Collage como Espejo Cultural: Un Viaje Lírico a Través de la Historia

El arte del collage siempre ha sido más que un ensamblaje de retazos: es un espejo cultural, sostenido para reflejar los valores, ansiedades y sueños de su tiempo. Desde los artesanos antiguos que superponían materiales preciosos hasta los nativos digitales que remezclan memes, los collages de cada era revelan una crónica de la experiencia humana.

Consideremos a una viuda anciana en 1772, Mary Delany, quien presionó trozos de papel de colores en la semejanza de un geranio y escribió, “He inventado una nueva manera de imitar flores”​. En ese humilde acto de artesanía, sin saberlo, hizo eco de una práctica que se remonta a siglos y continentes – uniendo el mundo en forma visual.

El collage, del francés coller (pegar), literal y metafóricamente une lo efímero en significado. Permite que imágenes y materiales dispares conversen en el lienzo, creando una sintaxis en capas que es a la vez poética e incisiva. Con el tiempo, los artistas han utilizado esta sintaxis para documentar la historia, desafiar a la autoridad y tejer identidades personales y colectivas.

Hoy, mientras navegamos por collages digitales en las redes sociales o encontramos instalaciones inmersivas inspiradas en collages en museos, estamos participando en un linaje que abarca pergaminos chinos antiguos, fotomontajes dadaístas, fanzines punk y más allá.

El viaje de este artículo trazará la transformación del collage desde sus orígenes antiguos hasta la era digital, examinando cómo las fuerzas culturales moldearon su evolución en momentos clave. Veremos cómo cada capa del collage – cada fragmento rasgado y pegado – lleva la impronta de un tiempo y lugar. Una historia de creatividad nacida de la complejidad, una forma de arte continuamente renacida para hablar de nuevas realidades.

Conclusiones Clave

• El arte del collage ofrece una lente única hacia las complejidades de los contextos culturales e históricos.
• El medio ha evolucionado continuamente, reflejando los valores e ideologías cambiantes de la sociedad.
• Movimientos artísticos significativos, incluidos el Dadaísmo y el Surrealismo, utilizaron el collage para el comentario sociopolítico.
• El collage sirve como una crónica de la historia humana, impregnada de símbolos y motivos de diversas culturas.
• A través del collage, los artistas ofrecen tanto una preservación como un desafío a las identidades culturales.
• La adaptabilidad de la técnica le ha permitido mantener su relevancia frente a un mundo que cambia rápidamente.

Orígenes Antiguos: Fragmentos de una Tradición Cultural

Mucho antes de que “collage” fuera un término definido en el arte, los humanos estaban ensamblando fragmentos para contar sus historias. En tiempos prehistóricos, nuestros antepasados combinaban materiales naturales – pétalos de flores, conchas, plumas, alas de mariposa – para adornar objetos o crear exhibiciones rituales.

Estos primeros actos, aunque no eran arte por el arte, revelan un instinto fundamental de coleccionar y componer significado del mundo que nos rodea. Al unir un elemento con otro, las personas prehistóricas estaban esencialmente haciendo los primeros collages, usando el material de la vida diaria para transmitir ideas o espiritualidad.

Una innovación crucial potenció este impulso: la invención del papel en China alrededor del año 200 a.C.. Con el papel, nació una nueva superficie flexible, y pronto los artesanos descubrieron que podían cortarlo y pegarlo de maneras ingeniosas. Los registros históricos sugieren que para la dinastía Tang, los monjes budistas pegaban sutras (escrituras) de papel e imágenes como arte devocional.

El collage, en este contexto, era una herramienta de piedad y preservación – fragmentos de oraciones impresas ensamblados en un todo mayor. Esto estableció un precedente para el collage como una práctica de creación de significado, incrustando valores culturales (en este caso, devoción religiosa) en los propios materiales de la obra de arte.

Japón adoptó la práctica no mucho después. Para el siglo X, en el período Heian, los poetas y calígrafos japoneses eran conocidos por pegar poemas en fondos de papel decorado como parte del arte de tsugimono, creando pergaminos de poesía visualmente estratificados. Podían adjuntar delicados papeles recortados con hojas de oro o plata y caracteres entintados para ensamblar un diseño armonizado – esencialmente un collage de papel temprano que unía texto e imagen.

