AI-kunst is hier om te blijven: Hoe algoritmen de creatieve wereld transformeren

In een volle veilingzaal in New York in oktober 2018 hing een curieus portret met vervaagde kenmerken in een vergulde lijst. Het werk, “Portret van Edmond de Belamy,” droeg een ongebruikelijke handtekening - niet de naam van een schilder, maar een wiskundige formule. Toen de hamer viel, werd het door AI gegenereerde portret verkocht voor een verbluffende $432.500, ongeveer 45 keer de hoge schatting​. 

Er gingen geschrokken geluiden door de menigte. Het was niet alleen de prijs; het was het besef dat kunstmatige intelligentiekunst zijn intrede had gedaan op het grootste podium van de kunstwereld. Deze historische veiling bij Christie’s, de allereerste veiling van een door een computer gecreëerd kunstwerk, markeerde een nieuw hoofdstuk in de kunstgeschiedenis​. Het succes van het schilderij verkondigde luid wat velen al begonnen te vermoeden: AI-kunst is hier om te blijven.

Toch begon de reis van AI-gegenereerde kunst noch begon, noch eindigde met die veiling. De betoverende wereld van algoritmische creativiteit was al decennia lang stilletjes aan het evolueren, lang voordat algoritmen portretten konden schilderen die de oude meesters evenaren.

Vandaag de dag staan we op een kruispunt waar door code aangedreven creaties evenveel fascinatie als controverse opwekken. In galerieën en online forums verwonderen toeschouwers zich over surrealistische droomlandschappen opgeroepen door code, terwijl anderen zich afvragen of deze digitale werken een “ziel” of auteurschap hebben.

Dit is het verhaal van hoe machine learning-kunst de nieuwigheid oversteeg om een permanente penseelstreek op het grote doek van de kunst te worden. Het is een verhaal van menselijke vindingrijkheid en machineberekening die met elkaar verweven zijn – een digitale renaissance die zich in realtime ontvouwt.

Door historische wendingen, ethische dilemma's, deskundige inzichten en culturele verschuivingen zullen we verkennen waarom AI-kunst niet alleen op het toneel is verschenen, maar waarom het klaar is om creativiteit voor generaties te herdefiniëren.

De evolutie van AI-kunst: Historische context

De opkomst van AI als een artistieke kracht heeft traditionele opvattingen over creativiteit omvergeworpen en oude debatten opgerakeld over wat kunst is en wie de eer verdient voor de creatie ervan. Terwijl we ons verdiepen in het verhaal van AI-kunst – van zijn bescheiden oorsprong tot zijn meteoritische opkomst – vinden we een verhaal dat net zo complex en meeslepend is als welk meesterwerk dan ook.

Angsten over kunst die op niet-menselijke wijze wordt gemaakt, zijn niet nieuw. De wisselwerking tussen kunst en algoritmen gaat verder terug dan velen zich realiseren. Toen fotografie in de 19e eeuw werd geïntroduceerd, bijvoorbeeld, dreigde het de status quo van de kunstwereld omver te werpen. 

De dichter en criticus Charles Baudelaire waarschuwde in 1859 dat als fotografie zou worden toegestaan om het domein van het beeldmaken binnen te dringen, het “binnenkort kunst volledig zou vervangen of corrumperen,” en noemde het nieuwe medium een “dwaasheid” die de massa's zouden kunnen omarmen ten koste van de schone kunsten. 

Baudelaire was niet alleen – de legende wil dat de schilder J.M.W. Turner, bij het zien van een vroege foto, mompelde: “Dit is het einde van de kunst. Ik ben blij dat ik mijn dag heb gehad.”​

De geschiedenis heeft natuurlijk bewezen dat dergelijke angsten ongegrond waren: fotografie werd een eigen kunstvorm en schilderkunst heeft zichzelf opnieuw uitgevonden in plaats van te verdwijnen. Maar de echo van die eerdere debatten is vandaag de dag nog steeds te horen wanneer sceptici door AI gegenereerde beelden afdoen als “enkel machine-output.”

De jaren 60

Decennia voordat “AI-kunst” een modewoord werd, waren vroege pioniers al bezig met het ontlokken van creativiteit uit computers.

In 1965, stelde de Duitse wiskundige Frieder Nake enkele van 's werelds eerste computergegenereerde tekeningen tentoon, die het publiek in een galerie in Stuttgart verbaasden. Datzelfde jaar introduceerden tentoonstellingen van algoritmische kunst door Nake en anderen – waaronder Georg Nees en A. Michael Noll – het publiek aan beelden die door kamer-grote machines waren geplot in plaats van met de hand geschilderd.​

Deze vroege verkenningen waren verwarrend en provocerend. Critici in die tijd worstelden om deze vreemde resultaten te begrijpen; een computerkunsttentoonstelling werd beschreven als “verwarrend en verontrustend,” en de betekenis ervan werd nauwelijks erkend door het traditionele kunstestablishment.​

De jaren 70

Door de jaren 70 waren enkele visionairs actief begonnen met het samenvoegen van kunst en kunstmatige intelligentie. In 1973 , Britse kunstenaar en programmeur Harold Cohen creëerde AARON, een innovatief computerprogramma dat autonoom kan tekenen en schilderen. Cohen, een gerespecteerd schilder, besteedde jaren aan het leren van AARON de basisprincipes van vorm en kleur. 

De scène is gezet: een sobere computerlab in de vroege jaren 1970, waar deze eenzame schilder-programmeur code typte die een machine zou laten tekenen. De machine, die lijnen op papier vulde met robotarmen, produceerde abstracte vormen die Cohen soms als kunst tentoonstelde.

Dit vroege creatieve AI systeem was rudimentair naar moderne maatstaven – AARON volgde expliciete regels die door Cohen waren opgesteld – maar het riep diepgaande vragen op: Kon een machine echt kunst maken, of volgde het gewoon code? 

Cohen zelf begon AARON als een soort medewerker te beschouwen, en suggereerde ooit dat als de output van een computer een herkenbaar creatief “signatuur” vertoonde – iets wat hij “entitaliteit” noemde – dan zou de machine misschien als een kunstenaar op zichzelf kunnen worden beschouwd. Zijn werk was baanbrekend voor wat later algoritmische kunst zou worden genoemd, en plantte het zaad dat algoritmen ooit partners zouden kunnen zijn in het artistieke proces.

Begin 21e Eeuw

Decennialang bleef algoritmische en computergegenereerde kunst een nichebezigheid – beoefend door een kleine groep kunstenaars, af en toe getoond in avant-garde tentoonstellingen, en vaak met verwarring of onverschilligheid ontvangen. De bredere kunstwereld beschouwde het grotendeels als een curiositeit. Maar achter de schermen ging de technologie snel vooruit.

Het begin van de 21e eeuw zag een explosie in rekenkracht en digitale kunst technieken. Tegen de jaren 2010 transformeerde de opkomst van deep learning kunst – waarbij programma's patronen leren uit enorme datasets – de mogelijkheden van AI in beeldcreatie.

Een keerpunt kwam in 2014, toen onderzoeker Ian Goodfellow en collega's Generative Adversarial Networks (GANs)​ ontwikkelden. Dit type AI-algoritme zette een creatieve “duel” op tussen twee neurale netwerken – een die beelden genereert, de andere die ze beoordeelt – waardoor de generator werd aangespoord om te verbeteren door competitie.

GANs waren een game changer: in plaats van dat programmeurs artistieke regels met de hand codeerden, kon de machine leren esthetiek door voorbeeld. Met GANs kon AI nu beelden van verbazingwekkende complexiteit produceren, waarbij het extrapoleerde van wat het had geleerd op manieren die zelfs de programmeurs misschien niet konden voorspellen.

Bijna van de ene op de andere dag werd wat moeizaam was geweest (Cohen's AARON evolueerde over jaren van codering) relatief toegankelijk. Kunstenaars en knutselaars begonnen GANs te trainen op allerlei soorten beelden - van klassieke schilderijen tot YouTube-video's - en keken verbaasd toe hoe de AI kunst genereerde die varieerde van spookachtig abstract tot griezelig realistisch.

In 2015 veranderde het openbaar vrijgegeven DeepDream algoritme van Google gewone foto's in hallucinatoire visioenen met een paar klikken, wat wijst op het verbeeldingspotentieel van AI. Tegen het einde van de jaren 2010 was het esthetische bereik van AI-kunst dramatisch verbreed.

Deze systemen konden abstracte AI-creaties produceren die de vrije verkenningen van een expressionistische schilder weerspiegelden, of proberen gestileerde figuratie door de technieken van beroemde kunstenaars na te bootsen. Spuugden surrealistische constructies uit - droomachtige, Dali-achtige scènes waar gezichten en vormen in elkaar overgaan - maar renderden net zo gemakkelijk hyperrealistische digitale beelden die zo scherp waren dat ze op het eerste gezicht voor hogeresolutiefoto's konden worden aangezien.

AI-kunst was niet langer één stijl of genre; het was een gereedschapskist die in staat was tot oneindige stijlen, beperkt alleen door de data waaruit het leerde.

