Stellen Sie sich vor, Sie halten ein einzelnes Stück Papier in der Hand, das einst zu einem Brief eines Soldaten gehörte, oder eine zarte Feder, die vor Jahrhunderten ein zeremonielles Gewand schmückte. Jedes Fragment trägt eine geheime Welt in sich—Spuren von Sprache, Glauben und Ritual. Wenn ein Künstler solche Fragmente zusammenklebt, schichtet er nicht nur Materialien; er stapelt ganze Geschichten.
Collage bedeutet nicht nur, zufällige Papierstücke zu schneiden und zu kleben; es geht darum, ferne Kulturen, Stimmen und Epochen in ein kohärentes neues Gewebe zu verweben. Es ist eine Kunstform radikaler Offenheit, die alles willkommen heißt, von abgenutzten Postkarten bis zu gepressten Blumen, und dabei die Erinnerung und Bedeutung aufgreift, die sie tragen.
Weltweit haben Gemeinschaften seit Jahrhunderten Muscheln, Perlen und bemalte Papierschnipsel in Akten zusammengefügt, die sowohl das Heilige als auch das Alltägliche ansprechen. Lange bevor das Wort "Collage" geprägt wurde, schichteten und verschmolzen Handwerker in Asien, Afrika und Amerika bereits Materialien, um Geschichten von Göttern, Königen oder geliebten Vorfahren zu erzählen. In der modernen Zeit ist dieser alte Impuls, das Viele zu einem zu verschmelzen, zu einer kühnen Aussage kultureller Konversation geworden—ein fortlaufendes Zeugnis davon, dass die Welt selbst ein chaotisches, aber wunderbares Flickwerk ist.
Die Reise, die wir unternehmen werden, führt von Azteken-Federmosaiken, die im mesoamerikanischen Sonnenlicht schimmern, zu den subversiven Fotomontagen der Dadaisten, die den Status quo Europas herausfordern. Wir werden sehen, wie islamische Manuskripte mit ihren üppigen Flickwerkseiten von Reichen flüstern, die von vielfältigen Einflüssen lebten, und wie digitale Collagekünstler heute die Ikonographie der gesamten Welt in einem einzigen viralen Bild neu mischen.
Wie Sie entdecken werden, ist Collage eine Erzählung des endlosen Werdens, eine universelle Einladung, verborgene Wahrheiten und persönliche Erfahrungen zusammenzufügen. Treten Sie ein in dieses Reich exquisiter Fragmente und sehen Sie, wie jedes Stück Geschichte zu etwas nicht nur Schönem, sondern zutiefst Menschlichem neu zusammengesetzt werden kann.
Alte und vormoderne Collagetraditionen
Frühe Formen der Collage tauchten lange auf, bevor der Begriff geprägt wurde. In verschiedenen Teilen der Welt fanden Handwerker geniale Wege, Materialien und Bilder zu kombinieren und so zusammengesetzte Kunstwerke zu schaffen, die zu ihren Kulturen sprachen. Diese Vorläufer – von ostasiatischen Papierkünsten über afrikanische Masken bis hin zu mesoamerikanischen Federwerken – bereiteten den Weg für die Collage als transkulturelles Medium.
Asien: Papier, Poesie und Fragmente
Die Erfindung des Papiers in China ebnete den Weg für einige der ersten collageartigen Techniken. Bis zu den Tang- und Song-Epochen war es eine angesehene Praxis geworden, Gemälde mit eingravierten Gedichten zu paaren – im Wesentlichen Text und Bild zusammen zu montieren, um ein harmonisches Ganzes zu bilden. Diese Vereinigung von Wort und Bild ist ein frühes Beispiel für das Collageprinzip: unterschiedliche Elemente zu einer Komposition zusammenzukleben, um die Bedeutung zu verstärken.
Japan entwickelte diese Praktiken weiter. In der Heian-Zeit (8.–12. Jahrhundert) waren Adlige und Mönche berühmt dafür, Papiere und Texte in der Erstellung poetischer Schriftrollen zu schichten. Bis zum 10. Jahrhundert klebten japanische Kalligraphen Gedichte auf dekorierte Papierhintergründe.
