Collage als kultureller Spiegel: Eine lyrische Reise durch die Geschichte

Collagekunst war schon immer mehr als nur eine Ansammlung von Schnipseln – sie ist ein kultureller Spiegel, der die Werte, Ängste und Träume ihrer Zeit widerspiegelt. Von antiken Handwerkern, die kostbare Materialien schichteten, bis zu digitalen Einheimischen, die Memes remixen, enthüllen die Collagen jeder Ära eine Chronik der menschlichen Erfahrung.

Betrachten Sie eine ältere Witwe im Jahr 1772, Mary Delany, die Stücke farbigen Papiers zu einem Geranium zusammenfügte und schrieb, „Ich habe eine neue Art erfunden, Blumen zu imitieren“​. In diesem bescheidenen Akt des Handwerks hallte sie unwissentlich eine Praxis wider, die sich über Jahrhunderte und Kontinente erstreckte – die Welt in visueller Form zusammenzusetzen.

Collage, vom Französischen coller (kleben), bindet wörtlich und metaphorisch das Vergängliche in Bedeutung. Sie erlaubt es, dass unterschiedliche Bilder und Materialien auf der Leinwand miteinander kommunizieren und eine vielschichtige Syntax schaffen, die sowohl poetisch als auch scharf ist. Im Laufe der Zeit haben Künstler diese Syntax genutzt, um Geschichte zu dokumentieren, Autoritäten herauszufordern und persönliche und kollektive Identitäten zu weben.

Heute, wenn wir durch digitale Collagen in sozialen Medien scrollen oder immersive collage-inspirierte Installationen in Museen erleben, nehmen wir an einer Linie teil, die von alten chinesischen Schriftrollen über Dadaistische Fotomontagen bis hin zu Punk-Zines und darüber hinaus reicht.

Die Reise dieses Artikels wird die Transformation der Collage von ihren antiken Ursprüngen bis ins digitale Zeitalter nachzeichnen und untersuchen, wie kulturelle Kräfte ihre Entwicklung an wichtigen Wendepunkten geprägt haben. Wir werden sehen, wie jede Schicht der Collage – jedes Fragment, das zerrissen und geklebt wurde – den Abdruck einer Zeit und eines Ortes trägt. Eine Geschichte von Kreativität, geboren aus Komplexität, eine Kunstform, die sich ständig neu erfindet, um auf neue Realitäten zu reagieren.

Wichtige Erkenntnisse

• Collagekunst bietet eine einzigartige Linse in die Komplexität kultureller und historischer Kontexte.
• Das Medium hat sich kontinuierlich weiterentwickelt und spiegelt die sich verändernden gesellschaftlichen Werte und Ideologien wider.
• Wichtige Kunstbewegungen, einschließlich Dadaismus und Surrealismus, nutzten Collage für soziopolitische Kommentare.
• Collage dient als Chronik der Menschheitsgeschichte, durchdrungen von Symbolen und Motiven verschiedener Kulturen.
• Durch Collage bieten Künstler sowohl eine Bewahrung als auch eine Herausforderung kultureller Identitäten.
• Die Anpassungsfähigkeit der Technik hat es ihr ermöglicht, angesichts einer sich schnell verändernden Welt relevant zu bleiben.

Antike Ursprünge: Fragmente einer kulturellen Tradition

Lange bevor „Collage“ ein definierter Kunstbegriff war, fügten Menschen Fragmente zusammen, um ihre Geschichten zu erzählen. In prähistorischen Zeiten kombinierten unsere Vorfahren natürliche Materialien – Blütenblätter, Muscheln, Federn, Schmetterlingsflügel – um Gegenstände zu schmücken oder rituelle Darstellungen zu schaffen.

Diese frühen Handlungen, obwohl nicht Kunst um der Kunst willen, zeigen einen grundlegenden Instinkt, Bedeutung aus der Welt um uns herum zu sammeln und zu komponieren. Indem sie ein Element an ein anderes hefteten, schufen prähistorische Menschen im Wesentlichen die ersten Collagen, indem sie alltägliche Dinge nutzten, um Ideen oder Spiritualität zu vermitteln.

Eine entscheidende Innovation befeuerte diesen Impuls: die Erfindung von Papier in China um 200 v. Chr.. Mit Papier entstand eine flexible neue Oberfläche, und bald entdeckten Kunsthandwerker, dass sie es auf erfinderische Weise schneiden und kleben konnten. Historische Aufzeichnungen deuten darauf hin, dass zur Zeit der Tang-Dynastie buddhistische Mönche Papiersutras (Schriften) und Bilder als Andachtskunst zusammenklebten.

