Het verkennen van de impact van beroemde collagekunstenaars die de kunstvorm hebben gedefinieerd: Van Dada tot feminisme, de Harlem Renaissance, Matisse's 'Tekenen met een Schaar' en de lijst gaat verder...

Collagekunst is meer dan een samenvoeging van uitsnijdingen. Het is een radicale herziening van vorm, verhaal en betekenis. Opgekomen uit de schaduwen van traditionele schilderkunst en beeldhouwkunst — lang geleden, in het 10e-eeuwse Japan — maar Wikipedia heeft al die hoeken gedekt. Als rechte feiten jouw ding zijn, wat Wikipedia niet altijd is. Helemaal niet. Het is heerlijk vreemd en ik moedig je aan om je er later mee af te leiden. Of nu. Kom misschien wel terug? Ik weet niet of ik dat ook zou doen. Wacht... collage. Ja. Ik snap het. Terug bij jou.

Elk van de 11 kunstenaars op deze lijst gebruikte collage om conventies uit te dagen, schoonheid te herdefiniëren en de kijker uit te nodigen de wereld anders te zien. Ze hebben collage niet alleen gedefinieerd — ze hebben het geëvolueerd. Maar we moeten snel praten over de definitie van de definitie in de titel van deze blog. Dat was trouwens geen typefout. Ik heb iets te vertellen over de 'definitie' van moderne collage.

Moderne collage werd, denk ik dat we moeten zeggen, 'gedefinieerd' door een stoutmoedige Pablo Picasso en Georges Braque in de jaren 1910. Tenminste, dat hebben de Tate en het Guggenheim besloten. En omdat ik de tijd zoals wij die kennen als een constructie beschouw, ben ik niet al te kieskeurig. Alles wat ik weet isik werd er verliefd op. Het gebruik van uitsnijdingen van over het hele internet gemengd met stukjes van mijn ziel. Zoals elke andere collagist die je ooit zult ontmoeten.

Hier is wat ik je echt moet vertellen over de definitie van moderne collage: het is niet het beste werk van Picasso en Braque. Helemaal niet. Ik denk zelfs dat hun geesten niet willen dat het daarbuiten is. Maar het internet bestaat, ze zijn beroemd en hun werk heeft overleefd terwijl dat van anderen niet deed.

Ook niet zo erg voor ons om een beetje plezier te beleven aan hun niet zo geweldige werk. Falen is gewoon experimenteren onder een andere naam en falen is de enige manier waarop je een droom kunt laten uitkomen. Probeer, probeer opnieuw. Ook, Picasso en Braque zijn, weet je wel, zij. Dus wat is een klein beetje slechte collage of twee? Met hun oeuvre in de hallen van de geschiedenis. Het is niets, nada, nul. En toch raakt het de kern van collage en kunst maken. De vergankelijke aard van het geheel. Werelden binnen werelden maken en hermaken. Zelfs als Picasso en Braque deze specifieke werelden binnen werelden niet in hun eigen retrospectieven zouden opnemen... als ze een keuze hadden. Sorry not sorry.

Geheime schaamte delen: Als collagekunstenaar zelf was ik verrast hoe weinig van deze 11 kunstenaars ik kende voordat ik dit schreef. Hoe zit het met jou?

 

Beroemde Collagekunstenaars die de Kunstvorm hebben Gedefinieerd

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Cut with the Dada Kitchen Knife door het Laatste Weimar Bierbuik Culturele Tijdperk in Duitsland, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

...

Hannah Höch (geboren op 1 november 1889 in Gotha, Duitsland, en overleden op 31 mei 1978 in Berlijn) was een Duitse Dada-kunstenaar die vooral bekend is om haar politieke fotomontages gemaakt van krantenknipsels en gevonden voorwerpen. Ze studeerde aan het Berlijnse College voor Kunst en Ambachten en de School van het Koninklijk Museum voor Toegepaste Kunsten. Höchs werk betrok vaak het vroege 20e-eeuwse ideaal van de "Nieuwe Vrouw," en daagde traditionele huishoudelijke rollen van vrouwen uit.

Ze was geassocieerd met de Berlijnse Dada-beweging en samenwerkte met kunstenaars zoals Raoul Hausmann. Tijdens de Weimar Republiek bloeide Höch in de geliberaliseerde sfeer en produceerde geestige en subtiele fotomontages die commentaar gaven op belangrijke kwesties van die tijd. Haar werken waren innovatief in hun gebruik van materialen uit de populaire cultuur, en ze wordt beschouwd als een van de grondleggers van de fotomontage.

