasías orientalistas grandiosas como algunos contemporáneos, las pinturas de Sargent de estos viajes se caracterizan por una observación aguda y un respeto por el detalle.

Su acuarela Beduinos (1905-06) presenta a dos hombres beduinos con túnicas tradicionales con una mirada directa y sin sentimentalismos: las texturas de sus vestimentas y el juego de la luz del desierto capturados con vibrantes lavados de color. Sus escenas callejeras y bocetos de mercados del Medio Oriente muestran una fascinación por la vida cotidiana: el bullicio de un bazar, la silueta de una mezquita al atardecer, la postura de un conductor de camellos descansando a la sombra.

La perspectiva transnacional de Sargent estaba adelantada a su tiempo, resistiendo el exotismo reductivo. Como señala un crítico, sus retratos de "el otro" a menudo evitaban estereotipos, buscando en cambio autenticidad al representar lugares extranjeros.

Venecia fue otro amor duradero de Sargent. La visitó repetidamente, no para pintar las vistas cliché del Gran Canal, sino para capturar rincones íntimos de la vida veneciana: un patio sombreado con ropa tendida, un destello de sol en un canal estrecho, hombres locales chismeando en un café. Trabajó en acuarela y óleo, produciendo docenas de escenas venecianas que van desde lo lírico hasta lo melancólico.

Estas obras venecianas, a menudo hechas al aire libre, tienen una calidad casi de instantánea, como si el ojo errante y la mano rápida de Sargent estuvieran tomando notas visuales de impresiones fugaces. También le permitieron jugar con elementos visuales puros como los reflejos en el agua, las texturas desmoronadas de ladrillo y piedra, y la luz mediterránea siempre cambiante. En pinturas como Los escalones del Palazzo Foscari o Calle en Venecia (ambas c. 1882), los golpes de color impresionistas de Sargent celebran la belleza de momentos ordinarios en una ciudad histórica, uniendo realismo e impresionismo.

Los viajes de Sargent no se limitaron a Europa y el Cercano Oriente. También realizó múltiples viajes a los Estados Unidos, especialmente después de 1900. En las Montañas Rocosas de Montana, en los soleados naranjales de Florida y en los bosques de Maine, encontró nueva inspiración. Pintó pescadores en la costa de Florida, lagos alpinos brillantes en las Montañas Rocosas Canadienses y la grandeza escarpada de las fronteras occidentales. Estas experiencias ampliaron aún más su repertorio visual, confirmándolo como un artista global cuyo obra mapeó un mundo en rápida transformación.

Quizás la expedición artística más significativa que emprendió Sargent fue un viaje de varios meses a España y el norte de África en 1912, específicamente para estudiar el arte y la arquitectura del mundo islámico. Este viaje culminó en una de sus últimas grandes series de óleos, la árabe o siriana pinturas, donde Sargent representó campamentos beduinos, mujeres árabes y estudios arquitectónicos de mezquitas. Estas obras permanecieron principalmente en su posesión, no se exhibieron ampliamente – eran ejercicios personales de ver y registrar.

Cuando se ven juntas, las pinturas de viaje de Sargent forman un retrato caleidoscópico de un mundo en movimiento: desde los lánguidos canales de Venecia hasta las brillantes nieves de los Alpes, desde los salones de baile españoles hasta los desiertos del Medio Oriente. A través de estas, vislumbramos a Sargent el aventurero y observador, el artista-como-viajero que encontró renovación en cada nuevo horizonte.

Un Cambio hacia la Libertad: La Carrera Posterior de Sargent en Acuarelas

John Singer Sargent, Boceto del "Perseo" de Cellini (1909-10 EC)

Al comienzo del siglo XX, Sargent se había cansado del desfile interminable de encargos de retratos. Las presiones de complacer a los ricos mecenas y los rituales sociales formulaicos involucrados comenzaron a irritar su espíritu creativo.

