Het verkennen van de impact van beroemde collagekunstenaars die de kunstvorm definieerden: Dada tot feminisme, de Harlem Renaissance, Matisse's 'Tekeningen met Scharen' en de lijst gaat verder...

Collagekunst is meer dan een samenvoeging van uitsnedes. Het is een radicale herziening van vorm, verhaal en betekenis. Het kwam voort uit de schaduw van traditionele schilderkunst en beeldhouwkunst — lang geleden, in het 10e-eeuwse Japan — maar Wikipedia heeft al die hoeken gedekt. Als rechtlijnige feiten jouw ding zijn, wat Wikipedia niet altijd is. Helemaal niet. Het is heerlijk vreemd en ik moedig je aan om jezelf er later mee af te leiden. Of nu. Kom echter misschien wel terug? Ik weet niet of ik dat ook zou doen. Wacht... collage. Ja. Begrepen. Terug bij jou.

Elk van de 11 kunstenaars op deze lijst gebruikte collage om conventies uit te dagen, schoonheid opnieuw te definiëren en de kijker uit te nodigen de wereld anders te zien. Ze definieerden niet alleen collage—ze ontwikkelden het. Maar we moeten snel praten over de definitie van de definitie in de titel van deze blog. Dat was trouwens geen typefout. Ik heb iets te vertellen over de 'definitie' van moderne collage.

Moderne collage werd, denk ik dat we moeten zeggen, 'gedefinieerd' door een dappere Pablo Picasso en Georges Braque in de jaren 1910. Althans, dat hebben het Tate en het Guggenheim besloten. En omdat ik denk dat tijd zoals wij die kennen een constructie is, ben ik niet al te kieskeurig. Alles wat ik weet is dat ik er verliefd op werd. Het gebruik van uitsnedes van over het hele internet gemengd met stukken van mijn ziel. Zoals elke andere collagist die je ooit zult ontmoeten.

Hier is wat ik je echt moet vertellen over de definitie van moderne collage: het is niet Picasso en Braque's beste werk. Helemaal niet. Ik denk zelfs niet dat hun geesten willen dat het daarbuiten is. Maar het internet bestaat, ze zijn beroemd en hun werk heeft overleefd terwijl anderen dat niet deden.

Ook niet zo erg voor ons om een beetje plezier te hebben in hun niet zo geweldige werk. Falen is gewoon experimenteren onder een andere naam en falen is de enige manier waarop je een droom kunt verwezenlijken. Probeer, probeer opnieuw. Ook, Picasso en Braque zijn, weet je, zij. Dus wat is een piepkleine slechte collage of twee? Met hun oeuvre in de hallen van de geschiedenis. Het is niets, nada, niets. En toch raakt het de kern van collage en kunst maken. De vergankelijke aard van het geheel. Werelden binnen werelden maken en opnieuw maken. Zelfs als Picasso en Braque deze specifieke werelden binnen werelden niet in hun eigen retrospectieven zouden plaatsen... als ze een keuze hadden. Sorry, niet sorry.

Geheime schaamte delen: Als collagekunstenaar zelf, was ik verrast hoe weinig van deze 11 kunstenaars ik kende voordat ik dit schreef. Hoe zit het met jou?

Beroemde Collagekunstenaars Die De Kunstvorm Definieerden

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Gesneden met het Dada Keukenmes door de Laatste Weimar Bierbuik Culturele Epoch in Duitsland, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

...

Hannah Höch (geboren op 1 november 1889, in Gotha, Duitsland, en overleden op 31 mei 1978, in Berlijn) was een Duitse Dada-kunstenaar die vooral bekend staat om haar politieke fotomontages gemaakt van krantenknipsels en gevonden objecten. Ze ging naar het Berlijnse College voor Kunst en Ambachten en de School van het Koninklijk Museum voor Toegepaste Kunst. Höch's werk hield zich vaak bezig met het vroege 20e-eeuwse ideaal van de "Nieuwe Vrouw," waarbij traditionele huiselijke rollen van vrouwen werden uitgedaagd.

Ze was geassocieerd met de Berlijnse Dada-beweging en werkte samen met kunstenaars zoals Raoul Hausmann. Tijdens de Weimarrepubliek bloeide Höch in de geliberaliseerde sfeer en produceerde geestige en subtiele fotomontages die commentaar gaven op belangrijke kwesties van de dag. Haar werken waren innovatief in hun gebruik van materialen afkomstig uit de populaire cultuur en ze wordt beschouwd als een van de grondleggers van de fotomontage.