Eine Kunstform namens chigiri-e entstand um das 11. Jahrhundert, bei der farbiges handgemachtes Papier in Formen gerissen und geklebt wurde, um Bilder zu schaffen. Diese zarten Papiercollagen – oft von Blumen, Landschaften oder literarischen Szenen – ähnelten in ihrer Subtilität Aquarellmalereien.
Im Wesentlichen experimentierten ostasiatische Künstler mit Mixed-Media-Kunst, lange bevor sie diesen Namen erhielt, indem sie kulturelle Ästhetik (Poesie, Kalligrafie, Naturmotive) in physische Schichten von Papier eingebettet haben.
Islamische Welt: Patchwork-Manuskripte und Kaiserliche Alben
Collage hat auch tiefe Wurzeln in der islamischen Welt, insbesondere in den persischen Kulturen des Nahen Ostens und Südasiens. Hier bot das Medium des Buches – illuminierte Manuskripte und Alben – die Leinwand für collageartige Zusammenstellungen.
Im 16. Jahrhundert blühte die Kunst des Zusammenstellens von muraqqa’-Alben in Mogul-Indien, Safawiden-Persien und dem Osmanischen Reich auf. Diese prächtigen kaiserlichen Alben waren buchstäblich „zusammengeflickte“ Sammlungen von Gemälden, Kalligrafie und dekorativen Rändern. Eine einzelne Seite vereinte Kalligrafie eines Meisters, eine Miniaturmalerei eines anderen und kunstvolle Ränder aus geschnittenem gemustertem Papier oder Textilien.
Ein berühmtes Beispiel sind die Alben des Mogulkaisers Jahangir (um 1600), die persische kalligrafische Tafeln mit Mogul-Porträts und sogar am Hof gesammelten europäischen Drucken kombinierten. Einige Folios waren wahre Collagen europäischer, persischer und mogulischer Werke, die innerhalb reich bemalter Ränder angeordnet waren.
Der Begriff muraqqa’ selbst spiegelt diese zusammengesetzte Natur wider – abgeleitet vom Arabischen für „geflickt“, evoziert er eine Textilsteppdecke. In diesen Alben ist jede Seite eine Übung in Kuratierung und Kunstverständnis: verschiedene Kunstwerke, die ausgeschnitten und kunstvoll auf neue Blätter geklebt wurden, oft mit Goldilluminationen verziert.
Solche Praktiken offenbaren eine collageartige Qualität in der islamischen Kunst: ein Verständnis dafür, dass Schönheit durch das Zusammenfügen von Fragmenten aus verschiedenen Quellen geschaffen werden kann, sei es, um geliebte Bilder zu bewahren oder um durch ihr Zusammenspiel neue Bedeutungen zu schaffen.
Afrika: Perlen, Muscheln und Ahnenassemblage
In der afrikanischen Kunst ist collageartige Assemblage seit langem in der Verzierung von Ritualgegenständen und Insignien präsent. Traditionelle afrikanische Künstler kombinierten oft mehrere Materialien, um ein einziges Werk zu schaffen, und schätzten die texturale und symbolische Fülle, die dies mit sich brachte. Ein eindrucksvolles Beispiel sind afrikanische Masken, die häufig Holzschnitzerei mit zusätzlichen Medien kombinieren.
Viele Masken aus West- und Zentralafrika bestehen nicht nur aus geschnitztem Holz; sie sind mit Perlen, Muscheln, Metall, Fasern und Pigmenten in einem zusammengesetzten Design verziert. Kunsthistoriker bemerken, dass ein Künstler die Basisform aus Holz schnitzen und dann privat mit Schichten von Bedeutung versehen könnte – indem er Kaurimuscheln und farbige Glasperlen anbringt, um Reichtum und heilige Macht zu signalisieren, getuftetes Raffia oder Federn hinzufügt, um spirituelle Verbindung zu beschwören, oder Stoff und Farbe für Farbe hinzufügt.