En 1907, en el apogeo de su fama, Sargent tomó la audaz decisión de dejar de pintar retratos al óleo por encargo. “No más paughtraits,” declaró a sus amigos en su ingenioso inglés con acento francés. Aunque no abandonó el retrato por completo, a partir de entonces aceptó modelos principalmente por amistad y centró su enfoque principal en otros temas – especialmente paisajes en acuarela.

Esto marcó una liberación tardía en la carrera de Sargent. La acuarela, un medio en el que su madre lo había instruido de niño, se convirtió en su nueva pasión. Entre 1900 y su muerte en 1925, Sargent produjo cientos de acuarelas, viajando con papel y caja de pinturas para capturar impresiones espontáneas de la naturaleza. Trabajando al aire libre, a menudo en compañía de su hermana Emily y amigos, pintó escenas bañadas por el sol que están entre las más alegres y desenfrenadas de sus obras.

Sus acuarelas presentan desde avalanchas alpinas de roca hasta delicados primeros planos florales. En las montañas, pintó arroyos centelleantes, caras de granito escarpadas y sus compañeros descansando en praderas de flores silvestres. En lugares mediterráneos, pintó estatuas de mármol en jardines, velas blancas en mares turquesa y naranjos cargados de fruta. T

la paleta vibrante y la ejecución rápida de estas piezas muestran a Sargent deleitándose en la espontaneidad que el medio permitía. A diferencia de sus retratos de estudio escenificados, la acuarela al aire libre exigía una respuesta inmediata a la luz y las condiciones cambiantes, un desafío que Sargent abrazó.

Los críticos quedaron asombrados por el vigor de las acuarelas de Sargent cuando se exhibieron por primera vez. Una exposición de 1909 de sus acuarelas en Nueva York se agotó casi de inmediato, con el Museo de Brooklyn comprando un gran grupo en su totalidad. Los críticos elogiaron cómo estas obras parecían “respirar” con aire fresco y libertad pictórica. Uno señaló que “Sargent lanza color sobre el papel con el deleite desenfrenado de un niño chapoteando en charcos de barro, sin embargo, los resultados son magistrales”, una indicación de cómo su control técnico nunca disminuyó incluso cuando su estilo se aflojó.

En acuarelas como Simplon Pass: The Green Parasol (c. 1911), que representa a mujeres dibujando bajo una vívida sombrilla verde en los Alpes, el pincel de Sargent baila sobre el papel, equilibrando amplios lavados translúcidos con detalles finos logrados a través de la resistencia de cera y el pincel seco.

El medio le permitió ser íntimo y experimental, capturando efectos fugaces de luz moteada y reflejos que podrían ser difíciles en óleo. Al salir de los confines formales de los encargos de retratos, Sargent se reconectó con el simple placer de pintar para sí mismo.

Sargent no pudo escapar completamente del atractivo del retrato. Continuó creando bocetos de retratos en carbón, a menudo en una sola sesión, como un compromiso para satisfacer demandas ocasionales. Estos carbones, de figuras como el diplomático Otto von Bismarck o el crítico de arte Roger Fry, hoy se consideran obras maestras del dibujo: imágenes monocromáticas audaces y elegantes que destilan carácter en unas pocas líneas y manchas.

A petición especial, Sargent pintó algunos óleos más de amigos en estos últimos años, como su conmovedor retrato de 1913 de su amiga Sybil Sassoon de perfil, o su tierno retrato de 1916 de Henry James hacia el final de la vida del novelista. Pero en gran medida, después de 1907, Sargent se dedicó a los estudios de paisajes y figuras que amaba, encontrando en la naturaleza y los viajes la renovación que el retrato social ya no proporcionaba.