Hannah Höchs beroemdste werk is de fotomontage uit 1919 getiteld "Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer Belly Cultural Epoch of Germany". Dit stuk is een satirisch commentaar op de politieke en sociale kwesties van de Weimar Republiek en toont haar innovatieve gebruik van materialen en haar vermogen om prikkelende kunst te creëren. De fotomontage bevat een collage van afbeeldingen uit kranten, tijdschriften en andere mediabronnen, die ze hercontextualiseert om een visueel opvallende en kritische weergave van de periode te creëren. Dit werk is een uitstekend voorbeeld van Höchs baanbrekende bijdragen aan de Dada-beweging en haar vaardigheid in het gebruik van fotomontage als een krachtig artistiek medium.

Höchs kunst werd door het nazi-regime als ontaard beschouwd, en ze leefde in relatieve onbekendheid tijdens de Tweede Wereldoorlog. Desondanks is haar invloed te zien in het werk van latere kunstenaars zoals Cindy Sherman en Hannah Wilke. Höchs kunst is momenteel te vinden in de collecties van het Metropolitan Museum of Art en het Museum of Modern Art in New York, en de Berlinische Galerie.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Empress of the Blues, 1974, acryl en potlood op papier en bedrukt papier op karton, 36 x 48 in. (91.4 x 121.9 cm.)

...

Romare Bearden (1911-1988) was een Afrikaanse Amerikaanse kunstenaar die bekend stond om zijn krachtige collagekunstwerken waarin de Afro-Amerikaanse ervaring tijdens zijn leven werd afgebeeld. Geboren in Charlotte, North Carolina, Bearden groeide op in New York City en Pittsburgh, en studeerde aan de Art Students League in New York City bij George Grosz en aan Columbia University. Hij werkte met verschillende media, waaronder cartoons, oliën en collages.

Beardens kunstwerken beelden consequent de Afro-Amerikaanse cultuur en ervaring uit, met onderwerpen die variëren van landelijke thema's gebaseerd op zijn herinneringen aan het Zuiden, evenals stedelijk leven en jazz. Zijn collagekunstwerken weerspiegelden vaak elementen van jazz, met interactie tussen personages en improvisatie van materialen. In de jaren 1980 produceerde hij een groot aantal werken met krachtige afbeeldingen van vrouwen.

Tijdens de Harlem Renaissance, werd Romare Beardens familiehuis in New York City een ontmoetingsplaats voor prominente intellectuelen en kunstenaars, zoals W. E. B. Du Bois, Paul Robeson, en Countee Cullen. Opgroeien in deze omgeving stelde Bearden bloot aan verschillende kunstvormen, waaronder muziek, en hij ontmoette veel bekende muzieklegendes van die tijd.

Ondanks dat hij productief was, had Bearden moeite om erkenning te krijgen als een belangrijke Amerikaanse kunstenaar vanwege vooroordelen en segregatie in de Amerikaanse kunstwereld. Echter, zijn tentoonstellingen ontvingen enthousiaste reacties, en in 1987 ontving hij de National Medal of Arts. Bearden droeg ook bij als songwriter, boekillustrator en decorontwerper voor de Alvin Ailey American Dance Company. In 1990 werd de Romare Bearden Foundation opgericht om jonge of opkomende kunstenaars en wetenschappers te ondersteunen.

In 1964 werd Bearden benoemd tot de eerste art director van de Harlem Cultural Council, een prominente Afro-Amerikaanse belangenorganisatie. Hij was betrokken bij de oprichting van verschillende belangrijke kunstlocaties, zoals The Studio Museum in Harlem en de Cinque Gallery. Bearden's bijdragen aan de Harlem Renaissance gingen verder dan zijn kunstwerken, aangezien hij actief jonge, opkomende kunstenaars ondersteunde en pleitte voor Afro-Amerikaanse cultuur en ervaringen.

Hoewel Bearden vooral bekend is om zijn beeldende kunst, was hij ook een enthousiaste student van muziek, een tekstschrijver en een kostuum- en decorontwerper. Zijn kunstwerken verbeeldden vaak de Afro-Amerikaanse cultuur en ervaringen, waarbij hij inspiratie putte uit zijn leven in Harlem en Pittsburgh.

3

Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache op papier. 108 x 60 inches.