Die Kuba-Leute aus Zentralafrika schaffen königliche Masken, die mit einem Mosaik aus Kaurimuscheln und Perlen bedeckt sind. Eine Maske der Kuba aus dem 19. Jahrhundert zeigt ein Holzgesicht, das mit Hunderten winziger Muscheln eingelegt ist, die geometrische Muster bilden, mit zusätzlichen Schichten aus Stoff und Federapplikationen – effektiv eine Collage ethnografischer Materialien, die den Reichtum des Königs und die Kosmologie der Gemeinschaft vermitteln.
Masken veranschaulichen, wie afrikanische Künstler Medien zusammenstellten, um Bedeutung zu vermitteln, lange bevor europäische Modernisten „Mixed Media“ priesen. In Afrika war der Impuls zu kombinieren mit spirituellen und sozialen Zwecken verbunden: Die Materialien kamen aus weit entfernten Handel und lokaler Natur und vereinten symbolisch die Gemeinschaft mit der weiteren Welt in einem Objekt.
Indigene Amerikas: Federmosaike und mehr
Indigene Kulturen Amerikas entwickelten ebenfalls collageartige Künste, oft unter Verwendung natürlicher Materialien. Eine der bekanntesten ist die Azteken- und Maya-Federarbeit. In Mesoamerika spezialisierten sich Handwerker, bekannt als amanteca, auf die Erstellung atemberaubender Mosaike aus brillant gefärbten Vogelfedern. Diese Arbeiten, die vor dem europäischen Kontakt entstanden, beinhalteten das akribische Anordnen von Tausenden winziger Federfragmente auf einem Substrat, um Bilder von Göttern, Tieren und königlichen Emblemen zu formen.
Nach der spanischen Eroberung wurde diese Feder-Collage-Tradition im Dienst der Kolonisierung umfunktioniert und wurde gleichzeitig zu einem Punkt des transkulturellen Austauschs. Bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts ließen Franziskaner-Mönche in Mexiko-Stadt indigene Handwerker Feder-Mosaike von christlichen Szenen herstellen, um sie als Wunder der Neuen Welt nach Europa zu senden.
Ein berühmtes Stück namens The Mass of Saint Gregory zeigt eine gesamte katholische Szene, dargestellt in schillernden Federn und Goldakzenten, die indigene Technik mit europäischer Ikonographie verbindet. Diese schimmernden Feder-Collagen – Bilder von christlichen Heiligen, zusammengesetzt aus Quetzal- und Papageienfedern – erstaunten europäische Zuschauer und inspirierten lokale Künstler im Ausland, neue Materialien zu erkunden.
Abseits der Federarbeit kombinierten nordamerikanische und andere indigene Völker auch Materialien in tragbarer Kunst und rituellen Objekten. Krieger der Plains-Indianer zum Beispiel schufen collagierte Kriegsshirts und Ledger-Zeichnungen, die Stoff, Perlenarbeiten und gemalte Erzählungen einbezogen, um ihre Taten festzuhalten.
In der Arktis begannen Inuit-Künstler im 20. Jahrhundert, Stoff und Papier in ihre Steinschnittdrucke und Zeichnungen zu integrieren und effektiv Mixed Media zu schichten, um den Konflikt zwischen Tradition und Moderne darzustellen. Ob mit Federn, Perlen, Stoff oder Papier – indigene Künstler behandelten ihre Werke als kulturelle Palimpseste – physische Orte, an denen unterschiedliche Geschichten und Materialien aufeinandertreffen.
Diese frühen Beispiele unterstreichen, dass Collage wirklich globalen Ursprungs ist: ein Konzept, Bedeutung aus Fragmenten zu assemblieren, das in zeremoniellen und künstlerischen Praktiken auf der ganzen Welt lange vor der Moderne präsent war.
Collage als politischer Protest weltweit
Von den 1930er Jahren bis zum späten 20. Jahrhundert etablierte sich die Collage fest als Werkzeug des politischen Ausdrucks weltweit. Die Einfachheit, Fotografien, Texte und Symbole zu kombinieren, machte die Collage zu einem natürlichen Medium für Propaganda, Protestkunst und sozialen Kommentar.