Narrativas Ocultas: Sexualidad y una Vida Enigmática

John Singer Sargent, Hombre con Laureles (1874-80 EC)

Detrás de la imagen profesional y brillante de Sargent como retratista de la sociedad, se encontraba una vida privada que ha intrigado – y eludido – a los biógrafos. Sargent nunca se casó y dejó escasa correspondencia personal, por lo que las pistas sobre su mundo interior emergen principalmente de anécdotas y, de manera más tentadora, de su arte. A lo largo de los años, los estudiosos han explorado cada vez más temas de género y sexualidad en la obra de Sargent, descubriendo narrativas ocultas que contrastan con la convencionalidad de su obra pública de retratos.

Una revelación importante llegó en la década de 1980, cuando se exhibió por primera vez un tesoro de dibujos inéditos de Sargent de modelos masculinos desnudos. Estos dibujos – muchos de ellos francamente sensuales, mostrando figuras masculinas en poses reclinadas o vulnerables – provocaron una reevaluación de Sargent no solo como un pintor de sociedad refinado, sino como un hombre con deseos y amistades poco convencionales.

Los rumores sobre la sexualidad de Sargent habían circulado antes — se movía en círculos artísticos que incluían figuras gays como Oscar Wilde, y sus amigos más cercanos de toda la vida eran principalmente hombres. Pero ahora había evidencia tangible de que Sargent encontraba la forma masculina profundamente atractiva y digna de estudio en un contexto privado y expresivo.

Aunque Sargent no se identificó abiertamente como nada (el término “gay” como orientación no se usaba en su tiempo), muchos interpretan estas obras como indicativas de que probablemente era homosexual o bisexual. Sin embargo, debido a que era extremadamente discreto – quizás por necesidad en una era en la que la homosexualidad era criminalizada – la cuestión de la vida romántica de Sargent sigue siendo en parte especulativa. ¿Era Sargent gay, bisexual, o simplemente un hombre cuyas relaciones más cercanas eran con hombres? La verdad puede que nunca se sepa completamente.

Lo que está documentado es que Sargent tuvo relaciones intensas y significativas con varios hombres que a menudo servían como sus musas o modelos. Uno fue el modelo italiano Nicola d’Inverno, quien trabajó como asistente de estudio de Sargent durante años y aparece en algunos de sus bocetos y pinturas. Otro fue el artista británico Albert de Belleroche, a quien Sargent pintó y con quien viajó; eran tan cercanos que los contemporáneos se referían en broma a Belleroche como “Mrs. Sargent.” Y quizás de manera más conmovedora, estaba Thomas McKeller , un joven ascensorista negro a quien Sargent conoció en Boston alrededor de 1916 y contrató como modelo.

McKeller posó desnudo para muchas de las figuras (tanto alegorías masculinas como femeninas) en los grandes murales de Sargent para la Biblioteca Pública de Boston y el Museo de Bellas Artes. Sargent incluso pintó un retrato desnudo de cuerpo entero de McKeller, una imagen impactante del modelo sentado en un cojín verde con alas espectrales azuladas detrás de él, como un ángel caído. Esta pintura, nunca exhibida en vida de Sargent, fue esencialmente escondida: Sargent entregó el lienzo a Isabella Stewart Gardner, quizás para asegurarse de que se preservara pero se mantuviera discretamente en su museo.

No fue hasta décadas después de la muerte de Sargent que se reconoció el papel de McKeller; durante años, el hombre negro cuya forma se convirtió en la base para los dioses y héroes pintados de Sargent permaneció sin nombre en las obras de arte, un silencio que habla de las dinámicas raciales y sociales de la época. La exposición Boston's Apollo: Thomas McKeller and John Singer Sargent (2020) finalmente arrojó luz sobre su colaboración, planteando preguntas sobre poder, visibilidad y la conexión personal entre el artista patricio y su modelo de clase trabajadora.