Collage war in diesem Kontext ein Werkzeug der Frömmigkeit und Bewahrung – gedruckte Gebete, die zu einem größeren Ganzen zusammengefügt wurden. Dies setzte einen Präzedenzfall für Collage als Bedeutungsschaffende Praxis, die kulturelle Werte (in diesem Fall religiöse Hingabe) in die Materialien des Kunstwerks einbettet.

Japan übernahm die Praxis nicht viel später. Im 10. Jahrhundert, in der Heian-Zeit, war es bekannt, dass japanische Dichter und Kalligraphen Gedichte auf dekorierte Papierhintergründe klebten als Teil der Kunst des tsugimono, um visuell geschichtete Gedichtrollen zu schaffen. Sie könnten zarte Papiere mit Gold- oder Silberblatt und eingefärbten Zeichen anbringen, um ein harmonisiertes Design zu schaffen – im Wesentlichen eine frühe Papiercollage, die Text und Bild vereint.

Im 12. Jahrhundert klebten japanische Künstler auch Papier auf Seide, um Bildschirme und Schriftrollen zu verschönern, ein früher Vorläufer der Collage in der bildenden Kunst. Diese verfeinerten Anwendungen in Ostasien wurden durch Volkspraktiken anderswo gespiegelt: In Mitteleuropa im 13. Jahrhundert verwendeten Menschen collageartige Techniken als Handwerk, um ihre Häuser zu dekorieren – zum Beispiel durch die Kombination von Stoffen, Fotos und Erinnerungsstücken in dem, was wir als Proto-Scrapbooks oder Erinnerungsbretter bezeichnen könnten.

Die Vorgeschichte der Collage ist somit ein globales Geflecht. In vielen indigenen und volkstümlichen Traditionen finden wir ähnliche Techniken des Zusammensetzens von Stücken:

• Mola-Textilien, die von Guna-Frauen in Panama hergestellt werden, schichten farbige Stoffe in einer umgekehrten Applikation (eine textile Collage), um lokale Geschichten darzustellen
• Quilttraditionen in Afrika und der afrikanischen Diaspora nähen unterschiedliche Stoffreste zu einheitlichen Erzählungen zusammen
• Tibetische buddhistische Sandmandalas vereinen Millionen von Körnern farbigen Sands zu kosmischen Diagrammen, nur um sie wegzufegen – ein ergreifendes Ritual der Schöpfung und Zerstreuung, das dem Ethos der Vergänglichkeit und Neukombination der Collage ähnelt.

Jede dieser Praktiken verwendet ein Collageprinzip: Fragmente zusammenzubringen, um eine Bedeutung zu schaffen, die jedes einzelne Stück übersteigt.

In den Renaissance- und Barockzeiten in Europa tauchten Collageelemente in religiöser Kunst und höfischen Handwerken auf. Nonnen in mittelalterlichen Klöstern fertigten exquisite Reliquiare und Andachtsbilder an, die mit ausgeschnittenem Pergament, Stoff und Juwelen besetzt waren – eine spirituelle Collage aus Materialien.

In barocken Kuriositätenkabinetten montierten Sammler Schmetterlinge, Münzen und Drucke in aufwendigen Arrangements und collagierten so Natur und Kunst, um die Wunder der Welt zu katalogisieren.

Diese frühen Collagen dienten als kulturelle Spiegel ihrer Zeit: Die chinesischen Papiercollagen spiegelten eine Gesellschaft wider, die Gelehrsamkeit und Glauben schätzte, die japanischen Schriftrollen-Collagen spiegelten eine höfische Kultur, die Poesie und Eleganz schätzte, und die europäischen Volkscollagen sprachen vom häuslichen Leben und persönlichen Erinnerungen.

Im 18. Jahrhundert begann sich die Collage, wie wir sie kennen, deutlicher herauszubilden. Mary Delanys Werk ist ein hervorragendes Beispiel: Zwischen 1772 und 1783 fertigte diese vornehme Großmutter am englischen Hof 985 botanische Collagen an, die so wissenschaftlich genau waren, dass Botaniker staunten, man könne „botanisch jede Pflanze beschreiben... ohne Angst vor Fehlern“, indem man sie betrachtete.

Delany nannte ihre Blumen „Papiermosaike“, ein treffender Begriff, der hervorhebt, wie jede aus vielen Papierschnipseln zusammengesetzt war. Ihr künstlerisches Wiederaufleben im späten Leben – gleichermaßen durch Neugier und Trauer angeregt – unterstreicht ein zentrales Thema: Collage gedeiht oft in Zeiten persönlicher oder gesellschaftlicher Umbrüche und verleiht dem, was sonst unaussprechlich wäre, Form. 