Der Fotokopierer wurde in den 1980er Jahren zu einem Werkzeug für Künstler wie Barbara Kruger, die Text und gefundene Fotos schichtete, um Konsumismus und Geschlechterrollen zu dekonstruieren. Im apartheid-Ära Kapstadt schuf Jane Alexander skulpturale Collagen, um Unterdrückung zu protestieren. Und auf den Philippinen machte Brenda Fajardo collageartige Drucke, um die Volksgeschichte unter Marcos' Regime zu kommentieren. Jeder Fall bekräftigt die Collage als globale Kunst des Widerstands: zugänglich, visuell beeindruckend und inhärent dialogisch.
Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts war die Collage wirklich eine universelle visuelle Sprache. Von den Propagandaplakaten kubanischer Grafikdesigner nach der Revolution von 1959 bis zu den subversiven Zines und fotokopierten Collagen der Punk-Bewegung in Großbritannien und den USA ermächtigte die Collage diejenigen außerhalb des Mainstreams, die Bilder um sie herum zu schneiden, zu mischen und neu zu mischen.
Europa
In Europa setzten antifaschistische Künstler die Tradition der Fotomontage während des Zweiten Weltkriegs fort. In den Vereinigten Staaten wurden in den 1960er Jahren, der Ära des Vietnamkriegs und der Bürgerrechtskämpfe, Collage- und Montagetechniken in Untergrundzeitungen, Protestplakaten und Pop-Art weit verbreitet eingesetzt.
Amerika
Romare Bearden, ein afroamerikanischer Künstler, schuf Collagen aus Magazinabschnitten, die das schwarze Leben in Amerika darstellten und sich mit Fragen der Identität und des sozialen Wandels befassten. Seine Serie von 1964, “Projections”, überlagerte ausgeschnittene Fotografien afrikanischer Masken auf Szenen aus Harlem und collagierte buchstäblich afrikanisches Erbe in die zeitgenössische schwarze Erfahrung.
Ein anschauliches Beispiel für Collage als Protest ist in der Arbeit von Carolee Schneemann zu sehen, einer amerikanischen Künstlerin, die 1967 “Body Collage”, eine Performance gegen den Vietnamkrieg, inszenierte. Schneemann bedeckte ihren fast nackten Körper mit Leim und Papier und wurde buchstäblich zu einer menschlichen Leinwand, auf die sie Zeitungsschnipsel – viele davon Kriegsüberschriften – schlug und klebte, während sie sich zur Musik wand. Das Ergebnis war eine lebende Protestcollage, bei der der Körper der Künstlerin mit Medienfragmenten verschmolz, die die Schrecken des Krieges darstellten. Dieses Stück veranschaulicht, wie die Collage bis zum späten 20. Jahrhundert von der Seite in die Performance und Installation gesprungen ist, alles im Dienst dringender politischer Kommentare.
Postkoloniale Kunst
Die Collage schnitt sich auch mit dem Aufstieg der postkolonialen Kunst. In den neu unabhängigen afrikanischen und asiatischen Nationen in der Mitte des Jahrhunderts passten Künstler die Collage an, um die vielschichtige Wirkung des Kolonialismus und die Schaffung neuer Identitäten widerzuspiegeln.
In Indien experimentierten einige mit Collage-Druckgrafiken, um die industrielle Entwicklung und politische Korruption zu kritisieren. Und in Lateinamerika fanden die turbulenten Politiken der 1970er und 1980er Jahre Ausdruck in Collage und Montage von Künstlern wie León Ferrari aus Argentinien, der Presseausschnitte und religiöse Bilder collagierte, um gegen staatliche Gewalt zu protestieren.
Collage in der digitalen und zeitgenössischen Ära
Als wir in das 21. Jahrhundert eintraten – ein Zeitalter digitaler Bilder, globaler Vernetzung und intensiverer Gespräche über Identität – ist die Collage nicht nur relevant geblieben; sie ist wohl die prägende Kunstform unserer Zeit geworden.