Hannah Höch's beroemdste werk is de fotomontage uit 1919 getiteld "Gesneden met het Keukenmes Dada Door de Laatste Weimar Bierbuik Culturele Epoch van Duitsland". Dit stuk is een satirisch commentaar op de politieke en sociale kwesties van de Weimarrepubliek, en toont haar innovatieve gebruik van materialen en haar vermogen om prikkelende kunst te creëren. De fotomontage bevat een collage van afbeeldingen uit kranten, tijdschriften en andere mediabronnen, die opnieuw worden gecontextualiseerd om een visueel opvallende en kritische weergave van de periode te creëren. Dit werk is een uitstekend voorbeeld van Höch's baanbrekende bijdragen aan de Dada-beweging en haar vaardigheid in het gebruik van fotomontage als een krachtig artistiek medium.

Höch's kunst werd door het nazi-regime als ontaard beschouwd en ze leefde in relatieve onbekendheid tijdens de Tweede Wereldoorlog. Desondanks is haar invloed te zien in de werken van latere kunstenaars zoals Cindy Sherman en Hannah Wilke. Höch's kunst bevindt zich momenteel in de collecties van het Metropolitan Museum of Art en The Museum of Modern Art in New York, en de Berlinische Galerie.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Empress of the Blues, 1974, acryl en potlood op papier en bedrukt papier op karton, 36 x 48 in. (91.4 x 121.9 cm.)

...

Romare Bearden (1911-1988) was een Afrikaanse Amerikaanse kunstenaar die bekend stond om zijn krachtige collagekunstwerken die de Afro-Amerikaanse ervaring tijdens zijn leven uitbeeldden. Geboren in Charlotte, North Carolina, Bearden groeide op in New York City en Pittsburgh, en studeerde aan de Art Students League in New York City bij George Grosz en aan Columbia University. Hij werkte met verschillende media, waaronder cartoons, olieverf en collages.

Bearden's kunstwerken beeldden consequent de Afro-Amerikaanse cultuur en ervaring uit, met onderwerpen die variëren van landelijke thema's gebaseerd op zijn herinneringen aan het Zuiden, tot stedelijk leven en jazz. Zijn collagekunstwerken weerspiegelden vaak elementen van jazz, met interactie tussen personages en improvisatie van materialen. In de jaren 1980 produceerde hij een groot aantal werken met krachtige afbeeldingen van vrouwen.

Tijdens de Harlem Renaissance , Het familiehuis van Romare Bearden in New York City werd een ontmoetingsplaats voor vooraanstaande intellectuelen en kunstenaars, zoals W. E. B. Du Bois, Paul Robeson en Countee Cullen. Opgroeiend in deze omgeving, werd Bearden blootgesteld aan verschillende kunstvormen, waaronder muziek, en ontmoette hij veel bekende muzieklegendes uit die tijd.

Ondanks zijn productiviteit, ondervond Bearden uitdagingen in het verkrijgen van erkenning als een belangrijke Amerikaanse kunstenaar vanwege vooroordelen en segregatie in de Amerikaanse kunstwereld. Zijn tentoonstellingen ontvingen echter enthousiaste reacties, en in 1987 werd hij bekroond met de National Medal of Arts. Bearden droeg ook bij als songwriter, boekillustrator en decorontwerper voor de Alvin Ailey American Dance Company. In 1990 werd de Romare Bearden Foundation opgericht om jonge of opkomende kunstenaars en wetenschappers te ondersteunen.

In 1964 werd Bearden benoemd tot de eerste art director van de Harlem Cultural Council, een vooraanstaande Afro-Amerikaanse belangenorganisatie. Hij was betrokken bij de oprichting van verschillende belangrijke kunstlocaties, zoals The Studio Museum in Harlem en de Cinque Gallery. Beardens bijdragen aan de Harlem Renaissance gingen verder dan zijn kunstwerken, aangezien hij actief jonge, opkomende kunstenaars ondersteunde en pleitte voor Afro-Amerikaanse cultuur en ervaringen.

Hoewel Bearden vooral bekend is om zijn beeldende kunst, was hij ook een enthousiaste student van muziek, een tekstschrijver en een kostuum- en decorontwerper. Zijn kunstwerken beelden vaak Afro-Amerikaanse cultuur en ervaringen uit, geïnspireerd door zijn leven in Harlem en Pittsburgh.

