Collage-Kunst war schon immer mehr als eine Ansammlung von Schnipseln – sie ist ein kultureller Spiegel, der die Werte, Ängste und Träume ihrer Zeit widerspiegelt. Von alten Handwerkern, die kostbare Materialien schichteten, bis zu digitalen Einheimischen, die Memes remixen, enthüllen die Collagen jeder Ära eine Chronik der menschlichen Erfahrung.

Betrachten Sie eine ältere Witwe im Jahr 1772, Mary Delany, die Stücke von farbigem Papier in die Gestalt eines Geraniums presste und schrieb, „Ich habe eine neue Art erfunden, Blumen zu imitieren“. In diesem bescheidenen Akt des Handwerks wiederholte sie unbewusst eine Praxis, die sich über Jahrhunderte und Kontinente erstreckt – die Welt in visueller Form zusammenzusetzen.

Collage, vom Französischen coller (kleben), bindet buchstäblich und metaphorisch das Vergängliche in Bedeutung. Sie ermöglicht es, dass unterschiedliche Bilder und Materialien auf der Leinwand miteinander kommunizieren und eine geschichtete Syntax schaffen, die zugleich poetisch und prägnant ist. Im Laufe der Zeit haben Künstler diese Syntax genutzt, um Geschichte zu dokumentieren, Autoritäten herauszufordern und persönliche und kollektive Identitäten zu weben.

Heute, wenn wir durch digitale Collagen in sozialen Medien scrollen oder immersive, von Collagen inspirierte Installationen in Museen erleben, nehmen wir an einer Linie teil, die sich von alten chinesischen Schriftrollen über dadaistische Fotomontagen bis hin zu Punk-Zines und darüber hinaus erstreckt.

Die Reise dieses Artikels wird die Transformation der Collage von ihren antiken Ursprüngen bis ins digitale Zeitalter nachzeichnen und untersuchen, wie kulturelle Kräfte ihre Entwicklung an entscheidenden Wendepunkten geprägt haben. Wir werden sehen, wie jede Schicht der Collage – jedes zerrissene und geklebte Fragment – den Abdruck einer Zeit und eines Ortes trägt. Eine Geschichte von Kreativität, die aus Komplexität geboren wurde, eine Kunstform, die ständig neu geboren wird, um auf neue Realitäten zu reagieren.

Wichtige Erkenntnisse

• Collage-Kunst bietet eine einzigartige Linse in die Komplexität kultureller und historischer Kontexte.
• Das Medium hat sich kontinuierlich weiterentwickelt und spiegelt sich verändernde gesellschaftliche Werte und Ideologien wider.
• Bedeutende Kunstbewegungen, einschließlich Dadaismus und Surrealismus, nutzten Collage für sozialpolitische Kommentare.
• Collage dient als Chronik der Menschheitsgeschichte, durchdrungen von Symbolen und Motiven aus verschiedenen Kulturen.
• Durch Collage bieten Künstler sowohl eine Bewahrung als auch eine Herausforderung kultureller Identitäten.
• Die Anpassungsfähigkeit der Technik hat es ihr ermöglicht, in einer sich schnell verändernden Welt relevant zu bleiben.

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Ursprünge der Antike: Fragmente einer kulturellen Tradition

Lange bevor „Collage“ ein definierter Kunstbegriff war, sammelten Menschen Fragmente, um ihre Geschichten zu erzählen. In prähistorischen Zeiten kombinierten unsere Vorfahren natürliche Materialien – Blütenblätter, Muscheln, Federn, Schmetterlingsflügel – um Objekte zu schmücken oder rituelle Darstellungen zu schaffen.

Diese frühen Handlungen, obwohl nicht Kunst um der Kunst willen, offenbaren einen grundlegenden Instinkt, Bedeutung zu sammeln und zu komponieren aus der Welt um uns herum. Indem sie ein Element an ein anderes anfügten, schufen prähistorische Menschen im Wesentlichen die ersten Collagen, indem sie alltägliche Dinge nutzten, um Ideen oder Spiritualität zu vermitteln.

Eine entscheidende Innovation verstärkte diesen Impuls: die Erfindung von Papier in China um 200 v. Chr.. Mit Papier entstand eine neue flexible Oberfläche, und bald entdeckten Handwerker, dass sie es auf erfinderische Weise schneiden und kleben konnten. Historische Aufzeichnungen deuten darauf hin, dass zur Zeit der Tang-Dynastie buddhistische Mönche Papier-Sutras (Schriften) und Bilder als Andachtskunst zusammenklebten.