Die Künstler von heute erben eine Welt, die mit Bildern und Einflüssen aus allen Ecken der Welt gesättigt ist, eine Welt, die selbst durch die Kräfte der Globalisierung zusammengefügt ist. In Reaktion darauf beschäftigt sich die zeitgenössische Collage (sowohl analog als auch digital) mit Themen der kulturellen Hybridität, fragmentierten Identitäten und der Verwischung der Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst, lokal und global.
Digitale Evolution und Globalisierung der Collage
Die digitale Revolution hat das Werkzeug und die Reichweite von Collagekünstlern tiefgreifend erweitert. Mit dem Aufkommen von Bildbearbeitungssoftware im späten 20. Jahrhundert erhielten Collagisten die Fähigkeit, Bilder mit einem Mausklick zu schneiden, zu kleben, zu schichten und zu manipulieren. Dies führte zu einer Explosion der digitalen Collage und Fotomontage, bei der Scans oder digitale Fotos nahtlos miteinander verschmolzen werden können.
Heutige Künstler könnten Bildmaterial aus Archiven, Internet-Memes, globalen Nachrichten und persönlichen Fotos auf einer digitalen Leinwand sampeln – eine Praxis, die den riesigen globalen Bildbank widerspiegelt, die jetzt online zugänglich ist.
Ironischerweise arbeiten viele Collagekünstler trotz der Verbreitung dieser Werkzeuge immer noch von Hand, da sie den taktilen Prozess des Zusammenstellens von Materialien schätzen. Aber ob digital oder analog, die zeitgenössische Collage wird zweifellos durch den leichten Zugang zu vielfältigen visuellen Quellen im Internetzeitalter beeinflusst.
Die Globalisierung hat auch einen größeren Austausch unter Collage-Künstlern weltweit ermöglicht. Durch Online-Plattformen und internationale Ausstellungen hat sich eine globale Collage-Gemeinschaft gebildet, mit Veranstaltungen wie dem World Collage Day und Collage-Festivals in Städten von Lima bis New Orleans. Diese Foren zeigen, wie Künstler aus verschiedenen Kulturen Motive und Methoden voneinander übernehmen.
Künstler können Werke schaffen, die ihre lokale Kultur mit der Globalisierung des Kunstmarktes, dem Online-Zugang zu Materialien und einem internationalen Netzwerk veranschaulichen. Die Mixed-Media-Collage der zeitgenössischen Ära mischt oft buchstäblich globale Quellen und spiegelt eine Welt wider, in der Grenzen durchlässig sind.
Museen und Galerien haben diesen globalen Collage-Zeitgeist angenommen. Das International Collage Center und Wanderausstellungen haben zeitgenössische Collagen von allen Kontinenten gezeigt. Ausstellungen wie “Cut and Paste: 400 Years of Collage” in Edinburgh (2019) stellten 16. Jahrhundert japanische Papiercollagen neben europäische Beispiele des 20. Jahrhunderts und digitale Werke des 21. Jahrhunderts, und betonten eine fortdauernde Linie.
Während sich Kunstmärkte öffnen, finden Künstler aus traditionell marginalisierten Regionen durch Collage Anerkennung. So hat das digitale Zeitalter die inhärente Qualität der Collage als transnationale Kunst verstärkt. Es erlaubt komplexere Schichtungen (sowohl im Inhalt als auch in der Technik) als je zuvor und spiegelt die geschichteten, intersektionalen Identitäten zeitgenössischer Künstler und Zuschauer wider.
Collage als Identität und kultureller Kommentar
Vieles des heutigen politischen Grafikdesigns – man denke an Protestschilder großer sozialer Bewegungen – verwendet Collage-Ästhetik, um dringende hybride Botschaften zu vermitteln. Der Schlüsselgedanke ist, dass Collage, wie sie es immer war, eine Kunst der Kombination mit Absicht bleibt. Im zeitgenössischen Kontext besteht die Absicht oft darin, die mosaikartige Natur von Identität und Kultur hervorzuheben.
Durch das Fragmentieren und Neu-Zusammensetzen visueller Kultur können Künstler hinterfragen, wer ein Bild oder eine Erzählung “besitzt”. Sie schaffen, was der Gelehrte Homi Bhabha als “dritten Raum”-Bilder bezeichnen könnte – Collagen, die zwischen Kulturen existieren und neue Bedeutungen erzeugen.
