Verkennen van Wereldwijde Variaties van Futuristische Kunst

De futuristische impuls – die fascinatie voor morgen en de drang om het in kunst uit te drukken – eindigde niet bij de oorspronkelijke Italiaanse groep. Over de hele wereld en door de decennia heen hebben kunstenaars uit verschillende culturen nieuwe variaties van futurisme gecreëerd, waarbij ze het kernidee van een futuristische visie vermengen met hun eigen culturele verhalen en zorgen.

Deze vertakkingen geven vaak een draai aan de futuristische erfenis door het te combineren met kwesties van identiteit, erfgoed of alternatieve toekomsten die niet door Marinetti's kring werden voorgesteld. Laten we enkele van de belangrijkste wereldwijde en thematische variaties verkennen: Afrofuturisme, Retrofuturisme (en gerelateerde subgenres), Art Deco Futurisme, Futuristische Stadsgezichten in Dada/Surrealisme, en Solarpunk.

Afro Futurisme Kunst

Afrofuturisme is een culturele en artistieke beweging die in de late 20e eeuw ontstond en de toekomst herbeeldt door een lens van de zwarte en Afrikaanse diaspora. De term werd in 1993 bedacht door cultuurcriticus Mark Dery en werd gedefinieerd als een interdisciplinaire filosofie van “kunstenaars, muzikanten en schrijvers die putten uit het techno-utopische denken van het ruimtevaarttijdperk om het zwarte leven opnieuw voor te stellen.” Het vermengt sciencefiction, fantasie en Afrikaanse culturele motieven om alternatieve toekomsten en geschiedenissen voor mensen van Afrikaanse afkomst te verbeelden.

Waar het Italiaanse futurisme ooit machines en moderniteit in een Europese context vierde, hergebruikt afrofuturisme futuristische beelden om de Afrikaans-Amerikaanse ervaring aan te pakken – inclusief de erfenis van slavernij, de veerkracht van de Afrikaanse diaspora en visies van bevrijding en technologische empowerment.

Oorsprong en Evolutie

De wortels van afrofuturisme reiken veel verder terug dan voordat het een naam had. Al in het midden van de 20e eeuw stelden zwarte kunstenaars en muzikanten zich futuristische thema's voor. De jazzlegende Sun Ra bijvoorbeeld, presenteerde zichzelf als een kosmisch wezen van Saturnus en voerde in de jaren 1950-60 experimentele muziek uit die ruimtevaart en buitenaards leven afbeeldde als metaforen voor zwarte bevrijding.

Schrijvers zoals Octavia Butler en Samuel R. Delany schreven in de jaren 1970 en 80 sciencefictionromans waarin zwarte hoofdpersonen toekomsten van geavanceerde technologie en ruimtegemeenschappen navigeren – impliciet een plek terugvorderend voor Afrikanen en Afro-Amerikanen in verhalen die meestal worden gedomineerd door witte helden. Deze pioniers legden de basis voor wat Mark Dery in 1993 waarnam: een opkomende creatieve trend die Afrikaanse diasporacultuur met futuristische beelden combineert.

In Dery's baanbrekende essay "Black to the Future" beschrijft hij Afrofuturisme als "speculatieve fictie die Afro-Amerikaanse thema's behandelt en Afro-Amerikaanse zorgen adresseert in de context van de 20e-eeuwse technocultuur." Sindsdien is Afrofuturisme uitgegroeid tot een brede beweging die beeldende kunst, literatuur, muziek, film en mode omvat.

Kernmerken zijn onder andere beelden van de ruimte, robots en cybernetische verbeteringen verweven met Afrikaanse motieven, traditionele symbolen of historische referenties zoals Egyptische mythologie. Bijvoorbeeld, de kunstwerken van Rasheedah Phillips en het collectief Sunrise in Nigeria tonen Afrikaanse figuren in futuristische stadsgezichten, soms gekleed in traditionele kledij maar omringd door geavanceerde technologie – een fusie van verleden en toekomst.

Muzikanten zoals George Clinton en Parliament-Funkadelic creëerden een hele funkmythologie van ruimtevaart (de "Mothership") met humor en wilde stijl, wat direct invloed had op latere Afrofuturistische esthetiek (Clinton's concerten bevatten zelfs een ruimteschiprekwisiet dat op het podium landde).

In recente tijden hebben popcultuurfenomenen zoals Marvel's Black Panther film (2018) – met de weergave van Wakanda, een high-tech Afrikaanse natie onaangetast door kolonialisme – Afrofuturisme duidelijk in de mainstream gebracht, en laten weelderige visuals van Afrocentrische futuriteit op een blockbuster schaal zien.