Collage war in diesem Kontext ein Werkzeug der Frömmigkeit und Bewahrung – gedruckte Gebete, die zu einem größeren Ganzen zusammengefügt wurden. Dies setzte einen Präzedenzfall für Collage als Bedeutungsschaffende Praxis, die kulturelle Werte (in diesem Fall religiöse Hingabe) in die Materialien des Kunstwerks einbettete.

Japan übernahm die Praxis nicht viel später. Im 10. Jahrhundert, in der Heian-Periode, waren japanische Dichter und Kalligraphen dafür bekannt, Gedichte auf dekorierte Papierhintergründe zu kleben als Teil der Kunst des tsugimono, wodurch visuell geschichtete Poesie-Rollen entstanden. Sie könnten zarte geschnittene Papiere mit Gold- oder Silberblatt und eingefärbten Zeichen anbringen, um ein harmonisiertes Design zu schaffen – im Wesentlichen eine frühe Papiercollage, die Text und Bild vereint.

Im 12. Jahrhundert klebten japanische Künstler auch Papier auf Seide, um Bildschirme und Schriftrollen zu verzieren, ein früher Vorläufer der Collage in der bildenden Kunst. Diese verfeinerten Anwendungen in OstAsien wurden durch Volkspraktiken anderswo parallelisiert: In Mitteleuropa im 13. Jahrhundert verwendeten Menschen collageartige Techniken als Handwerk, um ihre Häuser zu dekorieren – zum Beispiel durch die Kombination von Stoffen, Fotos und Erinnerungsstücken in dem, was wir als Proto-Scrapbooks oder Erinnerungsbretter bezeichnen könnten.

Die Vorgeschichte der Collage ist somit ein globales Geflecht. In vielen indigenen und volkstümlichen Traditionen finden wir analoge Techniken des Zusammenfügens von Stücken:

• Mola-Textilien, die von Guna-Frauen in Panama hergestellt werden, schichten farbige Stoffe in einer umgekehrten Applikation (eine Textil-Collage), um lokale Geschichten darzustellen
• Quilttraditionen in Afrika und der afrikanischen Diaspora nähen unterschiedliche Stoffreste zu einheitlichen Erzählungen zusammen
• Tibetische buddhistische Sandmandalas setzen Millionen von Sandkörnern in kosmische Diagramme zusammen, nur um sie wegzufegen – ein ergreifendes Ritual der Schöpfung und Zerstreuung, das dem Ethos der Vergänglichkeit und Neukombination der Collage ähnelt.

Jede dieser Praktiken verwendet ein Collage-Prinzip: Fragmente zusammenzubringen, um eine Bedeutung zu schaffen, die jedes einzelne Stück übersteigt.

In den Renaissance- und Barock-Epochen in Europa tauchten Collage-Elemente in religiöser Kunst und höfischen Handwerken auf. Nonnen in mittelalterlichen Klöstern fertigten exquisite Reliquien und Andachtsbilder, die mit geschnittenem Pergament, Stoff und Juwelen besetzt waren – eine spirituelle Collage aus Materialien.

In barocken Wunderkammern montierten Sammler Schmetterlinge, Münzen und Drucke in aufwendigen Arrangements und collagierten so Natur und Kunst, um die Wunder der Welt zu katalogisieren.

Diese frühen Collagen dienten als kulturelle Spiegel ihrer Zeit: Die chinesischen Papiercollagen spiegelten eine Gesellschaft wider, die Gelehrsamkeit und Glauben schätzte, die japanischen Schriftrollen-Collagen spiegelten eine höfische Kultur wider, die Poesie und Eleganz wertschätzte, und die europäischen Volkscollagen sprachen vom häuslichen Leben und persönlichen Erinnerungen.

Im 18. Jahrhundert begann sich die Collage, wie wir sie kennen, deutlicher herauszubilden. Mary Delanys Werk ist ein hervorragendes Beispiel: Zwischen 1772 und 1783 fertigte diese vornehme Großmutter am englischen Hof 985 botanische Collagen an, die so wissenschaftlich genau waren, dass Botaniker staunten, man könne „jede Pflanze botanisch beschreiben... ohne Angst vor Fehlern“, indem man sie ansah.

Delany nannte ihre Blumen „Papiermosaiken“, ein treffender Begriff, der hervorhebt, wie jede aus vielen Papierschnipseln zusammengesetzt war. Ihr künstlerisches Wiederaufleben im späten Leben – sowohl durch Neugier als auch durch Trauer angeregt – unterstreicht ein zentrales Thema: Collage blüht oft in Zeiten persönlicher oder gesellschaftlicher Umwälzungen auf und gibt dem Form, was sonst unaussprechlich wäre. 