Vielleicht ist der mächtigste Trend in der zeitgenössischen Collage ihre Nutzung als Werkzeug zur Erkundung und Behauptung von Identität – sei es persönliche, kulturelle, rassische oder geschlechtliche Identität. Weltweit haben Künstler*innen of Color, Künstlerinnen, LGBTQ+-Künstler*innen und andere zur fragmentarischen Sprache der Collage gegriffen, um Bilder von sich selbst und ihren Gemeinschaften neu zu konstruieren, oft im Widerspruch zu Stereotypen. Indem sie Bilder (insbesondere Bilder aus den Massenmedien) zerschneiden und neu zusammensetzen, können sie buchstäblich vorherrschende Darstellungen dekonstruieren und neue, zusammengesetzte Visionen schaffen, die ihre eigene Erfahrung widerspiegeln.
Collage heute ist ebenso sehr ein Gespräch (zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Selbst und Gesellschaft, einer Kultur und einer anderen) wie es um Ästhetik geht. Jedes Fragment in einer Collage trägt eine Geschichte, und indem sie Fragmente zusammenbringen, entfachen Künstler einen Dialog darüber, wie diese Geschichten sich überschneiden.
Wangechi Mutu
Ein leuchtendes Beispiel ist Wangechi Mutu, eine in Kenia geborene Künstlerin, deren Werk die globale Fusion im Herzen vieler zeitgenössischer Collagen veranschaulicht. Mutu, die jetzt in New York lebt, schafft großformatige Collagen, die Ausschnitte aus Modemagazinen, Anatomiebüchern, traditioneller afrikanischer Kunst und persönliche Zeichnungen kombinieren.
Mutus Figuren sind fantastische hybride Frauen – teils Mensch, teils Maschine, teils Tier, geschmückt mit den Insignien der Konsumkultur und Anspielungen auf afrikanische Mythen. Indem sie Bilder aus den populären Medien und medizinischen Diagrammen sammelt, setzt sie weibliche Körper zusammen, die sowohl bezaubern als auch beunruhigen.
Mutus Werk, in ihren eigenen Worten, „übernimmt die Kontrolle“ über die weibliche Darstellung, indem sie die weibliche Form, wie sie in kolonialen und pornografischen Darstellungen gezeigt wird, buchstäblich zerschneidet und dann nach ihren eigenen Vorstellungen neu zusammensetzt. Durch Collagen navigiert sie ihre afrikanische Identität in einem westlichen Kontext und schafft einen visuellen Dialog über Rasse, Geschlecht und Macht, der weltweit Resonanz findet.
Rashid Rana
In Südasien hat Rashid Rana aus Pakistan Anerkennung für seine fotografischen Collagen erlangt, die kulturelle Stereotype kritisieren. Seine berühmte Veil-Serie zeigt aus der Ferne betrachtet das Bild einer Frau in einer Burka. Bei näherer Betrachtung wird das Porträt als aus Tausenden winziger, kachelartiger Fotografien zusammengesetzt enthüllt, die in Wirklichkeit verschwommene pornografische Bilder von Frauen sind.
Indem er „verbotene“ Bilder in die Form eines anderen kulturell aufgeladenen Bildes collagiert, konfrontiert Rana den Betrachter mit der Schnittstelle von Ost-/West-Objektivierungen von Frauen. Er zwingt uns effektiv, „die Stereotypen zu hinterfragen“ und die Mechanismen der Wahrheit hinter den Medienrepräsentationen zu kritisieren. Seine Collagemethode – unter Verwendung digitaler Software, um Tausende von Fotos zu einem Mosaik zu verarbeiten – spricht auch für das Leben in einer mediengesättigten, globalisierten Ära, in der Identitäten zunehmend vermittelte Bilder sind.