Um die gleiche Zeit wurde die viktorianische Collage zu einem beliebten Zeitvertreib. Aristokraten und Mittelklassefamilien führten Scrapbooks und Collagealben. Sogar der Schriftsteller Charles Dickens ließ sich darauf ein und arbeitete mit einem Freund zusammen, um einen Paravent mit Hunderten von ausgeschnittenen Gravuren zu bedecken.

Viktorianische häusliche Collagen, die zur Unterhaltung erschaffen wurden, waren dennoch kulturelle Artefakte: Sie sammelten die visuelle Kultur ihrer Zeit (Zeitungsausschnitte, gedruckte Bilder) in neuen Erzählungen, so wie wir vielleicht eine digitale Collage von Nachrichtenfotos erstellen würden, um aktuelle Ereignisse zu kommentieren.

Durch diese frühen Beispiele etablierte die Collagekunst zwei dauerhafte Rollen: als Mittel zur Bewahrung der Vergangenheit (indem wertvolle Stücke zu einem neuen Ganzen zusammengefügt werden) und als Mittel zur Subversion oder zum Spiel , die Welt mit Laune oder Kritik neu zu kombinieren. Diese Rollen würden noch ausgeprägter werden, als die Collage in das Reich der modernen Kunst eintrat.

Der historische Kontext der Collagekunst: Eine Zeitleiste der Einflüsse

Die reiche Geschichte der Collagekunst ist in ein Potpourri kultureller Dynamiken eingebettet und dient als visuelles Lexikon voller Kommentare und revolutionärer Ideen. Dieser Abschnitt unternimmt eine Reise zur Chronik der Zeitleiste der Einflüsse in der Kunst und markiert die Metamorphose der Collage von ihrer Entstehung bis zu der Ausdruckskraft, die sie heute ist.

Durch das Erforschen kultureller Einflüsse gewinnen wir nicht nur Einblicke in dieses transformative Medium, sondern schätzen auch die entscheidenden Rollen, die eine Konstellation von Künstlern und Bewegungen bei der Gestaltung seiner Entwicklung gespielt haben.

1. Die frühen Stadien der Collage lassen sich auf die Erfindung des Papiers in China zurückverfolgen, was schließlich zu den ersten dokumentierten Instanzen von Papiercollagen führte, die von Mönchen für religiöse Texte verwendet wurden und den frühesten historischen Kontext der Collagekunst symbolisieren.
2. Schnell vorwärts in das frühe 20. Jahrhundert, als der Kubismus einen entscheidenden Wandel auslöste, als Künstler wie Pablo Picasso und Georges Braque begannen, Mischmedien in ihre Werke zu integrieren, was eine bedeutende Entwicklung in der Zeitleiste der Einflüsse in der Kunst markierte.
3. Die Anti-Kriegs-Gefühle und die gesellschaftliche Kritik der Dada-Bewegung befähigten Künstler, darunter Hannah Höch und Kurt Schwitters, Collage als Form des Aufstands zu nutzen – kulturelle Konstrukte zu kritisieren und neue Präzedenzfälle in der Geschichte der Collagekunst zu setzen.
4. Surrealisten infundierten später Collage mit Elementen von Traum und Fantasie, wobei Künstler wie Max Ernst sie als Leinwand für unterbewusste Erkundungen nutzten und kulturelle Einflüsse durch Gegenüberstellungen reflektierten, die Realität und Traum verschwimmen ließen.
5. Die Mitte des 20. Jahrhunderts brachte Pop Art hervor, bei der die Collage einen Spiegel auf die Konsumkultur richtete, mit Künstlern wie Richard Hamilton und Andy Warhol, die populäre Bilder zerlegten und neu zusammensetzten, um die Kommerzialisierung der Kultur zu kommentieren.
6. Vom späten 20. bis ins 21. Jahrhundert entwickelte sich die Collagekunst weiter, wobei digitale Technologien und globale Konnektivität eine neue Ära einleiteten. Diese Periode hat Künstler erlebt, die Collage für gesellschaftlichen Kommentar und digitalen Aktivismus nutzen, was letztendlich ihre historische und kulturelle Bedeutung erweitert.

Durch das Studium dieser bewegten Vergangenheit wird deutlich, dass Collage kontinuierlich als bevorzugtes Medium für Künstler gedient hat, die daran interessiert sind, kulturelle Einflüsse zu erforschen. Ihre Anpassungsfähigkeit und Neigung zu eklektischen Amalgamationen haben sie zu einer sich ständig entwickelnden Leinwand gemacht, die das sich ständig verändernde Gesicht der menschlichen Kultur widerspiegelt.