Heden

Een tekst-naar-beeld revolutie arriveerde in de vroege jaren 2020. In 2021 en 2022 werd een nieuwe generatie AI-kunsthulpmiddelen beschikbaar voor het grote publiek. Modellen zoals OpenAI's DALL·E 2, Midjourney, en Stable Diffusion stond iedereen toe om een geschreven prompt in te voeren – een paar woorden die een ingebeelde scène beschrijven – en binnen enkele seconden een vers gegenereerde afbeelding te ontvangen. Er was geen technische expertise vereist, behalve een beetje creativiteit en een internetverbinding. Deze democratisering van AI-kunst zorgde voor een uitbarsting van publieke belangstelling. 

Halverwege 2022 experimenteerden miljoenen mensen met AI-beeldgeneratoren en stonden sociale media vol met bizarre kunstwerken die zowel door amateurs als professionals werden geproduceerd. Een journalist merkte terecht op dat deze ontwikkelingen in ‘sneltreinvaart’ waren gekomen, met DALL·E, Midjourney en anderen die allemaal binnen een jaar voor openbaar gebruik werden vrijgegeven.​

De impact was onmiddellijk en wijdverspreid: digitale creativiteit was een nieuw tijdperk ingegaan waarin de grens tussen kunstenaar en publiek vervaagde en waarin de rol van de mens meer verschoof naar het geven van ideeën dan naar het uitvoeren van penseelstreken.

Ethiek en Filosofische Vragen van AI-gegenereerde Kunst

Elke ontwrichtende innovatie in kunst brengt een reeks filosofische dilemma's met zich mee, en AI-kunst is daarop geen uitzondering. Naarmate algoritmische creaties zich vermenigvuldigen, worstelen kunstenaars, critici en publiek met fundamentele vragen: 

1. Wat betekent het om een kunstenaar te zijn? 
2. Kan een machine creatief zijn, of is het slechts een verlengstuk van zijn menselijke programmeur? 
3. Wie bezit de kunst – de persoon die de code schreef, degene die de prompt gaf, of het algoritme zelf? 

Deze debatten echoën 19e-eeuwse argumenten over fotografie en kunst, maar met nieuwe wendingen. Wanneer een AI in enkele seconden een overtuigend schilderij kan produceren, is het probleem niet alleen de bedreiging voor menselijke arbeid – het is een uitdaging voor het begrip van menselijke auteurschap en artistieke intentie.

Auteurschap en Creativiteit

Een kerncontroverse is hoeveel creatieve eer aan algoritmen moet worden toegekend. De makers van het “Belamy”-portret ondertekenden het beroemd met de verliesfunctie van de GAN (een formule), waarmee ze impliciet de machine eerden. Maar is de AI echt de kunstenaar? Tegenstanders beweren vaak dat AI-uitvoeren van nature afgeleid zijn – de software is bestaande afbeeldingen aan het ontginnen en remixen – en daardoor de intentionaliteit en originaliteit missen die we van kunst verwachten. 

In het geval van “Belamy” wezen sommigen erop dat het collectief achter het werk hun GAN had gebouwd met behulp van een open-source codebase van een jonge kunstenaar-programmeur, Robbie Barrat, en hem aanvankelijk niet had gecrediteerd.​ Dit ontketende een debat over of het gebruik van iemand anders' AI-algoritme gelijk stond aan een kunstenaar die andermans penseel gebruikt – of meer op plagiaat leek.​ 

Meer filosofisch gezien, als een schilderij wordt gegenereerd door een autonoom proces, vragen mensen: Wie is de ware maker? Is het de mens die de code heeft geschreven, degene die de trainingsafbeeldingen heeft samengesteld, de persoon die op “Run” heeft gedrukt, of het algoritme zelf dat zijn quasi-onafhankelijke koers volgt? 

De Schepper Bepalen

Een lastige onderneming. Het bestaan van AI-kunstwerken dwingt ons om onze ideeën over auteurschap opnieuw te beoordelen. "Als het werk echt is gemaakt door deze reeks cijfers en letters, maakt het dan uit wie de AI heeft gebouwd en getraind?" mijmerde een journalist tijdens de veiling bij Christie’s​. Er zijn geen gemakkelijke antwoorden – de grenzen tussen AI, kunstenaars en door AI geproduceerde kunst zijn nog steeds amorf​.

Kunstenaars en waarnemers zijn verdeeld. Sommige puristen beweren dat zonder een menselijke leidende hand bij elke stap, het resultaat niet als “kunst” in de betekenisvolle zin kan worden beschouwd. Ze stellen dat creativiteit bewustzijn, intentie en geleefde ervaring vereist – kwaliteiten die een machine niet bezit. Als bewijs merken ze op dat wanneer een GAN bijvoorbeeld een reeks vervormde gezichten produceert, het geen idee heeft waarom het dat doet. 

De Britse figuratieve schilder Francis Bacon vervormde opzettelijk gezichten in zijn schilderijen om emotie op te roepen; een GAN doet dit vaak simpelweg omdat het niet heeft geleerd gezichten perfect weer te geven. Het verschil is intentie. Inderdaad, AI-onderzoekers erkennen zelf deze kloof.

Ahmed Elgammal, een expert in AI-kunst, merkte op dat hoewel door GAN gegenereerde portretmutanten Bacons stijl kunnen oproepen in hun nieuwheid en vreemdheid, er “something missing” is – namelijk het gebrek aan artistieke intentie achter die vervormingen​. De output van het algoritme kan eruitzien als kunst, maar bedoelde het er iets mee? Als kunst wordt gedefinieerd door de intentie en zelfexpressie van de kunstenaar, dan presenteren de creaties van een machine een ontologisch raadsel.

Aan de andere kant beweren voorstanders van AI-kunst dat creativiteit vele vormen kan aannemen en dat het gebruikte hulpmiddel de artistieke waarde niet tenietdoet. Ze wijzen erop dat kunstenaars altijd al gebruik hebben gemaakt van hulpmiddelen en externe processen – van camera's tot penselen tot chemische reacties in de donkere kamer – en dat algoritmen gewoon een complexer hulpmiddel zijn. In deze visie is de mens nog steeds zeer aanwezig in AI-kunst, zij het in een andere hoedanigheid. In plaats van een penseel te hanteren, stelt de kunstenaar een dataset samen en stemt de parameters af. 

De handeling van het kiezen wat de AI zal leren en welke outputs te tonen is op zichzelf een expressieve artistieke daad. “De hand van de kunstenaar is betrokken bij de selectie van invoerafbeeldingen, het aanpassen van het algoritme en vervolgens het kiezen uit wat er is gegenereerd,” legt Elgammal uit, waarbij hij een workflow van “pre-curatie” en “post-curatie” rond het generatieve proces van het algoritme​. Met andere woorden, een AI-kunstwerk kan meerdere auteurs hebben – de programmeur, de eindgebruiker en het algoritme – die elk op een andere manier bijdragen aan het uiteindelijke stuk. 

Sommige kunstenaars die met AI werken, vergelijken het met het regisseren van een natuurlijk proces: ze zetten het podium en laten het algoritme optreden, waarbij ze op kritieke momenten ingrijpen. Wie is dan de maker? Misschien is het een partnerschap van mens en machine.

Zoals Harold Cohen ooit suggereerde, als de output van de machine een onderscheidend karakter heeft (een die zelfs herkenbaar kan zijn als de “stijl” van de machine), dan kunnen we misschien beginnen het algoritme zelf als een artistieke entiteit te beschouwen – zij het geïnitieerd door mensen​.

Originaliteit en Datasets

Een ander ethisch dilemma richt zich op hoe AI leert creëren. De meeste kunstgenererende AIs worden getraind op grote datasets van bestaande afbeeldingen – vaak verzameld van het internet of musea. Dit roept kwesties op van intellectueel eigendom en toestemming. Is een AI-kunstwerk echt “origineel” als het is afgeleid van duizenden reeds bestaande werken? 

Wanneer een GAN een nieuw beeld produceert, kopieert het niet direct een enkele bronafbeelding, maar het bouwt wel voort op patronen in zijn trainingsdata. Dit heeft ertoe geleid dat sommige critici AI-kunst een vorm van “verheerlijkt collage” of “geautomatiseerd pastiche” noemen. Concreter zijn kunstenaars en fotografen begonnen te vragen: Wat met de miljoenen menselijke kunstwerken die AI-systemen zonder toestemming opnemen? 

Het aanpakken van het gebruik van auteursrechtelijk beschermd materiaal in machine learning-datasets zonder toestemming is een dringende kwestie geworden. Begin 2023 heeft Getty Images – een groot stockfotoagentschap – een spraakmakende rechtszaak aangespannen tegen Stability AI, het bedrijf achter Stable Diffusion, waarbij het wordt beschuldigd van het schenden van auteursrechten op 12 miljoen foto's die zonder licentie zijn gebruikt om de AI te trainen​. Veelzeggend is dat sommige door AI gegenereerde beelden zelfs vervormde resten van het Getty-watermerk behielden, duidelijk bewijs van de herkomst van hun trainingsdata​. 

De rechtszaak van Getty stelt dat het massaal verzamelen van auteursrechtelijk beschermd materiaal om een commercieel AI-product te voeden illegaal is, en ze eisen verbluffende schadevergoedingen in de miljarden​.

In een parallelle actie heeft een groep kunstenaars in Californië een collectieve rechtszaak aangespannen tegen verschillende AI-bedrijven, met de bewering dat deze bedrijven de rechten van makers hebben geschonden door hun kunst te gebruiken om AI te trainen zonder compensatie​.

