Erkundung des Einflusses berühmter Collage-Künstler, die die Kunstform definierten: Dada bis Feminismus, die Harlem Renaissance, Matisses 'Zeichnungen mit der Schere' und die Liste geht weiter...

Collagekunst ist mehr als eine Ansammlung von Ausschnitten. Es ist eine radikale Neuerfindung von Form, Erzählung und Bedeutung. Sie tauchte aus den Schatten der traditionellen Malerei und Skulptur auf — schon vor langer Zeit, im 10. Jahrhundert in Japan — aber Wikipedia hat all diese Winkel abgedeckt. Wenn gerade Fakten dein Ding sind, was Wikipedia nicht immer ist. Überhaupt nicht. Es ist wunderbar seltsam und ich ermutige dich, dich später damit abzulenken. Oder jetzt. Komm aber vielleicht zurück? Ich weiß nicht, ob ich es auch tun würde. Warte... Collage. Ja. Verstanden. Zurück bei dir.

Jeder der 11 Künstler auf dieser Liste nutzte Collage, um Konventionen herauszufordern, Schönheit neu zu definieren und den Betrachter einzuladen, die Welt anders zu sehen. Sie haben nicht nur die Collage definiert — sie haben sie weiterentwickelt. Aber wir müssen schnell über die Definition der Definition im Titel dieses Blogs sprechen. Das war übrigens kein Tippfehler. Ich habe dir etwas über die 'Definition' der modernen Collage zu erzählen.

Moderne Collage wurde, denke ich, müssen wir sagen, von einem mutigen Pablo Picasso und Georges Braque in den 1910er Jahren 'definiert'. Zumindest haben das die Tate und das Guggenheim entschieden. Und weil ich denke, dass die Zeit, wie wir sie kennen, ein Konstrukt ist, bin ich nicht allzu pingelig. Alles, was ich weiß, ist, ich habe mich in sie verliebt. Mit Ausschnitten aus dem ganzen Internet, gemischt mit Stücken meiner Seele. Wie jeder andere Collage-Künstler, den du jemals treffen wirst.

Hier ist, was ich dir wirklich über die Definition der modernen Collage sagen muss: Es ist nicht Picassos und Braques beste Arbeit. Überhaupt nicht. Ich glaube nicht einmal, dass ihre Geister wollen, dass sie da draußen ist. Aber das Internet existiert, sie sind berühmt und ihre Arbeit hat überlebt, während andere nicht.

Auch nicht so traurig für uns, ein wenig Freude an ihrer nicht so großartigen Arbeit zu haben. Scheitern ist nur ein anderer Name für Experimentieren und Scheitern ist der einzige Weg, wie du einen Traum verwirklichen kannst. Versuche es, versuche es erneut. Außerdem sind Picasso und Braque, weißt du, sie. Also was ist ein winziges, mieses Collagewerk oder zwei? Mit ihrem Œuvre in den Hallen der Geschichte. Es ist nichts, nada, null. Und dennoch trifft es den Kern der Collage und der Kunstschaffung. Die vergängliche Natur von allem. Welten in Welten zu erschaffen und neu zu erschaffen. Auch wenn Picasso und Braque diese besonderen Welten in Welten nicht in ihre eigenen Retrospektiven aufnehmen würden... wenn sie die Wahl hätten. Sorry, not sorry.

Geheimes Schamteilen: Als Collage-Künstler selbst, war ich überrascht, wie wenige dieser 11 Künstler ich kannte, bevor ich dies schrieb. Wie sieht es bei dir aus?

Berühmte Collage-Künstler, die die Kunstform definierten

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Schnitt mit dem Dada-Küchenmesser durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche in Deutschland, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

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Hannah Höch (geboren am 1. November 1889 in Gotha, Deutschland, und gestorben am 31. Mai 1978 in Berlin) war eine deutsche Dada-Künstlerin, die vor allem für ihre politischen Fotomontagen bekannt ist, die aus Zeitungsausschnitten und gefundenen Objekten bestehen. Sie besuchte das Berliner College of Arts and Crafts und die Schule des Königlichen Museums für Angewandte Kunst. Höchs Arbeiten befassten sich oft mit dem frühen 20. Jahrhundert-Ideal der "Neuen Frau," das traditionelle häusliche Rollen von Frauen in Frage stellte.

Sie war mit der Berliner Dada-Bewegung verbunden und arbeitete mit Künstlern wie Raoul Hausmann zusammen. Während der Weimarer Republik, blühte Höch in der liberalisierten Atmosphäre auf und produzierte witzige und subtile Fotomontagen, die wichtige Themen des Tages kommentierten. Ihre Werke waren innovativ in der Verwendung von Materialien aus der Popkultur, und sie gilt als eine der Begründerinnen der Fotomontage.

