11 Berühmte Collage -Künstler, die die Kunstform definierten

Von Dada zum Feminismus: Erforschen der Auswirkungen berühmter Collage -Künstler

Collage Art ist eine einzigartige Form des künstlerischen Ausdrucks, bei dem verschiedene Elemente und Materialien kombiniert werden, um ein zusammenhängendes und visuell atemberaubendes Bild zu erstellen.

Collage Art hat eine reiche Vergangenheit Datierung Zurück zum 12. Jahrhundert Japan - Eine lange Zeit, bevor Pablo Picasso und Georges Braque die Form als Die Technik von Papierkollé (geklebte Papier) In den 1910er Jahren. Im Laufe der Jahre gab es zahlreiche Collage -Künstler, die mit ihren innovativen Stilen und Techniken einen erheblichen Einfluss auf die Kunstwelt hatten.

In diesem Artikel werden wir 11 berühmte Collage -Künstler treffen, die die Kunstwelt unauslöschlich geprägt haben. Sein selbst ein Collage -KünstlerIch war überrascht, wie wenige dieser speziellen Künstler, die ich kannte.

Und du?

11 Berühmte Collage -Künstler, die die Kunstform definierten

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Mit dem Dada -Küchenmesser geschnitten Durch die letzte Weimarer-Bier-Bauch-Kultur-Epoche in Deutschland, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

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Hannah Höch (geb. 1. November 1889, in Gotha, Deutschland und starb am 31. Mai 1978 in Berlin) war ein Deutscher Die Dada -Künstlerin, die am besten für ihre politischen Fotomontagen aus Zeitungsausschnitten und gefundenen Objekten bekannt ist. Sie besuchte die Berlin College of Arts und Handwerk und die Schule des Royal Museum of Applied Arts. Höchs Arbeit, die sich oft mit dem Ideal des frühen 20. Jahrhunderts befassen ","Neue Frau, "herausfordern traditionelle häusliche Rollen von Frauen.

Sie war mit der Berlin Dada -Bewegung verbunden und Zusammenarbeit mit Künstlern wie Raoul Hausmann. Während der Weimar Republic, Höch in der liberalisierten Atmosphäre gedieh und produzierte witzige und subtile Fotomontagen, die kommentierte die wichtigsten Themen des Tages. Ihre Arbeiten waren innovativ in der Verwendung von Materialien, die aus der Populärkultur stammen, und sie gilt als eine der Urheber der Fotomontage.

Höchs Kunst wurde vom NS -Regime degeneriert, und sie lebte während des Zweiten Weltkriegs in relativer Dunkelheit. Trotzdem ist ihr Einfluss in den Werken späterer Künstler wie Cindy Sherman und Hannah Wilke zu sehen. Höchs Kunst findet derzeit in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art und des Museum of Modern Art in New York und der Berlinischen Galerie statt.

Hannah Höchs berühmtestes Werk ist die Photomontage von 1919 mit dem Titel "Cut With the Kitchen Messer Dada durch die letzte Weimarer -Bierbauchkultur -Epoche Deutschlands “. Dieses Stück ist ein satirischer Kommentar zu den politischen und sozialen Fragen der Weimar -Republik, die ihren innovativen Gebrauch von Materialien und ihre Fähigkeit zu zeigt Erstellen Sie zum Nachdenken anregende Kunst. Die Photomontage enthält eine Collage von Bildern aus Zeitungen, Magazinen und anderen Medienquellen, die sie neu aufbauen, um eine visuell auffällige und kritische Darstellung der Zeit zu erstellen. Diese Arbeit ist ein hervorragendes Beispiel für Höchs wegweisende Beiträge zur DADA -Bewegung und ihre Fähigkeiten, die Fotomontage als mächtiges künstlerisches Medium zu verwenden.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Kaiserin des Blues, 1974, Acryl und Bleistift auf Papier und gedrucktem Papier auf Pappplatte, 36 X 48 In. (91.4 X 121.9 cm.)

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Romare Bearden (1911-1988) war ein afroamerikanischer Künstler, der für seine mächtigen Collage-Kunstwerke bekannt war, die die afroamerikanische Erfahrung zu Lebzeiten darstellten. Geboren in Charlotte, North Carolina, Bearden wuchs in New York City und Pittsburgh auf, und studierte am Kunststudenten League in New York City mit George Grosz und bei Universität von Columbia. Er arbeitete mit verschiedenen Medien zusammen, einschließlich Cartoons, Öle und Collagen.