3

Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache op papier. 108 x 60 inches.

...

Henri Matisse's knipsels, gemaakt  tijdens het laatste decennium van zijn leven, hadden een significante impact op ons hedendaags begrip van collagekunst. In de late jaren 1940 veranderde Matisse zijn artistieke methodologie en wendde zich tot geknipt papier als zijn primaire medium, waarbij hij een schaar als zijn gereedschap gebruikte. Zijn knipsels, vaak geïnspireerd door de natuurlijke wereld of abstracte vormen, werden gerangschikt in levendige composities die de beperkingen van schilderen op een ezel overstegen en hem toestonden met een nieuw soort vrijheid te werken. Velen beschouwen deze periode als "een tweede leven" voor de kunstenaar. Kun je niet gewoon de tevredenheid op zijn gezicht zien in deze zeldzame beelden waarin hij een papieren knipsel maakt?

Matisse's knipsels toonden zijn ongelooflijke creativiteit en vitaliteit, zelfs onder uitdagende omstandigheden. Ze vertegenwoordigen het hoogtepunt van zijn carrière en markeerden de ultieme overgang naar een geheel abstract vocabulaire. Zijn beheersing van de knipstijl had een diepgaande invloed op zijn artistieke reis. De knipsels introduceerden ook een nieuwe operatie in de kunst, die bekend werd als "tekenen met een schaar". Die hun eigen conserveringsuitdagingen presenteren, zoals je kunt zien in dit nauwgezette restauratieproces.

Matisse's knipsels beïnvloedden vele moderne abstracte kunstenaars en blijven kunstenaars en curatoren inspireren. De eenvoud van zijn knipsels was onverwacht in de kunstwereld, en ze werden beschouwd als  volledig uniek en radicaal in die tijd werden ze gemaakt. Zijn knipsels werden teruggebracht tot basis kleur en vorm, waardoor ze een bijna grafisch karakter kregen, wat de heropleving van de esthetiek in illustratie en grafisch ontwerp zou kunnen verklaren.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger, Untitled (Your Body is a Battleground), 1989. Fotografisch zeefdruk op vinyl. 112 x 112 in. (284,48 x 284,48 cm).

...

Barbara Kruger (geboren op 26 januari 1945) is een Amerikaanse conceptuele kunstenaar en collagist geassocieerd met de Pictures Generation. Ze staat bekend om haar gedurfde en provocerende collagekunstwerken die de rol van vrouwen in de samenleving in vraag stellen, met behulp van zwart-witfoto's bedekt met declaratieve bijschriften in wit-op-rood Futura Bold Oblique of Helvetica Ultra Condensed tekst. Kruger's werk omvat vaak grootschalige tekst over beelden om culturele aannames uit te dagen en kijkers aan te moedigen om mainstream mediaboodschappen en hun impact op identiteit en samenleving te bevragen.

Kruger's kenmerkende stijl werd beïnvloed door haar klassieke opleiding in design en haar ervaring in de mode-industrie, met name als hoofdontwerper bij Mademoiselle magazine. Haar werk werd gevormd door feministische filmkritiek en structuralistische literaire theorie, die ze tegenkwam door haar deelname aan de Artists Meeting for Social Change groep.

Kruger's kunst behandelt thema's zoals consumentisme, seksualiteit, politiek en de relatie tussen macht en samenleving, vervagend de grenzen tussen kunst en commercialiteit . Ze wordt beschouwd als een van de belangrijkste feministische kunstenaars van de 20e eeuw vanwege haar vermogen om opvattingen over identiteit en machtsstructuren uit te dagen en in vraag te stellen door middel van haar tot nadenken stemmende en visueel opvallende werken.

Hoor Kruger praten over haar kunst in haar eigen woorden.

Enkele van Kruger's belangrijkste werken zijn:

"Untitled (Your Body Is a Battleground)" (1989): Dit werk bevat een zwart-witfoto van het gezicht van een vrouw, in tweeën gesplitst, met de tekst "Your body is a battleground" eroverheen. Het werd gemaakt als reactie op het politieke debat over de reproductieve rechten van vrouwen en dient als een krachtig commentaar op de strijd om controle over de lichamen van vrouwen.

"Untitled (I Shop Therefore I Am)" (1987): Dit stuk bevat de zin "I shop therefore I am" gesuperponeerd op een hand die een creditcard vasthoudt. Het bekritiseert het consumentisme en de manier waarop het onze identiteiten en waarden vormgeeft.