Hannah Höchs bekanntestes Werk ist die 1919 entstandene Fotomontage mit dem Titel "Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands". Dieses Werk ist ein satirischer Kommentar zu den politischen und sozialen Themen der Weimarer Republik und zeigt ihre innovative Verwendung von Materialien sowie ihre Fähigkeit, zum Nachdenken anregende Kunst zu schaffen. Die Fotomontage zeigt eine Collage von Bildern aus Zeitungen, Zeitschriften und anderen Medienquellen, die neu kontextualisiert werden, um eine visuell auffällige und kritische Darstellung der Epoche zu schaffen. Dieses Werk ist ein hervorragendes Beispiel für Höchs bahnbrechende Beiträge zur Dada-Bewegung und ihr Können, Fotomontage als kraftvolles künstlerisches Medium zu nutzen.

Höchs Kunst wurde vom NS-Regime als entartet angesehen, und sie lebte während des Zweiten Weltkriegs in relativer Unbekanntheit. Trotzdem ist ihr Einfluss in den Werken späterer Künstler wie Cindy Sherman und Hannah Wilke zu sehen. Höchs Kunst befindet sich derzeit in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art und des Museum of Modern Art in New York sowie der Berlinischen Galerie.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Empress of the Blues, 1974, Acryl und Bleistift auf Papier und bedrucktem Papier auf Karton, 36 x 48 in. (91.4 x 121.9 cm.)

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Romare Bearden (1911-1988) war ein afroamerikanischer amerikanischer Künstler, bekannt für seine kraftvollen Collage-Kunstwerke, die die afroamerikanische Erfahrung seiner Zeit darstellten. Geboren in Charlotte, North Carolina, wuchs Bearden in New York City und Pittsburgh auf, und studierte an der Art Students League in New York City bei George Grosz und an der Columbia University. Er arbeitete mit verschiedenen Medien, darunter Cartoons, Öle und Collagen.

Beardens Kunstwerke stellten konsequent die afroamerikanische Kultur und Erfahrung dar, wobei sie ländliche Themen aufgriffen, die auf seinen Erinnerungen an den Süden basierten, sowie städtisches Leben und Jazz. Seine Collage-Kunstwerke reflektierten oft Elemente des Jazz, mit Wechselspiel zwischen Charakteren und Improvisation von Materialien. In den 1980er Jahren schuf er eine große Anzahl von Werken mit eindrucksvollen Bildern von Frauen.

Während der Harlem Renaissance, wurde Romare Beardens Familienhaus in New York City zu einem Treffpunkt für prominente Intellektuelle und Künstler, wie W. E. B. Du Bois, Paul Robeson und Countee Cullen. Aufgewachsen in dieser Umgebung, wurde Bearden verschiedenen Kunstformen ausgesetzt, darunter Musik, und traf viele bekannte Musiklegenden der Zeit.

Trotz seiner Produktivität hatte Bearden Schwierigkeiten, als bedeutender amerikanischer Künstler anerkannt zu werden, aufgrund von Vorurteilen und Segregation in der amerikanischen Kunstwelt. Dennoch erhielten seine Ausstellungen begeisterte Reaktionen, und 1987 wurde ihm die National Medal of Arts verliehen. Bearden trug auch als Songwriter, Buchillustrator und Bühnenbildner für die Alvin Ailey American Dance Company bei. 1990 wurde die Romare Bearden Foundation gegründet, um junge oder aufstrebende Künstler und Wissenschaftler zu unterstützen.

1964 wurde Bearden zum ersten künstlerischen Leiter des Harlem Cultural Council ernannt, einer prominenten afroamerikanischen Interessengruppe. Er war an der Gründung mehrerer wichtiger Kunststätten beteiligt, wie dem Studio Museum in Harlem und der Cinque Gallery. Beardens Beiträge zur Harlem Renaissance gingen über seine Kunstwerke hinaus, da er aktiv junge, aufstrebende Künstler unterstützte und sich für die afroamerikanische Kultur und Erfahrungen einsetzte.

Obwohl Bearden am bekanntesten für seine bildende Kunst ist, war er auch ein begeisterter Musikstudent, ein Texter und ein Kostüm- und Bühnenbildner. Seine Kunstwerke stellten oft die afroamerikanische Kultur und Erfahrungen dar und schöpften Inspiration aus seinem Leben in Harlem und Pittsburgh.

3

Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache auf Papier. 108 x 60 Zoll.