Beardens Kunstwerke stellten konsequent afroamerikanische Kultur und Erfahrung dar, die ländliche Themen abdecken, die auf seinen Erinnerungen an die basieren Ebenso wie auch südlich Stadtleben und Jazz. Sein Collage -Kunstwerk spiegelte oft Elemente des Jazz wider, mit dem Zusammenspiel zwischen Charakteren und Improvisation von Materialien. In den 1980er Jahren produzierte er eine große Anzahl von Arbeiten mit überzeugenden Bildern von Frauen.

Während der Harlem Renaissance, Romare Beardens Familienhaus in New York City wurde zu einem Treffpunkt für prominente Intellektuelle und Künstler, wie z. W. E. B. Du Bois, Paul Robeson und Countee Cullen. In dieser Umgebung wuchs Bearden verschiedenen Kunstformen, einschließlich Musik, ausgesetzt und traf viele bekannte Musiklegenden der Zeit.

Obwohl Bearden produktiv war, stand Bearden aufgrund von Vorurteilen und Segregation in der amerikanischen Kunstwelt vor Herausforderungen, um als großer amerikanischer Künstler anerkannt zu werden. Seine Ausstellungen erhielten jedoch begeisterte Reaktionen, und 1987 erhielt er die National Medal of Arts. Bearden trug auch als Songwriter, Buch Illustrator und Set Designer für die Alvin Ailey American Dance Company bei. Im Jahr 1990 wurde die Romare Bearden Foundation gegründet, um junge oder aufstrebende Künstler und Gelehrte zu unterstützen.

1964 wurde Bearden zum ersten Art Director der Art ernannt Harlem Cultural Council, eine prominente afroamerikanische Interessenvertretung. Er war an der Gründung mehrerer wichtiger Kunststätten wie der beteiligt Studio Museum in Harlem und der Cinque Gallery. Beardens Beiträge zur Harlem Renaissance erstreckten sich über sein Kunstwerk hinaus, als er junge, aufstrebende Künstler aktiv unterstützte und sich für die afroamerikanische Kultur und Erfahrungen einsetzte.

Obwohl Bearden am besten für seine bildende Kunst bekannt ist, war er auch ein begeisterter Musikschüler, ein Texter und ein Kostüm und ein Set -Designer. Sein Kunstwerk zeigte oft die afroamerikanische Kultur und Erfahrungen, die sich von seinem Leben in Harlem und inspirieren lassen Pittsburgh.

3

John Heartfield

John Heartfield, Cover Art für Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über Alles, 1929 © The Heartfield Community of Erben / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlin.

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John Heartfield (geboren Helmut Herzfeld; 1891-1968) war ein deutscher Bildungskünstler, der leistete den Einsatz von Kunst als politische Waffe Pionierarbeitbesonders durch seine Anti-Nazi- und antifaschistischen Fotomontagen. Die Werke von Heartfield verwendeten oft satirische Bilder und Slogans, um das politische Klima seiner Zeit insbesondere zu kritisieren gegen den Aufstieg von Adolf Hitler und das dritte Reich.

Die Fotomontagen von Heartfield werden das Erstellen zugeschrieben Einige der kultigsten politischen Plakate des 20. Jahrhunderts Aufgrund ihrer starken visuellen Auswirkungen und ihrer Fähigkeit, starke politische Botschaften zu vermitteln. Von 1930 bis 1938 entwarf er 240 Anti-Nazi-Kunststücke, die in der veröffentlicht wurden Aiz Magazine. Diese Werke wurden in geschmuggelt Deutschland von Tschechoslowakei, Österreich, Schweiz und Ostfrankreich nach der Nationalsozialisten übernahmen die Kontrolle.

Der künstlerische Mut von Heartfield entsprach seinem körperlichen Mut, als er bis 1933 in Berlin in Berlin lebte. Vorhersehte die Schrecken des NS -Regimes und diente als mächtige Form des politischen Protests und machte ihn zu einem bedeutende Figur in der Geschichte der politischen Kunst.

John Heartfields Arbeit hat zahlreiche Künstler, Grafikdesigner, Typografen, Werbetreibende, Filmemacher, Schriftsteller und andere, die sich in seinem Erbe inspirieren, beeinflusst. Künstler aus der anderen Seite der Ostblock, Sowjet Russland und die Die Vereinigten Staaten fanden in den späten 1960er und 1970er Jahren Inspiration in Heartfields Fotomontagen. Für Künstler wie Klaus Staeck, László Lakner und Martha Rosler hat ihnen unter anderem geholfen, abgenutzte linke Ideologien mit einer neuen visuellen Sprache zu konfrontieren.