Dit is nieuw juridisch terrein. Auteursrechtwetgeving had nooit een scenario voorzien waarin een niet-menselijke entiteit massaal afgeleide werken zou kunnen genereren. Rechtbanken en regelgevers proberen nu bij te benen. Het U.S. Copyright Office heeft zich hierover uitgesproken en onlangs bevestigd dat werken die volledig door AI zijn gecreëerd – met “purely AI-generated material” en zonder menselijke revisie – niet door auteursrecht kunnen worden beschermd, omdat de wet alleen menselijke auteurschap erkent​. 

In een beslissing uit 2023 benadrukten ambtenaren de noodzaak van een “menselijke expressie” in een kunstwerk om als origineel en beschermd te kwalificeren​. Ze verduidelijkten dat als AI als hulpmiddel wordt gebruikt bij de creatie (bijvoorbeeld als een kunstenaar de AI-output aanzienlijk bewerkt of begeleidt), dan de door mensen gemaakte delen auteursrechtelijk beschermd kunnen worden – maar een afbeelding die een algoritme op zichzelf genereert vanuit een tekstprompt komt niet in aanmerking. Deze houding plaatst AI-kunst in wezen in het publieke domein, tenzij de creatieve input van een mens duidelijk zichtbaar is. 

De uitspraak heeft grote gevolgen: een illustrator die simpelweg AI-afbeeldingen aan een klant levert, zou mogelijk helemaal geen juridisch eigendom van die afbeeldingen hebben, terwijl een kunstenaar die over AI-uitvoeringen schildert of collages maakt dat wel zou hebben. 

Naarmate de technologie de wetgeving inhaalt, zijn we getuige van een snelle evolutie van hoe intellectueel eigendom wordt gedefinieerd. Rechtszaken zoals die van Getty zullen waarschijnlijk belangrijke precedenten scheppen voor hoe auteursrecht in AI-kunst wordt behandeld, en of nieuwe regelgeving nodig zal zijn om te verduidelijken hoe auteursrecht de unieke uitdrukkingen van AI kan beschermen, terwijl de rechten van menselijke kunstenaars worden gerespecteerd in de toekomst.

Impact op Kunstenaars en Samenleving

Ethische debatten strekken zich ook uit tot het culturele en economische domein. Zal AI-kunst de levensonderhoud van kunstenaars bedreigen? Deze vraag achtervolgt velen in creatieve industrieën. Illustratoren, conceptkunstenaars, grafisch ontwerpers – dit zijn beroepen die al verstoring zien. 

In 2022 won een kunstwerk gegenereerd met Midjourney (een AI-tool) de eerste prijs in een digitale kunstwedstrijd op een staatsbeurs in Colorado, waarbij het menselijke kunstenaars versloeg en verontwaardiging opwekte bij sommige deelnemers​. Voor hen voelde het als een voorbode dat menselijke kunstenaars zouden worden ondermijnd door machines die in staat zijn om acceptabele kunst te produceren met een druk op de knop. 

Er zijn parallellen in de geschiedenis die zowel waarschuwingen als troost bieden. In de 19e eeuw zagen portretschilders inderdaad een scherpe daling in de vraag toen fotografie wijdverspreid werd – tegen de jaren 1850 hadden fotografische portretstudio's grotendeels geschilderde miniaturen en silhouetten vervangen voor de middenklasse, een verschuiving die breed werd geaccepteerd met weinig spijt​.

Schilderkunst stierf niet toen fotografie arriveerde. Kunstenaars gingen verder om gebieden te verkennen die fotografie niet kon bereiken (impressionisme, abstractie, enz.). Evenzo bedreigden in de 20e eeuw synthesizers en drumcomputers de muzikanten; sommigen vreesden "het einde van de muziek," maar na verloop van tijd werden deze hulpmiddelen gewoon een ander onderdeel van het palet van de kunstenaar. AI in de creatieve industrie zal hetzelfde patroon volgen.

Veel hedendaagse kunstenaars geloven dat AI, in plaats van menselijke creatieven overbodig te maken, een creatieve renaissance zal stimuleren door kunstenaars te bevrijden van alledaagse taken. Aangevulde creativiteit is een term die vaak wordt gebruikt - het idee dat AI arbeidsintensieve aspecten kan afhandelen (zoals het itereren van variaties of het invullen van details), waardoor kunstenaars zich kunnen concentreren op hogere creatieve beslissingen. 

In deze optimistische visie zou een modeontwerper AI kunnen gebruiken om tientallen patroonideeën te genereren, vervolgens de beste selecteren en verfijnen - eindigend met ontwerpen die ze misschien nooit alleen had kunnen bedenken. Een architect zou snel concepten kunnen visualiseren met behulp van AI en vervolgens menselijk oordeel gebruiken om de meest inspirerende vormen te ontwikkelen. De rol van de kunstenaar verschuift van ambachtsman naar regisseur of curator van creatieve AI, zoals sommigen hebben gesuggereerd​.

Veel kunstenaars staan erop dat voldoende getalenteerde creatieven willen samenwerken met AI in plaats van ermee te concurreren​. Net zoals fotografen de camera beheersten en grafisch ontwerpers Photoshop beheersten, moeten de kunstenaars van morgen mogelijk leren werken met generatieve algoritmen. Degenen die dat doen, kunnen sneller resultaten behalen en ideeën breder verkennen dan ooit tevoren.

Niettemin is de angst reëel. Brengt de efficiëntie van een AI de broodwinning van creatieve professionals in gevaar? Als een boekuitgever binnen enkele minuten een dozijn omslagconcepten van een AI kan laten maken in plaats van een illustrator te betalen, zullen sommigen dat doen - althans voor eenvoudigere projecten. Als een gamestudio AI kan gebruiken om achtergrondkunst of conceptschetsen te genereren, kan dat het aantal beginnende kunstenaars dat ze inhuren verminderen. Na verloop van tijd, zou vertrouwen op AI de ontwikkeling van menselijke vaardigheden kunnen ondermijnen?

Tegenstanders maken zich zorgen over een toekomst waarin massaal geproduceerde AI-beelden de markt overspoelen , wat leidt tot een overvloed aan kunst die oppervlakkig aantrekkelijk maar conceptueel oppervlakkig is – en het moeilijker maakt voor menselijke kunstenaars om te concurreren om aandacht of inkomen.

Er is ook een culturele zorg: kunst is een van de bepalende uitdrukkingen van de mensheid. Als steeds meer kunst door machines wordt gegenereerd, verliezen we dan een beetje van wat kunst speciaal maakt? Is er iets onvervangbaars aan de menselijke aanraking, de aanwezigheid van de hand en geest van een kunstenaar, dat een AI, hoe geavanceerd ook, nooit kan repliceren?

De ethische debatten rondom AI-kunst zijn dus diep verstrengeld met filosofische vragen over creativiteit en praktische zorgen over economie en recht. Achter elke hoek liggen meer vragen: 

1. Moet AI-kunst duidelijk als zodanig worden gelabeld? 
2. Is het gebruik van de stijl van een kunstenaar in een algoritme een vorm van diefstal of een creatieve eerbetoon? 
3. Hoe zorgen we voor diversiteit en eerlijkheid in datasets, zodat AI-kunst niet per ongeluk vooroordelen versterkt (een bekend probleem wanneer algoritmen worden getraind op onevenwichtige gegevens)? 

Deze voortdurende gesprekken geven aan dat de samenleving nog steeds in het proces is van beslissen hoe AI in de creatieve wereld te integreren. Wat overduidelijk is, is dat AI iedereen heeft gedwongen na te denken over wat artistieke authenticiteit betekent. Paradoxaal genoeg, door de "rol van de kunstenaar uit te dagen," kan AI helpen verduidelijken wat echt belangrijk is in menselijke creativiteit – die aspecten van emotie, context en intentie die algoritmen, voor nu, moeite hebben om na te bootsen.

Stemmen uit de Kunstwereld: Inzichten en Perspectieven van Experts

Midden in de werveling van controverse bieden stemmen uit de kunstwereld – van avant-garde kunstenaars tot critici en curatoren – hun perspectieven op deze door AI gedreven transformatie. Deze inzichten bieden een genuanceerd begrip van hoe AI creativiteit hervormt. Sommige experts zijn enthousiaste evangelisten van de nieuwe technologie, anderen zijn voorzichtige sceptici, en velen bevinden zich ergens daartussenin, waarbij ze zowel de opmerkelijke kansen als de onopgeloste spanningen erkennen die AI-kunst presenteert.

De Pioniers – Het Omarmen van de Algorithmische Muze

Een aantal hedendaagse kunstenaars heeft hun praktijk opgebouwd rond AI, waarbij ze het algoritme behandelen als een medewerker of zelfs een muze. Een prominent voorbeeld is Mario Klingemann , een Duitse kunstenaar die vaak wordt geprezen als een pionier van AI-kunst. Klingemann heeft het proces van het creëren van kunst met neurale netwerken nauwgezet geoptimaliseerd, en hij spreekt erover als een nieuwe vorm van artistieke expressie die hij “neurography” noemt​. 