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Henri Matisses Scherenschnitte, die  während des letzten Jahrzehnts seines Lebens entstanden, hatten einen bedeutenden Einfluss auf unser zeitgenössisches Verständnis der Collagekunst.  In den späten 1940er Jahren änderte Matisse seine künstlerische Methodik und wandte sich dem ausgeschnittenen Papier als primärem Medium zu und benutzte Scheren als Werkzeug. Seine Scherenschnitte, oft inspiriert von der natürlichen Welt oder abstrakten Formen, wurden zu lebhaften Kompositionen arrangiert, die die Grenzen der Staffeleimalerei überschritten und ihm erlaubten, mit einer neuen Art von Freiheit zu arbeiten. Viele betrachten diese Periode als  "ein zweites Leben" für den Künstler. Kannst du nicht einfach den zufriedenen Ausdruck auf seinem Gesicht in diesem seltenen Filmmaterial, in dem er ein Papier-Ausschnitt macht, sehen?

Matisses Scherenschnitte zeigten seine unglaubliche Kreativität und Vitalität, selbst unter herausfordernden Umständen. Sie stellten den Höhepunkt seiner Karriere dar und markierten den endgültigen Übergang zu einem vollständig abstrakten Vokabular. Seine Beherrschung des Scherenschnitt-Stils hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf seine künstlerische Reise. Die Scherenschnitte führten auch eine neue Technik in der Kunst ein, die als "Zeichnen mit der Schere" bekannt wurde. Diese stellen ihre eigenen Erhaltungsherausforderungen dar, wie Sie in diesem mühsamen Restaurierungsprozess sehen können.

Matisses Scherenschnitte beeinflussten viele moderne abstrakte Künstler und inspirieren weiterhin Künstler und Kuratoren. Die Einfachheit seiner Scherenschnitte war in der Kunstwelt unerwartet, und sie wurden als völlig einzigartig und radikal zu der Zeit betrachtet, als sie gemacht wurden. Seine Scherenschnitte reduzierten sich auf grundlegende Farben und Formen und nahmen eine fast grafische Natur an, was die Wiederbelebung der Ästhetik in der Illustration und im Grafikdesign erklären könnte.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger , Untitled (Dein Körper ist ein Schlachtfeld), 1989. Fotografischer Siebdruck auf Vinyl. 112 x 112 in. (284,48 x 284,48 cm).

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Barbara Kruger (geboren am 26. Januar 1945) ist eine amerikanische Konzeptkünstlerin und Collagistin, die mit der Pictures Generation in Verbindung gebracht wird. Sie ist bekannt für ihre mutigen und provokativen Collage-Kunstwerke, die die Rolle der Frauen in der Gesellschaft hinterfragen, indem sie Schwarz-Weiß-Fotografien mit deklarativen Bildunterschriften in weiß-auf-rot Futura Bold Oblique oder Helvetica Ultra Condensed Text überlagert. Krugers Arbeiten beinhalten oft großformatige Texte, die über Bilder gelegt werden, um kulturelle Annahmen herauszufordern und die Betrachter dazu zu bringen, Mainstream-Medienbotschaften zu hinterfragen und deren Einfluss auf Identität und Gesellschaft zu reflektieren.

Krugers unverkennbarer Stil wurde von ihrer klassischen Ausbildung im Design und ihrer Erfahrung in der Modeindustrie beeinflusst, insbesondere als Chefdesignerin bei Mademoiselle Magazin. Ihre Arbeit wurde von feministischer Filmkritik und strukturalistischer Literaturtheorie geprägt, die sie durch ihre Teilnahme an der Artists Meeting for Social Change Gruppe kennenlernte.

Krugers Kunst behandelt Themen wie Konsumverhalten, Sexualität, Politik und das Verhältnis zwischen Macht und Gesellschaft, und verwischt die Grenzen zwischen Kunst und Kommerzialität. Sie gilt als eine der wichtigsten feministischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, da sie in der Lage ist, Identitäts- und Machtstrukturen durch ihre zum Nachdenken anregenden und visuell beeindruckenden Werke herauszufordern und zu hinterfragen.

Hören Sie Kruger, wie sie in ihren eigenen Worten über ihre Kunst spricht.

Zu Krugers wichtigsten Arbeiten gehören:

"Untitled (Dein Körper ist ein Schlachtfeld)" (1989): Dieses Werk zeigt ein Schwarz-Weiß-Foto eines Frauengesichts, das in zwei Hälften geteilt ist, mit dem Text "Dein Körper ist ein Schlachtfeld" darübergelegt. Es wurde als Reaktion auf die politische Debatte um die reproduktiven Rechte von Frauen geschaffen und dient als kraftvoller Kommentar zum Kampf um die Kontrolle über die Körper von Frauen.

"Untitled (Ich kaufe, also bin ich)" (1987): Dieses Stück zeigt den Satz "Ich kaufe, also bin ich" überlagert auf einer Hand, die eine Kreditkarte hält. Es kritisiert den Konsumismus und die Art und Weise, wie er unsere Identitäten und Werte formt.