Der historische Kontext der Collagekunst ist nicht einfach eine Vergangenheit, die studiert werden muss, sondern ein fortlaufendes Gespräch, durchsetzt mit Bedeutungsschichten, die von der Fluidität der Zeit und Kultur sprechen.

• Die Experimente des Kubismus spiegeln die Sicht der modernen Welt wider und das Überlappen verschiedener Perspektiven durch Collage.
• Die Nutzung der Collage durch Dada untermauert die kulturelle Kritik und die Dekonstruktion von Vorkriegswerten.
• Die traumhaften Collagen des Surrealismus sezieren die Spalten zwischen greifbarer Realität und dem ungezügelten Geist.
• Die lebendigen Tableaus der Pop-Art zeigen den wachsenden Einfluss der Massenmedien und der Konsumkultur auf individuelle und gesellschaftliche Identitäten.
• Die Remix-Kultur des digitalen Zeitalters und Internet-Memes präsentieren eine neue Grenze, an der sich die historische Erzählung der Collagekunst weiter entfaltet.

Innerhalb dieses reichen Geflechts liegt ein kompliziertes Netzwerk von Epochen, Ideologien und Methoden, die alle zur robusten, facettenreichen Essenz der Collagekunst beitragen. Es ist eine Geschichte nicht nur von Künstlern und ihren Werken, sondern auch davon, wie diese Elemente die Epochen, aus denen sie hervorgingen, reflektieren und herausfordern, kulturellen Kontext bieten und nachfolgende kreative Generationen beeinflussen.

Cut-and-Paste Revolution: Collage in der Avantgarde

Im frühen 20. Jahrhundert explodierte die Collage auf der Avantgarde-Kunstszene und veränderte für immer den Verlauf der modernen Kunst. Der Katalysator war der Kubismus, die radikale Kunstbewegung, die von Pablo Picasso und Georges Braque in Paris angeführt wurde.

Bis 1912 war Picasso unzufrieden damit, nur ein Stillleben zu malen. In einem mutigen Schritt klebte er ein Stück kommerziell bedrucktes Wachstuch mit einem Rohrstuhlmuster direkt auf seine Leinwand Stillleben mit Rohrstuhlgeflecht (1912). Es war eine skandalöse Geste – „die schockierende Unvereinbarkeit, ein Volkskunstgerät in die „ernste“ Kunst einzuführen“.

Indem er ein reales Material in die gemalte Illusion einfügte, ließ Picasso die Grenze zwischen Kunst und Leben verschwimmen. Wie ein Kommentar des Metropolitan Museum feststellt, war dies ein „radikaler Akt – das Einfügen eines Fragments der Realität in den fiktiven Bereich der Malerei,“ eine witzige Nachahmung der Realität, die sowohl die Tradition verspottete als auch ehrte.

Braque, der sich nicht übertreffen lassen wollte, klebte bald Stücke von Tapeten und Zeitungsausschnitten in seine Kunstwerke. So wurde der synthetische Kubismus geboren, und damit die formale Einführung der Collagetechnik in der bildenden Kunst.

Warum geschah dies 1912? Kulturell veränderte sich die Welt mit atemberaubender Geschwindigkeit – die Moderne war mit ihren Telefonen, Autos und Tageszeitungen in vollem Gange. Die kubistische Collage spiegelte eine moderne Weltanschauung wider: eine von Fragmenten, Gleichzeitigkeit und mehreren Perspektiven.

Indem sie Teile des Alltags (Zeitungsausschnitte, Tabakverpackungen, Tapeten) zerschnitten und neu zusammensetzten, wollten Picasso und Braque die überlappenden Realitäten des modernen Lebens einfangen. Collage war das perfekte Medium dafür. Es erlaubte Künstlern, verschiedene Texturen und Blickwinkel auf einer Ebene zu juxtapositionieren, ähnlich wie eine Stadt eine Collage aus Anblicken und Klängen präsentiert. Infolgedessen wurde das Experimentieren des Kubismus mit Collage zu einem Fundament für einen Großteil der Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Wort „Collage“ trat durch diese Experimente in den Kunstwortschatz ein.

Andere Künstler griffen schnell zu Schere (und Kleber). In Italien klebten die Futuristen Wörter und Bilder in ihren Manifesten und verrückten typografischen Designs zusammen, um das Chaos des Maschinenzeitalters zu vermitteln. In Russland stellten Konstruktivisten abstrakte Collagen aus Papier und Druck zusammen, um revolutionäre Ideale voranzutreiben. Doch mitten im Ersten Weltkrieg nahm die Collage eine noch kämpferischere kulturelle Rolle ein: die Geburt von Dada.