...

Henri Matisse's knipsels, gemaakt tijdens het laatste decennium van zijn leven, hadden een significante impact op ons hedendaags begrip van collagekunst. In de late jaren 1940 veranderde Matisse zijn artistieke methode en richtte zich op geknipt papier als zijn primaire medium, waarbij hij scharen als zijn gereedschap gebruikte. Zijn knipsels, vaak geïnspireerd door de natuurlijke wereld of abstracte vormen, werden gerangschikt in levendige composities die de beperkingen van schilderen op een ezel overstegen en hem toestonden te werken met een nieuw soort vrijheid. Velen beschouwen deze periode als  "een tweede leven" voor de kunstenaar. Kun je niet gewoon de blik van voldoening op zijn gezicht zien in deze zeldzame beelden van het maken van een papieren knipsel?

Matisse's knipsels toonden zijn ongelooflijke creativiteit en vitaliteit, zelfs onder uitdagende omstandigheden. Ze vertegenwoordigden het hoogtepunt van zijn carrière, markeerden de ultieme overgang naar een volledig abstract vocabulaire. Zijn beheersing van de knipselstijl had een diepgaande invloed op zijn artistieke reis. De knipsels introduceerden ook een nieuwe operatie in de kunst, die bekend werd als "tekenen met een schaar". Die hun eigen conserveringsuitdagingen presenteren, zoals je kunt zien in dit nauwgezette restauratieproces.

Matisse's knipsels beïnvloedden vele moderne abstracte kunstenaars en blijven kunstenaars en curatoren inspireren. De eenvoud van zijn knipsels was onverwacht in de kunstwereld, en ze werden beschouwd als volledig uniek en radicaal in die tijd dat ze werden gemaakt. Zijn knipsels werden teruggebracht tot basis kleur en vorm, waardoor ze een bijna grafisch karakter kregen, wat de heropleving van de esthetiek in illustratie en grafisch ontwerp zou kunnen verklaren.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger , Zonder titel (Je lichaam is een slagveld), 1989. Fotografische zeefdruk op vinyl. 112 x 112 in. (284,48 x 284,48 cm).

...

Barbara Kruger (geboren op 26 januari 1945) is een Amerikaanse conceptuele kunstenaar en collagist geassocieerd met de Pictures Generation. Ze staat bekend om haar gedurfde en provocerende collagekunstwerken die de rol van vrouwen in de samenleving in vraag stellen, met zwart-witfoto's bedekt met declaratieve bijschriften in wit-op-rood Futura Bold Oblique of Helvetica Ultra Condensed tekst. Kruger's werk omvat vaak grootschalige teksten die over afbeeldingen zijn gelegd om culturele aannames uit te dagen en kijkers aan te moedigen om mainstream mediaboodschappen en hun impact op identiteit en samenleving in vraag te stellen.

Kruger's kenmerkende stijl werd beïnvloed door haar klassieke opleiding in design en haar ervaring in de mode-industrie, met name als hoofdontwerper bij Mademoiselle magazine. Haar werk werd gevormd door feministische filmkritiek en structuralistische literaire theorie, die ze leerde kennen via haar deelname aan de Artists Meeting for Social Change-groep.

Kruger's kunst behandelt kwesties zoals consumentisme, seksualiteit, politiek en de relatie tussen macht en samenleving, het vervagen van de grenzen tussen kunst en commercie. Ze wordt beschouwd als een van de belangrijkste feministische kunstenaars van de 20e eeuw vanwege haar vermogen om opvattingen over identiteit en machtsstructuren uit te dagen en in vraag te stellen door middel van haar prikkelende en visueel opvallende werken.

Luister naar Kruger die in haar eigen woorden over haar kunst praat.

Enkele van Kruger's belangrijkste werken zijn:

"Zonder titel (Je lichaam is een slagveld)" (1989): Dit werk toont een zwart-witfoto van het gezicht van een vrouw, in tweeën gesplitst, met de tekst "Je lichaam is een slagveld" eroverheen. Het werd gemaakt als reactie op het politieke debat over de reproductieve rechten van vrouwen en dient als een krachtige commentaar op de strijd om controle over de lichamen van vrouwen.

"Zonder titel (Ik winkel dus ik ben)" (1987): Dit stuk bevat de zin "Ik winkel dus ik ben" over een hand die een creditcard vasthoudt. Het bekritiseert consumentisme en de manier waarop het onze identiteiten en waarden vormt.