Afrofuturisme in de beeldende kunst draagt vaak een utopische of corrigerende visie: het stelt zich toekomsten voor waarin zwarte mensen niet gemarginaliseerd zijn maar leiders, vernieuwers en overlevers in toekomstige werelden. Het kan ook het heden bekritiseren door toekomsten te tonen die de onrechtvaardigheden van vandaag overwinnen.

Thema's van identiteit, diaspora en veerkracht zijn gebruikelijk. Bijvoorbeeld, kunstenares Wangechi Mutu maakt collages van cyborg-achtige vrouwelijke figuren, die menselijke, dierlijke en machinedelen combineren, en die commentaar geven op zowel de uitbuiting als de empowerment van zwarte vrouwen in een futuristische context.

Afrofuturisme herbekijkt ook de geschiedenis: door zwartheid in sciencefictionwerelden te projecteren, vraagt het impliciet waarom mainstream toekomstvisies zo vaak zwarte stemmen uitsluiten, en herschrijft het die weglating. Zoals geleerde Ytasha Womack opmerkt, stelt Afrofuturisme zwarte gemeenschappen in staat om "zichzelf in de toekomst te zien en dus te bevestigen dat ze zullen deel uitmaken van die toekomst," waarmee het verhalen tegengaat die hen over het hoofd hebben gezien.

Samenvattend, Afrofuturisme is een levendige evolutie van het futuristische ethos – een die Afro-diasporische cultuur centraal stelt. Waar Italiaans futurisme gefascineerd was door snelheid en machines, is Afrofuturisme vaak meer gericht op genezing en transformatie door technologie en verbeelding. Het heeft een generatie van zwarte kunstenaars geïnspireerd om de taal van futurisme – ruimteschepen, AI, utopieën/dystopieën – te gebruiken als een middel om culturele identiteit en bevrijding te verkennen.

Als beweging is het duidelijk wereldwijd en intercultureel, waarbij Afrikaanse tradities worden verbonden met futuristische dromen. Men zou kunnen zeggen dat het Marinetti's Futuristische uitdaging in een nieuwe toonsoort vervult: niet alleen de toekomst omarmen, maar ervoor zorgen dat die toekomst inclusief is en een weerspiegeling van alle hoop van de mensheid.

Retro Futurisme Kunst

Als Futurisme zich naar morgen haastte, Retrofuturisme kijkt terug naar de toekomsten van gisteren. Retrofuturisme is een artistieke beweging en esthetiek die vintage stijlen uit het verleden combineert met futuristische thema's, vaak om de spanning tussen optimisme en nostalgie te verkennen.

Het vraagt: Hoe stelden mensen in het verleden zich de toekomst voor? En het gebruikt die verouderde voorstellingen als een stilistisch speelveld. Met andere woorden, als Futurisme in de ware zin gaat over het voorspellen van de toekomst, gaat retrofuturisme over het herinneren hoe de toekomst in eerdere tijden werd voorspeld.

Retrofuturistische kunst zou bijvoorbeeld een scène uit het jaar 2000 kunnen weergeven zoals die in de jaren 1920 werd voorgesteld - compleet met vliegende zeppelins en mode uit het flapper-tijdperk - weergegeven met liefdevolle nostalgie. Het bevat vaak ontwerpelementen uit vorige tijdperken (Art Deco wolkenkrabbers, diners in chromen stijl uit de jaren 1950, enz.) gecombineerd met fantasierijke technologie (jetpacks, straalwapens, robotbutlers). Dit creëert een eigenzinnige anachronistische kwaliteit: de toekomst gezien door retro lenzen. Hierin schuilt zowel speelsheid als weemoed, omdat het de toekomsten die nooit zijn gekomen benadrukt.

Twee Subcategorieën

Retrofuturisme kan grofweg worden onderverdeeld in twee subcategorieën: de artefacten van de toekomstvisies uit het verleden, en hedendaagse werken gemaakt in een retrofuturistische stijl.

• De eerste categorie, Artefacten, omvat feitelijke historische media en objecten uit afgelopen decennia die de toekomst verbeeldden. Denk aan sciencefictionillustraties uit het midden van de 20e eeuw, of de General Motors "Futurama"-tentoonstelling van de Wereldtentoonstelling van 1939, of vintage stripboeken die steden op Mars laten zien. Deze zijn in wezen de historische documentatie van hoe eerdere generaties dingen als vliegende auto's of kolonies op de maan tegen het jaar 2000 voorstelden. Kunstenaars en historici die dit spoor volgen, zullen deze cureren en benadrukken als retrofuturistische inspiratie - bijvoorbeeld door oude tijdschriftomslagen met raketauto's en persoonlijke robots samen te stellen.
  

