예술 전화 케이스 페인팅

전화를위한 캔버스 : 아트 폰 케이스 페인팅

이 그림 예술 전화 케이스를 통해 생생한 오디세이를 시작하여 스마트 폰을 주머니 크기의 유명한 예술 갤러리로 바꾸십시오.

이 절충주의 어레이의 각 사례는 고전 및 현대 미술의 세계로가는 포털이며, Van Gogh의 마스터 스트로크 또는 고통의 고요한 터치에서 장치를 뿌려줍니다.

8 월 Macke의 생생한 키치에서 Kandinsky의 대담한 추상 표현에 이르기까지 스타일의 팔레트를 통과합니다. 각 사례에는 캔버스의 전설에 생명을 불어 넣는 예술 복제품이 있습니다. 그들의 색의 소용돌이, 질감의 깊이 및 브러시 스트로크는 손바닥에서 자신의 독특한 이야기를 말합니다.

이 그림 아트 폰 케이스는 미학을 넘어서고 있습니다. 내구성을 위해 제작되었으며, 정교함의 공기를 추가하면서 매일 사용의 엄격함에 대해 휴대 전화를 보호하도록 설계되었습니다. 그들은 대화 우선입니다. 도시 정글을 탐색하든 샹들리에의 빛 아래에서 식사를하든간에. 스타일로 보호하고 매일의 순간을 아름다움과의 만남으로 변신시키는 것을 약속합니다. 예술은 여기서 삶을 모방하는 것이 아니라, 당신과 함께 여행하며, 모든 전화와 텍스트를 독특한 미학적 감각의 디스플레이로 바꿉니다.

그렇다면 왜 걸작으로 휴대 전화를 보호 할 수있을 때 왜 평범한 일에 정착합니까? 당신의 매일의 디지털 동반자가 당신 주변의 세계만큼 표현적이고 예술적이되도록하십시오. 그것은 단지 당신의 가제트를 지키는 것이 아니라 당신의 영혼과 직접 말하는 예술적 유산을 주머니에 넣는 것입니다.

예술적 형태로 그림의 기원은 선사 시대로 거슬러 올라가며, 가장 오래된 그림은 수만 년 전에 선사 시대 인간이 만든 동굴 그림입니다.

그림의 초기 역사에 대한 몇 가지 핵심 요점 :

• 가장 오래된 알려진 그림은 40,000 년 전에 유럽, 호주, 아프리카 및 인도네시아의 동굴에서 만들어졌습니다. 이 초기 그림은 황토와 숯과 같은 미네랄 안료를 사용하여 만들어졌으며 동물, 사냥 장면 및 추상 기호를 묘사했습니다.
• 인간이 안료를 분쇄하고 혼합하는 첫 번째 증거는 남아프리카의 블롬 보스 동굴에서 10 만 년 전부터 초기 인간이 페인트를 만들고 고의적으로 그림을 그리는 것을 시사합니다.
• Homo Sapiens 또는 Neanderthals가 최초의 예술가인지에 대한 논쟁이 있습니다. 최근 65,000 년 전에 스페인의 동굴 그림의 데이트는 현대 인간이 유럽에 도착하기 전에 네안데르탈 인들이 그려 졌을지도 모른다는 것을 시사합니다.
• 그림은 수천 년 전에 이집트, 그리스, 로마, 인도 및 중국과 같은 고대 문명에서 중요한 예술 형태로 등장했습니다. 각 문화에서 개발 된 다양한 스타일과 기술.
• 이탈리아 15-16 세기 르네상스에서 유화와 같은 새로운 기술의 발전으로 그림이 번성했습니다. 중요한 혁신이 발생하여 장면과 사람들의 현실적인 묘사로 이어졌습니다.
• 정확한 기원은 불분명하지만, 증거는 초기 인간이 예술적 표현을 통해 자연 세계와 그들의 삶에 대한 영구적 인 기록을 만들기 시작하면서 다른 고대 문화에서 독립적으로 그림이 등장했음을 시사합니다. 4 만 년이 넘는 동굴 그림은 가장 초기의 논란의 여지가없는 예를 나타냅니다.