5

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg , Buffalo II, 1964. Öl und Siebdruckfarbe auf Leinwand
96 x 72 in. (243,8 x 183,8 cm.).

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Robert Rauschenberg (1925-2008) war ein amerikanischer Maler und Grafiker, bekannt für seine „Combine“-Werke, die die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur verwischten, indem sie Alltagsgegenstände als Kunstmaterialien einbezogen. Er studierte Kunst am Kansas City Art Institute, Academie Julian in Paris und Black Mountain College in North Carolina, bevor er 1949 nach New York City zog.

Rauschenbergs Combines integrierten weggeworfene Objekte, die er auf den Straßen von New York City sammelte, wie Zeitungsausschnitte, Fotografien und gefundene Objekte. Er glaubte, dass die Verwendung von Materialien aus der realen Welt seine Kunst verständlicher und realitätsnäher machte. Einige seiner frühen Werke antizipierten die Pop-Art-Bewegung, und er wird als Vorreiter für nahezu jede Kunstbewegung seit dem Abstrakten Expressionismus gefeiert.

Robert Rauschenbergs Beiträge zur Kunstwelt waren bedeutend und transformativ. Er war eine zentrale Figur in den 1950er und 1960er Jahren und wurde als bedeutender Vorreiter der amerikanischen Pop-Art anerkannt, neben Zeitgenossen wie Andy Warhol und Jasper Johns. Rauschenbergs innovative Ansätze, sichtbar in Werken wie Monogram, erweiterten die traditionellen Grenzen der Kunst. Sie eröffneten neue Wege der Erkundung für zukünftige Künstler.

Seine „Combine“-Werke verwischten die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur, indem sie Alltagsgegenstände als Kunstmaterialien einbezogen und den Status quo herausforderten. Rauschenbergs Kunstpraxis und kreative Energie passten nie in vorgefertigte Schubladen. Der Kunsthistoriker Branden W. Joseph bemerkte, dass Rauschenbergs Werk als Anreiz, Anstoß und Herausforderung für Künstler aller Art diente.

Im Laufe seiner Karriere arbeitete Rauschenberg in verschiedenen Medien, darunter Malerei, Skulptur, Drucke, Fotografie und Performance. Er arbeitete mit Choreografen wie Merce Cunningham, Paul Taylor und Trisha Brown zusammen und war ein Gründungsmitglied der innovativen Gruppe Experiments in Art and Technology (E.A.T.) im Jahr 1966.

Rauschenbergs bahnbrechender Ansatz und kreative Energie hatte einen bleibenden Einfluss auf Generationen von Künstlern. Hören Sie, wie Rauschenberg "die Spielregeln neu schrieb" von seinem Sohn, dem Fotografen Chris Rauschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Difficult, 1942-43. Collage. 31,25 x 24 Zoll (79,37 x 60,96 cm).

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Kurt Schwitters (1887-1948) war ein deutscher Künstler, der sowohl am Dadaismus als auch am Konstruktivismus beteiligt war und am bekanntesten für seine Merz- und Merzbau-Werke. Er prägte den Begriff "Merz", um seinen einzigartigen Kunststil zu beschreiben, der darin bestand, Alltagsgegenstände zu verwenden, um seine Werke zu schaffen. Schwitters schuf Merzbild (Merz-Gemälde), die Collagen und Assemblagen aus verschiedenen Abfallmaterialien waren, wie Drucken, Etiketten, Tapeten und Holzstücken. Und er scheute sich nie vor pointierten, scharfsinnigen Themen, einschließlich seiner Zeit im Internierungslager Hutchinson.

Schwitters' Merz-Konzept war ein Teilsektor der Dada-Bewegung, der auf seine eigenen künstlerischen Philosophien und Visionen zugeschnitten war. Der Name Merz wurde zufällig durch eine Collage generiert, die das deutsche Wort "Kommerz" (Handel) integrierte. Dieses unsinnige und spontan generierte Wort war in Ursprung und Philosophie dem Titel Dada ähnlich.

Während Merz und Dada-Kunst eng miteinander verwandt sind, gibt es einige Unterschiede zwischen den beiden. Merz ist ein Teilsektor der Dada-Bewegung, der auf Schwitters' eigene künstlerische Philosophien und Visionen zugeschnitten war. Andererseits war Dada eine breitere Kunstbewegung, die verschiedene Kunstformen umfasste, einschließlich Performancekunst, Poesie, Fotografie, Skulptur, Malerei und Collage. Der ästhetische Stil von Dada war geprägt von seiner Verspottung materialistischer und nationalistischer Einstellungen.