• De tweede categorie, Retrofuturistisch Genre, is waar moderne makers opzettelijk kunst, mode of media ontwerpen die die oude toekomstvisies imiteren. Hier krijgen we de proliferatie van subgenres zoals Steampunk, Dieselpunk, Atompunk, enz., elk met de focus op een ander tijdperk's idee van de toekomst.
  

• Steampunk voorziet Victoriaanse tijdperk toekomsten (stoom-aangedreven apparaten, een wereld van luchtschepen en uurwerkcomputers – stel je Jules Verne technologie voor met een vleugje fantasie).

• Dieselpunk put zijn inspiratie uit de esthetiek van de jaren 1920-1940 (dieselmotoren, Art Deco, de noir-achtige vroege industriële sfeer) om alternatieve geschiedenis-toekomsten te creëren die vaak rond pulp-era avonturen zijn gesitueerd.

• Atompunk of Raygun Gothic kanaliseert de stijl van het atoomtijdperk van de jaren 1950-60 (denk aan chromen vinnen op auto's, niervormige tafels, grote straalwapen dragende astronauten). Elk van deze is een smaak van retrofuturisme die neemt wat mensen uit die tijd dachten dat de toekomst zou zijn en leeft in die stilistische wereld.

In retrofuturistische beeldende kunst, zou je schilderijen of digitale kunst kunnen zien die eruitzien als verouderde posters die maantoerisme of persoonlijke vliegende pods adverteren, gerenderd met period-perfecte lettertypen en kleuren. Ontwerpers maken ook producten of interfaces die oud en nieuw combineren (bijvoorbeeld een computertoetsenbord dat is aangepast om eruit te zien als een 19e-eeuwse typemachine met koperen tandwielen – een populaire steampunk rekwisiet). De charme ligt in het contrast: geavanceerde concepten door het filter van verouderd ontwerp.

Opmerkelijke Kunstenaars

Opmerkelijke hedendaagse kunstenaars die de retrofuturistische esthetiek hebben gepopulariseerd zijn illustratoren en conceptartiesten zoals Syd Mead, Shusei Nagaoka, Frank R. Paul, en Peter Elson.

• Syd Mead, vaak een “visueel futurist” genoemd, ontwierp toekomstige werelden voor films zoals Blade Runner en Tron. Hoewel zijn stijl meer rechttoe rechtaan futurisme is, mengt een deel van zijn werk (vooral persoonlijk werk) retro-elementen, waarbij toekomsten worden getoond zoals die in het midden van de eeuw werden voorgesteld.

• Shusei Nagaoka is bekend om zijn albumhoeskunst uit de jaren 1970 en 80 (voor bands zoals Electric Light Orchestra) met gestroomlijnde retro-uitziende ruimteschepen en kosmonauten, die zeer de post-Apollo, neon-getinte toekomstvisie van die tijd belichamen.

• Frank R. Paul was eigenlijk een vroege 20e-eeuwse pulp illustrator wiens wilde, fantasierijke voorstellingen van steden in de ruimte en buitenaardse landschappen (uit de jaren 1920-30) nu worden gekoesterd als klassieke retrofuturistische beelden – moderne kunstenaars refereren vaak aan zijn werk.

• Peter Elson was een Britse sci-fi kunstenaar (actief midden-late 20e eeuw) wiens ruimteschipkunst een zekere retro kwaliteit heeft die geliefd is bij fans.

Deze kunstenaars, onder anderen, vulden onze collectieve verbeelding met toekomsten die er vandaag de dag een beetje gedateerd uitzien, maar toch boeiend blijven. Moderne retrofuturistische makers brengen vaak hulde aan hen door hun stijlen na te bootsen of hun motieven met een knipoog bij te werken.

Culturele Impact

Retrofuturisme, hoewel oppervlakkig speels, nodigt uit tot diepere reflectie over vooruitgang en nostalgie. Cultureel gezien dient het als een medium om te onderzoeken hoe het optimisme uit het verleden over de toekomst contrasteert met onze huidige realiteit. Veel retrofuturistische kunstwerken roepen bijvoorbeeld het grenzeloze optimisme van het Space Age-tijdperk uit de jaren 50 op - jetpacks en maanbasissen - dat nooit helemaal is gerealiseerd. Dit kan een bitterzoet gevoel oproepen: waren we te optimistisch, of hebben we gefaald om te bereiken wat we hadden kunnen doen?

Zoals een commentaar opmerkt, moedigt retrofuturisme ons aan om na te denken over de vraag of moderne wetenschap en technologie ons echt gelukkiger hebben gemaakt of dat ze hebben geleid tot moreel verval. Door aspiratiescènes door een nostalgische lens te presenteren, draagt retrofuturistische kunst vaak een onderstroom van kritiek of ironie.