5

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Olie en zeefdrukinkt op doek
96 x 72 in. (243,8 x 183,8 cm.).

...

Robert Rauschenberg (1925-2008) was een Amerikaanse schilder en grafisch kunstenaar bekend om zijn "combine" werken, die de grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst vervaagden door alledaagse objecten als kunstmaterialen te gebruiken. Hij studeerde kunst aan het Kansas City Art Institute, Academie Julian in Parijs, en Black Mountain College in North Carolina voordat hij verhuisde naar New York City in 1949.

Rauschenberg's combines integreerden weggegooide objecten die hij verzamelde van de straten van New York City, zoals krantenknipsels, foto's en gevonden objecten . Hij geloofde dat het gebruik van materialen uit de echte wereld zijn kunst meer relatable en reflecterend van de realiteit maakte. Sommige van zijn vroege werken anticipeerden op de Pop art beweging, en hij wordt gevierd als een voorloper van bijna elke kunstbeweging sinds het Abstract Expressionisme.

Robert Rauschenberg's bijdragen aan de kunstwereld waren significant en transformerend. Hij was een belangrijke figuur in de jaren '50 en '60 en werd erkend als een belangrijke voorloper van de Amerikaanse Pop art, samen met tijdgenoten als Andy Warhol en Jasper Johns. Rauschenberg's innovatieve benaderingen, te zien in werken als Monogram, breidden de traditionele grenzen van kunst uit. Het openen van nieuwe wegen van verkenning voor toekomstige kunstenaars.

Zijn "combine" werken vervaagden de onderscheidingen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst, waarbij alledaagse objecten als kunstmaterialen werden gebruikt en de status quo uitdaagden. Rauschenberg's kunstpraktijk en creatieve energie zouden nooit in vooropgezette hokjes passen. Kunsthistoricus Branden W. Joseph merkte op dat Rauschenberg's werk diende als een stimulans, een impuls en een uitdaging voor kunstenaars in het algemeen.

Gedurende zijn carrière werkte Rauschenberg in verschillende media, waaronder schilderkunst, beeldhouwkunst, prenten, fotografie, en performance. Hij werkte samen met choreografen als Merce Cunningham, Paul Taylor, en Trisha Brown, en was een van de oprichters van de innovatieve groep Experiments in Art and Technology (E.A.T.) in 1966.

Rauschenberg's baanbrekende benadering en creatieve energie hadden een blijvende invloed op generaties kunstenaars. Hoor hoe Rauschenberg "de spelregels herschreef" van zijn zoon, fotograaf Chris Rauschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Difficult, 1942-43. Collage. 31,25 x 24 inches (79,37 x 60,96 cm).

...

Kurt Schwitters (1887-1948) was een Duitse kunstenaar betrokken bij zowel het Dadaïsme als het Constructivisme, het best bekend om zijn Merz en Merzbau werken. Hij bedacht de term "Merz" om zijn unieke stijl van kunst te beschrijven waarbij alledaagse objecten werden gebruikt om zijn werken te creëren. Schwitters creëerde Merzbild (Merz-schilderijen), die collages en assemblages waren gemaakt van verschillende afvalmaterialen, zoals afdrukken, etiketten, behang en stukjes hout. En hij schuwde nooit puntige, vlammende onderwerpen, inclusief zijn tijd in het Hutchinson interneringskamp.

Het Merz-concept van Schwitters was een subsectie van de Dada-beweging, aangepast aan zijn eigen artistieke filosofieën en visies. De naam Merz werd bij toeval gegenereerd door een collage die het Duitse woord "Kommerz" (handel) bevatte. Dit onzinnige en spontaan gegenereerde woord was vergelijkbaar in oorsprong en filosofie met de titel van Dada.

Hoewel Merz en Dada-kunst nauw verwant zijn, zijn er enkele verschillen tussen de twee. Merz is een subsectie van de Dada-beweging die was afgestemd op de eigen artistieke filosofieën en visies van Schwitters. Aan de andere kant was Dada een bredere kunstbeweging die verschillende vormen van kunst omvatte, waaronder performancekunst, poëzie, fotografie, beeldhouwkunst, schilderkunst en collage. De esthetiek van Dada werd gekenmerkt door zijn spot met materialistische en nationalistische houdingen.