Um dieselbe Zeit wurde die viktorianische Collage zu einem beliebten Zeitvertreib. Aristokraten und Familien der Mittelschicht führten Scrapbooks und Collage-Alben. Sogar der Romanautor Charles Dickens ließ sich darauf ein und arbeitete mit einem Freund zusammen, um einen Paravent mit Hunderten von ausgeschnittenen Gravuren zu bedecken.

Viktorianische häusliche Collagen, die zur Unterhaltung geschaffen wurden, waren dennoch kulturelle Artefakte: Sie sammelten die visuelle Kultur der damaligen Zeit (Zeitungsausschnitte, gedruckte Bilder) in neuen Erzählungen, ähnlich wie wir heute eine digitale Collage aus Nachrichtenfotos erstellen könnten, um aktuelle Ereignisse zu kommentieren.

Durch diese frühen Beispiele etablierte die Collagekunst zwei dauerhafte Rollen: als Mittel zur Bewahrung der Vergangenheit (wertvolle Stücke zu einem neuen Ganzen zusammenfügen) und als Mittel der Subversion oder des Spiels, die Welt mit Laune oder Kritik neu zu kombinieren. Diese Rollen wurden noch ausgeprägter, als die Collage in den Bereich der modernen Kunst eintrat.

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Der historische Kontext der Collagekunst: Eine Zeitleiste der Einflüsse

Die reiche Geschichte der Collagekunst ist in ein Potpourri kultureller Dynamiken eingebettet und dient als visuelles Lexikon voller Kommentare und revolutionärer Ideen. Dieser Abschnitt unternimmt eine Reise zur Chronik der Zeitleiste der Einflüsse in der Kunst und markiert die Metamorphose der Collage von ihrer Entstehung bis zur Ausdruckskraft, die sie heute ist.

Durch das Erforschen kultureller Einflüsse gewinnen wir nicht nur Einblicke in dieses transformative Medium, sondern schätzen auch die entscheidenden Rollen, die eine Konstellation von Künstlern und Bewegungen bei der Gestaltung seiner Entwicklung gespielt haben.

1. Die frühen Stadien der Collage lassen sich bis zur Erfindung des Papiers in China zurückverfolgen, was schließlich zu den ersten dokumentierten Fällen von Papiercollagen führte, die von Mönchen für religiöse Texte verwendet wurden und den frühesten historischen Kontext der Collagekunst symbolisieren.
2. Schnell vorwärts ins frühe 20. Jahrhundert, als der Kubismus einen entscheidenden Wandel auslöste, als Künstler wie Pablo Picasso und Georges Braque begannen, Mixed Media in ihre Arbeiten zu integrieren, was eine bedeutende Entwicklung in der Zeitleiste der Einflüsse in der Kunst markierte.
3. Die Antikriegssentimente und gesellschaftliche Kritik der Dada-Bewegung befähigten Künstler, darunter Hannah Höch und Kurt Schwitters, Collage als Form des Aufstands zu nutzen - kulturelle Konstrukte zu kritisieren und neue Präzedenzfälle in der Geschichte der Collagekunst zu setzen.
4. Später infundierten Surrealisten die Collage mit Elementen von Traum und Fantasie, wobei Künstler wie Max Ernst sie als Leinwand für unterbewusste Erkundungen nutzten und kulturelle Einflüsse durch Gegenüberstellungen reflektierten, die Realität und Traum verwischten.
5. Die Mitte des 20. Jahrhunderts brachte Pop Art , wo die Collage einen Spiegel auf die Konsumkultur richtete, mit Künstlern wie Richard Hamilton und Andy Warhol, die populäre Bilder zerlegten und neu zusammensetzten, um die Kommerzialisierung der Kultur zu kommentieren.
6. Das späte 20. bis ins 21. Jahrhundert sah die Collagekunst sich weiterentwickeln, wobei digitale Technologien und globale Vernetzung eine neue Ära einläuteten. In dieser Zeit nutzten Künstler die Collage für gesellschaftlichen Kommentar und digitalen Aktivismus, was letztendlich ihre historische und kulturelle Bedeutung erweiterte.

Durch die Untersuchung dieser geschichtsträchtigen Vergangenheit wird deutlich, dass die Collage kontinuierlich als bevorzugtes Medium für Künstler diente, die daran interessiert sind, kulturelle Einflüsse zu erforschen. Ihre Anpassungsfähigkeit und Neigung zu eklektischen Amalgamationen haben sie zu einer sich ständig weiterentwickelnden Leinwand gemacht, die das sich ständig verändernde Gesicht der menschlichen Kultur widerspiegelt.

Der historische Kontext der Collagekunst ist nicht einfach eine Vergangenheit, die studiert werden muss, sondern ein fortlaufendes Gespräch, durchzogen von Bedeutungsschichten, die von der Fluidität der Zeit und Kultur sprechen.