Tegelijkertijd heeft retrofuturisme een brede invloed gehad op entertainment en design. In films hebben stijlen zoals steampunk en dieselpunk films geïnspireerd, van Metropolis (1927, een vroeg voorbeeld van "futuristische" Art Deco-stad) tot Sky Captain and the World of Tomorrow (2004, een opzettelijke dieselpunk-hommage) tot de ontwerpen van Pixar's The Incredibles (dat doordrenkt is van 60s atompunk futurisme).

In videogames en literatuur zijn retrofuturistische settings populair (bijv. de Bioshock game-serie met zijn Art Deco onderwaterstad, of romans zoals Philip Reeve's steampunk Mortal Engines). Deze werken zijn niet alleen stijlvol; ze gebruiken vaak de retrofuturistische setting om thema's van utopie versus dystopie, het pad van technologische ontwikkeling en hoe samenlevingen omgaan met verandering of stagnatie te verkennen.

Samenvattend kan Retrofuturisme worden gezien als het spiegelbeeld van Futurisme: waar Marinetti's cohort futuristen waren die vooruit keken, kijken retrofuturisten terug naar degenen die vooruit keken. Het is een gelaagd perspectief dat verleden, heden en toekomst in dialoog brengt.

Hoewel het misschien puur nostalgisch lijkt, draagt het vaak die subversieve, reflectieve kant - gebruikmakend van de afstand van tijd om commentaar te geven op onze huidige relatie met technologie en onze blijvende hoop en angsten over de toekomst. In een wereld waar de echte toekomst van de 21e eeuw zowel wonderbaarlijk als somber kan lijken, biedt retrofuturisme een charmante ontsnapping naar "toekomsten-verleden" en een lens om onze eigen tijd te onderzoeken.

Art Deco Futurisme

Bewegen we iets buiten de strikte definities van Futurisme, dan komen we Art Deco Futurisme tegen - een term die de synergie beschrijft tussen de futuristische geest en de Art Deco-stijl van de jaren 20 en 30. Art Deco, dat net voor de Eerste Wereldoorlog in Frankrijk ontstond en internationaal bloeide in de interbellumperiode, werd gekenmerkt door gestroomlijnde geometrie, luxe materialen en een viering van moderniteit in design.

Het was niet per se een speculatieve futuristische beweging; eerder was het de chique designtaal van zijn tijd, toegepast op alles, van architectuur (Chrysler Building, NYC) tot mode en productontwerp. Echter, Art Deco en Futurisme kruisten elkaar in hun gedeelde liefde voor het moderne en de esthetiek van snelheid en kracht.

Een Fusie van Stijlen

Art Deco-ontwerp stond bekend om zijn eenvoudige, schone vormen en geometrische ornamenten – zigzags, chevrons, zonnestralen – vaak uitgevoerd in weelderige materialen zoals chroom, marmer en exotisch hout. Het vertegenwoordigde een glamoureuze kijk op moderniteit: denk aan slanke oceaanlijners, jazzy wolkenkrabbers, weelderige theaters.

Hoewel het meer om elegantie dan om rebellie ging, was er een inherent futurisme in de beeldtaal van Art Deco – gestileerde machines, bliksemschichten en een omarming van de machine-esthetiek als iets moois. Dit is waar het samenkomt met de futuristische ethos.

Art Deco Futurisme verwijst naar werken of ontwerpen die de luxe en geometrie van Deco combineren met expliciete futuristische of technologische thema's. Bijvoorbeeld, in de jaren 1930, bevatten veel wereldtentoonstellingen (Chicago 1933, New York 1939) tentoonstellingen van ‘de wereld van morgen’ die in wezen Art Deco-futuristisch van stijl waren: ze hadden de gepolijste geometrische vormen van Deco, maar presenteerden toekomstconcepten zoals moderne transportmiddelen, steden van de toekomst, enz. Een uitstekend voorbeeld is Norman Bel Geddes' ontwerp voor het General Motors Paviljoen “Futurama” in 1939 – een gigantisch model van een futuristische stad en snelwegsysteem – uitgevoerd in een strakke, gestroomlijnde stijl die Deco-moderniteit uitstraalde.

Kunstenaars en ontwerpers die deze fusie belichamen zijn onder andere Tamara de Lempicka en Norman Bel Geddes, onder anderen.

Tamara de Lempicka (1898–1980)

Een in Polen geboren schilder wiens werk in Parijs tijdens de Roaring Twenties de hoge Art Deco-stijl belichaamde. Ze schilderde langgerekte, elegante figuren met gebogen, kubistisch-geïnspireerde vormen en vaak een koele metalen glans.

Lempicka's onderwerpen – onafhankelijke moderne vrouwen, snelle auto's (ze schilderde zichzelf beroemd in een groene Bugatti in 1929) – en haar gestroomlijnde techniek verdienen haar een plaats in het Art Deco Futurisme. Critici noemden haar ‘de perverse Ingres van het Machine Tijdperk,’ waarbij ze opmerkten hoe ze de gladheid van klassieke portretkunst (à la Jean-Auguste Ingres) combineerde met de gedurfde geest van het mechanische tijdperk.