Heartfields innovativer Gebrauch von Umgewandte Fotomontage in eine mächtige Form der MassenkommunikatioN. Seine einzigartige Methode zur Aneignung und Wiederverwendung von Fotografien für politische Effekte hat zeitgenössische Künstler dazu inspiriert, ähnliche Techniken zur Bekämpfung von Bigotterie, Unwissenheit, Gewalt und sinnlosen Gewinnkrieg zu verwenden. Die John Heartfield -Ausstellung zeigt Arbeiten von Collage -Künstlern wie Winston Smith, Thomas Young und David King, der die bahnbrechende Arbeit von Heartfield fortsetzt und erweitert.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger, Ohne Titel (Ihr Körper ist ein Schlachtfeld), 1989. fotografischer Siebdruck auf Vinyl. 284,48 x 284,48 cm (112 Zoll).

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Barbara Kruger (geb. 26. Januar 1945) ist ein Amerikanischer Konzeptkünstler und Kollagist in Verbindung mit Bilder Generierung. Sie ist bekannt für ihre kühnen und provokativen Collage-Kunstwerke, die die Rolle der Frauen in der Gesellschaft in Frage stellen, indem sie Schwarz-Weiß-Fotografien verwendet Helvetica Ultra Condensed Text. Krugers Arbeit beinhaltet oft groß an Kulturelle Annahmen und auffordern die Zuschauer zu Frage Mainstream -Mediennachrichten und ihre Auswirkungen auf Identität und Gesellschaft.

Krugers charakteristischer Stil war beeinflusst von ihrem klassischen Training im Design und ihre Erfahrung in der Modebranche, insbesondere als Chefdesignerin des Mademoiselle Magazine. Ihre Arbeit wurde von feministischer Filmkritik und strukturalistischer Literaturtheorie geprägt, die sie durch ihre Teilnahme am Künstlertreffen für Social Change Group begegnete.

Krugers Kunst befasst sich mit Fragen wie Konsumismus, Sexualität, Politik und der Beziehung zwischen Macht und Gesellschaft. die Grenzen zwischen Kunst und Kommerzialität verwischen. Sie gilt als eine der wichtigsten feministischen Künstler des 20. Jahrhunderts aufgrund ihrer Fähigkeit, durch ihre zum Nachdenken anregenden und visuell auffälligen Werke Vorstellungen von Identitäts- und Machtstrukturen herauszufordern und zu befragen.

Hören Sie, dass Kruger in ihren eigenen Worten über ihre Kunst sprechen.

Einige der wichtigsten Werke von Kruger sind:

"Ohne Titel (Ihr Körper ist ein Schlachtfeld)"(1989): Diese Arbeit enthält ein Schwarzweißfoto des Gesichts einer Frau, getrennt in zwei Hälften, mit dem Text" Ihr Körper ist ein Schlachtfeld "überlagert. Es wurde als Reaktion auf die politische Debatte über die reproduktiven Rechte und die reproduktiven Rechte von Frauen geschaffen. dient als starker Kommentar zum Kampf um die Kontrolle über die Körper der Frauen.

"Ohne Titel (ich kaufe deshalb ein) ich bin ich)"(1987): Dieses Stück enthält den Ausdruck" Ich kaufe, deshalb bin ich ", überlagert auf einer Hand, die eine Kreditkarte hält. Es kritisiert den Konsumismus und die Art und Weise, wie es unsere Identität und Werte formt.

5

Robert Rausschenberg

Robert Rausschenberg, Buffalo II, 1964. Öl- und Siebdrucktinte auf Leinwand
243,8 x 183,8 cm.).

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Robert Räuschenberg (1925-2008) war ein Amerikanischer Maler und Grafiker Bekannt für seine "Kombination", die die Unterscheidung zwischen Malerei und Skulptur durch Einbau alltäglicher Objekte als Kunstmaterial verwischten. Er studierte Kunst am Kansas City Art Institute, Akademie Julian in Paris und Black Mountain College in North Carolina vorher umziehen nach New York City im Jahr 1949.