Im Laufe seines Lebens schuf Schwitters über 8.000 Werke, von denen heute noch etwa 2.500 existieren. Sein innovativer Ansatz zur Kunst, der Collage und Abstraktion verschmolz , beeinflusste Künstler wie Robert Rauschenberg. Schwitters war ein Außenseiter und Individualist, der sich entschied, nicht in bedeutende Kunstzentren wie Berlin oder Paris zu ziehen, nachdem er sein Studium an der Dresdner Akademie abgeschlossen hatte.

7

Eduardo Paolozzi

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Eduardo Paolozzi (1924-2005) war ein schottischer Künstler, bekannt für seine innovativen Collage-Arbeiten, die eine Mischung aus Bildern der Popkultur und Technologie beinhalteten. Geboren in Leith nahe Edinburgh als Kind italienischer Eltern, studierte Paolozzi in Edinburgh und London, bevor er zwei Jahre in Paris verbrachte. Er gilt weithin als einer der Pioniere der Pop Art.

Paolozzis Werke stellten oft traditionelle Vorstellungen von Kunst und Schönheit in Frage durch die Kombination von Elementen des Surrealismus mit Popkultur, moderner Maschinerie und Technologie. Seine frühe Liebe zur amerikanischen Kultur führte dazu, dass er Collagen mit Bildern aus Werbeanzeigen erstellte, die die glänzenderen, glücklicheren Lebensstile darstellten, die im nachkriegszeitlichen Amerika entstanden. Aber er spielte auch mit dieser Form und diesem Stil — verwandelte dessen übertriebene Sensibilität in seine Mosaike und Skulpturen, am bemerkenswertesten an der Tottenham Court Road U-Bahn-Station.

Seine Werke waren surrealer Natur, da er Magazinwerbungen, Cartoons und Maschinenteile in seiner Kunst kombinierte und damit die Anliegen der Pop-Art vorwegnahm. Paolozzi war besonders an den Massenmedien sowie an Wissenschaft und Technologie interessiert, was seine Kunst während seiner gesamten Karriere beeinflusste. Neben seinen Collage-Arbeiten produzierte Paolozzi auch großformatige figurative Skulpturen, Drucke und Mosaik-Wandbilder — deren lebendige Anziehungskraft "eine Art Fokus auf das Chaos" verleiht.

8

Martha Rosler

Martha Rosler, Cargo Cult, aus der Serie Body Beautiful, oder Beauty Knows No Pain, 1966–72. Photomontage gedruckt als Fotografie. 100,3 x 76,8 cm.

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Martha Rosler, geboren 1943 in Brooklyn, New York, ist eine amerikanische Konzeptkünstlerin bekannt für ihre feministischen Collagen und Fotomontagen. Sie arbeitet in verschiedenen Medien, darunter Fotografie, Fototext, Video, Installation, Skulptur und Performance, sowie als Autorin über Kunst und Kultur. Roslers Arbeiten integrieren oft Bilder aus der Populärkultur und Werbung, um die Rolle der Frauen in der Gesellschaft zu hinterfragen und traditionelle Geschlechterrollen herauszufordern.

Martha Roslers Werk hatte einen bedeutenden Einfluss auf die feministische Kunstbewegung, indem sie die Darstellung von Frauen in der Gesellschaft hinterfragte. Sie nutzte auch neue Technologien wie Video, um sich von männlichen Künstlern und den traditionelleren Medien der Kunstwelt abzuheben. Mitte der 1960er Jahre begann sie, Fotomontagen zu erstellen, die die materielle und psychische Unterwerfung von Frauen erforschten, indem sie populäre Werbungen manipulierte, um ihre zugrunde liegenden Ideologien aufzudecken. Ihre Arbeiten, wie die Serie "Body Beautiful, or Beauty Knows No Pain" (1966–72), kombinierten verschiedene konzeptuelle Kunstpraktiken, die auf feministische Politik abgestimmt waren.

Eines ihrer bekanntesten Werke, "Semiotics of the Kitchen" (1975), ist eine Video-Parodie von Kochsendungen, die humorvoll die Implikationen traditioneller Frauenrollen anspricht. Indem sie Elemente der Popkultur wie Fernsehen und Magazinwerbung aneignete, kritisierte Roslers Werk gesellschaftliche Normen und Erwartungen in Bezug auf Frauen.

Roslers Kunstpraxis ging über den Inhalt hinaus, da sie glaubte, dass Kunst eine echte soziale Rolle einnehmen und Empathie und Entfremdung beim Betrachter hervorrufen könnte. Ihre Videoarbeiten aus den 1970er und 1980er Jahren untersuchten die Funktionsweise der Massenmedien, um aufzudecken, wie sie eine selbstzufriedene Öffentlichkeit kultivierten. Beeinflusst von der Welle feministischer Performances, die aus alternativen Kunsträumen in Kalifornien hervorgingen, trug Roslers Werk zur Entwicklung feministischer Konzeptkunst bei und hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck in der zeitgenössischen Kunstszene.