In Lempicka's iconische zelfportret Tamara in de Groene Bugatti, roept de scherpe geometrie van haar auto en outfit, en het gevoel van snelheid dat door haar sjaal wordt overgebracht, een futuristische sfeer op binnen een Deco-compositie. Ze gaf de futuristische liefde voor snelheid in wezen een glamoureus, modieus gezicht.

Norman Bel Geddes (1893–1958)

Een Amerikaanse industrieel ontwerper en futuristisch denker. Hij begon in theaterdecorontwerp, maar wendde zich al snel tot het verbeelden van toekomstige technologie in het dagelijks leven. Bel Geddes ontwierp gestroomlijnde auto's, treinen en zelfs een visionair “Huis van Morgen.”

Een van zijn beroemde niet-gerealiseerde ontwerpen was een aerodynamische, druppelvormige auto die zijn tijd ver vooruit was. Hij schreef ook het boek Horizons (1932), vol futuristische concepten en beelden van steden met meerlagige verkeerswegen (opmerkelijk voorspellend voor latere stadsplanning).

De stijl van Bel Geddes was puur Deco in zijn strakheid, maar de inhoud was hardcore futurisme – precies de mix die Art Deco Futurisme definieert. In de architectuur zien we vergelijkbare mengsels: de skyline van New York in de jaren 1930 (met de Chrysler- en Empire State-gebouwen) wordt vaak genoemd als “Deco futuristisch” – deze gebouwen lijken op raketten die klaar zijn om te lanceren, en inderdaad werd de torenspits van de Chrysler vaak vergeleken met een zilveren ruimteschip.

•

Art Deco Futurisme ving in wezen het optimisme van de vroege 20e-eeuwse vooruitgang in een gepolijste esthetiek. Het toonde hoe futuristische idealen werden opgenomen in populair ontwerp, waarbij sommige van hun ruwe radicale randen verloren gingen, maar brede aantrekkingskracht kregen. Treinen kregen kogelneuzen, radio's werden ingekapseld in gestroomlijnde bakelieten behuizingen – het was een futurisme dat je kon aanraken en gebruiken, gedomesticeerd tot alledaagse elegantie.

De culturele resonantie van deze fusie is significant. Het gaf ons de visuele taal voor “toekomsten die klassiek aanvoelen.” Zelfs vandaag de dag, wanneer filmmakers een retro-toekomst willen uitbeelden (bijvoorbeeld de wereld van Sky Captain of de hoofdstad in The Hunger Games), leunen ze vaak op Art Deco Futuristische styling om een mix van futurisme en vintage klasse over te brengen.

Futuristische Stadsgezichten: Utopische Metropolen Voorstellen

Een van de blijvende obsessies van de Futuristen was de toekomstige stad. Het idee van de stad als symbool van het moderne leven loopt door de Futuristische kunst, en inderdaad door veel latere futuristisch-geïnspireerde bewegingen. In hun tijd waren Marinetti en zijn collega's gefascineerd door de stedelijke omgeving – de neonverlichte straten, de wolkenkrabbers (in opkomst in Europa), de menigten en het verkeer, die voor hen allemaal de dynamiek van de 20e eeuw vertegenwoordigden. Futuristische kunstenaars schilderden stadsscènes die probeerden niet de architectuur op zich vast te leggen, maar de energie en beweging erin.

Bijvoorbeeld, Giacomo Balla’s schilderij Street Light (1909) dat we bespraken vierde niet alleen een technologisch object maar impliciet de transformatie van de moderne stad door elektriciteit. Gino Severini beeldde vaak Parijs (zijn aangenomen thuis) op futuristische wijze af – zijn Pan Pan Dance (1911) en Dynamic Hieroglyph of the Bal Tabarin (1912) presenteren beide een wervelwind van stedelijk nachtleven, waar danszaalinterieurs en stadsgezichten samensmelten tot een caleidoscoop van beweging. Umberto Boccioni’s The Street Enters the House (1911) toont letterlijk de drukte van de straat (constructie, mensen, voertuigen) die het huiselijke interieur binnendringt – een collage-achtige weergave van hoe de energie van de stad alles doordringt. Deze werken zijn een voorbeeld van de Futuristische fascinatie: de stad als een levend, kloppend organisme.