Dada: Kleber als Waffe des Widerstands

Im Jahr 1916, während der Krieg in Europa tobte, rebellierte eine Gruppe von Exilkünstlern und Dichtern in Zürich – darunter Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann – gegen alles, wofür die Gesellschaft stand. Sie nannten ihre Anti-Bewegung Dada, ein unsinniges Wort, das ihrem Entsetzen über die sinnlose Gewalt des Ersten Weltkriegs entsprach. Collage und ihr fotografischer Cousin, die Fotomontage, wurden zu Dadas explosivsten Waffen.

Warum Collage? Die Dadaisten fanden in der Schnitt-und-Klebe-Technik eine Metapher für die zerbrochene Welt um sie herum. Indem sie Zeitungen, Anzeigen und Fotografien – das eigentliche Gewebe der visuellen Kultur der bürgerlichen Gesellschaft – physisch zerschnitten und in absurden oder schockierenden Weisen neu zusammenstellten, wollten sie buchstäblich durchschneiden die Illusionen von Nationalismus, Propaganda und traditioneller Kunst.

Hannah Höch, eine Berliner Dadaistin, war Pionierin der Fotomontage, um Geschlechterrollen und Politik zu kritisieren. In ihrer Collage von 1919 Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands schnitt sie Bilder deutscher Politiker und Massenmedienbilder aus und setzte sie zu einer chaotischen, beißenden Satire der Weimarer Gesellschaft zusammen. Der Titel selbst deutet auf häusliche Werkzeuge (ein Küchenmesser) hin, die verwendet werden, um aufgeblähte Autoritäten (den „Bierbauch“ des Establishments) zu zerschneiden​. Höchs Werk, wie viele Dada-Collagen, war eine polyphone Kritik – mehrere Stimmen und Bedeutungen, die aus den juxtapositionierten Fragmenten hervorgehen, ein visueller Protest gegen eine einzige, rationale Erzählung.

Dada-Collage führte mehrere wichtige kulturelle Taktiken ein, die bis heute in der Kunst nachhallen:

• Fotomontage als Gesellschaftskritik: Künstler wie Höch und John Heartfield kombinierten und retuschierten Fotografien, um scharfe politische Botschaften zu schaffen (Heartfield verspottete Hitler berühmt, indem er das Porträt des Führers collagierte, um einen Vorrat an Goldmünzen in seinem Magen zu enthüllen – was auf Gier als Antrieb für den Faschismus hinweist). Diese Technik ist ein direkter Vorläufer der heutigen politischen Memes und Photoshop-Satire.

• Zufall und Irrationalität: Dada-Collagisten umarmten oft zufällige Anordnungen von Fragmenten (Jean Arp zum Beispiel ließ zerrissene Papierstücke fallen und klebte sie dort, wo sie fielen), um die Idee der vorbedachten Ordnung abzulehnen. Diese freie Assoziation von Bildern ahmte das Gefühl der Desorientierung der Ära nach und kündigte auch die surrealistischen Methoden an.

• Typografie und Grafik in der Kunst: Dada verwischte die Grenzen zwischen Kunst und Verlagswesen. Ausgeschnittene Wörter, Schriftarten und kommerzielle Logos fanden ihren Weg in Collagen und erodierten die Barriere zwischen bildender Kunst und Massenmedien. Indem sie dies taten, erkannten Dada-Collagen an, dass Kultur selbst eine Collage aus Hoch und Niedrig, Ernst und Absurdität war – eine Vorstellung, die in der postmodernen Kunst nur noch stärker werden würde.

In den 1920er Jahren entwickelten sich viele Dada-Künstler (oder degenerierten) zu Surrealisten und nahmen Collagetechniken mit in neue konzeptionelle Bereiche. Die surrealistische Bewegung, begeistert von Freuds Theorien über Träume und das Unterbewusstsein, sah in der Collage ein Mittel, um bizarre und unheimliche Bilder zu erschließen, die scheinbar zufällig entstehen könnten.

Max Ernst schuf Collagen aus Gravuren des 19. Jahrhunderts, um fantastische Szenen zu formen (sein Buch von 1934 Une Semaine de Bonté ist ein Roman in Collage, der viktorianische Illustrationen in absurde, traumhafte Vignetten verwandelt). Die Surrealisten schätzten, wie Collagen vertraute Bilder fremd machen konnten, indem sie sie aus dem Kontext rissen.

Wie ein Kunsthistoriker beobachtete, spiegelte der Akt des Zusammenspleißens disparater Bilder die surrealistischen Überzeugungen wider, dass Bedeutung durch das Unterbewusstsein in unlogischen Sprüngen erzeugt wird. Ein Männerkopf auf einem Fischkörper oder eine Puppe, die in einem Wald eingefügt ist – solche irrationalen Kombinationen waren Fenster in den unbewussten Geist.