9

John Heartfield

John Heartfield, Cover art for Kurt Tucholsky,  Deutschland, Deutschland über alles, 1929 © The Heartfield Community of Heirs / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlin.

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John Heartfield (geboren als Helmut Herzfeld; 1891-1968) war ein deutscher bildender Künstler, der die Nutzung von Kunst als politische Waffepionierte, insbesondere durch seine anti-nazistischen und anti-faschistischen Fotomontagen. Heartfields Werke nutzten oft satirische Bilder und Slogans, um das politische Klima seiner Zeit zu kritisieren, insbesondere gegen den Aufstieg von Adolf Hitler und das Dritte Reich.

Heartfields Fotomontagen werden dafür anerkannt, einige der ikonischsten politischen Plakate des 20. Jahrhunderts aufgrund ihrer starken visuellen Wirkung und Fähigkeit, starke politische Botschaften zu vermitteln, geschaffen zu haben. Von 1930 bis 1938 entwarf er 240 Stücke anti-nazistischer Kunst, die im AIZ-Magazin veröffentlicht wurden. Diese Werke wurden nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten aus Tschechoslowakei, Österreich, Schweiz und Ostfrankreich nach Deutschland geschmuggelt.

Heartfields künstlerischer Mut war gleich seinem körperlichen Mut, da er weiterhin vehement antifaschistische Collagen erstellte, während er bis 1933 in Berlin lebte. Seine Fotomontagen kündigten die Schrecken des Nazi-Regimes an und dienten als kraftvolle Form des politischen Protests, was ihn zu einer bedeutenden Figur in der Geschichte der politischen Kunstmachte.

John Heartfields Werk hat zahlreiche Künstler, Grafikdesigner, Typografen, Werbefachleute, Filmemacher, Schriftsteller und andere beeinflusst, die in seinem Erbe Inspiration gefunden haben. Künstler aus dem gesamten Ostblock, der Sowjet Russland und den Vereinigten Staaten fanden in den späten 1960er und 1970er Jahren Inspiration in Heartfields Fotomontagen. Für Künstler wie Klaus Staeck, László Lakner und Martha Rosler, unter anderem, half sein Werk, abgenutzte linke Ideologien mit einer neuen visuellen Sprache zu konfrontieren.

Heartfields innovativer Einsatz von Fotomontage verwandelte sie in eine kraftvolle Form der Massenkommunikation. Seine einzigartige Methode, Fotografien für politische Zwecke zu appropriieren und wiederzuverwenden, hat zeitgenössische Künstler inspiriert, ähnliche Techniken zu nutzen, um Vorurteile, Ignoranz, Gewalt und sinnlosen Krieg um Profit zu bekämpfen. Die John Heartfield Ausstellung zeigt Werke von Collagekünstlern wie Winston Smith, Thomas Young und David King, die Heartfields bahnbrechende Arbeit fortsetzen und erweitern.

10

Pablo Picasso

Pablo Picasso, Die Flasche Vieux Marc, 1913. Geschnittene und aufgeklebt gedruckte Tapeten, Zeitung, Kohle, Gouache und Nadeln auf Büttenpapier, 24 13/16 × 19 5/16 in. (63 × 49 cm).

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Pablo Picasso, zusammen mit Georges Braque, spielte eine entscheidende Rolle in der Entwicklung der Collagekunst. Sie entwickelten die Technik des papier collé (geklebtes Papier). im Jahr 1912, das einen bahnbrechenden Wandel in der Kunstwelt markierte. Picassos innovativer Ansatz zur Collagekunst inspirierte andere Künstler und wurde ein Katalysator für künstlerische Bewegungen wie den Kubismus, Dadaismus und Surrealismus.

Eines von Picassos frühen Collagewerken, "Gitarre und Weinglas", zeigt seine Fähigkeit, Schattierungen und Strukturen durch das Aufkleben und Schichten von Papier zu erzeugen. Sein Kunstwerk von 1912, "Stillleben mit Stuhlgeflecht", ist ein weiteres bedeutendes Beispiel seiner Collagearbeit. In diesem Werk integrierte Picasso ein Stück Ölzeug mit einem Stuhlgeflechtmuster und ein Seil, um die Komposition einzurahmen. Dieses Kunstwerk stellte traditionelle Kunstvorstellungen in Frage, indem es alltägliche Materialien mit gemalten Elementen kombinierte und die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kultur verwischte.

Picassos Collagewerke hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die Kunstwelt, indem sie Künstler über verschiedene Bewegungen, Medien und Stile hinweg inspirierten, die Praxis der Collagekunst zu erforschen. Sein erfinderischer und innovativer Ansatz zur Kunst zog Künstler aufgrund seiner einzigartigen Ästhetik und des zusammengesetzten Prozesses an. Infolgedessen ist Picassos Einfluss auf die Entwicklung der Collagekunst in den Werken vieler nachfolgender Künstler sichtbar, wie David Hockney, Jasper Johns und Martin Kippenberger.