Gedurende zijn leven creëerde Schwitters meer dan 8.000 werken, waarvan er ongeveer 2.500 vandaag de dag nog bestaan. Zijn innovatieve benadering van kunst, het samenvoegen van collage en abstractie , beïnvloedde kunstenaars zoals Robert Rauschenberg. Schwitters was een buitenstaander en individualist, en koos ervoor om niet naar grote artistieke centra zoals Berlijn of Parijs te verhuizen na het afronden van zijn studie aan de Dresden Academy.

7

Eduardo Paolozzi

...

Eduardo Paolozzi (1924-2005) was een Schotse kunstenaar bekend om zijn innovatieve collagewerken die een mix van beelden uit de populaire cultuur en technologie bevatten. Geboren in Leith nabij Edinburgh bij Italiaanse ouders , Paolozzi studeerde in Edinburgh en Londen voordat hij twee jaar in Parijs doorbracht. Hij wordt algemeen beschouwd als een van de pioniers van de Pop Art.

Paolozzi's werken daagden vaak traditionele opvattingen over kunst en schoonheid uit door elementen van surrealisme te combineren met populaire cultuur, moderne machinerie en technologie. Zijn vroege liefde voor de Amerikaanse cultuur leidde ertoe dat hij collages maakte met afbeeldingen uit advertenties, die de glanzendere, gelukkigere levensstijlen vertegenwoordigden die in naoorlogs Amerika ontstonden. Maar hij speelde ook met die vorm en stijl — door zijn over de top gevoeligheden om te zetten in zijn mozaïeken en sculpturen, met name bij Tottenham Court Road metrostation.

Zijn werken waren surrealistisch van aard, omdat hij tijdschriftadvertenties, cartoons en machineonderdelen combineerde in zijn kunst, waarmee hij de zorgen van de Pop Art anticipeerde. Paolozzi was bijzonder geïnteresseerd in de massamedia en in wetenschap en technologie, die zijn kunst gedurende zijn hele carrière beïnvloedden. Naast zijn collagewerken produceerde Paolozzi ook grootschalige figuratieve sculpturen, prenten en mozaïekmuren — hun levendige aantrekkingskracht verleent "een soort focus aan de chaos".

8

Martha Rosler

Martha Rosler , Cargo Cult, uit de serie Body Beautiful, of Beauty Knows No Pain, 1966–72. Photomontage afgedrukt als foto. 39 1/2 x 30 1/4 in.

...

Martha Rosler, geboren in 1943 in Brooklyn, New York, is een Amerikaanse conceptuele kunstenaar bekend om haar feministische collages en fotomontages. Ze werkt in verschillende media, waaronder fotografie, fototekst, video, installatie, sculptuur en performance, en schrijft ook over kunst en cultuur. Rosler's werk bevat vaak beelden uit de populaire cultuur en reclame om de rol van vrouwen in de samenleving in vraag te stellen en traditionele genderrollen uit te dagen.

Het werk van Martha Rosler had een significante invloed op de feministische kunstbeweging door het in vraag stellen van de voorstelling van vrouwen in de maatschappij. Ze gebruikte ook nieuwe technologieën, zoals video, om zich te onderscheiden van mannelijke kunstenaars en de meer traditionele media van de kunstwereld. In het midden van de jaren '60 begon ze fotomontages te maken die de materiële en psychische onderwerping van vrouwen onderzochten, waarbij ze populaire advertenties manipuleerde om hun onderliggende ideologieën bloot te leggen. Haar werk, zoals de "Body Beautiful, of Beauty Knows No Pain" serie (1966–72), combineerde verschillende conceptuele kunstpraktijken afgestemd op feministische politiek.

Een van haar bekendste werken, "Semiotics of the Kitchen" (1975), is een videoparodie op kookprogramma's die op humoristische wijze de implicaties van traditionele vrouwelijke rollen behandelt. Door elementen van de popcultuur, zoals televisie en tijdschriftreclame, toe te eigenen, bekritiseert Rosler's werk maatschappelijke normen en verwachtingen rondom vrouwen.

Rosler's kunstpraktijk ging verder dan het onderwerp, omdat ze geloofde dat kunst daadwerkelijk een sociale rol kon innemen en empathie en desidentificatie bij de kijker kon opwekken. Haar videowerken uit de jaren '70 en '80 onderzochten de werking van massamedia om te onthullen hoe ze een zelfgenoegzaam publiek cultiveerden. Beïnvloed door de golf van feministische performance die voortkwam uit alternatieve kunstplekken in Californië, droeg Rosler's werk bij aan de ontwikkeling van feministische conceptuele kunst en liet een onuitwisbare indruk achter op de hedendaagse kunstscene.