Rausschenbergs kombiniert integrierte weggeworfene Objekte, die er aus den Straßen von New York City gesammelt hat, wie z. Zeitungsausschnitte, Fotos und gefundene Objekte. Er glaubte, dass die Verwendung realer Materialien seine Kunst mehr machte relatierbar und reflektiert die Realität. Einige seiner frühen Werke erwarteten die Pop -Art -Bewegung, und er wird seit dem abstrakten Expressionismus als Vorläufer für fast jede Kunstbewegung gefeiert.

Robert Rausschenbergs Beiträge zur Kunstwelt waren bedeutend und transformativ. Er war in den 1950er und 1960er Jahren eine primäre Figur und wurde als wichtiger Vorläufer von Amerikanern anerkannt Pop-Artneben Zeitgenossen wie Andy Warhol und Jasper Johns. Rausschenbergs innovative Ansätze, gesehen in Werken wie Monogramm, erweiterte die traditionellen Grenzen der Kunst. Eröffnung neuer Wege der Erkundung für zukünftige Künstler.

Seine "Kombination" funktioniert verwischte die Unterscheidungen zwischen Malerei und Skulptur, die alltägliche Objekte als Kunstmaterialien einbeziehen und in Frage stellen den Status quo. Rausschenbergs Kunstpraxis und kreative Energie würden niemals in vorgefasste Kisten passen. Kunsthistoriker Branden W. Joseph bemerkte, dass Rausschenbergs Arbeit als Stimulus, Impulse und als Herausforderung für Künstler auf ganzer Linie diente.

Während seiner gesamten Karriere arbeitete Rauschenberg in verschiedenen Medien, darunter Malerei, Skulptur, Drucke, Fotografie und Leistung. Er arbeitete mit Choreografen zusammen wie Merce Cunningham, Paul Taylor und Trisha Brown und war 1966 Gründungsmitglied der innovativen Gruppenexperimente in Kunst und Technologie (E.A.T.).

Rausschenbergs bahnbrechender Ansatz und kreative Energie hatte einen bleibenden Einfluss auf Generationen von Künstlern. Hören Sie, wie Rausschenberg "Schreiben Sie die Spielregeln neu " Von seinem Sohn, der Fotografin Chris Rausschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Schwierig, 1942-43. COLLAGE. 31,25 x 24 Zoll (79,37 x 60,96 cm).

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Kurt Schwitters (1887-1948) war a Deutscher Künstler, der sowohl am Dadaismus als auch am Konstruktivismus beteiligt istAm bekanntesten für seine Werke von Merz und Merzbau. Er prägte den Begriff "Merz" Um seinen einzigartigen Kunststil zu beschreiben, der die Verwendung alltäglicher Objekte beinhaltete, um seine Werke zu kreieren. Schwitterer schuf Merzbild (Merz-Maltings), bei denen es sich Drucke, Etiketten, Hintergrundbilder und Holzstücke. Und er scheute sich nie vor spitzen, sengenden Themen, einschließlich Seine Zeit im Hutchinson -Internierungslager.

Schwitterers 'Merz -Konzept war ein Unterschied der Dada -Bewegung, die auf seine eigenen künstlerischen Philosophien und Visionen zugeschnitten war. Der Name Merz wurde zufällig durch eine Collage erzeugt, die das deutsche Wort integrierte "Komommerz "(Handel). Dieses unsinnige und spontan erzeugte Wort war ähnlich in Herkunft und Philosophie wie Dada.

Während Merz und Dada Art sind eng miteinander verbunden, es gibt einige Unterschiede zwischen den beiden. Merz ist ein Unterteil der DADA -Bewegung, die auf Schwitters eigene künstlerische Philosophien und Visionen zugeschnitten war. Andererseits war Dada eine breitere Kunstbewegung, die verschiedene Kunstformen umfasste, darunter Performance Art, Poesie, Fotografie, Skulptur, Malerei und Collage. Die Ästhetik von Dada war durch die Spott über materialistische und nationalistische Einstellungen geprägt.

Während seines gesamten Lebens schuf Schwitterer über 8.000 Werke, noch heute blieben noch rund 2.500. Sein innovativer Ansatz für Kunst, Collage und Abstraktion verschmelzen, beeinflusste Künstler wie Robert Rausschenberg. Schwitterer war ein Außenseiter und Individualistund entschlossen, nicht in wichtige künstlerische Zentren wie Berlin oder Paris zu ziehen, nachdem er sein Studium an der Dresden Academy abgeschlossen hatte.