5

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg , Buffalo II, 1964. Olie en zeefdrukinkt op doek
96 x 72 in. (243,8 x 183,8 cm.).

...

Robert Rauschenberg (1925-2008) was een Amerikaanse schilder en grafisch kunstenaar bekend om zijn "combine" werken, die de grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst vervaagden door alledaagse objecten als kunstmaterialen te gebruiken. Hij studeerde kunst aan het Kansas City Art Institute, Academie Julian in Parijs, en Black Mountain College in North Carolina voordat hij verhuisde naar New York City in 1949.

Rauschenbergs combines integreerden weggegooide objecten die hij verzamelde van de straten van New York City, zoals krantenknipsels, foto's en gevonden objecten. Hij geloofde dat het gebruik van materialen uit de echte wereld zijn kunst relateerbaarder en reflectiever van de werkelijkheid maakte. Sommige van zijn vroege werken anticipeerden op de Pop art beweging, en hij wordt gevierd als een voorloper van bijna elke kunstbeweging sinds het Abstract Expressionisme.

Robert Rauschenbergs bijdragen aan de kunstwereld waren significant en transformerend. Hij was een belangrijke figuur tijdens de jaren 1950 en 1960 en werd erkend als een belangrijke voorloper van de Amerikaanse Pop art, samen met tijdgenoten als Andy Warhol en Jasper Johns. Rauschenbergs innovatieve benaderingen, te zien in werken als Monogram, breidden de traditionele grenzen van de kunst uit. Ze openden nieuwe wegen voor toekomstige kunstenaars.

Zijn "combine" werken vervaagden de grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst, door alledaagse objecten als kunstmaterialen te gebruiken en de status quo uit te dagen. Rauschenbergs kunstpraktijk en creatieve energie zouden nooit in vooropgezette hokjes passen. Kunsthistoricus Branden W. Joseph merkte op dat Rauschenbergs werk diende als een stimulans, een impuls en een uitdaging voor kunstenaars in het algemeen.

Gedurende zijn carrière werkte Rauschenberg in verschillende media, waaronder schilderkunst, beeldhouwkunst, prenten, fotografie, en performance. Hij werkte samen met choreografen zoals Merce Cunningham, Paul Taylor, en Trisha Brown, en was een oprichtend lid van de innovatieve groep Experiments in Art and Technology (E.A.T.) in 1966.

Rauschenbergs baanbrekende aanpak en creatieve energie had een blijvende invloed op generaties van kunstenaars. Luister hoe Rauschenberg "de regels van het spel herschreef" van zijn zoon, fotograaf Chris Rauschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Difficult, 1942-43. Collage. 31.25 x 24 inches (79.37 x 60.96 cm).

...

Kurt Schwitters (1887-1948) was een Duitse kunstenaar betrokken bij zowel Dadaïsme als Constructivisme, het meest bekend om zijn Merz en Merzbau werken. Hij bedacht de term "Merz" om zijn unieke kunststijl te beschrijven die het gebruik van alledaagse voorwerpen omvatte om zijn werken te creëren. Schwitters maakte Merzbild (Merz-schilderijen), die collages en assemblages waren gemaakt van verschillende afvalmaterialen, zoals afdrukken, etiketten, behang en stukjes hout. En hij schuwde nooit om zich te richten op puntige, scherpe onderwerpen, inclusief zijn tijd in het Hutchinson interneringskamp.

Schwitters' Merz concept was een subsectie van de Dada-beweging, aangepast aan zijn eigen artistieke filosofieën en visies. De naam Merz werd bij toeval gegenereerd door een collage die het Duitse woord "Kommerz" (handel) bevatte. Dit onzinnige en spontaan gegenereerde woord was vergelijkbaar in oorsprong en filosofie met de titel van Dada.

Hoewel Merz en Dada-kunst nauw verwant zijn, zijn er enkele verschillen tussen de twee. Merz is een subsectie van de Dada-beweging die was aangepast aan Schwitters' eigen artistieke filosofieën en visies. Aan de andere kant was Dada een bredere kunstbeweging die verschillende vormen van kunst omvatte, waaronder performancekunst, poëzie, fotografie, beeldhouwkunst, schilderkunst en collage. De esthetiek van Dada werd gekenmerkt door zijn spot met materialistische en nationalistische houdingen.