• Die Experimente des Kubismus spiegeln die Sichtweise der modernen Welt wider und das Überlappen verschiedener Perspektiven durch Collage.
• Die Nutzung der Collage durch Dada untermauert kulturelle Kritik und die Dekonstruktion von Vorkriegswerten.
• Der Surrealismus mit seinen traumähnlichen Collagen zerlegt die Spalten zwischen greifbarer Realität und dem ungezügelten Geist.
• Die lebendigen Tableaus der Pop Art zeigen den wachsenden Einfluss von Massenmedien und Konsumkultur auf individuelle und gesellschaftliche Identitäten.
• Die Remix-Kultur des digitalen Zeitalters und Internet-Memes präsentieren eine neue Grenze, in der sich die historische Erzählung der Collagekunst weiter entfaltet.

In diesem reichen Geflecht liegt ein komplexes Netzwerk von Epochen, Ideologien und Methoden, die alle zur robusten, facettenreichen Essenz der Collagekunst beitragen. Es ist eine Geschichte nicht nur von Künstlern und ihren Werken, sondern davon, wie diese Elemente die Epochen, aus denen sie hervorgegangen sind, reflektieren und herausfordern, kulturellen Kontext bieten und nachfolgende kreative Generationen beeinflussen.

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Cut-and-Paste Revolution: Collage in der Avantgarde

Im frühen 20. Jahrhundert explodierte die Collage auf der Avantgarde-Kunstszene und veränderte den Verlauf der modernen Kunst für immer. Der Katalysator war der Kubismus, die radikale Kunstbewegung, die von Pablo Picasso und Georges Braque in Paris angeführt wurde.

Bis 1912 war Picasso unruhig geworden, nur zu malen ein Stillleben. In einem kühnen Schritt klebte er ein Stück kommerziell bedrucktes Wachstuch mit einem Rohrstuhl-Muster direkt auf seine Leinwand Stillleben mit Rohrstuhl (1912). Es war eine skandalöse Geste – “die schockierende Unvereinbarkeit, ein Volkskunst-Element in die ‘ernsthafte’ Kunst einzuführen”.

Indem er ein reales Material in die gemalte Illusion einfügte, brach Picasso die Grenze zwischen Kunst und Leben. Wie ein Kommentar des Metropolitan Museum feststellt, war dies ein „radikaler Akt – das Einfügen eines Fragments der Realität in den fiktiven Bereich der Malerei,“ eine witzige Nachahmung der Realität, die sowohl die Tradition verspottete als auch ehrte.

Braque, der sich nicht übertreffen lassen wollte, klebte bald Tapetenstücke und Zeitungsausschnitte in seine Kunstwerke. So wurde der synthetische Kubismus geboren, und mit ihm die formale Einführung der Collagetechnik in der bildenden Kunst.

Warum geschah dies 1912? Kulturell veränderte sich die Welt in atemberaubendem Tempo – die Moderne war in vollem Gange mit ihren Telefonen, Automobilen und Tageszeitungen. Die kubistische Collage spiegelte eine moderne Weltanschauung wider: eine von Fragmenten, Gleichzeitigkeit und mehreren Perspektiven.

Durch das Zerschneiden und Wiederzusammensetzen von Alltagsstücken (Journal-Ausschnitte, Tabakverpackungen, Tapeten) wollten Picasso und Braque die überlappenden Realitäten des modernen Lebens einfangen. Collage war das perfekte Medium dafür. Es ermöglichte Künstlern, verschiedene Texturen und Blickwinkel auf einer Ebene zu juxtapositionieren, ähnlich wie eine Stadt eine Collage aus Sehenswürdigkeiten und Klängen präsentiert. Infolgedessen wurde Kubismus' Experimentieren mit Collage zu einer Grundlage für einen Großteil der Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Wort “Collage” selbst trat durch diese Experimente in den Kunstwortschatz ein.

Andere Künstler griffen schnell zu Schere (und Kleber). In Italien klebten die Futuristen Wörter und Bilder in ihre Manifeste und verrückten typografischen Designs, um das Chaos des Maschinenzeitalters zu vermitteln. In Russland montierten Konstruktivisten abstrakte Collagen aus Papier und Druck, um revolutionäre Ideale voranzutreiben. Doch es war mitten im Ersten Weltkrieg, dass die Collage eine noch kämpferischere kulturelle Rolle einnahm: die Geburt von Dada.