Para el siglo XII, los artistas japoneses también pegaban papel en seda para embellecer pantallas y pergaminos, un precursor temprano del collage en el arte fino. Estos usos refinados en Asia Oriental fueron paralelos a prácticas populares en otros lugares: en Europa central para el siglo XIII, la gente usaba técnicas similares al collage como una artesanía para decorar sus hogares – por ejemplo, combinando tela, fotos y recuerdos en lo que podríamos llamar proto-álbumes de recortes o tableros de memoria.

La prehistoria del collage es, por lo tanto, un tapiz global. En muchas tradiciones indígenas y populares, encontramos técnicas análogas de ensamblar piezas:

• Textiles Mola hechos por mujeres Guna en Panamá que superponen telas de colores en un aplique inverso (un collage textil) para representar historias locales
• Tradiciones de acolchado en África y la diáspora africana que cosen juntos retazos de tela dispares en narrativas unificadas
• Los mandalas de arena budistas tibetanos ensamblan millones de granos de arena coloreada en diagramas cósmicos, solo para barrerlos – un ritual conmovedor de creación y dispersión similar al ethos del collage de impermanencia y recombinación.

Cada una de estas prácticas utiliza un principio de collage: juntar fragmentos para crear un significado que trasciende cualquier pieza individual.

Para las eras del Renacimiento y Barroco en Europa, los elementos de collage aparecieron en el arte religioso y las artesanías cortesanas. Las monjas en conventos medievales elaboraban exquisitos relicarios e imágenes devocionales adornadas con pergamino cortado, tela y joyas – un collage espiritual de materiales.

En el gabinete de curiosidades barroco, los coleccionistas montaban mariposas, monedas e impresiones en arreglos elaborados, efectivamente haciendo un collage de la naturaleza y el arte como una forma de catalogar las maravillas del mundo.

Estos primeros collages servían como espejos culturales de su tiempo: los collages de papel chinos reflejaban una sociedad que apreciaba la erudición y la fe, los collages de pergaminos japoneses reflejaban una cultura cortesana que valoraba la poesía y la elegancia, y los collages folclóricos europeos hablaban de la vida doméstica y la memoria personal.

Para el siglo XVIII, el collage tal como lo conocemos comenzó a surgir más claramente. El trabajo de Mary Delany es un ejemplo destacado: entre 1772 y 1783, en la corte de Inglaterra, esta abuela gentil elaboró a mano 985 collages botánicos tan científicamente precisos que los botánicos se maravillaban de que uno pudiera “describir botánicamente cualquier planta...sin temor a error” al mirarlos.

Delany llamaba a sus flores “mosaicos de papel,” un término apropiado que destaca cómo cada una era un compuesto de muchos recortes de papel. Su renacimiento artístico tardío en la vida – impulsado tanto por la curiosidad como por el dolor – subraya un tema clave: el collage a menudo florece en tiempos de trastorno personal o social, dando forma a lo que de otro modo sería inexpresable. 

Alrededor de la misma época, el collage victoriano se convirtió en un pasatiempo popular. Aristócratas y familias de clase media por igual mantenían álbumes de recortes y collages. Incluso el novelista Charles Dickens se entregó a ello, colaborando con un amigo para cubrir un biombo plegable con cientos de grabados recortados.

Los collages domésticos victorianos, creados para el entretenimiento, eran sin embargo artefactos culturales: reunían la cultura visual del día (recortes de periódicos, imágenes impresas) en nuevas narrativas, tal como podríamos hacer un collage digital de fotos de noticias para comentar sobre eventos actuales.

A través de estos primeros ejemplos, el arte del collage estableció dos roles perdurables: como un medio de preservar el pasado (presionando piezas atesoradas en un nuevo conjunto) y como un medio de subversión o juego , recombinando el mundo con capricho o crítica. Estos roles se volverían aún más pronunciados a medida que el collage entrara en el ámbito del arte moderno.

El Contexto Histórico del Arte del Collage: Una Cronología de Influencias

La rica historia del arte del collage está impregnada de una mezcla de dinámicas culturales, sirviendo como un léxico visual repleto de comentarios e ideas revolucionarias. Esta sección emprende un viaje para cronometrar la cronología de influencias en el arte, señalando la metamorfosis del collage desde su inicio hasta la potencia de expresión que es hoy.

Al explorar las influencias culturales, no solo adquirimos una visión de este medio transformador, sino que también apreciamos los roles fundamentales desempeñados por una constelación de artistas y movimientos en la conformación de su trayectoria.