Gedurende zijn leven creëerde Schwitters meer dan 8.000 werken, waarvan er ongeveer 2.500 vandaag de dag nog bestaan. Zijn innovatieve benadering van kunst, het combineren van collage en abstractie , beïnvloedde kunstenaars zoals Robert Rauschenberg. Schwitters was een buitenstaander en individualist, die ervoor koos om na zijn studie aan de Dresden Academy niet naar grote kunstcentra zoals Berlijn of Parijs te verhuizen.

7

Eduardo Paolozzi

...

Eduardo Paolozzi (1924-2005) was een Schotse kunstenaar bekend om zijn innovatieve collagewerken die een mix van beelden uit de populaire cultuur en technologie bevatten. Geboren in Leith nabij Edinburgh uit Italiaanse ouders, studeerde Paolozzi in Edinburgh en Londen voordat hij twee jaar in Parijs doorbracht. Hij wordt algemeen beschouwd als een van de pioniers van Pop Art.

Paolozzi's werken daagden vaak traditionele opvattingen over kunst en schoonheid uit door elementen van het surrealisme te combineren met populaire cultuur, moderne machines en technologie. Zijn vroege liefde voor de Amerikaanse cultuur leidde hem ertoe collages te creëren met afbeeldingen uit advertenties, die de glanzendere, gelukkigere levensstijlen vertegenwoordigden die in het naoorlogse Amerika opkwamen. Maar hij speelde ook met die vorm en stijl — door zijn over-the-top gevoeligheden om te zetten in zijn mozaïeken en sculpturen, met name bij Tottenham Court Road metrostation.

Zijn werken waren surrealistisch van aard, aangezien hij magazineadvertenties, cartoons en machineonderdelen combineerde in zijn kunst, waarmee hij de zorgen van de Pop Art anticipeerde. Paolozzi was bijzonder geïnteresseerd in de massamedia en in wetenschap en technologie, wat zijn kunst gedurende zijn carrière beïnvloedde. Naast zijn collagewerken produceerde Paolozzi ook grootschalige figuratieve sculpturen, prenten en mozaïekmuren — hun levendige aantrekkingskracht verleende "een soort focus aan de chaos".

8

Martha Rosler

Martha Rosler, Cargo Cult, uit de serie Body Beautiful, of Beauty Knows No Pain, 1966–72. Photomontage afgedrukt als foto. 39 1/2 x 30 1/4 in.

...

Martha Rosler, geboren in 1943 in Brooklyn, New York, is een Amerikaanse conceptuele kunstenaar bekend om haar feministische collages en fotomontages. Ze werkt in verschillende media, waaronder fotografie, fototekst, video, installatie, beeldhouwkunst en performance, en schrijft ook over kunst en cultuur. Rosler's werk bevat vaak beelden uit de populaire cultuur en reclame om de rol van vrouwen in de samenleving in vraag te stellen en traditionele genderrollen uit te dagen.

Het werk van Martha Rosler heeft een significante invloed gehad op de feministische kunstbeweging door de weergave van vrouwen in de samenleving in vraag te stellen. Ze gebruikte ook nieuwe technologieën, zoals video, om zich te onderscheiden van mannelijke kunstenaars en de meer traditionele media van de kunstwereld. Halverwege de jaren zestig begon ze fotomontages te maken die de materiële en psychische onderwerping van vrouwen onderzochten, waarbij ze populaire advertenties manipuleerde om hun onderliggende ideologieën bloot te leggen. Haar werk, zoals de "Body Beautiful, of Beauty Knows No Pain" serie (1966–72), combineerde verschillende conceptuele kunstpraktijken afgestemd op feministische politiek.

Een van haar bekendste werken, "Semiotics of the Kitchen" (1975), is een videoparodie op kookprogramma's die op humoristische wijze de implicaties van traditionele vrouwelijke rollen behandelt. Door elementen van de popcultuur, zoals televisie en tijdschriftreclame, te gebruiken, bekritiseert Rosler's werk de maatschappelijke normen en verwachtingen rondom vrouwen.

Rosler's kunstpraktijk ging verder dan het onderwerp, omdat ze geloofde dat kunst echt een sociale rol kon innemen en empathie en desidentificatie bij de kijker kon oproepen. Haar videowerken uit de jaren 1970 en 1980 onderzochten de werking van massamedia om te onthullen hoe ze een zelfgenoegzaam publiek cultiveerden. Beïnvloed door de golf van feministische performance die opkwam uit alternatieve kunstplaatsen in Californië, droeg Rosler's werk bij aan de ontwikkeling van feministische conceptuele kunst en liet een onuitwisbare indruk achter op de hedendaagse kunstscene.