In 2018 debuteerde hij met Memories of Passersby I, een AI-gedreven installatie bestaande uit twee schermen die eindeloos een evoluerende stroom van portretten tonen – gezichten van mensen die nooit hebben bestaan, continu gegenereerd door een GAN. Om dit stuk te creëren, heeft Klingemann het neurale netwerk getraind op duizenden historische portretten uit de 17e tot 19e eeuw en heeft hij maanden besteed aan het verfijnen van het systeem​. Hij implementeerde zelfs een feedbackmechanisme dat lijkt op swipen naar links of rechts – effectief een Tinder-stijl curatie – om de AI te leren welke outputs overeenkwamen met zijn eigen artistieke smaak​. 

Het resultaat is een autonoom kunstwerk dat in real-time nieuwe gezichten “droomt”, waarbij elk vluchtig beeld even verschijnt voordat het overgaat in het volgende. “Het is alsof je naar een eindeloze verbeelding kijkt in de geest van een machine,” schreef Sotheby’s over het stuk, waarbij werd opgemerkt dat het menselijke onderwerp (de gezichten) een extra emotionele lading geeft aan het idee van een computer die over mensen droomt​. 

Het werk van Klingemann, dat menselijke input met algoritmische generatie mengt, illustreert het collaboratieve potentieel van AI: hij stelde de creatieve beperkingen in en gaf zijn esthetische gevoeligheden door aan de machine, en de machine produceert op zijn beurt verrassingen die Klingemann's artistieke verkenning voeden. Toen Memories of Passersby I in 2019 door Sotheby’s werd geveild, bracht het ongeveer $51.000 op, wat aangeeft dat de kunstmarkt deze nieuwe kunstvorm serieus begon te nemen​. 

Klingemann merkte op dat de verkoop AI-kunst valideerde als niet alleen een gimmick, maar een kunstbeweging die aan profiel wint​. Als iemand die jaren heeft besteed aan het schrijven van code en het cureren van outputs, benadrukt hij vaak dat werken met AI niet gaat over het indrukken van een knop – het is een iteratief, creatief proces dat visie en onderscheidingsvermogen vereist bij elke stap.

Een andere invloedrijke stem is Anna Ridler, een Britse kunstenaar die uitgebreid werkt met GANs, maar met een twist – ze genereert haar eigen trainingsdatasets met de hand. In haar bejubelde project The Fall of the House of Usher (2017), creëerde Ridler een 12-minuten durende video-animatie met een GAN dat exclusief is getraind op haar eigen inkttekeningen​. Ze tekende meer dan tweehonderd afbeeldingen geïnspireerd door de stille filmadaptatie van Edgar Allan Poe's verhaal uit 1929, en voerde die tekeningen vervolgens in een GAN om de animatieframes te produceren​annaridler.com​. 

Het resulterende stuk flikkert en vervalt, met vormen die verschijnen en verdwijnen in griezelige zwart-wit abstractie. Ridler was bewust bezig met het verkennen van de “vluchtige aspecten van geheugen” en de manier waarop beelden degraderen – thematisch passend bij Poe's verhaal van verval​. 

Cruciaal is dat Ridler heeft gesproken over waarom ze AI voor dit project heeft gekozen: het machine learning-proces introduceerde een gecontroleerde onvoorspelbaarheid die haar artistieke concept diende. “Het is een stuk dat handmatig geanimeerd had kunnen worden,” schrijft ze, “maar door te kiezen voor machine learning kon ik deze thema's rond de rol van de maker, de wederkerigheid tussen kunst en technologie, en aspecten van geheugen versterken en vergroten op een manier die anders niet voor mij beschikbaar zou zijn.”​ 

Met andere woorden, door AI te gebruiken kon Ridler het kunstwerk naar nieuw conceptueel terrein duwen – de neiging van het algoritme om te 'vergeten' of de tekeningen in de loop van de tijd te vervormen werd een kenmerk van de kunst zelf, wat symbool staat voor vervagend geheugen. Ze benadrukt ook iets diepgaands: de rol van de maker verandert bij het gebruik van AI. 

Door de dataset (haar tekeningen) te cureren en de GAN ze te laten interpreteren, verkent Ridler een hybride auteurschap. Ze merkt een interesse op in hoe het proces “de dynamiek tussen de menselijke maker en de machine illustreert”, en ze omarmt de onvoorspelbaarheid van het resultaat​. Ridler's praktijk toont aan dat AI-kunst diep persoonlijk en conceptueel gedreven kan zijn – verre van het indrukken van “willekeurig”, kan het zorgvuldig plannen en een dialoog tussen kunstenaar en algoritme omvatten.

Haar werk is tentoongesteld in musea en galerieën wereldwijd, en ze staat als een voorbeeld van een kunstenaar die creatieve algoritmen niet als een bedreiging ziet, maar als een middel om artistieke expressie te verrijken.

De Enthousiastelingen – Kunstprofessionals en Technologen

Het zijn niet alleen kunstenaars; veel curatoren en technologen zijn ook kampioenen geworden van het potentieel van AI-kunst. In 2019 organiseerde het Barbican Centre in Londen een spraakmakende tentoonstelling getiteld “AI: More Than Human.” Deze show was een ongekende verkenning van de creatieve en wetenschappelijke facetten van kunstmatige intelligentie, met tal van AI-gedreven kunstwerken. Het nodigde bezoekers uit om hands-on deel te nemen aan installaties – van tekenmachines tot interactieve kunstwerken die reageerden op hun aanwezigheid​. 

De reactie van het publiek was veelzeggend: gedurende de paar maanden dat het liep, trok de tentoonstelling meer dan 88.000 bezoekers, waardoor het een van de meest succesvolle shows van het Barbican ooit werd​. Het is duidelijk dat er een honger is om deze nieuwe vorm van kunst te ervaren en te begrijpen.

Curatoren van de tentoonstelling benadrukten dat AI niet werd gepresenteerd als slechts een technologische nieuwigheid, maar als onderdeel van een voortdurende verhaal van kunst en innovatie – met wortels die teruggaan tot oude automaten en vroege computers tot de creatieve AI van vandaag​. Zo'n institutionele omarming verleent geloofwaardigheid aan AI-kunst. 

Grote musea zoals het Smithsonian hebben ook paneldiscussies en tentoonstellingen over AI-creativiteit gehouden, en veilinghuizen (Christie's, Sotheby's) hebben doordachte essays gepubliceerd over de implicaties van AI voor kunst en waardering​.

Academici in kunstgeschiedenis en digitale cultuur beschouwen AI-kunst steeds vaker als een legitiem studiegebied en vergelijken het met eerdere kunststromingen die ooit controversieel waren (bijv. Dada, conceptuele kunst).

Figuren uit de tech-industrie uiten vaak een soort ontzag over waartoe hun algoritmen in staat zijn geworden – een ontzag dat soms overgaat in pleidooi voor AI als creatieve partner. 

Goodfellow, de uitvinder van GANs, bedacht het idee beroemd terwijl hij zich voorstelde hoe twee neurale netwerken met elkaar zouden kunnen "sparren"; die adversariële dynamiek bleek een recept voor verrassende creativiteit.

Andere AI-onderzoekers zoals Douglas Eck (die Google's Magenta-project over AI-muziek en -kunst leidt) hebben gesproken over het "democratiseren van kunstcreatie" – zij voorzien een toekomst waarin iedereen een maker kan zijn met de hulp van AI, net zoals smartphones iedereen tot fotograaf maakten. 

Dit enthousiasme is gebaseerd op de overtuiging dat AI de grenzen van kunst kan uitbreiden. Machine learning-algoritmen kunnen patronen en combinaties detecteren die mensen misschien niet zouden bedenken, wat leidt tot nieuwe stijlen en vormen.

Sommigen vergelijken het gebruik van AI met de komst van nieuwe artistieke media: net zoals de synthesizer nieuwe geluiden aan muziek toevoegde, biedt AI nieuwe beelden en zelfs nieuwe concepten van wat een beeld kan zijn (bijvoorbeeld continu veranderen, of gegevens op artistieke manieren visualiseren).

In interviews benadrukken deze technologen vaak samenwerking: AI zal kunstenaars niet vervangen; het zal hen superkrachten geven. Het kan in seconden "magie" genereren – maar het is aan de mens om te beslissen welke soort magie ertoe doet.

De Sceptici – Waarschuwingen en Kritieken

Aan de andere kant blijven veel prominente figuren in de kunstwereld sceptisch of kritisch over AI-kunst. Misschien zijn de meest uitgesproken enkele kunstcritici en bepaalde traditionele kunstenaars. Jerry Saltz, de Pulitzer-winnende kunstcriticus voor New York magazine, gaf een vernietigende mening over het gevierde Belamy-portret.

Hij verwierp het als “100 procent generiek”, en Saltz betoogde dat het portret in wezen een wazige mix was die niets echt nieuws of betekenisvol bood. Voor hem was het een saaie pastiche die meeliftte op de nieuwigheid van AI-gecreëerd zijn – een “leeg” werk dat werd ondersteund door een gimmick. 

Saltz's kritiek weerklinkt een veelvoorkomend sentiment: dat veel van AI-kunst, althans tot nu toe, eruitziet als afgeleid of conceptueel oppervlakkig aanvoelt. Tegenstanders wijzen erop dat een AI stijlen kan imiteren, maar niet beslist om bijvoorbeeld een stijl te ondermijnen om een reden; het heeft geen boodschap om over te brengen.