1. Los primeros estadios del collage pueden rastrearse hasta la invención del papel en China, lo que eventualmente llevó a las primeras instancias registradas de collages de papel utilizados por monjes para textos religiosos, simbolizando el primer contexto histórico del arte del collage.
2. Avanzando rápidamente hacia principios del siglo XX, cuando el Cubismo provocó un cambio crucial al incorporar medios mixtos en su trabajo artistas como Pablo Picasso y Georges Braque, marcando un desarrollo significativo en la cronología de influencias en el arte.
3. Los sentimientos antibelicistas y la crítica social del movimiento Dada empoderaron a artistas, incluidos Hannah Höch y Kurt Schwitters, para usar el collage como una forma de rebelión—criticando constructos culturales y estableciendo nuevos precedentes en la historia del arte del collage.
4. Más tarde, los surrealistas infundieron el collage con elementos de sueño y fantasía, con artistas como Max Ernst utilizándolo como un lienzo para exploraciones subconscientes y reflejando influencias culturales a través de yuxtaposiciones que difuminaban la realidad y el sueño.
5. La mitad del siglo XX trajo consigo el Arte Pop, donde el collage se convirtió en un espejo de la cultura del consumo, con artistas como Richard Hamilton y Andy Warhol diseccionando y reensamblando imágenes populares para comentar sobre la mercantilización de la cultura.
6. Desde finales del siglo XX hasta el siglo XXI, el arte del collage continuó evolucionando, con las tecnologías digitales y la conectividad global inaugurando una nueva era. Este período ha visto a artistas aprovechar el collage para el comentario social y el activismo digital, ampliando en última instancia su significado histórico y cultural.

Al examinar este pasado histórico, es evidente que el collage ha servido continuamente como un medio de elección para los artistas interesados en explorar influencias culturales. Su adaptabilidad y propensión a amalgamas eclécticas lo han convertido en un lienzo en constante evolución, reflejando el rostro siempre cambiante de la cultura humana.

El contexto histórico del arte del collage no es simplemente un pasado para ser estudiado sino una conversación en curso, puntuado con capas de significado que hablan de la fluidez del tiempo y la cultura.

• La experimentación del Cubismo refleja la perspectiva del mundo en modernización y la superposición de diferentes perspectivas a través del collage.
• La utilización del collage por parte del Dada subraya la crítica cultural y la deconstrucción de los valores previos a la guerra.
• Los collages oníricos del Surrealismo disecan las grietas entre la realidad tangible y la mente sin restricciones.
• Los vibrantes cuadros del Pop Art representan la creciente influencia de los medios de comunicación masivos y la cultura del consumo en las identidades individuales y sociales.
• La cultura del remix de la era digital y los memes de internet presentan una nueva frontera donde la narrativa histórica del arte del collage continúa desarrollándose.

Dentro de este rico tapiz se encuentra una intrincada red de épocas, ideologías y metodologías, todas contribuyendo a la esencia robusta y multifacética del arte del collage. Es una historia no solo de artistas y sus obras, sino de cómo esos elementos reflejan y desafían las épocas de las que surgieron, proporcionando contexto cultural e influyendo en las generaciones creativas sucesivas.

Revolución de Cortar y Pegar: El Collage en la Vanguardia

A principios del siglo XX, el collage irrumpió en la escena del arte de vanguardia, cambiando para siempre el curso del arte moderno. El catalizador fue el Cubismo, el movimiento artístico radical liderado por Pablo Picasso y Georges Braque en París.

Para 1912, Picasso se había cansado de simplemente pintar una naturaleza muerta. En un movimiento audaz, pegó un trozo de hule impreso comercialmente con un patrón de silla de caña directamente sobre su lienzo Naturaleza Muerta con Silla de Rejilla (1912). Fue un gesto escandaloso – “la incongruencia impactante de introducir un dispositivo de arte popular en el arte ‘serio’.

Al insertar un material del mundo real en la ilusión pintada, Picasso derrumbó la frontera entre el arte y la vida. Como señala un comentario del Museo Metropolitano, esto fue un “acto radical – insertar un fragmento de la realidad en el reino ficticio de la pintura,” una imitación ingeniosa de la realidad que tanto burlaba como honraba la tradición.