9

John Heartfield

John Heartfield, Omslagkunst voor Kurt Tucholsky,  Deutschland, Deutschland über alles, 1929 © De Heartfield Gemeenschap van Erfgenamen / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlijn.

...

John Heartfield (geboren als Helmut Herzfeld; 1891-1968) was een Duitse beeldend kunstenaar die de kunst als politiek wapen pionierde, vooral door zijn anti-nazi en anti-fascistische fotomontages. Heartfields werken gebruikten vaak satirische beelden en slogans om het politieke klimaat van zijn tijd te bekritiseren, vooral tegen de opkomst van Adolf Hitler en het Derde Rijk.

Heartfields fotomontages worden gecrediteerd met het creëren van enkele van de meest iconische politieke posters van de 20e eeuw vanwege hun krachtige visuele impact en het vermogen om sterke politieke boodschappen over te brengen. Van 1930 tot 1938 ontwierp hij 240 stukken anti-nazi-kunst, die werden gepubliceerd in het AIZ magazine. Deze werken werden Duitsland binnengesmokkeld vanuit Tsjechoslowakije, Oostenrijk, Zwitserland en Oost-Frankrijk nadat de Nationaal-Socialisten de macht overnamen.

Heartfields artistieke moed was gelijk aan zijn fysieke moed, aangezien hij bleef doorgaan met het maken van fel anti-fascistische collages terwijl hij tot 1933 in Berlijn woonde. Zijn fotomontages voorzagen de verschrikkingen van het nazi-regime en dienden als een krachtige vorm van politiek protest, waardoor hij een belangrijke figuur in de geschiedenis van politieke kunst werd.

Het werk van John Heartfield heeft talloze kunstenaars, grafisch ontwerpers, typografen, adverteerders, filmmakers, schrijvers en anderen beïnvloed die inspiratie hebben gevonden in zijn nalatenschap. Kunstenaars uit het hele Oostblok, Sovjet Rusland, en de Verenigde Staten vonden inspiratie in Heartfields fotomontages in de late jaren 1960 en 1970. Voor kunstenaars zoals Klaus Staeck, László Lakner, en Martha Rosler, onder anderen, hielp zijn werk hen om versleten linkse ideologieën te confronteren met een nieuwe beeldtaal.

Heartfields innovatieve gebruik van fotomontage transformeerde in een krachtige vorm van massacommunicatie. Zijn unieke methode van het toe-eigenen en hergebruiken van foto's voor politiek effect heeft hedendaagse kunstenaars geïnspireerd om soortgelijke technieken te gebruiken om onverdraagzaamheid, onwetendheid, geweld en zinloze oorlog voor winst te bestrijden. De John Heartfield tentoonstelling toont werk van collagekunstenaars zoals Winston Smith, Thomas Young, en David King, die Heartfields baanbrekende werk voortzetten en uitbreiden.

10

Pablo Picasso

Pablo Picasso, De Fles Vieux Marc, 1913. Uitgeknipte en geplakte gedrukte behangpapieren, kranten, houtskool, gouache, en spelden op geschept papier, 24 13/16 × 19 5/16 in. (63 × 49 cm).

...

Pablo Picasso, samen met Georges Braque, speelde een cruciale rol in de evolutie van collagekunst. Ze ontwikkelden de techniek van papier collé (geplakt papier) in 1912, wat een baanbrekende verschuiving in de kunstwereld markeerde. Picasso's innovatieve benadering van collagekunst inspireerde andere kunstenaars en werd een katalysator voor artistieke bewegingen zoals het kubisme, dadaïsme en surrealisme.

Een van Picasso's vroege collagewerken, "Gitaar en Wijnglas," toont zijn vermogen om schaduw en structuur te creëren door papier te plakken en te lagen. Zijn kunstwerk uit 1912 "Stilleven met Stoelkanaal" is een ander belangrijk voorbeeld van zijn collagewerk. In dit stuk verwerkte Picasso een stuk zeildoek met een stoelkanaalpatroon en een touw om de compositie te omlijsten. Dit kunstwerk daagde traditionele ideeën over kunst uit door alledaagse materialen met geschilderde elementen te combineren, waarbij de grenzen tussen hoge en lage cultuur vervaagden.