9

John Heartfield

John Heartfield, Omslagkunst voor Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über alles, 1929 © De Heartfield Gemeenschap van Erfgenamen / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlijn.

...

John Heartfield (geboren als Helmut Herzfeld; 1891-1968) was een Duitse beeldend kunstenaar die de inzet van kunst als politiek wapen pionierde, met name door zijn anti-nazi en anti-fascistische fotomontages. Heartfield's werken gebruikten vaak satirische beelden en slogans om het politieke klimaat van zijn tijd te bekritiseren, vooral tegen de opkomst van Adolf Hitler en het Derde Rijk.

Heartfield's fotomontages worden gecrediteerd met het creëren van  enkele van de meest iconische politieke posters van de 20e eeuw vanwege hun krachtige visuele impact en vermogen om sterke politieke boodschappen over te brengen. Van 1930 tot 1938 ontwierp hij 240 stukken anti-nazi kunst, die werden gepubliceerd in het AIZ magazine. Deze werken werden Duitsland binnengesmokkeld vanuit Tsjechoslowakije, Oostenrijk, Zwitserland, en Oost-Frankrijk nadat de nationaalsocialisten de macht hadden overgenomen.

Heartfields artistieke moed was gelijk aan zijn fysieke moed, aangezien hij doorging met het maken van fel anti-fascistische collages terwijl hij tot 1933 in Berlijn woonde. Zijn fotomontages vooruitliepen op de verschrikkingen van het nazi-regime en dienden als een krachtige vorm van politiek protest, waardoor hij een belangrijke figuur in de geschiedenis van politieke kunst werd.

Het werk van John Heartfield heeft talloze kunstenaars, grafisch ontwerpers, typografen, adverteerders, filmmakers, schrijvers en anderen beïnvloed die inspiratie vonden in zijn nalatenschap. Kunstenaars uit het hele Oostblok, Sovjet Rusland, en de Verenigde Staten vonden inspiratie in Heartfields fotomontages in de late jaren 1960 en 1970. Voor kunstenaars zoals Klaus Staeck, László Lakner, en Martha Rosler, onder anderen, hielp zijn werk hen om versleten linkse ideologieën te confronteren met een nieuwe visuele taal.

Heartfields innovatieve gebruik van transformeerde fotomontage in een krachtige vorm van massacommunicatie. Zijn unieke methode van het toe-eigenen en hergebruiken van foto's voor politiek effect heeft hedendaagse kunstenaars geïnspireerd om soortgelijke technieken te gebruiken om onverdraagzaamheid, onwetendheid, geweld en zinloze oorlog voor winst te bestrijden. De John Heartfield Tentoonstelling toont werk van collagekunstenaars zoals Winston Smith, Thomas Young, en David King, die Heartfields baanbrekende werk voortzetten en uitbreiden.

10

Pablo Picasso

Pablo Picasso, The Bottle of Vieux Marc, 1913. Uitgeknipte en geplakte gedrukte behangpapieren, krant, houtskool, gouache en spelden op geschept papier, 24 13/16 × 19 5/16 in. (63 × 49 cm).

...

Pablo Picasso, samen met Georges Braque, speelde een cruciale rol in de evolutie van collagekunst. Ze ontwikkelden de techniek van papier collé (geplakt papier) in 1912, wat een baanbrekende verschuiving in de kunstwereld markeerde. Picasso's innovatieve benadering van collagekunst inspireerde andere kunstenaars en werd een katalysator voor artistieke bewegingen zoals het kubisme, dadaïsme en surrealisme.

Een van Picasso's vroege collagewerken , "Gitaar en Wijnglas," demonstreert zijn vermogen om schaduw en structuur te creëren door papier te plakken en te lagen. Zijn kunstwerk uit 1912, "Stilleven met Stoelmatting" is een ander belangrijk voorbeeld van zijn collagewerk. In dit stuk verwerkte Picasso een stuk zeildoek met een stoelmattingpatroon en een touw om de compositie in te kaderen. Dit kunstwerk daagde traditionele ideeën over kunst uit door alledaagse materialen te combineren met geschilderde elementen, waardoor de grenzen tussen hoge en lage cultuur vervaagden.