Doch selbst in ihren traumhaftesten Anwendungen blieb die Collage in den Händen der Surrealisten ein kulturelles Barometer. Sie erfasste die Desillusionierung einer Welt nach dem Krieg, in der alte Gewissheiten (politisch, sozial, religiös) zerschnitten und neue, beunruhigende Realitäten aus ihren Stücken zusammengesetzt wurden.

Collagen boten auch eine Möglichkeit, die Flut moderner Medienbilder zu verarbeiten. . Als Zeitungen, Zeitschriften und Anzeigen in den 1920er Jahren zunahmen, hatten Künstler buchstäblich mehr Rohmaterial als je zuvor, um es zu zerschneiden. Surrealisten nutzten diese Flut von Bildern, um das kollektive Unterbewusstsein zu erforschen: Jede Collage war wie eine freudianische Traumdeutung der modernen Kultur, die die Überreste der Massenmedien zu Offenbarungen oder Albträumen zusammenfügte.

In den späten 1920er und 1930er Jahren hatte sich die Collage als Kerntechnik der Avantgarde etabliert, die nicht nur in Europa, sondern weltweit verwendet wurde. Lateinamerikanische Modernisten wie José Orozco experimentierten mit Collagen in Wandmalereien und Drucken; in Japan präsentierte das avantgardistische Magazin Mavo Collagewerke; und in den Vereinigten Staaten begann der junge Joseph Cornell, seine bezaubernden collageartigen Assemblage-Boxen zu schaffen, gefüllt mit viktorianischem Krimskrams, der auf surreale Weise arrangiert war.

Indexierte Zeitleiste: Schlüsselereignisse in der Geschichte der Collage (1900–1940) – ein schneller Überblick über entscheidende Collage-Durchbrüche und ihren kulturellen Kontext:

• 1907–1911: Picasso und Braque entwickeln Analytischen Kubismus (Fragmentierung der Form). Bis 1912 wechseln sie zum Synthetischen Kubismus und schaffen die ersten bildenden Kunst-Collagen (z. B. Picassos Stillleben mit Rohrstuhl), indem sie Tapeten, Zeitungen und Seil in die Malerei einführen. Bedeutung: Die Collage betritt die hohe Kunst und spiegelt eine moderne Realität wider, in der Kunst und Alltag verschmelzen.
• 1916–1920: Dada entsteht (Zürich, Berlin, Paris, New York). Hannah Höchs Fotomontagen und Kurt Schwitters' Merz-Collagen verwenden Bustickets, Zeitungen, Stoff und Bilder, um die bürgerliche Kultur und Kriegspropaganda anzugreifen. Bedeutung: Collage wird zu einem Werkzeug des Protests, der Parodie und der kulturellen Kritik.
• 1924: Surrealistisches Manifest in Paris veröffentlicht. Max Ernsts Collage-Romane (1921–34) und andere verwenden Collage, um traumartige Szenen heraufzubeschwören. Bedeutung: Collage wird verwendet, um das Unterbewusste und Irrationale zu erforschen und kommentiert die gebrochene Psyche nach dem Ersten Weltkrieg.
• 1931: Exposition Internationale du Surréalisme zeigt Collagen und Objekte (Paris). Joseph Cornell beginnt in den 1930er Jahren in New York, Assemblage-Boxen zu kreieren, eine dreidimensionale Erweiterung der Collage-Prinzipien. Bedeutung: Validiert Collage als internationale Kunstform; Collage-Ästhetik verbreitet sich nach Amerika und beeinflusst aufstrebende Künstler.

Pop Art Collage und die Kultur der Massenmedien

Wenn das frühe 20. Jahrhundert die Collage zur Demontage alter Weltordnungen nutzte, wurde sie in der Mitte des 20. Jahrhunderts eingesetzt, um die neue Welt der Massenmedien und Konsumkultur zu navigieren. Die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg war geprägt von einer Explosion der Werbung, des Fernsehens, gedruckter Bilder und Waren – eine Flut von visuellen Reizen, die sich selbst wie eine riesige Collage anfühlte, die die Sinne überflutete. Es ist kein Wunder, dass Künstler der 1950er und 1960er Jahre (erneut) zur Collage griffen, um diese neue Realität zu verstehen oder zu kritisieren.

Proto-Pop: Hamiltons Zeitkapsel von 1956

1956 stellte der britische Künstler Richard Hamilton in einer bahnbrechenden Collage die Frage (und beantwortete sie augenzwinkernd): “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?” Die Collage zeigt ein modernes Wohnzimmer, das mit Konsumgütern und Popkultur-Ikonen überfüllt ist: Ein Bodybuilder hält stolz einen riesigen Lutscher mit der Aufschrift “POP”, eine Dose Schinken steht auf einem Couchtisch, ein Comicbuchcover und ein Tonbandgerät schmücken die Wände.