La estrecha amistad de Sargent con Henry James también merece ser destacada como parte de su narrativa privada. Los dos hombres, ambos expatriados estadounidenses de casi la misma edad, compartían un profundo entendimiento. James a menudo escribía sobre el trabajo de Sargent, elogiando su sofisticación, y Sargent a su vez pintó el retrato de James con una agudeza psicológica que sugiere un verdadero afecto. Algunos académicos se han preguntado si su vínculo contenía una intimidad emocional no expresada.

Cuando Henry James murió en 1916, Sargent estaba desconsolado; diseñó la placa conmemorativa de James para la Abadía de Westminster, vertiendo su dolor en un tributo artístico final. Ya sea que Sargent experimentara o no el amor romántico convencional, claramente formó profundos lazos emocionales que alimentaron su creatividad.

Los numerosos retratos de Sargent de mujeres fuertes y carismáticas – desde la diva Elizabeth “Bessie” Marbury hasta la intelectual Vernon Lee (Violet Paget) – también reflejan una comodidad con la compañía femenina independiente. En una era en la que los roles de género eran rígidos, Sargent parecía navegar su propio camino, rodeándose de un círculo cosmopolita que abrazaba la identidad artística sobre la conformidad.

En última instancia, el Sargent oculto que emerge de estos aspectos es una figura mucho más compleja que el estereotipo del elegante pintor de sociedad. Era un individuo privado que guardaba su vida interior, pero su arte deja pistas: la belleza andrógina de algunos de sus bocetos desnudos, la empatía en sus retratos de marginados y creativos, la aversión de toda la vida al matrimonio y la domesticidad convencional. 

Hoy, los historiadores LGBTQ celebran a Sargent como parte de un linaje artístico queer, señalando que sus intereses del mismo sexo y la no conformidad de género en el arte fueron silenciosamente radicales para su tiempo. Mientras tanto, la historia de Thomas McKeller ha provocado discusiones sobre cómo la contribución de un modelo negro al arte estadounidense pudo permanecer borrada durante tanto tiempo, y cómo el propio legado de Sargent está entrelazado con cuestiones de raza y representación que solo ahora se están explorando completamente.

Las capas de secreto y revelación en la vida de Sargent añaden una dimensión conmovedora a nuestra comprensión de sus pinturas, recordándonos que el arte a menudo lleva historias no dichas debajo de su superficie.

Reevaluando a Sargent: Legado y Perspectivas Modernas

J E Purdy, Retrato de John Singer Sargent (1920 EC)

John Singer Sargent murió en abril de 1925 en Londres, poco antes de cumplir 70 años, dejando tras de sí un enorme cuerpo de trabajo – aproximadamente 900 pinturas al óleo y más de 2,000 acuarelas así como innumerables bocetos. Su fallecimiento fue marcado por importantes exposiciones conmemorativas en Boston, Nueva York y Londres. Sin embargo, durante una parte sustancial del siglo XX, la reputación de Sargent cayó en un peculiar eclipse.

El auge del Modernismo en el arte – con su abstracción y rechazo del realismo tradicional – hizo que los exuberantes retratos de Sargent fueran impopulares para muchos críticos. Para la década de 1950, algunos lo desestimaron como un mero decorador de sociedad, técnicamente hábil pero carente de un significado más profundo. El estilo de retrato de gran manera en el que sobresalía se consideraba anacrónico en una era que defendía a Picasso y Pollock.

Sin embargo, a partir de finales del siglo XX, un renacimiento del interés en Sargent ganó impulso. Los historiadores del arte y el público por igual comenzaron a revaluar su contribución, reconociendo el extraordinario brillo técnico y la complejidad sutil de su obra. Grandes retrospectivas en las décadas de 1980 y 1990 (como una exposición de gran éxito en 1986 que viajó desde la Tate hasta el Museo Metropolitano) reintrodujeron a Sargent a nuevas generaciones.