Wanneer sceptici met AI-stukken worden geconfronteerd, vragen ze vaak: “Waar is de stem van de kunstenaar hierin? Wat  zegt het?” Als die vragen niet kunnen worden beantwoord, zijn ze geneigd het werk af te doen als louter output in plaats van kunst. 

Sommige museumcuratoren hebben ook hun bedenkingen geuit. In recensies van “AI: More Than Human,” bijvoorbeeld, bewonderde een Guardian-criticus de interactiviteit, maar merkte op “weinig teken van creativiteit te midden van het technologische spektakel,” en concludeerde dat de show veel aan het publiek gaf, maar twijfels opriep over of AI echt zelfbewust of creatief kon zijn in de menselijke zin​.

In wezen gaat de scepsis niet over of AI's opvallende beelden kunnen produceren – dat kunnen ze duidelijk – maar over of die beelden de diepte, context en communicatieve kracht hebben die we associëren met grote kunst.

Er is ook een ideologische kritiek afkomstig van enkele kunstenaars en geleerden: de bezorgdheid dat AI-kunst de verkeerde waarden zou kunnen verheerlijken. Als de kunstwereld AI-gegeneerde werken omarmt, vieren we dan creativiteit, of vieren we technologie omwille van zichzelf?

Sommigen vrezen een hellend vlak naar het waarderen van slimme algoritmen boven humanistische inhoud. Daarnaast wordt de kwestie van vooringenomenheid aangekaart: als een AI is getraind op westerse kunstgeschiedenis, zal het dan onevenredig westerse esthetiek weerklinken en andere culturele perspectieven negeren, en zo een beperkt beeld van kunst versterken? Ook, is er een risico dat kunst gegenereerd door populaire vraag (via prompts) zou kunnen neigen naar cliché? 

Sceptici dringen aan op een voorzichtige, kritische betrokkenheid bij AI-kunst in plaats van kritiekloze hype. Ze herinneren ons eraan dat kunst altijd ging over menselijke ervaring – over de wereld zien door de ogen van een ander – en ze vragen zich af of een AI, die geen levenservaring heeft, enige echte inzicht of perspectief kan bieden. Dit kamp wijst AI niet per se af als hulpmiddel (velen accepteren dat het zijn toepassingen heeft), maar ze blijven niet overtuigd dat de output van een machine ons kan raken zoals menselijke kunst dat kan. 

Zoals een studie van de Universiteit van Oxford over AI en kunst het verwoordde: "Kunstenaars kunnen niet worden vervangen door machines... Je kunt – voorlopig – geen levenservaring omzetten in data". De kanttekening "voorlopig" doet veel werk in die uitspraak, waarbij zowel twijfel als de erkenning wordt samengevat dat we nooit nooit moeten zeggen.

Het Gebalanceerde Zicht

Veel experts nemen een middenweg, waarbij ze de opmerkelijke prestaties van AI-kunst erkennen, maar ook de blijvende waarde van menselijke creativiteit benadrukken. Bijvoorbeeld, museumcuratoren die AI-kunstwerken hebben verworven, plaatsen ze vaak in de context van een voortdurende dialoog. Ze zouden kunnen zeggen: Dit stuk is interessant, niet alleen omdat AI het heeft gemaakt, maar vanwege hoe het zich verhoudt tot de kunstgeschiedenis of tot actuele sociale kwesties.

De beste AI-kunstenaars doordrenken hun projecten vaak met conceptuele kaders of commentaar – bijvoorbeeld door AI te gebruiken om een punt te maken over surveillance, of over de aard van geheugen (zoals Ridler deed). Curatoren reageren doorgaans op die gelaagdheid.

Kunsthistoricus en mediaspecialist Christiane Paul, die al decennia digitale kunst cureert, merkt op dat AI-kunst slechts de nieuwste is in een reeks van computationele kunstvormen en zou moeten worden beoordeeld zoals elke andere kunst – op basis van inhoud, context en uitvoering, niet alleen op de nieuwigheid van het medium. Zij en anderen benadrukken dat kunst meer is dan de som der delen: het invoeren van beroemde schilderijen in een model en iets krijgen dat lijkt op een van Gogh maakt het niet automatisch diepgaande kunst.

Wat telt, is hoe de kunstenaar (mens) AI's capaciteit kadert en gebruikt. Deze genuanceerde houding zegt in wezen: Ja, AI is een krachtig nieuw hulpmiddel dat visuele output kan produceren; nee, niet elke output is automatisch geweldige kunst; menselijke creativiteit en onderscheidingsvermogen blijven van het grootste belang. AI kan worden gezien als een nieuw soort penseel of een nieuwe camera – een die ongelooflijk ingewikkelde dingen kan doen, maar nog steeds onder de begeleiding (en beperking) van menselijke visie.

Vanuit het perspectief van sommige kunstfilosofen heeft AI-kunst zelfs oude debatten in de esthetica nieuw leven ingeblazen: het dwingt ons om te vragen, ligt de waarde van kunst in het creatieproces of in het eindproduct?

Als men gelooft dat het grotendeels ligt in het vermogen van het eindproduct om een publiek te raken, dan is een AI-kunstwerk dat mensen verbaast of ontroert wellicht inherent waardevol, ongeacht wie/wat het heeft gemaakt. 

Als men gelooft dat het proces en de intentie van de kunstenaar cruciaal zijn, dan kunnen door AI gegenereerde stukken hol aanvoelen. De discussie grijpt terug naar debatten over of we kunst kunnen scheiden van de kunstenaar – hier zou de "kunstenaar" helemaal niet als persoon kunnen bestaan.

Bij het samenvatten van het koor van deskundige meningen, lijkt het duidelijk dat AI-kunst een gezonde, zij het intense, discussie uitlokt. Het heeft technologen die het zien als een triomf van innovatie gemobiliseerd, veel kunstenaars opgewonden gemaakt die er nieuwe mogelijkheden in vinden, en anderen gealarmeerd of teleurgesteld die zich zorgen maken over wat verloren gaat wanneer creatie wordt uitbesteed aan code. Deze dialoog zelf is waardevol; het dwingt de kunstgemeenschap om te articuleren wat we koesteren aan door mensen gemaakte kunst, terwijl het ook onze ogen opent voor alternatieve manieren van creatie. 

Zoals met elke ontwrichtende technologie in de kunst – van fotografie tot digitale bewerking – maken de aanvankelijke schok en hype geleidelijk plaats voor een meer gematigd begrip van de sterke en zwakke punten van het medium. We zitten nu midden in dat proces met AI-kunst, en de deskundige inzichten die tot nu toe zijn verzameld, zullen helpen om in de komende jaren een rijper beeld van dit fenomeen te vormen.

Ondertussen bestrijken de reacties van het grote publiek het volledige spectrum. Er is oprechte fascinatie met de potentiële nieuwe vormen van expressie die AI-kunst introduceert, en brede bewondering voor de technologische bekwaamheid en innovatie achter deze werken – men kan niet anders dan onder de indruk zijn wanneer een computer een beeld oproept dat lijkt op een renaissance-schilderij of een fantasierijk landschap dat nog nooit eerder is gezien. Tegelijkertijd is er scepticisme over of AI echt “creatief” kan zijn. 

Veel kijkers vragen zich af: als de kunst wordt gegenereerd door bestaande data en algoritmen, creëert het dan echt iets of is het slechts een remix? Naast dat scepticisme komt er enige regelrechte afwijzing van het idee dat AI-gegenereerde werken als beeldende kunst zouden moeten worden beschouwd; een deel van het publiek vindt dat kunst zonder een menselijke ziel erachter inherent verstoken is van authenticiteit.

Discussies op sociale media over AI-kunst stuiteren vaak heen en weer tussen ontzag (“Dit is geweldig – een computer heeft dit gemaakt!”) en boosheid (“Dit beeld is cool, maar het is geen kunst, de computer weet niet wat het doet.”). 

Belangrijk is dat, naarmate AI-kunst gebruikelijker wordt, de aanvankelijke verwondering kan vervagen en mensen AI-werken waarschijnlijk zullen beoordelen volgens hogere normen dan alleen nieuwigheid. Deze volwassen wordende publieke perceptie zal eisen dat AI-kunst zichzelf bewijst op artistieke gronden, niet alleen technologische – een uitdaging die serieuze beoefenaars van AI-kunst gretig lijken aan te gaan.

AI in de kunstindustrie: Markteffect en toekomstige koers

Naast vragen over creativiteit en ethiek, weerklinkt de opkomst van AI-kunst door de kunstindustrie en -markt. Van hoe kunst wordt gemaakt en verkocht, tot hoe het wordt getoond en ervaren, de kunstwereld past zich aan deze nieuwe realiteit aan. AI in de kunstindustrie bevindt zich op een kruispunt van commercie, technologie en cultuur, wat zowel verstoring als kansen met zich meebrengt.

Kunstmarkt omarmt AI (Voorzichtig)

De succesvolle veiling van Edmond de Belamy in 2018 was de aandachtstrekker van de kunstmarkt voor AI-kunst, maar het was geen eenmalige gebeurtenis. In de jaren daarna zijn er een reeks opmerkelijke verkopen geweest en de opkomst van gespecialiseerde marktplaatsen voor AI-gegenereerde werken. 