Picasso's collagewerken hadden een diepe impact op de kunstwereld, en inspireerden kunstenaars in verschillende bewegingen, media en stijlen om de praktijk van collagekunst te verkennen. Zijn inventieve en innovatieve benadering van kunst trok kunstenaars aan vanwege de unieke esthetiek en het samenstellingsproces. Als gevolg hiervan is Picasso's invloed op de evolutie van collagekunst zichtbaar in de werken van veel kunstenaars die volgden, zoals David Hockney, Jasper Johns en Martin Kippenberger.

11

Georges Braque

Georges Braque, Fruit Dish and Glass, 1912. Houtskool, behang, gouache, papier, karton.

...

Georges Braque, samen met Pablo Picasso, speelde een belangrijke rol in de evolutie van collagekunst. Ze bedachten de techniek van papier collé (geplakt papier) in 1912, wat een revolutionaire verschuiving in de kunstwereld markeerde. Braque ging een stap verder met collage door gescheurde advertenties in zijn doeken te plakken. Hij stencilde ook letters op schilderijen, mengde pigmenten met zand en kopieerde houtnerf en marmer om grote dimensies in zijn schilderijen te bereiken. Natuurlijk, bestond collage al lang daarvoor in andere vormen...

Braque's collagekunstwerken, zoals zijn 1912 kunstwerk "Fruit Dish and Glass", combineerden stukken faux-houten behang met zijn Kubistische voorstellingen van objecten. Deze techniek stelde de formele ideeën van perspectief en ruimte binnen de kunst ter discussie, omdat het kruisende gebieden van collage-elementen en tekeningen in zijn werk creëerde. Zijn innovatieve benadering van collagekunst beïnvloedde veel hedendaagse kunstenaars en droeg bij aan de groei en uitbreiding van de collagekunstvorm.

Tijdens de collagefase van het Kubisme van 1912-14 domineerden levenloze objecten de beeldtaal van Picasso, Braque en Juan Gris. Braque's stillevens bezaten een  onderstroom van menselijk drama, dankzij de ingenieuze combinatie van dingen en tekst. Het gebruik van echte materialen en texturen in hun collagecomposities introduceerde een nieuwe dimensie in de westerse schilderkunst, waarvan de gevolgen nog steeds voelbaar zijn.

Braque's werk met collage had een blijvende impact op de kunstwereld, en inspireerde kunstenaars in verschillende bewegingen, media en stijlen om de praktijk van collagekunst te verkennen. De inventieve en innovatieve benadering van kunst trok kunstenaars aan vanwege zijn unieke esthetiek en unieke, samengestelde proces. Als gevolg daarvan is Braque's invloed op de evolutie van collagekunst duidelijk zichtbaar in de werken van vele kunstenaars die volgden, zoals Jessica Stockholder, Mark Bradford, Hannah Höch, Kurt Schwitters en John Stezaker.

...

Collagekunst is een uniek en veelzijdig medium dat eindeloze creatieve mogelijkheden biedt. De beroemde collagekunstwerken die in dit artikel worden genoemd, hebben allemaal belangrijke bijdragen geleverd aan de kunstwereld door hun innovatieve stijlen en technieken. Elke kunstenaar heeft zijn eigen unieke perspectief, en hun impact op de kunstwereld heeft weerklank gevonden bij andere kunstenaars en hun werk beïnvloed.

ICYMI

Welke kunstenaar maakte van het concept van collage een kunstvorm in 1912?

In 1912 was de baanbrekende kunstenaar die het concept van collage omvormde tot een aparte kunstvorm niemand minder dan Pablo Picasso. In dat jaar onthulde Picasso "Stilleven met Stoelriet," een opmerkelijk werk dat het begin markeerde van collage als een belangrijke artistieke uitdrukking en de start van een nieuwe fase in de kubistische beweging.

"Stilleven met Stoelriet" kenmerkte zich door een onconventionele combinatie van materialen en technieken. Picasso verwerkte een strook tafelzeil bedrukt met een stoelrietpatroon op een ovaalvormig canvas. Het schilderij werd verder omlijst met een touw. Deze innovatieve fusie van verschillende elementen, samen met de integratie van niet-traditionele materialen zoals het tafelzeil, daagde de conventionele artistieke normen uit en introduceerde een avant-gardistische benadering van kunst maken. Dit baanbrekende kunstwerk effende de weg voor de verkenning van nieuwe mogelijkheden in visuele representatie en breidde de grenzen van artistieke expressie aanzienlijk uit.