7

Eduardo Paolozzi

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Eduardo Paolozzi (1924-2005) war a Der schottische Künstler, der für seine innovativen Collage -Werke bekannt ist Dies umfasste eine Mischung aus Bildern aus der Populärkultur und -technologie. Geboren in Leith in der Nähe Edinburgh zu italienischen ElternStudierte Paolozzi in Edinburgh und London, bevor er zwei Jahre in verbrachte Paris. Er wird allgemein als sein Einer der Pioniere der Pop -Art.

Paolozzis Werke oft forderte traditionelle Vorstellungen von Kunst und Schönheit herausgefordert Durch Kombination von Elementen des Surrealismus mit Populärkultur, modernen Maschinen und Technologie. Seine frühe Liebe zur amerikanischen Kultur veranlasste ihn, Collagen mit Bildern aus Werbung zu erstellen, die den glänzenderen, glücklicheren Lebensstil darstellten, die sich in den Tileln entwickelten Nachkriegs Amerika. Er spielte aber auch mit dieser Form und diesem Stil - wandelte er seine übertriebenen Sensibilität in seine Mosaiken und Skulpturen, vor allem bei Tottenham Court Road Tube Station.

Seine Werke waren in der Natur surreal, wie er Kombinierte Zeitschriftenwerbung, Cartoons und Maschinenteile in seine Kunst und erwartet die Anliegen der Pop -Art. Paolozzi interessierte sich besonders für die Massenmedien sowie für Wissenschaft und Technologie, was seine Kunst während seiner gesamten Karriere beeinflusste. Zusätzlich zu seinen Collage-Werken produzierte Paolozzi auch großflächige figurative Skulpturen, Drucke und diente Mosaik -Wandbilder - ihre lebendige Anziehungskraftkredite "eine Art Fokus auf das Chaos".

8

Martha Rosler

Martha Rosler, Frachtkult, aus der Serie Körper schön oder Schönheit kennt keinen Schmerz, 1966–72. PHotomontage als Foto gedruckt. 39 1/2 x 30 1/4 in.

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Martha Rosler, geboren 1943 in Brooklyn, New York ist ein Amerikanischer Konzeptkünstler bekannt für ihre feministischen Collagen und Fotomontagen. Sie arbeitet in verschiedenen Medien, darunter Fotografie, Fotentext, Video, Installation, Skulptur und Leistung sowie über Kunst und Kultur. Roslers Arbeit beinhaltet oft Bilder von Populärkultur und Werbung bis zu Fragen Sie die Rolle von Frauen in der Gesellschaft in Frage und fordern traditionelle Geschlechterrollen heraus.

Martha Roslers Arbeit beeinflusste die feministische Kunstbewegung erheblich, indem er die Darstellung von Frauen in der Gesellschaft in Frage stellte. Sie verwendete auch neue Technologien wie Video, um sich von männlichen Künstlern und den traditionelleren Medien der Kunstwelt zu unterscheiden. Mitte der 1960er Jahre begann sie, Fotomontagen zu erforschen, um das Material und die psychische Unterwerfung von Frauen zu untersuchen und beliebte Anzeigen zu manipulieren, um ihre zugrunde liegenden Ideologien aufzudecken. Ihre Arbeit, wie der "Körper schön, oder Beauty kennt No Pain "Series (1966–72), kombinierte verschiedene konzeptionelle Kunstpraktiken, die auf die feministische Politik eingestellt waren.

Eines ihrer weithin bekannten Werke "Semiotik der Küche"(1975) ist eine Video -Parodie der Kochshows, die humorvoll die Auswirkungen traditioneller weiblicher Rollen anspricht. Durch die Aneignung von Elementen der Popkultur wie Fernsehen und Magazinwerbung kritisiert Roslers Arbeit gesellschaftliche Normen und Erwartungen in Bezug auf Frauen.

Roslers Kunstpraxis erstreckte sich über das Thema hinaus, da sie glaubte, dass Kunst wirklich eine soziale Rolle einnehmen und Empathie und Disidentifikation beim Betrachter hervorrufen könnte. Ihre Videos aus den 1970er und 1980er Jahren untersuchten die Operationen der Massenmedien, um zu zeigen, wie sie eine selbstgefällige Öffentlichkeit kultivierten. Beeinflusst von der Welle der feministischen Leistung, die aus alternativen Kunsträumen in hervorgeht Kalifornien, Roslers Arbeit trug zur Entwicklung der feministischen konzeptionellen Kunst bei und hinterließ die zeitgenössische Kunstszene unauslöschlich.