Dada: Kleber als Waffe des Widerstands

Im Jahr 1916, während der Krieg in Europa tobte , eine Gruppe von Exilkünstlern und Dichtern in Zürich – Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann unter ihnen – rebellierten gegen alles, wofür die Gesellschaft stand. Sie nannten ihre Anti-Bewegung Dada, ein Unsinnswort, das ihrem Entsetzen über die sinnlose Gewalt des Ersten Weltkriegs entsprach. Collage und ihr fotografischer Verwandter Fotomontage wurden zu Dadas explosivsten Waffen.

Warum Collage? Die Dadaisten fanden in der Schnitt-und-Klebetechnik eine Metapher für die zerbrochene Welt um sie herum. Indem sie Zeitungen, Anzeigen und Fotografien – das eigentliche Gewebe der visuellen Kultur der bürgerlichen Gesellschaft – physisch zerschnitten und auf absurde oder schockierende Weise neu zusammensetzten, wollten sie buchstäblich durch die Illusionen von Nationalismus, Propaganda und traditioneller Kunst schneiden.

Hannah Höch, eine Berliner Dadaistin, war eine Pionierin der Fotomontage, um Geschlechterrollen und Politik zu kritisieren. In ihrer Collage von 1919 Mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauchkulturepoche in Deutschland zerschnitt sie Bilder von deutschen politischen Figuren und Massenmedienbildern und setzte sie zu einer chaotischen, beißenden Satire der Weimarer Gesellschaft zusammen. Der Titel selbst deutet auf häusliche Werkzeuge (ein Küchenmesser) hin, die verwendet werden, um aufgeblähte Autorität (den „Bierbauch“ des Establishments) zu zerschneiden. Höchs Werk, wie viele Dada-Collagen, war eine polyphone Kritik – mehrere Stimmen und Bedeutungen, die aus den nebeneinandergestellten Fragmenten hervorgehen, ein visueller Protest gegen eine singuläre, rationale Erzählung.

Dada-Collage führte mehrere wichtige kulturelle Taktiken ein, die bis heute in der Kunst nachhallen:

• Fotomontage als Gesellschaftskritik: Künstler wie Höch und John Heartfield kombinierten und retuschierten Fotografien, um scharfe politische Botschaften zu schaffen (Heartfield verspottete Hitler berüchtigt, indem er das Porträt des Führers collagierte, um einen Vorrat an Goldmünzen in seinem Bauch zu enthüllen – was auf Gier als Antrieb des Faschismus hindeutet). Diese Technik ist ein direkter Vorläufer der heutigen politischen Memes und Photoshop-Satire.

• Zufall und Irrationalität: Dada-Collagisten umarmten oft zufällige Anordnungen von Fragmenten (Jean Arp zum Beispiel ließ zerrissene Papierstücke fallen und klebte sie dort, wo sie fielen), um die Idee einer vorbedachten Ordnung abzulehnen. Diese freie Assoziation von Bildern ahmte das Gefühl der Desorientierung der Ära nach und kündigte auch surrealistische Methoden an.

• Typografie und Grafik in der Kunst: Dada verwischte die Grenzen zwischen Kunst und Verlagswesen. Ausgeschnittene Wörter, Schriftarten und kommerzielle Logos fanden ihren Weg in Collagen und erodierten die Barriere zwischen bildender Kunst und Massenmedien. Dabei erkannten Dada-Collagen an, dass die Kultur selbst eine Collage aus Hoch und Tief, Ernsthaftem und Absurdem war – eine Vorstellung, die in der postmodernen Kunst nur noch stärker werden würde.

In den 1920er Jahren entwickelten sich viele Dada-Künstler (oder entwickelten sich zurück) zu Surrealisten und nahmen Collagetechniken mit in neue konzeptionelle Bereiche. Die surrealistische Bewegung, fasziniert von Freuds Theorien über Träume und das Unterbewusstsein, sah in der Collage ein Mittel, um bizarren und unheimlichen Bildern Zugang zu verschaffen, die scheinbar zufällig entstehen könnten.

Max Ernst schuf Collagen aus Gravuren des 19. Jahrhunderts, um fantastische Szenen zu formen (sein Buch von 1934 Une Semaine de Bonté ist ein Roman in Collageform, der viktorianische Illustrationen in absurde, traumähnliche Vignetten remixt). Die Surrealisten schätzten, wie Collagen vertraute Bilder fremd machen konnten, indem sie sie aus ihrem Kontext rissen.

Wie ein Kunsthistoriker beobachtete, spiegelte das Zusammenfügen disparater Bilder die surrealistischen Überzeugungen wider, dass Bedeutung durch das Unterbewusstsein in unlogischen Sprüngen erzeugt wird. Ein Männerkopf auf einem Fischkörper oder eine Puppe, die in einem Wald eingefügt ist – solche irrationalen Kombinationen waren Fenster in den unbewussten Geist.