Braque, no queriendo ser menos, pronto pegó trozos de papel tapiz y periódico en sus obras de arte. Así nació el Cubismo Sintético, y con él la introducción formal de la técnica del collage en el arte fino.

¿Por qué sucedió esto en 1912? Culturalmente, el mundo estaba cambiando a una velocidad vertiginosa – la modernidad estaba en pleno apogeo con sus teléfonos, automóviles y periódicos diarios. El collage cubista reflejaba una visión del mundo moderna: una de fragmentos, simultaneidad y múltiples perspectivas.

Al cortar y reensamblar trozos de lo cotidiano (recortes de periódico, envoltorios de tabaco, papel tapiz), Picasso y Braque buscaban capturar las realidades superpuestas de la vida moderna. El collage era el medio perfecto para esto. Permitía a los artistas yuxtaponer diferentes texturas y puntos de vista en un solo plano, tal como una ciudad presenta un collage de vistas y sonidos. Como resultado, la experimentación del Cubismo con el collage se convirtió en un fundamento para gran parte del arte del siglo XX. La misma palabra “collage” entró en el vocabulario del arte a través de estos experimentos.

Otros artistas rápidamente tomaron las tijeras (y el pegamento). En Italia, los Futuristas pegaron palabras e imágenes en sus manifiestos y diseños tipográficos extravagantes, tratando de transmitir el caos de la era de las máquinas. En Rusia, los Constructivistas ensamblaron collages abstractos de papel e impresión para promover ideales revolucionarios. Pero fue en medio de la Primera Guerra Mundial que el collage asumió un papel cultural aún más combativo: el nacimiento del Dada.

Dada: El Pegamento como Arma de Disidencia

En 1916, mientras la guerra devastaba Europa, un grupo de artistas y poetas expatriados en Zúrich – Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann, entre ellos – se rebelaron contra todo lo que representaba la sociedad. Llamaron a su anti-movimiento Dada, una palabra sin sentido que reflejaba su indignación ante la violencia sin sentido de la Primera Guerra Mundial. El collage y su primo fotográfico, el fotomontaje, se convirtieron en las armas más explosivas del Dada.

¿Por qué el collage? Los dadaístas encontraron en la técnica de cortar y pegar una metáfora para el mundo fracturado que los rodeaba. Al cortar físicamente periódicos, anuncios y fotografías – el mismo tejido de la cultura visual de la sociedad burguesa – y reensamblarlos de maneras absurdas o impactantes, buscaban literalmente cortar las ilusiones del nacionalismo, la propaganda y el arte tradicional.

Hannah Höch, una dadaísta de Berlín, fue pionera en el fotomontaje para criticar los roles de género y la política. En su collage de 1919 Cortado con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural de Weimar de barriga cervecera en Alemania, cortó imágenes de figuras políticas alemanas e imágenes de los medios de comunicación masivos, reensamblándolas en una sátira caótica y mordaz de la sociedad de Weimar. El título en sí sugiere herramientas domésticas (un cuchillo de cocina) usadas para cortar la autoridad inflada (la “barriga cervecera” del establecimiento)​. El trabajo de Höch, como muchos collages dadaístas, fue una crítica polifónica – múltiples voces y significados que emergen de los fragmentos yuxtapuestos, una protesta visual contra una narrativa singular y racional.

El collage Dada introdujo varias tácticas culturales clave que resuenan en el arte hasta el día de hoy:

• Fotomontaje como Crítica Social: Artistas como Höch y John Heartfield combinaron y retocaron fotografías para crear mensajes políticos contundentes (Heartfield famosamente se burló de Hitler al hacer un collage del retrato del Führer para revelar un alijo de monedas de oro en su estómago, implicando la avaricia que alimenta el fascismo). Esta técnica es un antecesor directo de los memes políticos y la sátira de Photoshop de hoy en día.

• Azar e Irracionalidad: Los collagistas dadaístas a menudo abrazaron arreglos azarosos de fragmentos (Jean Arp, por ejemplo, dejaba caer trozos de papel rasgado y los pegaba donde caían) para rechazar la idea de un orden premeditado. Esta asociación libre de imágenes imitaba el sentido de desubicación de la época, y también presagiaba los métodos surrealistas.