Hamilton schnitt diese Bilder aus amerikanischen Zeitschriften und fügte sie zu einem satirischen Schnappschuss der aufkommenden Konsumgesellschaft zusammen. Dieses eine Kunstwerk wird oft als das erste Werk der Pop Art bezeichnet, mit der Collage im Mittelpunkt. Die Botschaft war klar – das moderne Leben ist eine Collage, eine Flut von unterschiedlichen Bildern und Produkten, die alle um unsere Aufmerksamkeit und unser Verlangen kämpfen.

Hamiltons Collage kündigte einen Wandel an. In der Pop Art Bewegung der späten 1950er und 1960er Jahre umarmten Künstler freudig Collage und Assemblage, um die neue mediengesättigte Kultur zu feiern, zu kritisieren oder einfach widerzuspiegeln.

Andy Warhol, bekannt für Siebdruckmalerei, nutzte in seinen frühen Werken (wie seinen Foto-Collage Experimenten der 1960er Jahre, die wiederholte Bilder von Prominenten und Produkten anordneten) auch Collagetechniken.

Robert Rauschenberg baute monumentale Combines – halb Malerei, halb Assemblage – und klebte Zeitungen und Fotografien auf Leinwände und integrierte sogar reale Objekte wie eine ausgestopfte Ziege oder einen Reifen.

Dies waren Collagen in drei Dimensionen, chaotische Ansammlungen, die die rohe Textur des amerikanischen Lebens einfingen. Rauschenberg sagte berühmt, er arbeite „in der Lücke zwischen Kunst und Leben“, und seine collagebasierten Combines sind genau das: weder vollständig illusorische Kunst noch rohe Realität, sondern ein Hybrid.

Über den Ozean hinweg machten europäische Pop- und Nouveau Réalisme-Künstler viel Ähnliches. 1960 zerriss der französische Künstler Mimmo Rotella Straßenschilder und re-kollagierte ihre Fragmente zu neuen Kompositionen (er nannte dies décollage, buchstäblich Entkleben, da er subtrahierte und umarrangierte, anstatt hinzuzufügen). Die Nouveau Réalistes in Frankreich (wie Jacques Villeglé) hoben ähnlich mit Graffiti bedeckte Plakate auf und stellten sie als Collagen der „realen Leben“ städtischen visuellen Kultur aus.

Was diese Pop-Ära-Ansätze vereint, ist ein Gefühl, dass Kunst die Bilderflut widerspiegeln sollte, die die Menschen täglich erlebten – die Magazinanzeigen, Filmstars, Comicstrips und kommerzielle Verpackungen, die die Träume und Aspirationen der Nachkriegsgesellschaft definierten.

Collage in dieser Ära hatte oft eine verspielte, ironische Kante. Anders als die wütenden Dadaisten oder ernsthaften Surrealisten näherten sich Pop-Künstler dem kulturellen Bildmaterial mit einer Mischung aus Faszination und Ironie. Doch es gab Kritik, die in vielen dieser Werke eingebettet war. Hamiltons Collage ist fast klinisch in der Art, wie sie ein konsumistisches Inneres seziert; Warhols Wiederholungen von Marilyn Monroe oder einer Campbell’s-Suppendose, während sie an der Oberfläche feierlich erscheinen, fordern uns auch auf zu überlegen, wie Massenreproduktion und Medien unsere Wünsche formen.

Collage war das ideale Format für die Fragen der Pop-Art, weil es im Grunde eine Kunst der Aneignung ist – es nimmt bestehende Bilder (oft kommerzielle) und kontextualisiert sie neu. Indem sie dies tut, kann Collagekunst die Mechanismen von Medienbildern aufdecken: wie sie überzeugen, verherrlichen oder täuschen.

Wie der Kunstkritiker Donald Kuspit beobachtete, ist eine große Stärke der Collage ihr Potenzial, gegebene Vorstellungen von der Welt zu untergraben, die Absolutheit der Konsensrealität zu leugnen. In den 1960er Jahren war die „Konsensrealität“, dass Konsum = Glück; Pop-Collagen stachen spielerisch Löcher darin, indem sie die Zeichen des Konsums in mehrdeutige Kunst umwandelten.

Collage für Protest und Identität (1960er–1970er)

Die 1960er und 70er Jahre waren turbulente Zeiten – Bürgerrechtsbewegungen, feministische Bewegungen, Anti-Vietnam-Kriegsproteste – und Collage wurde erneut zu einer bevorzugten Taktik für Aktivisten und Künstler, die der Macht die Wahrheit sagten.