De Futuristische stad was meestal utopisch van toon – een plek van opwinding en eindeloze mogelijkheden. In hun manifesten verheerlijkten ze “de moderne metropool” en spraken ze met romantische geestdrift over menigten en industrie. Dit beïnvloedde belangrijk hoe latere kunstenaars en architecten steden voor zich zagen. Antonio Sant’Elia's eerder genoemde architecturale tekeningen toonden verticale steden met verkeer op meerdere niveaus – een visie van stedelijke utopie met duidelijk Futuristisch DNA. In die tekeningen razen treinen door wolkenkrabbers en zoemen vliegtuigen rond de daken, precies het scenario dat Futuristische schilders graag op doek verbeeldden.

Stadsgezichten met een Twist: Dada en Surrealisme

Naarmate de eerste golf van Futurisme in de jaren 1920 wegebde, namen andere stromingen het motief van futuristische stadsgezichten over, maar gaven er heel andere wendingen aan. Dada nam bijvoorbeeld een meer kritische of satirische kijk. Dadaïstische kunstenaars zagen de hypermoderne stad vaak niet als een glanzende utopie, maar als een belachelijk, ontmenselijkend doolhof. Ze collageerden stadsbeelden op absurde manieren om de pretenties van technologie en orde te bespotten.

Een werk als Max Ernst’s The Hat Makes the Man (1920) – een Dada-collage met stapels mannenhoeden die bizarre torenachtige vormen vormen – kan worden geïnterpreteerd als een bespotting van de pracht van het burgerlijke moderne leven (de hoeden die staan voor de zakenlieden of gezagsdragers). Een andere Dadaïst, Raoul Hausmann, maakte fotomontages die stadsarchitectuur vermengden met machines en gezichten om de desoriëntatie van het moderne stedelijke bestaan op te roepen.

Surrealisme, dat in de jaren 1920 opkwam, nam stadsgezichten mee naar het rijk van dromen en nachtmerries. Surrealistische kunstenaars zoals René Magritte en Giorgio de Chirico schilderden stadstaferelen die unheimlich aanvoelden – vertrouwde architectuur badend in onmogelijk licht of naast vreemde elementen geplaatst. Magritte's serie The Empire of Lights (of Dominion of Light, verschillende versies 1950-1954) is een uitstekend voorbeeld: het toont een rustige straat in de nacht onder een blauwe daghemel. Deze “onmogelijke botsing van dag en nacht” in één beeld creëert een droomachtig stadsgezicht dat zowel vredig als verontrustend is.

De Surrealisten namen de moderne stad en doordrenkten deze met psychologische diepte, waarbij ze de onderbewuste onderbuik van die Futuristische utopieën verkenden. Als Futuristen heldere elektrische lichten vierden, gaf een Surrealist als Magritte ons een stad van eeuwige schemering, die vragen opriep over realiteit en perceptie.

Deze wendingen door Dada en Surrealisme tonen aan hoe het concept van de futuristische stad niet werd verlaten, maar herinterpreteerd . Dadaïsten vroegen: is de stad werkelijk vooruitgang, of is het waanzin? Surrealisten vroegen: welke verborgen dromen of angsten herbergen onze steden? Interessant genoeg behielden beide een zekere visuele taal van het Futurisme – dynamische composities, gedurfd gebruik van contrast (Magritte's dag/nacht) – maar met een heel ander emotioneel effect.

Later, in het midden van de 20e eeuw, zouden andere genres zoals film noir en sciencefictioncinema de toekomst van steden blijven onderzoeken, vaak in een dystopisch licht (bijvoorbeeld Fritz Lang's Metropolis (1927) die een stad van de toekomst toont, scherp verdeeld tussen elites en arbeiders). Zelfs deze kunnen deels worden teruggevoerd naar de futuristische stadverering gecombineerd met Dada/Surrealistische scepsis. De samengestelde invloed leidde tot rijke portretten van stedelijke toekomsten door de 20e-eeuwse kunst en media, van de slanke wolkenkrabbersteden van stripverhalen tot de donkere, neon megasteden van cyberpunk.

Samenvattend, het futuristische stadslandschap-motief geïnitieerd door het Futurisme werd een vaste waarde in de moderne kunst, evoluerend door verschillende stromingen. Of het nu wordt afgebeeld als een stralende visie of een vervormde satire of droom, de stad van de toekomst bleef een doek waarop kunstenaars de hoop, angsten en verbeeldingsvolle omzwervingen van de mensheid projecteerden over wat er in het verschiet lag voor de stedelijke beschaving.

Solarpunk Kunst: Een Visie op Duurzame Toekomsten

In de 21e eeuw, nu wereldwijde zorgen zich richten op klimaatverandering en duurzaamheid, is er een nieuw futuristisch kunstgenre ontstaan: Solarpunk. Solarpunk is een relatief jonge beweging (de term ontstond in de jaren 2010) die een hoopvolle, milieuvriendelijke toekomst voorstelt waar technologie en natuur harmonieus samenleven.