9

Braque Georges

Braque Georges, Obstschale und Glas, 1912. Holzkohle, Tapete, Gouache, Papier, Papierbrett.

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Georges Braque zusammen mit Pablo Picasso spielte eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung der Collage -Kunst. Sie erfanden die Technik von Papierkollé (geklebte Papier) Im Jahr 1912, der eine revolutionäre Veränderung in der Kunstwelt markierte. Braque ging noch einen Schritt weiter vorbei Cut-up-Anzeigen in seine Leinwände kleben. Er schablte auch Buchstaben auf Gemälde, mischte Pigmente mit Sand und kopierte Holzkorn und Marmor, um in seinen Gemälden ein großes Maß an Dimension zu erreichen. Natürlich, Collage existierte schon lange zuvor in anderen Formen ...

Braques Collage -Kunstwerke wie seine 1912 Kunstwerk "Obstschale und Glas", kombinierte Tapete mit Faux-Wood-Tapeten mit seinem Kubistische Darstellungen von Objekten. Diese Technik stellte die formalen Ideen von Perspektive und Raum innerhalb der Kunst in Frage, da sie sich überschneidende Bereiche von Collage -Elementen und Zeichnen in seiner Arbeit schuf. Sein innovativer Ansatz zur Collage -Kunst beeinflusste viele zeitgenössische Künstler und trug zum Wachstum und Ausbau der Collage -Kunstform bei.

Während der Collage -Phase des Kubismus von 1912 bis 14 dominierten leblose Objekte die Bilder von Picasso, Braque und Juan Gris. Braque still besessen an Unterströmung des menschlichen Dramasdank der genialen Kombination von Dingen und Text. Die Verwendung realer Materialien und Texturen in ihren Collagenzusammensetzungen führte zu einer neuen Dimension der westlichen Malerei, deren Auswirkungen bis heute immer noch zu spüren sind.

Braques Arbeit mit Collage hatte einen dauerhaften Einfluss auf die Kunstwelt und inspirierende Künstler über verschiedene Bewegungen, Medien und Stile hinweg Erforschen Sie die Praxis der Collage -Kunst. Der erfinderische und innovative Ansatz für Kunst zog Künstler aufgrund seines einzigartigen ästhetischen und einzigartigen, zusammengestellten Prozesses an. Infolgedessen zeigt sich der Einfluss von Braque auf die Entwicklung der Collage -Kunst in den Werken vieler Künstler wie Jessica -Aktionär, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters und John Stezaker.

10

Pablo Picasso

Pablo Picasso, Die Flasche Vieux Marc, 1913. Schnitt- und gedruckte Tapeten, Zeitungen, Holzkohle, Gouache und Stifte aufgelegter Papier, 24 13/16 × 19 5/16 Zoll (63 × 49 cm).

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Pablo PicassoZusammen mit Georges Braque spielte eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Collage -Kunst. Sie entwickelten die Technik von Papierkollé (geklebte Papier) Im Jahr 1912 markierte ein a bahnbrechende Veränderung in der Kunstwelt. Picassos innovativer Ansatz zur Collage -Kunst inspirierte andere Künstler und wurde Ein Katalysator für künstlerische Bewegungen wie Kubismus, Dada und Surrealismus.

Einer von Picasso's Frühe Collagenarbeit, "Gitarre und Weinglas"zeigt seine Fähigkeit, Schattierung und Struktur durch das Einfügen und Schichten von Papier zu schaffen. Sein Kunstwerk von 1912"Stillleben mit Stuhl Caning"ist ein weiteres bedeutendes Beispiel für seine Collage -Arbeit. In diesem Stück hat Picasso ein Stück von integriert Ölpfuch Um die Komposition zu rahmen. Dieses Kunstwerk forderte traditionelle Ideen der Kunst in Frage, indem er alltägliche Materialien mit bemalten Elementen kombiniert und die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kultur verwischte.

Picassos Collage -Werke hatten eine tiefgreifende Auswirkungen auf die Kunstwelt, inspirierende Künstler über verschiedene Bewegungen, Medien und Stile hinweg, um die Praxis der Collage -Kunst zu erforschen. Seine erfinderische und innovative Herangehensweise an Kunst zog Künstler an, weil sie einzigartig ästhetisch und zusammengesetzt wurden. Infolgedessen ist Picassos Einfluss auf die Entwicklung der Collage -Kunst offensichtlich in den Werken vieler Künstler, die folgtenwie David Hockney, Jasper Johns und Martin Kippenberger.