Doch selbst in ihren traumhaftesten Anwendungen blieb die Collage in den Händen der Surrealisten ein kulturelles Barometer. Sie erfasste die Desillusionierung einer Welt nach dem Krieg, in der alte Gewissheiten (politisch, sozial, religiös) zerschnitten und neue, beunruhigende Realitäten aus ihren Stücken zusammengesetzt wurden.

Collage bot auch eine Möglichkeit, die Flut moderner Medienbilder zu verarbeiten. Da Zeitungen, Zeitschriften und Werbung in den 1920er Jahren zunahmen, hatten Künstler buchstäblich mehr Rohmaterial als je zuvor zum Zerschneiden. Surrealisten nutzten diese Bilderflut, um das kollektive Bewusstsein zu erforschen: Jede Collage war wie eine freudianische Traumdeutung der modernen Kultur, die die Überreste der Massenmedien zu Offenbarungen oder Albträumen zusammensetzte.

Bis Ende der 1920er und 1930er Jahre hatte sich die Collage als Kerntechnik der Avantgarde etabliert, die nicht nur in Europa, sondern weltweit eingesetzt wurde. Lateinamerikanische Modernisten wie José Orozco experimentierten mit Collagen in Wandgemälden und Drucken; in Japan präsentierte das avantgardistische Magazin Mavo Collagearbeiten; und in den Vereinigten Staaten begann der junge Joseph Cornell, seine faszinierenden collageartigen Assemblage-Boxen zu schaffen, gefüllt mit viktorianischem Krimskrams, der auf surreale Weise arrangiert war.

Indexierte Zeitleiste: Wichtige Momente in der Geschichte der Collage (1900–1940) – ein schneller Überblick über entscheidende Durchbrüche in der Collage und ihren kulturellen Kontext:

• 1907–1911: Picasso und Braque entwickeln Analytischen Kubismus (Zerlegung der Form). Bis 1912 wechseln sie zum Synthetischen Kubismus und schaffen die ersten Collagen der bildenden Kunst (z.B. Picassos Stillleben mit Rohrstuhl), indem sie Tapeten, Zeitungen und Seile in die Malerei einführen. Bedeutung: Collage tritt in die hohe Kunst ein und spiegelt eine moderne Realität wider, in der Kunst und Alltagsleben verschmelzen.
• 1916–1920: Dada entsteht (Zürich, Berlin, Paris, New York). Hannah Höchs Fotomontagen und Kurt Schwitters' Merz-Collagen verwenden Fahrkarten, Zeitungen, Stoffe und Bilder, um die bürgerliche Kultur und Kriegspropaganda anzugreifen. Bedeutung: Collage wird zu einem Werkzeug des Protests, der Parodie und der kulturellen Kritik.
• 1924: Surrealistisches Manifest in Paris veröffentlicht. Max Ernsts Collageromane (1921–34) und andere nutzen Collage, um traumähnliche Szenen zu erschaffen. Bedeutung: Collage wird verwendet, um das Unterbewusste und Irrationale zu erkunden und kommentiert die zerrissene Psyche nach dem Ersten Weltkrieg.
• 1931: Exposition Internationale du Surréalisme zeigt Collagen und Objekte (Paris). Joseph Cornell beginnt in den 1930er Jahren in New York mit der Erstellung von Assemblage-Boxen, einer dreidimensionalen Erweiterung der Collage-Prinzipien. Bedeutung: Bestätigt Collage als bildende Kunst international; Collage-Ästhetik verbreitet sich in Amerika und beeinflusst aufstrebende Künstler.

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Pop-Art-Collage und die Kultur der Massenmedien

Wenn das frühe 20. Jahrhundert die Collage nutzte, um alte Weltordnungen zu demontieren, wurde sie in der Mitte des 20. Jahrhunderts eingesetzt, um die neue Welt der Massenmedien und Konsumkultur zu navigieren . Die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg war geprägt von einer Explosion der Werbung, des Fernsehens, gedruckter Bilder und Waren – eine Flut von visuellen Reizen, die sich selbst wie eine riesige Collage anfühlte, die die Sinne angreift. Es ist keine Überraschung, dass Künstler der 1950er und 1960er Jahre sich (wieder) der Collage zuwandten, um diese neue Realität zu verstehen oder zu kritisieren.

Proto-Pop: Hamiltons 1956 Time Capsule

1956 stellte der britische Künstler Richard Hamilton in einer bahnbrechenden Collage die Frage (und beantwortete sie frech): „Was genau macht die heutigen Häuser so anders, so ansprechend?“ Die Collage zeigt ein modernes Wohnzimmer, das mit Konsumgütern und Popkultur-Ikonen überfüllt ist: Ein Bodybuilder hält stolz einen riesigen Lutscher mit der Aufschrift „POP“, eine Dose Schinken steht auf einem Couchtisch, ein Comicbuch-Cover und ein Tonbandgerät schmücken die Wände.