Het is in wezen het tegengif voor de dystopische toekomsten die veel van de late 20e-eeuwse sciencefiction hebben gedomineerd (zoals cyberpunk's neon-verlichte, regenovergoten steden van wanhoop). In plaats van grimmige neon stadsgezichten, stelt solarpunk zich steden voor die baden in zonlicht, gedrapeerd in groen, aangedreven door hernieuwbare energie en gemeenschapsgeest.

Solarpunk kunst is dienovereenkomstig gevuld met beelden van weelderige groene architectuur: wolkenkrabbers overgroeid met verticale bossen, windturbines en zonnepanelen geïntegreerd in elegante ontwerpen, mensen gekleed in kleurrijke, praktische kleding die in harmonie leven met bloeiende ecosystemen.

De esthetiek put vaak uit Art Nouveau en arts-and-crafts invloeden – organische vormen en een handgemaakt gevoel – gecombineerd met futuristische technologie. Het is een afwijzing van de donkere, metalen machine-esthetiek; solarpunk technologie wordt vaak afgebeeld in aardetinten, sierlijke vormen en verweven met plantvormen.

De ethos achter solarpunk is een reactie op de huidige milieuproblemen. Zoals een definitie het stelt, is solarpunk een kunststijl (en literaire beweging) die een duurzame toekomst voor de mensheid verbeeldt, en een optimistisch alternatief biedt voor de doem-en-verderfverhalen.

Het is in wezen een futurisme dat in lijn is met groen activisme . In solarpunk-kunstwerken zie je gemeenschappen die tuinieren op daken, zonnepanelen die glinsteren als glas-in-lood, misschien mythische of spirituele elementen van de natuur, wat allemaal een toekomst suggereert waarin menselijke innovatie werkt om de planeet te genezen.

Veelvoorkomende Thema's

• Stedelijke tuinen en bossen: Steden worden afgebeeld vol met bomen, tuinen, stedelijke landbouw - de grens tussen stad en wildernis is vervaagd. Architectuur kan natuurlijke vormen nabootsen (biomimicry).

• Schone energietechnologie: Veel zonnepanelen, windmolens, soms speelse uitvindingen zoals zwevende turbines of getijdenenergie-apparaten, allemaal esthetisch geïntegreerd in plaats van als utilitaire toevoegingen.

• Gemeenschap en inclusie: Mensen in solarpunk-scenes worden vaak afgebeeld als samenwerkend - misschien gemeenschappelijke markten, workshops of bijeenkomsten. De visuele toon is inclusief, multicultureel, vaak met hints van inheemse of traditionele kennis die wordt vermengd met modern design, als een knipoog naar het idee dat een duurzame toekomst wijsheid put uit het verleden en uit gemarginaliseerde stemmen.

• Doe-het-zelf en innovatie: Solarpunk viert vaak de maker-cultuur - het idee dat burgers zelf technologie bouwen en repareren. Dit kan in kunst worden weerspiegeld door het tonen van gereedschappen, inventieve apparaten, of kunst die zelf een ambachtelijke, collage-achtige uitstraling heeft.

Een voorbeeld in de praktijk: overweeg de conceptuele kunst van Luc Schuiten, een Belgische architect die "Vegetal City"-illustraties maakt. Deze tonen hele buurten die zijn gegroeid uit levende plantstructuren, met huizen die in wezen gigantische bomen zijn gevormd tot woningen, verbonden door voetbruggen van wijnstokken, enz. Het is heel erg solarpunk: fantasierijke maar plausibele toepassingen van de natuur voor constructie, wat resulteert in een serene groene stad.

Een ander voorbeeld is de proliferatie van solarpunk-illustratie online (vaak te zien in blogs of zines) die scènes kan afbeelden zoals mensen in Noord-Afrikaanse woestijngemeenschappen die zonne-energie-installaties en windvangerhuizen gebruiken, of Pacifische eilanden met getijdenenergie en koraalachtige gebouwen. Deze beelden gaan vaak gepaard met solarpunk-fictie die zulke toekomsten verkent.

In termen van invloeden, solarpunk put uit eerdere kunststromingen die design met natuur combineerden. Je kunt invloeden zien van William Morris en Art Nouveau (sierlijke natuurlijke motieven), maar ook de invloed van eco-architecten zoals Frank Lloyd Wright (die pleitte voor het integreren van gebouwen met hun omgeving).

Het wordt ook beïnvloed door niet-westerse esthetiek - sommige solarpunk-beelden bevatten bijvoorbeeld de uitstraling van terrasvormige rijstvelden, Afrikaanse leemsteenarchitectuur, of andere traditionele duurzame ontwerpen, waardoor de toekomst wordt gedekoloniseerd door niet-Eurocentrische elementen op te nemen.