In maart 2019, slechts een paar maanden na het evenement van Christie’s, bood Sotheby’s in Londen Mario Klingemanns Memories of Passersby I aan in een hedendaagse kunstverkoop. Het werk werd verkocht voor £40,000 (ongeveer $51,000)​. Hoewel bescheiden vergeleken met de prijs van Belamy, bewees het dat meerdere grote veilinghuizen waarde zagen in dit nieuwe medium. Sotheby’s plaatste zelfs Klingemanns stuk naast werken van bekende hedendaagse kunstenaars in de verkoop, wat aangeeft dat ze het als onderdeel van de hedendaagse kunstdialoog beschouwden, niet alleen als een technische curiositeit​. 

Sindsdien zijn galerieën begonnen met het vertegenwoordigen van AI-kunstenaars (bijvoorbeeld, de Gazelli Art House in Londen nam het nalatenschap van Harold Cohen over en heeft AARON's tekeningen tentoongesteld). Ook online platforms, zoals Art Blocks voor algoritmische generatieve kunst en verschillende NFT-marktplaatsen, zijn locaties geworden waar AI-kunst wordt verhandeld – soms voor aanzienlijke bedragen, vooral tijdens de crypto-kunsthausse van 2021.

Verzamelaars beginnen AI-kunst langzaam te accepteren, hoewel de markt nog jong is. Vroege kopers zijn vaak technisch onderlegd of gefascineerd door de kruisbestuiving van kunst en wetenschap. Sommigen worden aangetrokken door de historische betekenis – het bezitten van “the first of something” (zoals het eerste AI-portret dat geveild werd). Anderen waarderen oprechte de visuele aspecten of concepten van de werken, ongeacht het medium. 

Interessant genoeg ontstaat er een nieuw type verzamelaar dat specifiek op zoek is naar digitale en AI-kunst, analoog aan degenen die in eerdere decennia videokunst of lichtkunst verzamelden. Veilinghuizen zijn begonnen AI-kunst op te nemen in thematische verkopen over digitale kunst of zelfs in reguliere hedendaagse verkopen wanneer het stuk dat rechtvaardigt. 

De prijzen, afgezien van de krantenkoppen trekkende Belamy-verkoop (die sommigen beschouwen als een uitschieter gedreven door nieuwigheid en publiciteit), zijn over het algemeen in lijn met wat men zou verwachten voor prints of edities van opkomende kunstenaars. Dat gezegd hebbende, naarmate meer bekende kunstenaars AI opnemen, zouden de marktdynamieken kunnen verschuiven. Als bijvoorbeeld een gevestigde hedendaagse kunstenaar als Damien Hirst of Jeff Koons een reeks AI-gegenereerde werken zou produceren, zouden verzamelaars kunnen haasten om ze te verwerven vanwege de naamsbekendheid, wat AI verder valideert als medium.

Voor nu vertegenwoordigen AI-gegenereerde kunstverkopen een klein deel van de miljardenmarkt van de wereldwijde kunstmarkt. Maar hun symbolische impact is onevenredig groot. Ze hebben veilinghuizen en galerieën gedwongen om na te denken over hoe ze dergelijke werken moeten catalogiseren (wie wordt als de kunstenaar vermeld? hoe het medium en de herkomst te beschrijven?). 

In de meeste gevallen wordt de mens die het project bedacht of leidde als de kunstenaar vermeld, vaak met een uitleg als “met de hulp van kunstmatige intelligentie” of een beschrijving van het gebruikte algoritme. Herkomst kan de naam van het algoritme of de codebasis bevatten, wat een nieuwe complicatie is voor kunstregistraties. 

Verzekering en conservering zijn een ander gebied: Hoe “conserveer” je een stuk dat bestaat als code of een model dat mogelijk specifieke hardware nodig heeft om over decennia te draaien? Vooruitziende verzamelaars en musea overwegen al de uitdagingen van het behouden van digitale kunst, inclusief AI-werken, zodat ze toegankelijk blijven in de toekomst ondanks snelle technologische veranderingen.

Democratisering en de Creatieve Economie

Een van de meest significante industriële invloeden van AI-kunst is de democratisering van contentcreatie. Net zoals desktop publishing en Photoshop ooit grafische ontwerptools in de handen van mensen plaatsten die geen professionele ontwerpers waren, stellen AI-kunstgeneratoren mensen zonder traditionele kunstopleiding in staat om boeiende beelden te creëren. Dit zou kunnen leiden tot een overvloed aan visuele content online – inderdaad, we zien al een explosie van AI-gegenereerde beelden op sociale media, blogs en marketingmateriaal. Voor de industrie betekent dit dat de toetredingsdrempels voor het produceren van 'kunstachtige' beelden lager zijn dan ooit. Een individu of een klein bedrijf kan aangepaste illustraties genereren zonder een kunstenaar in te huren, voor beter of slechter.

Deze democratisering is een tweesnijdend zwaard. Aan de ene kant betekent het een bloei van creativiteit van nieuwe stemmen. Nichegemeenschappen zijn gevormd rond het creëren van kunst met AI, het delen van tips voor het beste resultaat van prompts en het cureren van de outputs in collecties. Er is een gevoel van empowerment – iemand die 'niet kan tekenen' kan nu hun visuele ideeën realiseren met behulp van een AI-tool. 

Aan de andere kant verhoogt het de lat voor wat echt originele kunst is. Wanneer iedereen binnen enkele minuten een mooi landschap of een fantasieportret kan oproepen, moeten professionele kunstenaars misschien die kwaliteiten van kunst benadrukken die AI alleen niet kan bieden: narratieve diepte, emotionele weerklank, een onderscheidende persoonlijke stijl of gelaagde symboliek. Op een bepaalde manier daagt het menselijke kunstenaars uit om dieper te graven in wat hun perspectief uniek maakt.

Veranderende Creatieve Werkprocessen

In creatieve industrieën zoals reclame, film en design worden AI-tools steeds meer geïntegreerd in werkprocessen. Conceptkunstenaars in film en gaming, bijvoorbeeld, zijn begonnen met het gebruik van AI-beeldgeneratoren om snel conceptschetsen te krijgen die ze vervolgens overschilderen of verfijnen. Deze hybride methode kan de tijd die nodig is om ideeën uit te werken drastisch verkorten. 

Grafisch ontwerpers kunnen AI gebruiken om patronen, achtergronden of ruwe layouts te genereren, die vervolgens met de hand worden afgewerkt. Fotografen kunnen AI gebruiken om beelden te verbeteren of te wijzigen (hoewel dit in het omstreden gebied van deepfakes terecht kan komen als men niet voorzichtig is). In de architectuur en productontwerp worden al jaren generatieve algoritmen (een aspect van AI) gebruikt om vormen te optimaliseren - nu kunnen gebruiksvriendelijkere AI-tools visualisaties genereren die nieuwe ontwerpoplossingen inspireren. 

De term “creative coding” bestaat al een tijdje en verwijst naar het schrijven van code om kunst en design te produceren; AI voegt een laag van geleerde intelligentie toe aan creative coding, waardoor het toegankelijker wordt voor degenen die geen traditionele programmeurs zijn, maar wel met AI-modellen of scriptinginterfaces kunnen werken.

Wat opkomt is een beeld van augmented artists: creatievelingen die hun eigen vaardigheden combineren met AI-assistentie. Net zoals fotografen leerden werken met Photoshop, leren kunstenaars nu werken met AI. Degenen die de technologie omarmen, melden vaak dat het hun mogelijkheden uitbreidt. Het kan kleurpaletten of composities voorstellen die ze misschien niet zouden hebben geprobeerd, of snel laten zien hoe een idee er in verschillende stijlen uit zou zien. 

De kunstenaar past op zijn beurt oordeelsvermogen toe om de resultaten te selecteren en te verfijnen. In veel gevallen versnelt dit de productie - wat economisch bedreigend kan worden gezien (minder factureerbare uren) of als een kans om meer projecten aan te nemen en vrijer te experimenteren. Sommige illustratoren maken zich bijvoorbeeld zorgen dat klanten snellere doorlooptijden zullen verwachten als AI betrokken is, wat de tijdlijnen mogelijk onder druk zet. Anderen ontdekken dat ze hun output kunnen verhogen of zijprojecten kunnen verkennen met de tijd die ze besparen.

Interactieve en Ervaringskunst 

AI transformeert niet alleen hoe kunst wordt gemaakt, maar ook hoe het wordt ervaren. Met vooruitgang in computer vision art en real-time verwerking zien we interactieve mediainstallaties waar het kunstwerk kan reageren op de toeschouwer. Een installatie kan bijvoorbeeld AI gebruiken om de mensen in een galerieruimte te “zien” en zijn visuals of geluid dienovereenkomstig te veranderen - een soort digitale spiegel die evolueert met de interactie van het publiek. 

Immersieve kunstinstallaties veranderen toeschouwers in deelnemers; de kunst is geen statisch object maar een dynamische ervaring die in het moment samen met de machine en de kijker wordt gecreëerd. Een voorbeeld kan een projectie zijn op een openbaar plein die live gegevens (zoals de beweging van voorbijgangers of milieugegevens) op artistieke manieren visualiseert, in wezen een digitale installatie voor openbare ruimtes die voortdurend verandert en plaatsgebonden is.