Hamilton schnitt diese Bilder aus amerikanischen Zeitschriften aus und fügte sie zu einem satirischen Schnappschuss der aufkommenden Konsumgesellschaft zusammen. Dieses eine Kunstwerk wird oft als das erste Werk der Pop Art bezeichnet, mit der Collage im Mittelpunkt. Die Botschaft war klar – das moderne Leben ist eine Collage, eine Bombardierung mit unterschiedlichen Bildern und Produkten, die alle um unsere Aufmerksamkeit und unser Verlangen konkurrieren.

Hamiltons Collage kündigte einen Wandel an. In der Pop Art-Bewegung der späten 1950er und 1960er Jahre umarmten Künstler freudig Collage und Assemblage, um die neue mediengesättigte Kultur zu feiern, zu kritisieren oder einfach zu reflektieren.

Andy Warhol, obwohl bekannt für Siebdruckmalerei, verwendete auch Collagetechniken in seinen frühen Werken (wie seine Foto-Collage-Experimente der 1960er Jahre, bei denen er wiederholte Bilder von Prominenten und Produkten arrangierte).

Robert Rauschenberg baute monumentale Combines – halb Malerei, halb Assemblage – indem er Zeitungen und Fotografien auf Leinwände klebte und sogar echte Objekte wie eine ausgestopfte Ziege oder einen Reifen einbezog.

Diese waren Collagen in drei Dimensionen, chaotische Ansammlungen, die die rohe Textur des amerikanischen Lebens einfingen. Rauschenberg sagte berühmt, er arbeite „in der Lücke zwischen Kunst und Leben“, und seine collagebasierten Combines sind genau das: weder vollständig illusorische Kunst noch rohe Realität, sondern ein Hybrid.

Über den Ozean , Europäischer Pop und Nouveau Réalisme-Künstler taten Ähnliches. Im Jahr 1960 riss der französische Künstler Mimmo Rotella Straßenplakate ab und rekonstruierte ihre Fragmente zu neuen Kompositionen (er nannte dies décollage, buchstäblich Ent-Kleben, da er subtrahierte und umarrangierte, anstatt hinzuzufügen). Die Nouveau Réalistes in Frankreich (wie Jacques Villeglé) hoben ähnlich mit Graffiti bedeckte Plakate auf und stellten sie als Collagen der „realen“ urbanen visuellen Kultur aus.

Was diese Pop-Ära-Ansätze vereint, ist das Gefühl, dass Kunst die Bilderflut widerspiegeln sollte, die die Menschen täglich erlebten – die Magazinanzeigen, Filmstars, Comicstrips und kommerziellen Verpackungen, die die Träume und Bestrebungen der Nachkriegsgesellschaft definierten.

Collage in dieser Ära hatte oft einen verspielten, ironischen Touch. Im Gegensatz zu den wütenden Dadaisten oder ernsthaften Surrealisten näherten sich Pop-Künstler dem kulturellen Bildmaterial mit einer Mischung aus Faszination und Ironie. Doch in vielen dieser Werke war eine Kritik eingebettet. Hamiltons Collage ist fast klinisch in der Art, wie sie ein konsumorientiertes Interieur seziert; Warhols Wiederholungen von Marilyn Monroe oder einer Campbell's-Suppendose, die auf der Oberfläche feierlich wirken, fordern uns auch auf, darüber nachzudenken, wie Massenreproduktion und Medien unsere Wünsche formen.

Collage war das ideale Format für die Fragen der Pop-Art, weil sie im Grunde eine Kunst der Aneignung ist – sie nimmt bestehende Bilder (oft kommerzielle) und kontextualisiert sie neu. Dadurch kann Collagekunst die Mechanismen von Medienbildern aufdecken: wie sie überzeugen, verherrlichen oder täuschen.

Wie der Kunstkritiker Donald Kuspit beobachtete, ist eine große Stärke der Collage ihr Potenzial, gegebene Vorstellungen über die Welt zu untergraben, die Absolutheit der Konsensrealität zu leugnen. In den 1960er Jahren war die „Konsensrealität“, dass Konsum = Glück; Pop-Collagen stachen spielerisch Löcher in diese Vorstellung, indem sie die Zeichen des Konsums zu mehrdeutiger Kunst neu kombinierten.

Collage für Protest und Identität (1960er–1970er)

Die 1960er und 70er Jahre waren turbulente Zeiten – Bürgerrechtsbewegungen, feministische Bewegungen, Anti-Vietnamkriegsproteste – und Collage wurde erneut zu einer bevorzugten Taktik für Aktivisten und Künstler, die der Macht die Wahrheit sagten.