• Tipografía y Gráficos en el Arte: El dadaísmo desdibujó el arte y la publicación. Palabras recortadas, tipografías y logotipos comerciales encontraron su camino en los collages, erosionando la barrera entre el arte fino y los medios de comunicación masivos. Al hacerlo, los collages dadaístas reconocieron que la cultura en sí era un collage de alto y bajo, serio y absurdo, una noción que solo crecería más fuerte en el arte posmoderno.

En la década de 1920, muchos artistas dadaístas evolucionaron (o involucionaron) en surrealistas, llevando las técnicas de collage con ellos a nuevos reinos conceptuales. El movimiento surrealista, enamorado de las teorías de Freud sobre los sueños y el subconsciente, vio el collage como un medio para acceder a imágenes extrañas e inquietantes que podrían surgir aparentemente por accidente.

Max Ernst creó collages a partir de grabados del siglo XIX para formar escenas fantásticas (su libro de 1934 Une Semaine de Bonté es una novela en collage, remezclando ilustraciones victorianas en viñetas absurdas y oníricas). Los surrealistas valoraban cómo el collage podía hacer imágenes familiares extrañas al sacarlas de contexto.

Como observó un historiador del arte, el acto de unir imágenes dispares reflejaba las creencias surrealistas de que el significado es generado por el subconsciente en saltos ilógicos. La cabeza de un hombre sobre el cuerpo de un pez, o una muñeca pegada en un bosque: tales combinaciones irracionales eran ventanas a la mente inconsciente.

Sin embargo, incluso en sus aplicaciones más oníricas, el collage en manos de los surrealistas seguía siendo un barómetro cultural. Capturaba el desencanto de un mundo después de la guerra, donde antiguas certezas (políticas, sociales, religiosas) se cortaban en pedazos, y nuevas y desconcertantes realidades se ensamblaban a partir de sus piezas.

El collage también proporcionaba una manera de procesar la avalancha de imágenes de los medios modernos . A medida que los periódicos, revistas y anuncios proliferaron en la década de 1920, los artistas literalmente tenían más material en bruto que nunca para cortar. Los surrealistas aprovecharon esta avalancha de imágenes para sondear el inconsciente colectivo: cada collage era como una interpretación de sueños freudiana de la cultura moderna, ensamblando los residuos de los medios de comunicación de masas en revelaciones o pesadillas.

Para finales de la década de 1920 y 1930, el collage se había establecido como una técnica central de la vanguardia, utilizada no solo en Europa sino globalmente. Modernistas latinoamericanos como José Orozco experimentaron con el collage en murales y grabados; en Japón, la revista de vanguardia Mavo presentó obras de collage; y en los Estados Unidos, el joven Joseph Cornell comenzó a crear sus cautivadoras cajas ensambladas tipo collage, llenas de bric-à-brac victoriano dispuesto de maneras surrealistas.

Línea de tiempo indexada: Momentos clave en la historia del collage (1900–1940) – una referencia rápida de los avances fundamentales del collage y su contexto cultural:

• 1907–1911: Picasso y Braque desarrollan el Cubismo Analítico (fragmentación de la forma). Para 1912 pasan al Cubismo Sintético y crean los primeros collages de bellas artes (por ejemplo, el Naturaleza muerta con silla de rejilla de Picasso), introduciendo papel tapiz, periódico y cuerda en la pintura. Significado: El collage entra en el arte elevado, reflejando una realidad moderna donde el arte y la vida cotidiana se fusionan.
• 1916–1920: Surge el Dada (Zúrich, Berlín, París, Nueva York). Los fotomontajes de Hannah Höch y los collages Merz de Kurt Schwitters usan billetes de autobús, periódicos, tela e imágenes para atacar la cultura burguesa y la propaganda de guerra. Significado: El collage se convierte en una herramienta de protesta, parodia y crítica cultural.
• 1924: Se publica el Manifiesto Surrealista en París. Las novelas collage de Max Ernst (1921–34) y otros utilizan el collage para evocar escenas oníricas. Significado: El collage se utiliza para explorar el subconsciente e irracional, comentando sobre la psique fracturada post-Primera Guerra Mundial.
• 1931: Exposition Internationale du Surréalisme exhibe collages y objetos (París). Joseph Cornell comienza a crear cajas de ensamblaje en Nueva York en la década de 1930, una extensión tridimensional de los principios del collage. Significado: Valida el collage como arte fino a nivel internacional; la estética del collage se extiende a América, influyendo en artistas emergentes.