De opkomst van VR (virtual reality) en AR (augmented reality) kruist ook met AI. In VR-kunsttentoonstellingen kunnen “virtuele curatoren” aangedreven door AI bezoekers begeleiden of zelfs tentoonstellingsindelingen ter plekke genereren. Interactieve virtuele tentoonstellingen online stellen mensen overal ter wereld in staat om kunst te ervaren in gesimuleerde galerijen, soms met AI-gestuurde elementen die de rondleiding personaliseren. 

Een online galerie kan kunstwerken herschikken of aanbevelen op basis van de voorkeuren van een kijker met behulp van AI, waardoor elk virtueel bezoek uniek wordt. In performancekunst zien we real-time generatieve uitvoeringen – stel je een live dans- of theaterstuk voor waarbij de visuals (en zelfs muziek) worden gegenereerd door een AI die synchroon loopt met de bewegingen of emoties van de performers. 

In een recent experiment improviseerde een jazzmuzikant met een AI die live begeleidende visuals en melodieën genereerde, effectief samen jammen in een cross-domein duet. Dit soort uitvoeringen vervaagt de grens tussen menselijke en machine-creativiteit op het podium, en boeit het publiek met iets dat spontaan en levendig aanvoelt.

Onderwijs en Vaardigheidsontwikkeling

De kunstindustrie omvat ook onderwijs – het opleiden van de volgende generatie kunstenaars. Kunstacademies en creatieve schrijfprogramma's beginnen AI-geletterdheid in hun curricula te integreren. Professoren introduceren AI-kunstgeneratoren als educatieve hulpmiddelen voor artistiek leren, waardoor studenten met deze systemen kunnen experimenteren en de resultaten kritisch kunnen evalueren. Het doel is om jonge kunstenaars voor te bereiden om op een doordachte manier met AI om te gaan – zowel in het gebruik ervan als in het bevragen ervan. 

Door te leren hoe je een AI-kunstgenerator gebruikt of hoe je een eenvoudig model traint, krijgen studenten inzicht in de technologie die hun vakgebied steeds meer vormgeeft. Sommige instellingen hebben zelfs studentenexposities gehouden van door AI ondersteunde kunst, wat discussies over auteurschap en originaliteit in de klas heeft aangewakkerd. 

De opname van AI in curricula is een erkenning dat de kunststudenten van vandaag deze tools waarschijnlijk in hun professionele leven zullen tegenkomen, en dat het vaardig zijn met deze tools (of op zijn minst hun mogelijkheden en beperkingen begrijpen) deel zal uitmaken van het zijn van een competente kunstenaar of ontwerper in de 21e eeuw.

We zien ook nieuwe interdisciplinaire cursussen opduiken, vaak samenwerkingen tussen kunstafdelingen en afdelingen voor computerwetenschappen of techniek, waar studenten zowel de technische als creatieve aspecten van AI-kunst kunnen leren. Dergelijke programma's behandelen AI niet alleen als een hulpmiddel om te gebruiken, maar als een onderwerp om te onderzoeken – waarbij ze de geschiedenis, de vooroordelen en de filosofische implicaties ervan verkennen. Deze educatieve trend zorgt ervoor dat de toekomstige kunstindustrie professionals zal hebben die niet alleen bedreven zijn in het gebruik van AI, maar ook in staat zijn om de ontwikkeling ervan ethisch en artistiek vorm te geven.

De Weg Vooruit

Kijkend naar de toekomst, hoe zou AI de kunstindustrie verder kunnen vormgeven? Een waarschijnlijke ontwikkeling is de voortdurende groei van AI-gecurateerde contentplatforms. Naarmate het volume van kunst (door mensen gemaakt en door AI gemaakt) online overweldigend wordt, zouden we op AI kunnen vertrouwen om gepersonaliseerde kunstfeeds voor consumenten samen te stellen. 

Stel je een app voor die jouw esthetische voorkeuren leert en je dagelijks kunst van over de hele wereld toont, waarvan sommige mogelijk speciaal voor jou door AI zijn gegenereerd. Dit opent intrigerende mogelijkheden voor nichekunstmarkten en opdrachtkunst: in plaats van een print te kopen die duizenden anderen hebben, zou je een AI een op maat gemaakt kunstwerk kunnen laten genereren in de stijl die je liefhebt, speciaal voor jou, in wezen een editie van één. 

Massamaatwerk zou een dienst kunnen worden – een soort Pandora/Spotify voor beeldende kunst, maar met generatieve mogelijkheden. Het daagt het traditionele model van het verkopen van gelimiteerde edities of unieke werken via galerieën uit, maar het zou nieuwe bedrijfsmodellen kunnen openen (bijvoorbeeld abonnement-gebaseerde kunst).

De rol van galerieën en agenten zou ook kunnen evolueren. We zouden AI-agenten als kunstmakelaars kunnen zien, die markttrends analyseren en verzamelaars adviseren over aankopen, of zelfs autonoom onderhandelen over verkopen (hoewel dat misschien verder in de toekomst ligt en vertrouwen in het oordeel van AI zou vereisen). 

Het is niet vergezocht dat een AI zou kunnen voorspellen welke opkomende AI-kunstenaar (of menselijke kunstenaar) waarschijnlijk in waarde zal stijgen, door patronen te analyseren op sociale media, tentoonstellingsrecensies en eerdere verkopen – in wezen big data-analyse doen om kunstinvesteringen te informeren. Hoewel de kunstmarkt altijd enigszins onvoorspelbaar is geweest en gedreven door menselijke smaakmakers, zou de toestroom van data meer analytische benaderingen kunnen toestaan.

Omgekeerd kan het menselijke element zelfs nog waardevoller worden. In een toekomst die verzadigd is met door AI gegenereerde beelden, zou echt handgemaakte kunst of kunst met een boeiend menselijk verhaal meer gewaardeerd kunnen worden als een soort luxe. We kunnen ons een scenario voorstellen waarin AI zoveel creatieve productie afhandelt dat door mensen gemaakte kunst wordt gezien als ambachtelijke goederen – gekoesterd vanwege de schaarste en de directe aanraking van een menselijke maker. De industrie zou zich kunnen opsplitsen in hoogwaardige menselijke kunst en massaal op maat gemaakte AI-kunst voor dagelijks gebruik, elk met zijn eigen markt.

AI weeft zich op veelzijdige manieren in de kunstindustrie: het verandert creatie, distributie, tentoonstelling en onderwijs. Het artistieke landschap breidt zich uit, niet krimpt – we krijgen nieuwe genres (zoals door AI gegenereerde conceptuele kunst), nieuwe hulpmiddelen voor kunstenaars en nieuwe ervaringen voor het publiek. Net zoals digitale kunst uiteindelijk zijn plaats vond naast schilderen en beeldhouwen, kunnen we verwachten dat AI-kunst zich zal integreren in de structuur van de kunstwereld. 

Het zal niet lang duren voordat we stoppen met praten over “AI-kunst” als een nieuwigheid en beginnen te praten over individuele kunstwerken, waarvan sommige toevallig met AI zijn gemaakt, beoordeeld op hun eigen merites. De weg naar dat punt zal aanpassing vereisen en waarschijnlijk nog een paar krantenkoppen veroorzakende controverses, maar als de geschiedenis een gids is, zal de fusie van AI en kunst zich blijven ontwikkelen en ons in gelijke mate verrassen.

Een Nieuwe Synthese van Kunst en Intelligentie

Terwijl we aan de vooravond staan van dit nieuwe tijdperk in de kunsten, is één ding duidelijk – AI-kunst is geen voorbijgaande rage, maar een transformerende kracht die hier is om te blijven. In iets meer dan een decennium hebben we AI van de randen van experimentele nieuwe media naar het centrum van de artistieke discussie zien verplaatsen. 

Wat begon in onderzoekslaboratoria en obscure galerie-installaties is doorgedrongen tot veilinghuizen, musea en miljoenen huizen via online platforms. Deze snelle opkomst benadrukt een belangrijke waarheid: het grenzeloze potentieel van menselijke en machine samenwerking is creativiteit aan het hervormen op manieren die we pas beginnen te begrijpen.

Het verhaal van AI-kunst is, in veel opzichten, een verhaal over menselijke innovatie en aanpassingsvermogen. Elke keer dat technologie de definitie van kunst heeft uitgedaagd – of het nu door de uitvinding van fotografie, film, digitale beeldvorming of nu kunstmatige intelligentie is – hebben kunstenaars gereageerd door niet op te geven, maar door te evolueren. 

AI, verre van het vervangen van menselijke creativiteit, is een katalysator geworden voor de uitbreiding ervan. Kunstenaars hebben ontdekt dat algoritmen partners kunnen zijn die hun verbeelding vergroten, hen helpen vormen en ideeën te verkennen die verder gaan dan hun solo-bereik. Op hun beurt voorzien menselijke kunstenaars die algoritmische processen van verhaal, context en emotie – kwaliteiten die een machine alleen niet kan begrijpen. Het resultaat is een symbiose van AI en menselijke kunst, een nieuw soort creatief duet waarbij de sterke punten van elk de beperkingen van de ander compenseren.