11

Georges Braque

Georges Braque, Fruit Dish and Glass, 1912. Holzkohle, Tapete, Gouache, Papier, Karton.

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Georges Braque spielte zusammen mit Pablo Picasso eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Collagekunst. Sie erfanden die Technik des papier collé (geklebtes Papier) im Jahr 1912, was einen revolutionären Wandel in der Kunstwelt markierte. Braque ging mit der Collage einen Schritt weiter, indem er zerschnittene Werbeanzeigen in seine Leinwände klebte. Er schablonierte auch Buchstaben auf Gemälde, mischte Pigmente mit Sand und kopierte Holzmaserung und Marmor, um große Dimensionen in seinen Gemälden zu erreichen. Natürlich, existierte Collage schon lange zuvor in anderen Formen...

Braques Collagekunstwerke, wie sein 1912er Kunstwerk "Fruit Dish and Glass", kombinierten Stücke von falschem Holz-Tapete mit seinen kubistischen Darstellungen von Objekten. Diese Technik stellte die formalen Ideen von Perspektive und Raum in der Kunst in Frage, da sie sich überschneidende Bereiche von Collageelementen und Zeichnungen in seinem Werk schuf. Sein innovativer Ansatz zur Collagekunst beeinflusste viele zeitgenössische Künstler und trug zum Wachstum und zur Erweiterung der Collagekunstform bei.

Während der Collagephase des Kubismus von 1912 bis 1914 dominierten unbelebte Objekte die Bildsprache von Picasso, Braque und Juan Gris. Braques Stillleben besitzen eine unterliegende menschliche Dramatik , dank der genialen Kombination von Dingen und Text. Der Einsatz von echten Materialien und Texturen in ihren Collage-Kompositionen führte eine neue Dimension in die westliche Malerei ein, deren Auswirkungen noch heute spürbar sind.

Braques Arbeit mit Collagen hatte einen nachhaltigen Einfluss auf die Kunstwelt und inspirierte Künstler verschiedener Bewegungen, Medien und Stile dazu, die Praxis der  Collagekunst zu erforschen. Der einfallsreiche und innovative Ansatz zur Kunst zog Künstler an, da er eine einzigartige Ästhetik und einen einzigartigen, zusammengesetzten Prozess bot. Infolgedessen ist Braques Einfluss auf die Entwicklung der Collagekunst in den Werken vieler nachfolgender Künstler deutlich zu erkennen, wie Jessica Stockholder, Mark Bradford, Hannah Höch, Kurt Schwitters und John Stezaker.

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Collagekunst ist ein einzigartiges und vielseitiges Medium, das endlose kreative Möglichkeiten bietet. Die in diesem Artikel erwähnten berühmten Collage-Kunstwerke haben alle durch ihre innovativen Stile und Techniken bedeutende Beiträge zur Kunstwelt geleistet. Jeder Künstler hat seine eigene einzigartige Perspektive, und ihr Einfluss auf die Kunstwelt hat bei anderen Künstlern Resonanz gefunden und deren Arbeit beeinflusst.

ICYMI

Welcher Künstler machte das Konzept der Collage 1912 zu einer Kunstform?

Im Jahr 1912 war der bahnbrechende Künstler, der das Konzept der Collage in eine eigenständige Kunstform verwandelte, niemand geringerer als Pablo Picasso. In diesem Jahr enthüllte Picasso "Stillleben mit Stuhlgeflecht", ein bemerkenswertes Werk, das den Beginn der Collage als bedeutende künstlerische Ausdrucksform markierte und den Beginn einer neuen Phase in der kubistischen Bewegung einleitete.

"Stillleben mit Stuhlgeflecht" zeichnete sich durch eine unkonventionelle Kombination von Materialien und Techniken aus. Picasso integrierte einen Streifen Wachstuch mit einem Stuhlgeflechtmuster auf eine oval geformte Leinwand. Das Gemälde wurde zusätzlich mit einem Seil gerahmt. Diese innovative Verschmelzung verschiedener Elemente, zusammen mit der Einbeziehung unkonventioneller Materialien wie des Wachstuchs, stellte die konventionellen künstlerischen Normen in Frage und führte einen avantgardistischen Ansatz in die Kunst ein. Dieses bahnbrechende Kunstwerk ebnete den Weg für die Erforschung neuer Möglichkeiten in der visuellen Darstellung und erweiterte die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks erheblich.