Alberto Pereira
Über den Atlantik hinweg haben Künstler in Brasilien Collagen verwendet, um die schwarze Identität in einer von kolonialen Bildern geprägten Gesellschaft zurückzufordern. Alberto Pereira startete beispielsweise 2014 eine Serie namens Noble Negro, in der er Porträts von schwarzen brasilianischen Kulturikonen digital in Reproduktionen von europäischen königlichen Gemälden des 15. bis 18. Jahrhunderts einfügt. Indem er schwarze Gesichter buchstäblich auf alte Meisterleinwände collagiert, schlägt er eine neue Erzählung für Bilder vor, die zu einer Zeit produziert wurden, als der schwarze Mann nie dargestellt wurde.
Eines von Pereiras Werken, Jesus Pretinho (Schwarzer Jesus), stellt Christus als schwarzen Mann dar und stellt so Jahrhunderte eurozentrischer religiöser Bilder infrage. Pereira erklärt, dass er durch Collagen erkannte, dass er „andere Einblicke bieten, Geschichten neu erzählen, Logik umkehren und Symbole in der Gesellschaft neu definieren“ konnte. Dies ist der Kern der Identitätscollage: bestehende Bilder (oft Symbole der Unterdrückung oder des Ausschlusses) auseinanderzunehmen und sie neu zu mischen, um eine alternative Realität zu visualisieren.
Deborah Roberts
Ähnlich haben Frauen aus marginalisierten Gemeinschaften Collagen genutzt, um ihre Perspektiven zu behaupten. In den Vereinigten Staaten schafft Deborah Roberts collagierte Porträts junger schwarzer Mädchen aus Magazinschnipseln und verleiht ihrer Schönheit und Komplexität in einer Kultur Gestalt, die oft versucht, sie zu karikieren oder auszulöschen.
Destiny Deacon
In Australien verwendet Destiny Deacon Collage und Assemblage in der Fotografie, um die Aborigine-Identität und die Erfahrung der Kolonisation zu thematisieren, indem sie oft Familienfotos in kitschige gefundene Bilder einfügt, um koloniale Erzählungen zu stören. Und unter queeren Künstlern war das Mischen von Zeichen durch Collagen eine natürliche Passform, um fließende Identitäten zu erforschen.
Der sich ständig weiterentwickelnde kulturelle Dialog der Collage
Von seinen alten Inkarnationen bis zu seiner digitalen Renaissance hat sich die Collage als eine beständige und unendlich anpassungsfähige Form des künstlerischen Ausdrucks erwiesen. Was mit bescheidenen Papierfetzen in Ostasien oder glitzernden Federn in Mesoamerika begann, hat sich zu einer globalen visuellen Sprache entwickelt – eine, die Grenzen und Zeitepochen überschreitet.
Die Geschichte der Collage ist kein linearer Verlauf, der einer einzigen Kultur gehört, sondern ein reiches Gewebe, das aus vielen Fäden gewoben ist: das andächtige Flickwerk einer Mogul-Albenseite; die zeremonielle Assemblage einer afrikanischen Maske; der modernistische Schock eines kubistischen Zeitungsausschnitts; die agitprop-Photomontage eines Dada-Pamphlets; das persönliche und politische Remixen der heutigen digitalen Künstler.
Jede Iteration spricht auf ihre Weise den grundlegenden menschlichen Impuls an, Bedeutung zu schaffen, indem Teile verbunden werden, indem anerkannt wird, dass kein einzelnes Bild oder Perspektive die ganze Geschichte erzählt.
Im 20. Jahrhundert wurde die Collage zu einem Mittel, um künstlerische Konventionen und soziale Ungerechtigkeiten herauszufordern, ein wahrhaft avantgardistisches Medium, gerade weil es die Realität in die Kunst und die Kunst in die Realität brachte. Im 21. Jahrhundert setzt sich diese Rolle mit noch größerer Resonanz fort. Wir leben in einer Collage-Welt – bombardiert von Bildern, navigieren durch multikulturelle Identitäten, setzen unsere Geschichten und Zukünfte aus Fragmenten zusammen.