Solarpunk is nog steeds in opkomst, maar het wint aan populariteit juist omdat het biedt hoopvolle beelden in een tijdperk waarin milieunieuws vaak somber is. Als een artistieke beweging sluit het aan bij activisme – veel solarpunk-kunstenaars willen expliciet echte verandering inspireren door te laten zien dat een andere wereld mogelijk is. In die zin zet het de futuristische traditie van kunst met een manifestachtige missie voort, zij het met waarden die bijna tegenovergesteld zijn aan die van Marinetti — solarpunks koesteren de planeet en de gemeenschap, niet oorlog en industrie. 

Sommigen beschrijven solarpunk als "het terugwinnen van de toekomst" – erop aandringend dat niet alle toekomsten apocalyptisch hoeven te zijn, en dat we door het voorstellen van heldere toekomsten kunnen helpen ze werkelijkheid te maken. Solarpunk-kunst presenteert een visie van een duurzame, rechtvaardige en mooie toekomstige wereld. Het kanaliseert de futuristische impuls om dingen voor te stellen die nog niet bestaan – maar richt zich op milieuharmonie en positief futurisme.

Waar eerdere futurismen de machine aanbaden, vereert solarpunk de zon, de aarde en de gemeenschap, waarbij technologie alleen wordt benut voor zover deze deze voedt. Het is een inspirerende nieuwe tak aan de futuristische kunststamboom, een die spreekt tot hedendaagse kwesties en de fakkel van futuristische verbeelding naar het ecologische tijdperk draagt.

Conclusie

Deze wereldwijde variaties van futuristische kunst – van Afrofuturisme's culturele remix, tot Retrofuturisme's nostalgische wat-als, tot Art Deco Futurisme's stijlvolle moderniteit – tonen de vruchtbaarheid van het futuristische idee aan. Elk neemt het kernidee van het voorstellen van de toekomst of het omarmen van moderniteit en past het aan verschillende contexten aan.

Samen tonen ze unieke perspectieven en esthetieken, en bewijzen ze dat de fascinatie voor de toekomst een universeel en eindeloos aanpasbaar aspect van menselijke creativiteit is. Futurisme, in zijn vele vormen, werd echt een wereldwijd fenomeen, niet beperkt tot Italië of de jaren 1910.

Over het algemeen opereert futuristische kunst vandaag – of het nu Afrofuturisme, cyberpunk-esthetiek, speculatief ontwerp of anderszins wordt genoemd – allemaal in de ruimte die het futurisme heeft geopend: de verbeeldingsvolle projectie naar de toekomst, en het onderzoeken van de dans van de mensheid met zijn machines en innovaties. 

Futurisme gaf toestemming voor kunst om gedurfd fantasierijk te zijn over wat komen gaat, en die toestemming wordt door hedendaagse makers gekoesterd. Zolang de samenleving technologisch blijft evolueren (en het vertoont geen teken van vertraging), zullen kunstenaars betrokken blijven in een dynamische dialoog met die veranderingen – het vervullen, in nieuwe vormen, van de futuristische missie om continu de mogelijkheden van de toekomst te verkennen door middel van kunst.

Hoewel het Italiaanse futurisme zelf grotendeels als georganiseerde beweging was uitgeput tegen het einde van de Eerste Wereldoorlog (met sommige leden die later controversieel aansluiting vonden bij het fascisme), bleek de geest ervan onstuitbaar. De wereldwijde variaties en opvolgers van de beweging voegden rijke lagen toe aan zijn nalatenschap.

Van Afrofuturisme's heruitvinding van toekomsten waar gemarginaliseerde mensen centraal staan, tot Retrofuturisme's nostalgische reflecties op de gisterse morgendagen, tot Solarpunk's utopische groene steden, hebben kunstenaars over de hele wereld het kernidee van het futurisme – dat we de toekomst die we wensen of vrezen artistiek kunnen voorstellen – overgenomen en hun eigen gemaakt. 

Deze diverse futurismen, die continenten en culturen overspannen, tonen aan dat de drang om morgen door middel van kunst te verkennen universeel is. Het ooit radicale idee van de Futuristen dat kunst de moderniteit zou moeten omarmen, is uitgegroeid tot ontelbare lenzen om vooruit te kijken: elk tijdperk en elke gemeenschap projecteert zijn unieke dromen en dilemma's in de toekomstvorm, wat nieuwe artistieke bewegingen oplevert.

Terwijl we onze eigen tijdperk van onzekerheid en opwindende innovatie navigeren, biedt het verhaal van het Futurisme inspiratie. Het herinnert ons eraan dat kunst een kracht van verandering kan zijn, dat zelfs manifesten die in een moment van vuur zijn neergekrabbeld, kunnen uitgroeien tot een transformatie van de wereldwijde beeldcultuur.