Neben seiner Wirkung auf die bildenden Künste hatte Picassos innovativer Einsatz der Collage weitreichendere Auswirkungen auf die künstlerische Philosophie und das kreative Denken. Die Einführung der Collage als tragfähige Kunstform stellte etablierte Vorstellungen über die Natur von Kunstmaterialien, Komposition und Darstellung in Frage. Dieser Ansatz ermutigte Künstler dazu, unkonventionelle Materialien, Texturen und Formen zu erkunden und förderte einen Geist der Experimentierfreude und Neudefinition innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft.

Welchem künstlerischen Stil wird das Werk von Hannah Höch zugerechnet?

Hannah Höchs künstlerischer Stil wird fest mit dem Dadaismus in Verbindung gebracht, einer avantgardistischen Bewegung, die darauf abzielte, traditionelle Vorstellungen von Kunst und Gesellschaft durch ihre Hinwendung zu Absurdität, Antikonformität und Experimentierfreude herauszufordern.

Höch ist vor allem für ihre Fotomontagewerke bekannt, eine Technik, bei der sie geschickt ausgeschnittene Bilder aus Zeitschriften und Zeitungen kombinierte und gegenüberstellte, um komplexe und zum Nachdenken anregende Collagen zu schaffen. Ihre Fotomontagen boten oft einen satirischen und kritischen Kommentar zu sozialen und politischen Themen und spiegelten die dadaistische Ablehnung etablierter Normen und Werte wider.

Höchs Teilnahme am Dadaismus und ihre Beherrschung der Fotomontagetechniken spielten eine bedeutende Rolle bei der Erweiterung der künstlerischen Möglichkeiten der Bewegung. Ihr Werk stellte die vorherrschenden Vorstellungen von Autorschaft und Originalität in Frage, indem es bestehende Bilder aneignete und in neue Kontexte setzte, was mit dem Ethos des Dadaismus von Subversion und Ikonoklasmus in Resonanz stand.

Zukunftsprognose

Warum war die dadaistische Bewegung für zukünftige Künstler wichtig?

Die dadaistische Bewegung hat eine tiefgreifende Bedeutung für zukünftige Künstler aufgrund ihres radikalen Bruchs mit konventionellen künstlerischen Normen, ihrer Untergrabung etablierter Institutionen und ihrer Rolle als Wegbereiter für nachfolgende avantgardistische und experimentelle Kunstformen. Entstanden während des Ersten Weltkriegs als Reaktion auf die Schrecken des Krieges und die gesellschaftlichen Normen, die scheinbar dazu geführt hatten, war der Dadaismus eine Kraft, die traditionelle künstlerische Grenzen sprengte. Zahlreiche Künstler wurden von den wilden Eskapaden und der kühnen antiautoritären Natur des Dadaismus inspiriert, was sie dazu motivierte, die Horizonte der Kunstwelt zu erweitern.

Eine der ikonischsten Figuren des Dadaismus war Marcel Duchamp, bekannt für sein bahnbrechendes Werk "Fountain", ein Porzellan-Urinal, das mit dem Pseudonym "R. Mutt" signiert wurde. Duchamps Kreation verkörperte den Anti-Kunst-Ethos des Dadaismus, indem sie traditionelle Vorstellungen von Ästhetik in Frage stellte und die Betrachter dazu zwang, das Wesen der Kunst zu hinterfragen. Diese kühne Tat hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf zukünftige Künstler, indem sie sie dazu brachte, die Definition und Grenzen des künstlerischen Ausdrucks neu zu überdenken.

Die Dada-Bewegung spielte eine entscheidende Rolle bei der Veränderung der Wahrnehmung von Kunst und dem Brechen etablierter Regeln. Sie störte traditionelle künstlerische Medien, indem sie gefundene Objekte, Collage-Techniken und Performance-Kunst einbezog und einen Präzedenzfall für Künstler schuf, mit unkonventionellen Materialien und Methoden zu experimentieren. Die Ablehnung der Logik und die Umarmung von Absurdität und Irrationalität des Dadaismus beeinflussten spätere Bewegungen wie den Surrealismus, der ebenfalls darauf abzielte, das Unbewusste anzuzapfen und die Rationalität in der Kunst herauszufordern.

Der Einfluss der Bewegung erstreckte sich über künstlerische Praktiken hinaus, um gesellschaftliche Normen und Autoritäten herauszufordern. Indem sie Konventionen verspotteten und ablehnten, konfrontierten die Dadaisten den Status quo und inspirierten zukünftige Generationen von Künstlern, ihre kreativen Ausdrucksformen als Mittel der sozialen Kritik und des Wandels zu nutzen. Die anti-etablierte Haltung des Dadaismus und seine Erforschung von Zufälligkeit, Chance und Spontaneität trugen auch zur Entwicklung der Konzeptkunst und Performancekunst bei, die beide Ideen und Prozesse über traditionelle ästhetische Ergebnisse stellen.

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