페인팅은 지지대 또는 매트릭스로 알려진 페인트, 안료, 색상 또는 기타 매체를 고체 표면에 적용하는 관행입니다. 매체는 일반적으로 브러시로베이스에 적용되지만 나이프, 스폰지 및 에어 브러시와 같은 다른 도구를 통해서도 적용 할 수 있습니다.

그림은 감정, 아이디어 및 감각을 표현하기 위해 페인트와 색상을 사용하는 시각 예술의 한 형태입니다. 선, 모양, 질감, 가치, 공간 및 색상과 같은 예술의 요소를 사용합니다. 그림은 현실적인 표현을 묘사하거나 완전히 추상적 일 수 있습니다.

그림의 몇 가지 주요 측면에는 다음이 포함됩니다.

• 중간 - 오일, 아크릴, 수채화, 구 아슈 등과 같은 페인트 또는 안료의 유형. 매체는 색상, 질감, 건조 시간 등과 같은 품질에 영향을 미칩니다.
• 표면/지지 - 캔버스, 목재, 종이, 금속 등과 같은 표면의 유형. 이는 흡수, 질감, 내구성에 영향을 미칩니다.
• 도구 - 브러시, 팔레트 나이프, 스폰지, 에어 브러시 등. 페인트를 적용하는 데 사용됩니다. 다른 도구마다 다른 효과를 만듭니다.
• 구성 - 아트 워크에서 시각적 요소의 배열. 여기에는 균형, 강조, 운동, 다양성, 조화 등과 같은 원칙이 포함됩니다.
• 소재 - 표현 풍경에서 비표차 초록 작품에 이르기까지 그림에 묘사 된 것.
• 스타일 - 현실주의, 인상주의, 표현주의, 입체파 등과 같은 다양한 그림 기술과 접근법을 정의하는 특성.
• 목적 - 장식, 자기 표현, 개념적 아이디어, 문서 등에 대한 그림의 의도 된 기능.

역사 그림

• 역사적, 신화, 성서적, 문학적 또는 우화 장면을 묘사합니다.
• "그랜드 장르"와 가장 유명한 것으로 간주됩니다.
• 예 : Jacques-Louis David의 소크라테스의 죽음

초상화 그림

• 개인 또는 그룹의 모양을 나타냅니다.
• 공식적인 커미션에서 캐주얼 스냅 샷에 이르기까지 다양합니다.
• 예 : Leonardo da Vinci의 Mona Lisa

장르 페인팅

• 일상 생활과 일반적인 사람들의 장면을 묘사합니다.
• 평범한 작업, 축하 또는 활동을 보여줍니다.
• 예 : Jan Steen 's The Feast of Saint Nicholas

조경 그림

• 산, 계곡, 나무, 강 등과 같은 자연 경관을 묘사합니다.
• 현실적에서 인상적인 스타일에 이르기까지 다양합니다.
• 예 : Claude Monet의 인상, 일출

정물화

• 꽃, 음식, 물건 등과 같은 무생물 주제를 묘사합니다.
• 학업 계층에서 "가장 낮은"장르로 간주됩니다.
• 예 : Vincent van Gogh의 해바라기

실재론

• 이상화 나 양식화없이 주제를 진실로 묘사하는 것을 목표로합니다.
• 형태, 색상, 빛 및 공간의 현실적인 표현에 중점을 둡니다.
• 종종 키 아로 스쿠로, 음소거 된 색상 및 색조의 통일을 사용합니다.
• 주요 현실주의 화가로는 Gustave Courbet, Winslow Homer, Edward Hopper가 있습니다.

인상주의

• 생생한 색상과 느슨하고 깨진 브러시 스트로크를 사용하여 순간의 즉각적인 인상을 캡처합니다.
• 빛과 색상의 변화하는 효과에 중점을 둡니다.
• 종종 야외에서 페인트를 칠하고 밝고 밝은 색상을 사용합니다.
• 주요 인상적인 화가로는 Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro가 있습니다.

표현주의

• 왜곡과 과장을 사용하여 정서적 또는 심리적 상태를 전달합니다.
• 내면의 경험의 상징적이고 주관적인 표현을 강조합니다.
• 대담하고 때로는 불협화음 색상과 제스처, 에너지가 많은 브러시 워크가 특징입니다.
• 주요 표현주의 화가로는 Edvard Munch, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner가 있습니다.