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Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache auf Papier. 108 x 60 Zoll.

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Henri Matisses Ausschnitte erstellt Während des letzten Lebensjahrzehnts seines Lebens, hatte einen erheblichen Einfluss auf unser zeitgemäßes Verständnis der Collage -Kunst. In den späten 1940er Jahren verschob Matisse seine künstlerische Methodik und drehte sich zu Papier als primäres Medium um, wobei eine Schere als sein Werkzeug verwendet wurde. Seine Ausschnitte, die oft von der natürlichen Welt oder der abstrakten Formen inspiriert wurden, wurden in lebhafte Kompositionen angeordnet, die die Grenzen der Staffeleiemaler überschritten und es ihm ermöglichten, mit einer neuen Art freier Regierungszeit zu arbeiten. Viele betrachten diesen Zeitraum als sein "Ein zweites Leben" für den Künstler. Kannst du nicht nur das Aussehen der Zufriedenheit in seinem Gesicht sehen seltenes Filmmaterial, das ein Papierausschnitt macht?

Matisses Ausschnitte präsentierte seine unglaubliche Kreativität und Vitalitätselbst unter herausfordernden Umständen. Sie repräsentierten den Höhepunkt seiner Karriere und markierten den ultimativen Übergang zu einem völlig abstrakten Vokabular. Seine Beherrschung des Ausschnittstils hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf seine künstlerische Reise. Die Ausschnitte führten auch einen neuen Operation in Art ein, der als "bekannt wurde"Zeichnen mit einer Schere", Welche ihre eigenen Erhaltungsherausforderungen darstellen, wie Sie sehen können Dieser sorgfältige Restaurierungsprozess.

Matisses Ausschnitte beeinflussten viele moderne abstrakte Künstler und Inspirieren Sie weiterhin Künstler und Kuratoren. Die Einfachheit seiner Ausschnitte war in der Kunstwelt unerwartet und sie wurden in Betracht gezogen Damals ganz einzigartig und radikal Sie wurden gemacht. Seine Ausschnitte wurden auf die grundlegende Farbe und Form beruht, die fast grafisch angenommen werden, was das Wiederaufleben der Ästhetik in der Illustration und des grafischen Designs erklären könnte.

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Collage Art ist ein einzigartiges und vielseitiges Medium, das endlose kreative Möglichkeiten ermöglicht. Die berühmten Collage -Kunstwerke, die in diesem Artikel erwähnt wurden, haben durch ihre innovativen Stile und Techniken erhebliche Beiträge zur Kunstwelt geleistet. Jeder Künstler hat seine eigene einzigartige Perspektive, und ihre Auswirkungen auf die Kunstwelt haben mit anderen Künstlern Resonanz und beeinflusst sein Werk.

ICYMI

Welcher Künstler hat 1912 das Konzept der Collage zu einer Kunstform gemacht?

1912 hat der wegweisende Künstler, der das verwandelt hat Konzept der Collage In eine eigene Kunstform befand sich kein anderer als Pablo Picasso. In diesem Jahr enthüllte Picasso "Stillleben with Chair Caning", ein bemerkenswertes Werk, das das Aufkommen der Collage als bedeutenden künstlerischen Ausdruck und die Einleitung einer neuen Phase in der kubistischen Bewegung kennzeichnete.

"Stillleben with Chair Caning" enthielt eine unkonventionelle Kombination aus Materialien und Techniken. Picasso umfasste einen mit einem Stuhl-Caning-Muster gedruckten Streifen Ölpfrorot auf eine ovale Leinwand. Das Gemälde wurde weiter mit einem Seil umrahmt. Diese innovative Verschmelzung verschiedener Elemente sowie die Einbeziehung nicht traditioneller Materialien wie der Ölscheibe forderte konventionelle künstlerische Normen in Frage und führte einen Avantgarde-Ansatz für die Kunstherstellung ein. Dieses bahnbrechende Kunstwerk ebnete den Weg für die Erforschung neuer Möglichkeiten in der visuellen Darstellung und erweiterte die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks erheblich.

Zusätzlich zu ihren Auswirkungen auf die bildende Kunst hatte Picassos innovativer Einsatz von Collage umfassendere Auswirkungen auf künstlerische Philosophie und kreatives Denken. Die Einführung von Collage als tragfähige Kunstform forderte etablierte Ideen zur Natur von Kunstmaterialien, Komposition und Repräsentation heraus. Dieser Ansatz ermutigte Künstler, unkonventionelle Materialien, Texturen und Formen zu erforschen und einen Geist des Experimentierens und der Neudefinition innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft zu fördern.