Los críticos llegaron a apreciar que bajo la elegancia superficial de sus pinturas, Sargent había estado empujando silenciosamente los límites – en roles de género, en perspectiva cultural, y en el mismo lenguaje de la pintura . Sus retratos de mujeres como Lady Agnew o la Sra. Gardner ahora se ven como una celebración de la autocomplacencia e inteligencia femenina, no solo de la belleza. Su inclusión de figuras marginadas – las bailarinas gitanas españolas de El Jaleo, los sujetos beduinos, el modelo negro McKeller – se destacó como evidencia de un humanismo más amplio en su arte de lo que se le había reconocido.

El descubrimiento y la exhibición a finales de siglo de los dibujos de desnudos masculinos de Sargent (como se discutió) también contribuyeron significativamente a esta reevaluación. A la luz de estos, la obra de Sargent ha sido examinada a través del lente de la historia LGBTQ y la crítica poscolonial.

Académicos como Trevor Fairbrother y Richard Ormond han publicado estudios que revelan las capas de significado en la obra de Sargent – desde la forma en que sus pinturas negocian temas de raza e imperio, por ejemplo, las dinámicas de poder al usar un modelo negro para figuras divinas blancas, hasta cómo su amistad con Henry James y otros insinúa una red de creatividad queer que a menudo ha pasado desapercibida.

Como dijo un biógrafo, la vida y el arte de Sargent abarcaban “todo el espectro de la experiencia humana – desde la opulencia de la aristocracia hasta la belleza cruda y sin filtrar de la vida ordinaria”. Tal alcance ahora se celebra como adelantado a su tiempo, cerrando la brecha entre el arte tradicional y los temas modernos.

Hoy en día, John Singer Sargent está firmemente asentado en el panteón de los grandes artistas. Sus pinturas son piezas centrales en colecciones de museos de todo el mundo, admiradas tanto por espectadores casuales como por conocedores. A menudo se le cita como “el principal retratista de su generación”, una etiqueta originalmente otorgada por sus evocaciones de lujo de la era eduardiana en retratos.

Es apreciado como un virtuoso que dominó la luz y el manejo del pincel como pocos otros en la historia – un Monet americano con las habilidades de dibujo de un Maestro Antiguo, como lo describió un crítico. Los retratistas contemporáneos miran a Sargent en busca de lecciones para capturar la esencia viva de un sujeto, mientras que los acuarelistas estudian su técnica por su audacia y fluidez.

Es importante destacar que las conversaciones en torno a Sargent se han vuelto más matizadas. Existe una comprensión de que el mismo artista que pintó Madame X – icono de elegancia – también pintó Gassed – una acusación de la brutalidad de la guerra – y dibujó amorosos bocetos de desnudos masculinos, y pintó austeros profetas en un techo. Cada uno de estos informa al otro, componiendo un retrato de Sargent que es tan facetado y rico como la era en la que vivió.

Al final, el legado de Sargent puede resumirse mejor por su capacidad para capturar el espíritu de una era en vívidos detalles mientras lo trasciende simultáneamente. Fue tanto de la Edad Dorada como más allá de ella. Como estadounidense expatriado en Europa, tenía un ojo agudo de forastero para la pompa de la sociedad; como un alma sensible con secretos, impregnó su arte con empatía e intriga.

Su deseo de viajar y curiosidad de toda la vida mantuvieron su arte sin estancarse – siguió explorando nuevos temas, nuevos lugares, nuevos métodos. Y a través de todo ello, mantuvo un estándar de artesanía que provoca asombro. Más de un siglo después de su muerte, los espectadores aún se sienten atraídos por la interacción matizada de opulencia y fragilidad en la obra de Sargent– ya sea el satén brillante de un vestido que no puede ocultar la melancolía de un retratado, o el resplandor dorado de una linterna iluminando el rostro de un niño al anochecer.

Sargent nos invita a mirar más de cerca y ver más allá de la superficie. Al hacerlo, dejó una impresión indeleble en el lienzo de la historia del arte, una que continúa inspirando y cautivando con su profundidad narrativa y poesía visual.

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