Collage de Arte Pop y la Cultura de los Medios de Comunicación Masiva

Si el comienzo del siglo XX vio el uso del collage para desmantelar antiguos órdenes mundiales, la mitad del siglo XX lo vio empleado para navegar el nuevo mundo de los medios masivos y la cultura del consumidor. El período posterior a la Segunda Guerra Mundial estuvo marcado por una explosión de publicidad, televisión, imágenes impresas y productos, una sobrecarga de estímulos visuales que en sí misma se sentía como un gran collage asaltando los sentidos. No es de extrañar que los artistas de las décadas de 1950 y 1960 recurriesen (de nuevo) al collage para entender o criticar esta nueva realidad.

Proto-Pop: La Cápsula del Tiempo de Hamilton de 1956

En 1956, un collage seminal del artista británico Richard Hamilton planteó (y respondió con picardía) la pregunta: “¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?” El collage representa una sala de estar moderna repleta de bienes de consumo e iconos de la cultura pop: un culturista sostiene con orgullo una piruleta gigante etiquetada como “POP”, una lata de jamón se encuentra sobre una mesa de café, una portada de cómic y una grabadora adornan las paredes.

Hamilton recortó estas imágenes de revistas estadounidenses y las ensambló en una instantánea satírica de la sociedad de consumo emergente. Esta única obra de arte a menudo se cita como la primera obra de Arte Pop, con el collage en su núcleo. El mensaje era claro: la vida moderna es un collage, un bombardeo de imágenes y productos dispares que compiten por nuestra atención y deseo.

El collage de Hamilton anunció un cambio. En el movimiento de Arte Pop de finales de los años 50 y 60, los artistas abrazaron con entusiasmo el collage y el ensamblaje para celebrar, criticar o simplemente reflejar la nueva cultura saturada de medios.

Andy Warhol, aunque conocido por la pintura serigrafiada, también utilizó técnicas de collage en sus primeras obras (como sus experimentos de foto-collage de los años 60, organizando imágenes repetidas de celebridades y productos).

Robert Rauschenberg construyó combinaciones monumentales, mitad pintura, mitad ensamblaje, pegando periódicos y fotografías en lienzos e incluso incorporando objetos reales como una cabra disecada o un neumático.

Estos eran collages en tres dimensiones, acumulaciones caóticas que capturaban la textura cruda de la vida americana. Rauschenberg dijo famosamente que trabajaba “en el hueco entre el arte y la vida”, y sus combinaciones basadas en collages son exactamente eso: ni arte ilusorio completo ni realidad cruda, sino un híbrido.

Al otro lado del océano, los artistas del Pop Europeo y el Nouveau Réalisme estaban haciendo prácticamente lo mismo. En 1960, el artista francés Mimmo Rotella arrancó carteles de la calle y re-collageó sus fragmentos en nuevas composiciones (él llamó a esto décollage, literalmente despegado, ya que restaba y reorganizaba en lugar de agregar). Los Nouveau Réalistes en Francia (como Jacques Villeglé) de manera similar levantaron carteles cubiertos de graffiti y los exhibieron como collages de la cultura visual urbana de la “vida real”.

Lo que une estos enfoques de la era Pop es la sensación de que el arte debería reflejar el bombardeo de imágenes que las personas estaban experimentando diariamente – los anuncios de revistas, las estrellas de cine, las tiras cómicas y el embalaje comercial que habían llegado a definir los sueños y aspiraciones de la sociedad de posguerra.

El collage en esta era a menudo tenía un borde juguetón e irónico. A diferencia de los dadaístas enojados o los surrealistas serios, los artistas Pop abordaron la imaginería cultural con una mezcla de fascinación e ironía. Sin embargo, había crítica incrustada en muchas de estas obras. El collage de Hamilton es casi clínico en cómo disecciona un interior consumista; las repeticiones de Warhol de Marilyn Monroe o una lata de sopa Campbell, aunque celebratorias en la superficie, también nos invitan a considerar cómo la reproducción masiva y los medios de comunicación moldean nuestros deseos.

El collage era el formato ideal para las preguntas del arte Pop porque es fundamentalmente un arte de apropiación – toma imágenes existentes (a menudo comerciales) y las recontextualiza. Al hacerlo, el arte del collage puede exponer los mecanismos de las imágenes de los medios: cómo persuaden, glorifican o engañan.