입체파

• 여러 관점의 주제를 동시에 표시합니다.
• 조각난 평면과 기하학적 형태는 주제를 추상적으로 묘사합니다.
• 종종 단색이며 감정적으로 분리됩니다.
• 주요 입방체 화가로는 Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris가 있습니다.

추상적인

• 외부 현실을 전혀 대표하려고 시도하지 않습니다.
• 색상, 모양, 질감, 프로세스 - 인식 할 수없는 형태에 중점을 둡니다.
• 형태를 통해 직접 감정, 아이디어 또는 시각적 특성을 표현합니다.
• 주요 추상 화가로는 Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Mark Rothko가 포함됩니다.

컬러 팔레트는 아티스트가 특정 그림이나 작품에 사용하는 다양한 색상을 나타냅니다. 그것은 페인트를 잡고 혼합하는 데 사용되는 실제 물리적 팔레트와 아티스트가 선택한 색상의 선택을 모두 포함합니다.

물리적 팔레트는 일반적으로 목재, 플라스틱, 금속, 세라믹, 유리 또는 기타 비 관절 재료로 만든 얇고 평평한 표면입니다. 예술가는 페인트를 캔버스에 적용하기 전에 페인트를 정리하고 혼합 할 수 있습니다. 팔레트는 다양한 모양과 크기로 제공 될 수 있지만 일반적으로 그림을 그리는 동안 엄지 손가락을 잡을 수있는 구멍이나 들여 쓰기가 있습니다. 물리적 도구에 따르면 색상 팔레트는 그림이나 특정 아티스트가 사용하는 색상 세트를 설명합니다. 아티스트의 팔레트는 다음과 같은 요소에 의해 알려집니다.

• 사용 된 페인트의 유형 - 오일, 아크릴, 수채화, 구 아슈 등. 각각의 색상이 다릅니다.
• 그림의 주제, 분위기 및 목표. 일부 피험자들은 더 밝고 활기찬 팔레트를 요구합니다.
• 작가의 개인적인 취향, 스타일 및 색상 이론 지식.
• 안료 및 물질의 가용성. 역사적으로 특정 색상은 얻기가 더 어려웠습니다.
• 예술적 움직임 그리고 특정 색조를 선호하는 트렌드.

팔레트는 종종 시각적 통일성을 제공하고 전체 색 구성표를 설정합니다. 단색에서 고도로 포화되고 다양한 것까지 다양합니다. 색상 관계와 조합도 팔레트에도 영향을 미칩니다. 예술가는 보완적이고, 유사하거나, 3 인조 하모니를 선호 할 수 있습니다.

• 구성 - 아트 워크 내 시각적 요소의 배열과 균형. 강력한 구성은 그림을 통해 시청자의 눈을 안내합니다.
• 색상 - 색상 조합, 대비, 조화, 값 및 강도를 사용하여 특정 분위기를 만들고주의를 끌고 의미를 전달합니다.
• 빛 - 피험자에게 형태와 양을주는 그림 내의 조명과 그림자. 조명은 초점을 지시하고 톤을 설정합니다.
• 브러시 워크 - 시각적 관심과 역 동성을 더하는 질감, 적용 및 가시 브러시 스트로크. 다른 기술은 다양한 표현을 이끌어냅니다.
• 공간 - 관점, ​​겹치는, 크기, 배치 및 기타 공간 신호를 통해 생성 된 3 차원 공간의 환상.
• 움직임 - 구성, 흐름 및 방향은 구성, 주제 및 스타일 기법을 통해 달성됩니다.
• 균형 - 평형과 조화를 제공하는 시각적 무게와 요소의 분포.
• 단일성 - 그림을 통합하는 스타일, 테마 및 구성의 응집력.
• 다양성 - 라인, 모양, 색상, 질감의 연합과 다양성의 조합 시각적 매력을 향상시킵니다.
• 중요성 - 중요한 요소에 대한주의를 기울여 대비, 분리, 배치 등 사용.
• 율 - 시각적 리듬과 패턴을 만들기위한 반복과 요소 순서.