Es ist vielleicht keine Überraschung, dass die Collage-Kunst erneut aufblüht, wie die unzähligen globalen Ausstellungen, Online-Communities und akademischen Studien, die ihr gewidmet sind, belegen. Kurator Pavel Zoubok hat die Collage als „die demokratischste aller Kunstformen“ bezeichnet, weil ihre Materialien für jeden zugänglich sind und ihre Botschaft im Zusammenprall und in der Harmonie erkennbarer Elemente sofort erfasst werden kann.
Collage lädt zur Teilnahme ein: Der Betrachter versucht instinktiv, die Teile und ihre Beziehungen zu entschlüsseln, und erschafft so die Collage in seinem eigenen Kopf neu.
Wichtig ist, dass Collage auch zum Dialog einlädt. Eine Collage ist nie nur eine Stimme; es sind viele Stimmen im Gespräch – manchmal im Konflikt, manchmal im Chor. In einer Welt, die sich zunehmend des Wertes vielfältiger Stimmen bewusst ist, ist dieser Aspekt der Collage von großer Relevanz.
Während Künstler von Lagos bis London, São Paulo bis Seoul weiterhin Teile unserer globalen visuellen Kultur schneiden, reißen, schichten und verschmelzen, führen sie einen Dialog fort, der vor Jahrhunderten begann, als der erste Handwerker beschloss, eine Sache auf eine andere zu kleben und zu sehen, was sie sagen könnte. Jede Collage ist ein kleiner Akt der Weltschöpfung – eine Behauptung, dass aus disparaten Teilen eine neue Kohärenz entstehen kann.
Abschließend zeigt die Reise der Collage-Kunst durch die Geschichte, wie kulturelle Einflüsse zirkulieren und inspirieren. Collage ist sowohl ein Spiegel als auch ein Mosaik der globalen Kultur: Sie spiegelt die Kollisionen und Vermischungen wider, die die menschliche Erfahrung definieren, und sie fügt diese Scherben zu Formen zusammen, die uns herausfordern und verzaubern.
Solange Künstler den Drang verspüren, Bilder und Materialien zu kombinieren, um eine Geschichte zu erzählen – sei es persönlich, politisch oder poetisch – wird sich die Collage weiterentwickeln. Sie bleibt ein offenes Gespräch, eine Kunst vieler Sprachen, die alle auf einmal gesprochen werden.
In diesem dynamischen, sich überschneidenden Chor können wir die Form unseres gemeinsamen künstlerischen Erbes wahrnehmen: sich ständig neu anordnend, neue Bedeutungen suchend, ähnlich einer Collage im Entstehen.
Leseliste
- Cai Lun. Geschichte der Collage. Photosynthesis Magazine.
- Muraqqa‘: Kaiserliche Mogul-Alben aus der Chester Beatty Library, Dublin. Smithsonian Institution, National Museum of Asian Art.
- Elliott, Patrick. “Cut and Paste: 400 Years of Collage.” Collage Research Network, 13. Juni 2019.
- Minneapolis Institute of Art. “Afrikanische Masken und Maskeraden – Idee Vier.” Teaching the Arts: Five Ideas.
- Russo, Alessandra, et al., Hrsg. Images Take Flight: Feather Art in Mexico and Europe 1400–1700. Hirmer, 2015.
- Wolfe, Shira. “Die Geschichte der Collage in der Kunst.” Artland Magazine.
- Art in Context. “Dada-Collage.”
- Saatchi Gallery. Künstlerprofil: Rashid Rana.
- Encyclopædia Britannica. “Wangechi Mutu.” Von Debra N. Mancoff. Aktualisiert 2022.
- Buttini, Madelaine. “Der Einfluss kultureller Vielfalt in der Collagekunst.” Madbutt Blog, 26. Feb 2024.
- Sybaris Collection. “Der Platz der Collagekunst in der Kunstentwicklung des 21. Jahrhunderts.” 2020.
- Contemporary And (C& América Latina). “Collage als Bestätigung von Identitäten.” Nov 2021.
- National Galleries Scotland. Cut and Paste: 400 Years of Collage (Ausstellungskatalog). Edinburgh, 2019.
- Hyperallergic. “Gefieder der Heiligen: Aztekische Federkunst im Zeitalter des Kolonialismus.” 5. Feb 2016.