Picasso's collagewerken hadden een diepe impact op de kunstwereld, en inspireerden kunstenaars uit verschillende bewegingen, media en stijlen om de praktijk van collagekunst te verkennen. Zijn inventieve en innovatieve benadering van kunst trok kunstenaars aan vanwege de unieke esthetiek en het in elkaar gezette proces. Als gevolg hiervan is Picasso's invloed op de evolutie van collagekunst zichtbaar in de werken van veel kunstenaars die volgden, zoals David Hockney, Jasper Johns en Martin Kippenberger.

11

Georges Braque

Georges Braque, Fruit Dish and Glass, 1912. Houtskool, behang, gouache, papier, karton.

...

Georges Braque, samen met Pablo Picasso, speelde een belangrijke rol in de evolutie van collagekunst. Zij bedachten de techniek van papier collé (geplakt papier) in 1912, wat een revolutionaire verschuiving in de kunstwereld markeerde. Braque ging een stap verder met collage door gescheurde advertenties in zijn doeken te plakken. Hij stencilde ook letters op schilderijen, mengde pigmenten met zand en kopieerde houtnerf en marmer om grote niveaus van dimensie in zijn schilderijen te bereiken. Natuurlijk, bestond collage al lang daarvoor in andere vormen...

Braque's collagekunstwerken, zoals zijn kunstwerk uit 1912 "Fruit Dish and Glass", combineerden stukken faux-hout behang met zijn kubistische weergaven van objecten. Deze techniek stelde de formele ideeën van perspectief en ruimte binnen de kunst ter discussie, aangezien het overlappende gebieden van collage-elementen en tekeningen binnen zijn werk creëerde. Zijn innovatieve benadering van collagekunst beïnvloedde veel hedendaagse kunstenaars en droeg bij aan de groei en uitbreiding van de collagekunstvorm.

Tijdens de collagefase van het kubisme van 1912-1914 domineerden levenloze objecten de afbeeldingen van Picasso, Braque en Juan Gris. Braque's stillevens bezaten een onderstroom van menselijk drama , dankzij de ingenieuze combinatie van dingen en tekst. Het gebruik van echte materialen en texturen in hun collagecomposities introduceerde een nieuwe dimensie in de westerse schilderkunst, waarvan de repercussies nog steeds voelbaar zijn.

Braque's werk met collage had een blijvende impact op de kunstwereld en inspireerde kunstenaars in verschillende bewegingen, media en stijlen om de praktijk van collagekunst te verkennen. De inventieve en innovatieve benadering van kunst trok kunstenaars aan vanwege zijn unieke esthetiek en unieke, samengestelde proces. Als gevolg hiervan is Braque's invloed op de evolutie van collagekunst duidelijk zichtbaar in de werken van veel kunstenaars die volgden, zoals Jessica Stockholder, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters en John Stezaker.

...

Collagekunst is een uniek en veelzijdig medium dat eindeloze creatieve mogelijkheden biedt. De beroemde collagekunstwerken die in dit artikel worden genoemd, hebben allemaal significante bijdragen geleverd aan de kunstwereld door hun innovatieve stijlen en technieken. Elke kunstenaar heeft zijn eigen unieke perspectief en hun impact op de kunstwereld heeft weerklank gevonden bij andere kunstenaars en hun werk beïnvloed.

ICYMI

Welke kunstenaar maakte van het concept collage een kunstvorm in 1912?

In 1912 was de baanbrekende kunstenaar die het concept van collage omvormde tot een onderscheidende kunstvorm niemand minder dan Pablo Picasso. In dit jaar onthulde Picasso "Stilleven met rieten stoelzitting," een opmerkelijk werk dat het begin markeerde van collage als een belangrijke artistieke uitdrukking en de start van een nieuwe fase in de kubistische beweging.

"Stilleven met rieten stoelzitting" kenmerkte zich door een onconventionele combinatie van materialen en technieken. Picasso verwerkte een strook tafelzeil bedrukt met een rieten stoelpatroon op een ovaalvormig doek. Het schilderij werd verder omlijst met een touw. Deze innovatieve fusie van verschillende elementen, samen met de opname van niet-traditionele materialen zoals het tafelzeil, daagde de conventionele artistieke normen uit en introduceerde een avant-gardistische benadering van kunst maken. Dit baanbrekende kunstwerk effende de weg voor de verkenning van nieuwe mogelijkheden in visuele representatie en breidde de grenzen van artistieke expressie aanzienlijk uit.