Collage ist von Natur aus demokratisch : Man braucht keine formale Kunstausbildung, um zu schneiden und zu kleben, und man kann billige, zugängliche Materialien wie Zeitschriften, Flyer und Fotografien verwenden. So diente es natürlich der Gegenkultur.

Betrachten Sie die politischen Plakate und Untergrund-Zines der Ära. Die Antikriegsbewegung verwendete oft collagierte Fotografien mit schockierender Wirkung (z. B. Bilder von vietnamesischen Kindern, die auf eine amerikanische Flagge überlagert wurden). 1967 schuf Carolee Schneemann, eine avantgardistische Performance-Künstlerin, „Body Collage“, ein Werk, in dem sie nackt in Kleber und Papierschnipseln rollte. Es war eine viszerale feministische Aussage – die Frau wird zur Collage – die die Objektifizierung des weiblichen Körpers herausforderte, indem sie ihn in einem Chaos aus geklebtem Material zurückeroberte.

Feministische Künstlerinnen wie Hannah Wilke und Martha Rosler in den 1970er Jahren nutzten Fotomontagen, um Geschlechterrollen zu kritisieren, ähnlich wie Höch, jedoch nun mit Bezug auf die Häuslichkeit der 1960er Jahre und die Schönheitsindustrie. Roslers Serie House Beautiful: Bringing the War Home (ca. 1967–72) klebte grausame Bilder des Vietnamkriegs in glänzende Magazininterieurs, um die Distanz zwischen komfortablen amerikanischen Häusern und dem Krieg im Ausland zu überbrücken – eine kraftvolle politische Collage, die in Untergrundzeitungen zirkulierte, anstatt in Kunstgalerien.

Gleichzeitig signalisierten in Musik und Grafikdesign Collage-Ästhetiken Rebellion. Die Punkrock-Bewegung übernahm einen Cut-and-Paste-DIY-Look für Konzertplakate und Albumcover – wohl der Einfluss von Dada, der wiederbelebt wurde.

Das berühmte anarchische Flugblatt für die Single „God Save the Queen“ (1977) der Sex Pistols von Jamie Reid zeigt das Porträt der Königin, das mit Lösegeldbrief-artiger Schrift verunstaltet ist, ein direkter Nachfahre der Dada-Fotomontage. Um diesen Lösegeldbrief-Text zu produzieren, schnitt Reid buchstäblich Buchstaben aus Zeitungsschlagzeilen. Dieser „Lösegeldbrief“-Collage-Stil wurde synonym mit der antiautoritären Haltung des Punk. Im Wesentlichen war jede Collage eine kleine Revolution, die die Symbole der Macht in visuelle Rebellion umwandelte.

Collage wurde auch zu einem Mittel für marginalisierte Stimmen, um ihre Identität zu behaupten. Afroamerikanische Künstler der 1960er und 70er Jahre wie Romare Bearden nutzten Collagen, um das schwarze Leben in Amerika darzustellen. Bearden zerschnitt Magazin-Fotografien, gemustertes Papier und seine eigenen Zeichnungen und fügte sie zu lebendigen, improvisierten Szenen der afroamerikanischen Geschichte und Alltagserfahrungen zusammen – Jazzmusiker, Taufen, Straßenleben in Harlem.

Romare Beardens „Patchwork“-Ästhetik schwang mit Quilt-Traditionen und Blues-Improvisationen mit, indem sie Collagen mit einem kulturellen Erbe schwarzer Kreativität verband, das aus dem Zusammensetzen dessen, was zur Hand ist, geboren wurde. Es ermöglichte Bearden auch, buchstäblich schwarze Gesichter und Körper in die Kunstgeschichte einzufügen , einen Kanon zu untergraben, der sie lange ausgeschlossen hatte. Dabei beeinflusste er spätere Generationen, Collage für persönliche und politische Erzählungen zu nutzen.

Ende der 1970er Jahre hatte die Collage fast jede Kunstform und Ecke der Gesellschaft durchdrungen – von der hohen Kunst (Museumsausstellungen von Schwitters oder Cornell) bis hin zur Popkultur (Musik-Fanzines, Comic-Bücher) und politischem Aktivismus (Protestkunst).

Die Idee, dass alles Kunst sein könnte, wenn es durchdacht kombiniert wird, war nun weitgehend akzeptiert. Collage, einst kontrovers, war nun eine gängige visuelle Sprache. Doch ihre Reise war noch lange nicht vorbei; tatsächlich stand die digitale Revolution kurz davor, die Collage in eine völlig neue Dimension zu katapultieren.