Como observó el crítico de arte Donald Kuspit, una gran fortaleza del collage es su potencial para socavar las ideas dadas sobre el mundo, para negar la absolutidad de la realidad de consenso. En los años 60, la “realidad de consenso” era que consumo = felicidad; los collages Pop agujereaban juguetonamente eso al recombinar las mismas señales de consumo en arte ambiguo.

Collage para Protesta e Identidad (1960s–1970s)

Los años 60 y 70 fueron tiempos turbulentos – movimientos por los derechos civiles, movimientos feministas, protestas contra la guerra de Vietnam – y el collage una vez más se convirtió en una táctica favorita para activistas y artistas que hablaban la verdad al poder.

El collage es inherentemente democrático : uno no necesita una educación formal en arte para cortar y pegar, y se pueden usar materiales baratos y accesibles como revistas, folletos y fotografías. Por lo tanto, naturalmente sirvió a la contracultura.

Considera los carteles políticos y los zines underground de la época. El movimiento contra la guerra a menudo empleaba fotografías en collage con un efecto impactante (por ejemplo, imágenes de niños vietnamitas sobrepuestas en una bandera estadounidense). En 1967, Carolee Schneemann, una artista de performance vanguardista, creó “Body Collage”, una pieza en la que se enrollaba desnuda en pegamento y trozos de papel. Era una declaración feminista visceral: la mujer convirtiéndose en collage, desafiando la cosificación del cuerpo femenino al reclamarlo en un caos de material pegado.

Artistas feministas como Hannah Wilke y Martha Rosler en los años 70 usaron el fotomontaje para criticar los roles de género, tal como lo había hecho Höch, pero ahora abordando la domesticidad de los años 60 y la industria de la belleza. La serie de Rosler House Beautiful: Bringing the War Home (c. 1967-72) pegó imágenes espantosas de la Guerra de Vietnam en interiores de revistas brillantes, colapsando la distancia entre los hogares cómodos estadounidenses y la guerra en el extranjero, un potente collage político que circuló en periódicos underground en lugar de galerías de arte.

Mientras tanto, en la música y el diseño gráfico, la estética del collage señalaba rebelión. El movimiento punk rock adoptó un aspecto de cortar y pegar DIY para los carteles de conciertos y las portadas de álbumes, posiblemente la influencia del Dada revivida.

El famoso volante anárquico para el sencillo de los Sex Pistols “God Save the Queen” (1977) de Jamie Reid presenta el retrato de la Reina desfigurado con letras al estilo de una nota de rescate, un descendiente directo del fotomontaje Dada. Para producir ese texto de nota de rescate, Reid literalmente cortó letras de titulares de periódicos. Este estilo de collage de “nota de rescate” se convirtió en sinónimo de la postura anti-autoritaria del punk. En esencia, cada collage era una pequeña revolución, reorganizando los símbolos de poder en una rebelión visual.

El collage también se convirtió en un medio para que las voces marginadas afirmaran su identidad. Artistas afroamericanos de los años 60 y 70 como Romare Bearden abrazaron el collage para representar la vida negra en América. Bearden recortó fotografías de revistas, papel estampado y sus propios dibujos, ensamblándolos en escenas vibrantes e improvisadas de la historia afroamericana y la experiencia cotidiana: músicos de jazz, bautismos, vida callejera en Harlem.

La estética de “patchwork” de Romare Bearden resonó con las tradiciones de fabricación de colchas y la improvisación del Blues, vinculando el collage a un patrimonio cultural de creatividad negra nacido de ensamblar lo que se tiene a mano. También permitió a Bearden literalmente insertar rostros y cuerpos negros en la narrativa histórica del arte , subvirtiendo un canon que durante mucho tiempo los había excluido. Al hacerlo, influyó en generaciones posteriores para usar el collage en la narración personal y política.

A finales de la década de 1970, el collage había permeado casi todas las formas de arte y rincones de la sociedad: desde el arte elevado (exposiciones de museos de Schwitters o Cornell) hasta la cultura pop (fanzines musicales, cómics) y el activismo político (arte de protesta).

La idea de que cualquier cosa podría ser arte una vez combinada de manera reflexiva ahora era ampliamente aceptada. El collage, una vez controvertido, ahora era un lenguaje visual común. Sin embargo, su viaje estaba lejos de terminar; de hecho, la revolución digital estaba a punto de impulsar el collage a una dimensión completamente nueva.