Naast zijn impact op de beeldende kunst had Picasso's innovatieve gebruik van collage bredere implicaties voor artistieke filosofie en creatief denken. De introductie van collage als een levensvatbare kunstvorm daagde gevestigde ideeën uit over de aard van kunstmaterialen, compositie en representatie. Deze benadering moedigde kunstenaars aan om onconventionele materialen, texturen en vormen te verkennen, wat een geest van experimenteren en herdefiniëren binnen de artistieke gemeenschap bevorderde.

Tot welke artistieke stijl wordt het werk van Hannah Höch gerekend?

De artistieke stijl van Hannah Höch wordt stevig geassocieerd met het Dadaïsme, een avant-gardistische beweging die traditionele opvattingen van kunst en samenleving uitdaagde door zijn omarming van absurditeit, anti-conformiteit en experimentatie.

Höch is vooral bekend om haar fotomontagewerken, een techniek waarbij ze vakkundig uitgeknipte afbeeldingen uit tijdschriften en kranten combineerde en juxtaposeerde om ingewikkelde en tot nadenken stemmende collages te creëren. Haar fotomontages bevatten vaak een satirisch en kritisch commentaar op sociale en politieke kwesties, wat de Dadaïstische afwijzing van gevestigde normen en waarden weerspiegelde.

Höch's deelname aan het Dadaïsme en haar beheersing van fotomontagetechnieken speelden een belangrijke rol in het uitbreiden van de artistieke mogelijkheden van de beweging. Haar werk daagde de heersende opvattingen over auteurschap en originaliteit uit door bestaande beelden toe te eigenen en opnieuw te contextualiseren, wat resoneerde met de ethos van Dada's subversie en iconoclasme.

Toekomstvoorspelling

Waarom was de Dadaïstische kunstbeweging belangrijk voor toekomstige kunstenaars?

De Dadaïstische kunstbeweging heeft een diepgaande betekenis voor toekomstige kunstenaars vanwege zijn radicale afwijking van conventionele artistieke normen, zijn ondermijning van gevestigde instituten en zijn rol in het effenen van de weg voor latere avant-garde en experimentele kunstvormen. Ontstaan tijdens de Eerste Wereldoorlog als een reactie tegen de verschrikkingen van de oorlog en de maatschappelijke normen die daar schijnbaar toe hadden geleid, was het Dadaïsme een kracht die traditionele artistieke grenzen verbrijzelde. Talloze kunstenaars werden geïnspireerd door de wilde capriolen en gedurfde anti-autoritaire aard van Dada, wat hen motiveerde om de horizon van de kunstwereld te verbreden.

Een van de meest iconische figuren van het Dadaïsme was Marcel Duchamp, bekend om zijn baanbrekende werk "Fountain," een porseleinen urinoir gesigneerd met het pseudoniem "R. Mutt." Duchamps creatie belichaamde de anti-kunstethos van Dada, door traditionele opvattingen van esthetiek uit te dagen en kijkers te dwingen de essentie van kunst in twijfel te trekken. Deze gedurfde daad had een diepgaande invloed op toekomstige kunstenaars door hen aan te moedigen de definitie en grenzen van artistieke expressie te heroverwegen.

De Dada-beweging speelde een cruciale rol in het veranderen van de perceptie van kunst en het doorbreken van gevestigde regels. Het verstoorde traditionele artistieke media door gevonden objecten, collagetechnieken en performancekunst te incorporeren, en zette een precedent voor kunstenaars om te experimenteren met onconventionele materialen en methoden. De afwijzing van logica door het Dadaïsme en de omarming van absurditeit en irrationaliteit beïnvloedden latere bewegingen zoals Surrealisme, dat ook tot doel had het onbewuste aan te boren en rationaliteit in kunst uit te dagen.

De invloed van de beweging strekte zich uit voorbij artistieke praktijken om maatschappelijke normen en autoriteit uit te dagen. Door conventies te bespotten en af te wijzen, confronteerden de Dadaïsten de status quo, en inspireerden ze toekomstige generaties kunstenaars om hun creatieve expressies te gebruiken als een middel voor sociale kritiek en verandering. De anti-establishment houding van Dada en de verkenning van willekeur, toeval en spontaniteit droegen ook bij aan de ontwikkeling van conceptuele kunst en performancekunst, die beide ideeën en proces boven traditionele esthetische uitkomsten stellen.

...