Das Werk von Hannah Höch wird als Teil von welchem ​​künstlerischen Stil angesehen?

Hannah Höchs künstlerischer Stil ist fest mit Dadaismus verbunden, einer avantgardistischen Bewegung, die darauf abzielte, traditionelle Vorstellungen von Kunst und Gesellschaft durch ihre Umarmung von Absurdität, Anti-Konformität und Experimentieren in Frage zu stellen.

Höch ist am bekanntesten für ihre Fotomontage-Arbeiten, eine Technik, bei der sie gekonnt ausschnitten und ausschnittenen Bildern aus Magazinen und Zeitungen zusammengeschlossen und komplizierte und nachdenken anregende Collagen erstellt. Ihre Fotomontagen enthielten oft einen satirischen und kritischen Kommentar zu sozialen und politischen Fragen, was die dadaistische Ablehnung etablierter Normen und Werte widerspiegelte.

Höchs Teilnahme am Dadaismus und ihre Beherrschung der Photomontage -Techniken spielten eine wichtige Rolle bei der Erweiterung der künstlerischen Möglichkeiten der Bewegung. Ihre Arbeit stellte die vorherrschenden Vorstellungen von Urheberschaft und Originalität in Frage, indem sie vorhandene Bilder aneignung und neu kontextualisierte, die mit Dadas Ethos der Subversion und des Ikonoklasmus in Anspruch nahmen.

Zukünftige Prognose

Warum war die Dada -künstlerische Bewegung für zukünftige Künstler wichtig?

Die Dada-Künstlerbewegung hat für zukünftige Künstler eine tiefgreifende Bedeutung, da sie radikal von konventionellen künstlerischen Normen, der Subversion etablierter Institutionen und ihrer Rolle bei der Pflasterei für nachfolgende Avantgarde- und experimentelle Kunstformen ebnen. Dadaismus war während des Ersten Weltkriegs als Reaktion gegen die Schrecken des Krieges und die gesellschaftlichen Normen, die dazu geführt zu haben schienen, eine Kraft, die traditionelle künstlerische Grenzen zerstörte. Unzählige Künstler wurden von den wilden Mätzchen und den mutigen antiautoritären Natur von Dada inspiriert, die sie motivierten, den Horizont der Kunstwelt zu erweitern.

Eine der bekanntesten Figuren des Dadaismus war Marcel Duchamp, bekannt für seine bahnbrechende Arbeit "Brunnen", ein Porzellanurinal, das mit dem Pseudonym "R. Mutt" signiert war. Duchamps Schöpfung verkörperte Dadas Anti-Art-Ethos, forderte traditionelle Vorstellungen von Ästhetik in Frage und zwang die Zuschauer, die Essenz der Kunst in Frage zu stellen. Dieser kühne Akt hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf zukünftige Künstler, indem sie sie dazu drängte, die Definition und die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks zu überdenken.

Die DADA -Bewegung spielte eine entscheidende Rolle bei der Veränderung der Wahrnehmung der Kunst und der gegen die etablierten Regeln. Es störte traditionelle künstlerische Medien, indem sie gefundene Objekte einbezogen haben. Collage -Technikenund Performance Art, ein Präzedenzfall für Künstler, um mit unkonventionellen Materialien und Methoden zu experimentieren. Die Ablehnung der Logik durch Dadaismus und ihre Umarmung von Absurdität und Irrationalität beeinflussten spätere Bewegungen wie Surrealismus, die auch darauf abzielten, das Unbewusste zu nutzen und die Rationalität in der Kunst in Frage zu stellen.

Der Einfluss der Bewegung erstreckte sich über künstlerische Praktiken hinaus, um gesellschaftliche Normen und Autorität in Frage zu stellen. Durch das Lächerlichen und Ablehnen von Konventionen konfrontierten Dadaists den Status Quo und inspirierten zukünftige Generationen von Künstlern, ihre kreativen Ausdrücke als zu nutzen ein Mittel zur sozialen Kritik und Veränderung. Dadas Anti-Establishment-Haltung und ihre Erforschung von Zufälligkeit, Zufall und Spontanität trugen auch zur Entwicklung konzeptioneller Kunst und Performancekunst bei, die beide Ideen und der Prozess vor traditionellen ästhetischen Ergebnissen priorisieren.

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