Naast de impact op de beeldende kunst had Picasso's innovatieve gebruik van collage bredere implicaties voor artistieke filosofie en creatieve gedachte. De introductie van collage als een levensvatbare kunstvorm daagde gevestigde ideeën uit over de aard van kunstmaterialen, compositie en representatie. Deze benadering moedigde kunstenaars aan om onconventionele materialen, texturen en vormen te verkennen, wat een geest van experimenteren en herdefiniëren binnen de artistieke gemeenschap bevorderde.

Het werk van Hannah Höch wordt beschouwd als onderdeel van welke artistieke stijl?

De artistieke stijl van Hannah Höch wordt sterk geassocieerd met Dadaïsme, een avant-garde beweging die traditionele opvattingen over kunst en samenleving wilde uitdagen door zijn omarming van absurditeit, anti-conformiteit en experimenteren.

Höch is vooral bekend om haar fotomontagewerken, een techniek waarbij ze vakkundig uitgeknipte afbeeldingen uit tijdschriften en kranten combineerde en naast elkaar plaatste om ingewikkelde en tot nadenken stemmende collages te creëren. Haar fotomontages bevatten vaak een satirisch en kritisch commentaar op sociale en politieke kwesties, wat de Dadaïstische afwijzing van gevestigde normen en waarden weerspiegelde.

Höch's deelname aan het Dadaïsme en haar beheersing van fotomontagetechnieken speelden een belangrijke rol bij het uitbreiden van de artistieke mogelijkheden van de beweging. Haar werk daagde de heersende opvattingen over auteurschap en originaliteit uit door bestaande beelden toe te eigenen en opnieuw te contextualiseren, wat resoneerde met de ethos van subversie en iconoclasme van Dada.

Toekomstverwachting

Waarom was de Dadaïstische kunstbeweging belangrijk voor toekomstige kunstenaars?

De Dada-kunstbeweging heeft een diepgaande betekenis voor toekomstige kunstenaars vanwege de radicale afwijking van conventionele artistieke normen, de ondermijning van gevestigde instellingen en haar rol in het banen van de weg voor latere avant-garde en experimentele kunstvormen. Ontstaan tijdens de Eerste Wereldoorlog als een reactie tegen de verschrikkingen van de oorlog en de maatschappelijke normen die eraan leken te hebben bijgedragen, was het dadaïsme een kracht die traditionele artistieke grenzen doorbrak. Talloze kunstenaars werden geïnspireerd door de wilde streken en de gedurfde anti-autoritaire aard van Dada, wat hen motiveerde om de horizon van de kunstwereld te verbreden.

Een van de meest iconische figuren van het dadaïsme was Marcel Duchamp, bekend om zijn baanbrekende werk "Fountain," een porseleinen urinoir gesigneerd met het pseudoniem "R. Mutt." Duchamps creatie belichaamde Dada's anti-kunst ethos, wat de traditionele opvattingen van esthetiek uitdaagde en toeschouwers dwong de essentie van kunst in twijfel te trekken. Deze gedurfde daad had een diepgaande impact op toekomstige kunstenaars door hen te stimuleren de definitie en grenzen van artistieke expressie opnieuw te overdenken.

De Dada-beweging speelde een cruciale rol in het veranderen van de perceptie van kunst en het doorbreken van gevestigde regels. Het verstoorde traditionele artistieke media door gevonden voorwerpen, collagetechnieken en performancekunst te incorporeren, wat een precedent schiep voor kunstenaars om te experimenteren met onconventionele materialen en methoden. De afwijzing van logica door het dadaïsme en de omarming van absurditeit en irrationaliteit beïnvloedden latere bewegingen zoals surrealisme, dat ook probeerde toegang te krijgen tot het onderbewuste en rationaliteit in kunst uit te dagen.

De invloed van de beweging strekte zich uit tot buiten artistieke praktijken om maatschappelijke normen en autoriteit uit te dagen. Door conventies belachelijk te maken en af te wijzen, confronteerden Dadaïsten de status quo, waardoor toekomstige generaties kunstenaars werden geïnspireerd om hun creatieve expressies te gebruiken als een middel voor sociale kritiek en verandering. Dada's anti-establishment houding en de verkenning van willekeur, toeval en spontaniteit droegen ook bij aan de ontwikkeling van conceptuele kunst en performancekunst, die beide ideeën en processen boven traditionele esthetische resultaten stellen.

...