Collage ist von Natur aus demokratisch: Man braucht keine formale Kunstausbildung, um zu schneiden und zu kleben, und man kann billige, zugängliche Materialien wie Magazine, Flyer und Fotografien verwenden. Daher diente sie natürlich der Gegenkultur.

Betrachten Sie die politischen Poster und Untergrund-Zines der Ära . Die Antikriegsbewegung nutzte oft collagierte Fotografien, um schockierende Effekte zu erzielen (z. B. Bilder von vietnamesischen Kindern, die auf eine amerikanische Flagge überlagert wurden). 1967 schuf Carolee Schneemann, eine avantgardistische Performance-Künstlerin, „Body Collage“, ein Werk, in dem sie nackt in Kleber und Papierschnipseln rollte. Es war eine viszerale feministische Aussage – die Frau wird zur Collage –, die die Objektifizierung des weiblichen Körpers herausforderte, indem sie ihn in einem Chaos aus geklebtem Material zurückeroberte.

Feministische Künstlerinnen wie Hannah Wilke und Martha Rosler nutzten in den 1970er Jahren Fotomontagen, um Geschlechterrollen zu kritisieren, ähnlich wie Höch es getan hatte, aber nun mit Bezug auf die 1960er Jahre und die Schönheitsindustrie. Roslers Serie House Beautiful: Bringing the War Home (ca. 1967–72) fügte grausame Bilder des Vietnam-Krieges in glänzende Magazininterieurs ein und überbrückte die Distanz zwischen komfortablen amerikanischen Häusern und dem Krieg im Ausland – eine kraftvolle politische Collage, die in Untergrundzeitungen zirkulierte, anstatt in Kunstgalerien.

Inzwischen signalisierten in Musik und Grafikdesign Collage-Ästhetiken Rebellion. Die Punkrock-Bewegung übernahm einen DIY-Cut-and-Paste-Look für Konzertplakate und Albumcover – zweifellos der Einfluss von Dada, der wiederbelebt wurde.

Das berüchtigt anarchische Flugblatt für die Single „God Save the Queen“ (1977) der Sex Pistols von Jamie Reid zeigt das Porträt der Königin, das mit Lösegeldbrief-Stil-Schriftzügen verunstaltet ist, ein direkter Nachfahre der Dada-Fotomontage. Um diesen Lösegeldbrief-Text zu produzieren, schnitt Reid buchstäblich Buchstaben aus Zeitungsschlagzeilen aus. Dieser „Lösegeldbrief“-Collage-Stil wurde zum Synonym für die antiautoritäre Haltung des Punk. Im Wesentlichen war jede Collage eine kleine Revolution, die die Symbole der Macht in visuelle Rebellion umgestaltete.

Collage wurde auch zu einem Mittel für marginalisierte Stimmen, ihre Identität zu behaupten. Afroamerikanische Künstler der 1960er und 70er Jahre wie Romare Bearden nutzten Collage, um das schwarze Leben in Amerika darzustellen. Bearden schnitt Magazin-Fotografien, gemustertes Papier und seine eigenen Zeichnungen aus und fügte sie zu lebendigen, improvisierten Szenen der afroamerikanischen Geschichte und des Alltagslebens zusammen – Jazzmusiker, Taufen, Straßenleben in Harlem.

Romare Beardens „Patchwork“-Ästhetik resonierte mit Quilt-Traditionen und Blues-Improvisation und verband Collage mit einem kulturellen Erbe schwarzer Kreativität, das aus dem Zusammensetzen dessen entstand, was zur Hand war. Es ermöglichte Bearden auch, buchstäblich schwarze Gesichter und Körper in die kunsthistorische Erzählung einzufügen und damit einen Kanon zu untergraben, der sie lange ausgeschlossen hatte. Dabei beeinflusste er spätere Generationen, Collage für persönliche und politische Erzählungen zu nutzen.

Ende der 1970er Jahre hatte die Collage fast jede Kunstform und Ecke der Gesellschaft durchdrungen – von der hohen Kunst (Museumsausstellungen von Schwitters oder Cornell) bis zur Popkultur (Musikfanzines, Comics) bis hin zur politischen Aktivismus (Protestkunst).

Die Idee, dass alles Kunst sein könnte, wenn es durchdacht kombiniert wird, war nun weitgehend akzeptiert. Collage, einst umstritten, war nun eine gängige visuelle Sprache. Doch ihre Reise war noch lange nicht vorbei; tatsächlich stand die digitale Revolution kurz davor, die Collage in eine völlig neue Dimension zu katapultieren.