Door historische parallellen hebben we gezien dat de aanvankelijke angsten voor “einde van de kunst” vaak plaatsmaken voor een rijker landschap waar oud en nieuw naast elkaar bestaan. Net zoals de opkomst van fotografie het schilderen naar nieuwe grenzen duwde in plaats van het te vernietigen, drijft de opkomst van AI-gegenereerde kunst menselijke kunstenaars ertoe te benadrukken wat uniek menselijk is in hun werk, zelfs terwijl ze de nieuwe tools adopteren. 

Het is veelzeggend dat veel kunstenaars die met AI werken het proces als onthullend beschrijven: het dwingt hen om na te denken over hun eigen stijl en besluitvorming, de machine met helderheid te begeleiden en te cureren uit de overvloed aan mogelijkheden. Hierdoor komen ze vaak tot een dieper begrip van hun eigen kunstzinnigheid. 

De culturele betekenis van AI-kunst ligt dus niet alleen in de nieuwe beelden of installaties die het produceert, maar in hoe het ons aanzet om na te denken over creativiteit zelf – om te vragen wat we waarderen in kunst, wat de rol van de kunstenaar is en hoe technologie onze creatieve geest kan versterken (in plaats van verminderen).

Ja, er zijn oprechte zorgen en voortdurende debatten – over auteurschap, authenticiteit, ethiek en economie – en deze zullen blijven evolueren naarmate de technologie en het gebruik ervan zich ontwikkelen. De controverses, van copyrightgevechten tot filosofische discussies over of een AI “creatief” kan zijn, zijn een teken van een gezonde betrokkenheid bij de uitdagingen die een krachtige nieuwe mogelijkheid met zich meebrengt. 

De samenleving onderhandelt collectief over nieuwe normen en inzichten. We staan waarschijnlijk voor meer juridische precedenten (rechtbanken die beslissen wie eigenaar is van AI-gecreëerde inhoud), meer artistieke doorbraken (misschien de eerste AI-gegenereerde film die een prijs wint, of een stuk AI-muziek dat de hitlijsten aanvoert), en ongetwijfeld enkele tegenreacties (gemeenschappen of bewegingen die AI in kunst bewust afwijzen om de menselijke zuiverheid in creatie te behouden). 

Al deze draden maken deel uit van het weefsel van vooruitgang. Het verhaal van AI-kunst is geen eenvoudige triomftocht, maar een dialoog – tussen verleden en toekomst, tussen mens en machine, tussen opwinding en voorzichtigheid.

Cruciaal is dat de geest uit de fles is. De integratie van AI in kunst zal alleen maar verdiepen naarmate algoritmen verbeteren en meer kunstenaars digitaal zijn opgegroeid. Toekomstige generaties zullen het misschien heel gewoon vinden dat een kunstenaar een AI-systeem raadpleegt voor ideeën, net zoals we vandaag aannemen dat een architect CAD-software gebruikt. 

Na verloop van tijd zal de nieuwigheid van AI slijten, en wat zal overblijven is de kunst – die op zichzelf zal moeten staan. De beste AI-geproduceerde kunst zal waarschijnlijk een blijvende plaats vinden in musea en geschiedenisboeken, niet omdat een AI het maakte, maar omdat het resoneert, uitdaagt of inspireert op de manier waarop grote kunst dat doet. En die werken zullen herinnerd worden als emblematisch voor ons tijdperk – een tijd waarin de mensheid leerde creëren met iets anders dan zichzelf.

In een van de meer poëtische wendingen van deze reis ontstaat een observatie: door machines te leren creëren, hebben we onszelf een spiegel voorgehouden. We hebben moeten definiëren wat “creativiteit” betekent, wat “kunst” betekent, om iets te programmeren dat het probeert te doen. 

We hebben een algoritme een schilderij zien produceren en vroegen ons af, Waarom raakt dit me? Is het de kleur, de vorm, of het idee erachter? We hebben gekeken naar de beperkingen van AI – het kent geen liefde, geen lijden of vreugde – en werden zo eraan herinnerd waarom we kunst in de eerste plaats creëren: om die zeer menselijke ervaringen vast te leggen. Door de grens te verleggen met neurale netwerken en code, zijn we opnieuw gestuit op eeuwenoude esthetische en existentiële vragen. In die zin is AI-kunst al geslaagd – het heeft de wereld met nieuwe energie over kunst en creativiteit laten praten.

Uiteindelijk zal de evoluerende kunstindustrie een balans vinden waarin AI noch een gimmick, noch een bedreiging is, maar een ander instrument in het grote orkest van artistieke media. Schilders zullen schilderen, maar sommigen zullen ook programmeren; beeldhouwers kunnen een robotarm trainen om te kappen op basis van AI-ontwerpen; muzikanten zullen samen met neurale netwerken componeren. 

Nieuwe kunstvormen zullen blijven ontstaan, evenals een nieuwe waardering voor traditionele vormen. Het publiek – de mensheid in het algemeen – zal profiteren van een overvloed aan creativiteit en een meer participatieve kunstcultuur. 

Stel je voor dat je een gepersonaliseerd muziekstuk bestelt van een AI in samenwerking met je favoriete componist, of een virtueel museum bezoekt dat ter plekke is samengesteld om aan jouw smaak te voldoen, of een live optreden bijwoont waarbij jouw reacties de kunst beïnvloeden die in realtime wordt gegenereerd. Deze ervaringen zouden niet lang geleden als sciencefiction hebben geleken; nu zijn ze aan de horizon.

Als de uiteindelijke synthese kan men niet anders dan een gevoel van optimisme voelen. De menselijke creatieve geest heeft altijd manieren gevonden om uitdagingen te overstijgen, om gereedschappen te gebruiken voor expressie, en om het onuitsprekelijke te communiceren. 

AI is een diepgaand hulpmiddel – mogelijk een van de meest complexe die we ooit hebben gemaakt – en het gebruiken in kunst is een bewijs van onze eindeloze vindingrijkheid. In plaats van te vrezen dat AI kunstenaars overbodig zal maken, zouden we de opvatting kunnen omarmen dat het uitbreidt wat kunst kan zijn. 

Het verhaal van AI-kunst wordt nog steeds geschreven, met elke tentoonstelling, elk experiment, elk debat dat een regel bijdraagt. Wij zijn de hoofdrolspelers van dit verhaal, die onze relatie met onze kunstmatige beschermelingen onderhandelen.

En tenslotte keren we terug naar het idee dat AI-kunst hier is om te blijven. De geest zal niet terug in de fles gaan, noch zouden we dat willen – de ontdekkingen en creaties zijn te intrigerend geweest. De penselen zijn veranderd, maar de drang om te creëren, te interpreteren, om betekenis te vinden door middel van beelden en verhalen, blijft uniek menselijk. Zolang die dialoog tussen menselijke creativiteit en technologische innovatie voortduurt, zal het canvas van de kunst alleen maar rijker worden. 

De erfenis van AI-kunst zal zijn als een katalysator die ons uitdaagde om creativiteit opnieuw te definiëren en ons inspireerde om op nieuwe manieren samen te werken. In de grote tijdlijn van de kunstgeschiedenis zal dit moment – ons moment – schitteren als een van gedurfde experimenten en transformatieve groei. En wanneer toekomstige generaties terugkijken naar het begin van de 21e eeuw, zullen ze de bloei van AI-kunst misschien zien zoals wij de geboorte van fotografie of abstracte kunst zien: een revolutionaire uitbreiding van de artistieke horizon, die opnieuw bewijst dat kunst geen grenzen kent, alleen nieuwe grenzen om te verkennen.

 

---

 

Referenties:

1. Jo Lawson-Tancred, “De Profetieën van AARON.” Outland (4 november 2022)​
   outland.art.

2. Mark Amerika, “Een Interview met Frieder Nake.” Right Click Save (2022)​
   rightclicksave.com.

3. Meilan Solly, “Christie’s Is de Eerste die Kunst Verkoopt Gemaakt door Kunstmatige Intelligentie, Maar Wat Betekent Dat?” Smithsonian Magazine (26 oktober 2018)​ smithsonianmag.com.

4. Ahmed Elgammal, “Bij AI-kunst is het Proces Belangrijker dan het Product.” Smithsonian Magazine (16 oktober 2018)​ smithsonianmag.com.

5. Aaron Hertzmann, “Hoe Fotografie een Kunstvorm Werd.” Aaron Hertzmann’s blog (29 augustus 2022)​ aaronhertzmann.com.

6. Anna Ridler, “Verval van het Huis van Usher: Datasets en Verval.” V&A Blog (17 september 2018)​ vam.ac.uk.

7. Blake Brittain, “Getty Images-rechtszaak zegt dat Stability AI foto's verkeerd heeft gebruikt om AI te trainen.” Reuters (6 februari 2023)​ reuters.com.

8. Erin Ikeuchi, “Ambtenaren Besluiten Dat AI-kunst 'Menselijke Expressie' Nodig Heeft voor Auteursrechten.” Hypebeast (31 januari 2025)​ hypebeast.com.

9. Naomi Rea, “Sotheby’s eerste veiling van een AI-kunstwerk slaagt er niet in een Robo-Frenzy te ontketenen en brengt een bescheiden $51.000 op.” Artnet News (6 maart 2019)​ news.artnet.com.

10. Universal Everything Studio, “AI: Meer dan Menselijk (Tentoonstelling overzicht).” Universal Everything (tentoonstelling persbericht, 2019)​ universaleverything.com.