À la fin du XIXe siècle, une certaine lueur magnétique semblait suivre John Singer Sargent partout où il installait son chevalet. Son coup de pinceau rapide et infaillible et son œil incisif pour le détail allaient définir un moment culturel que nous rappelons maintenant comme l'âge doré, capturant l'ambition, l'élégance et les tensions cachées d'un monde en mutation.

Les critiques l'ont surnommé maître portraitiste, mais ses talents allaient bien au-delà des salons de l'aristocratie. Errant à travers l'Europe dans sa jeunesse, s'immergeant dans le dynamisme du flamenco espagnol ou l'agitation des bazars nord-africains, Sargent a acquis une ampleur de vision qui s'est répandue sur chaque toile qu'il touchait.

Des salons royaux de Londres aux rues agitées de Paris et de New York, il a distillé l'esprit d'une époque—une époque imprégnée d'opulence mais hantée par un murmure de fragilité.

Ce talent vaste a façonné un héritage qui résonne encore aujourd'hui, et comprendre Sargent signifie retracer l'arc agité d'un peintre qui a refusé de rester en un seul endroit—artistiquement, culturellement ou géographiquement.

Malgré l'élégance de ses portraits formels, il était, à bien des égards, un nomade américain : un vagabond de la société, reliant sans cesse l'ancien monde et le nouveau.

Points Clés

• Découvrez comment John Singer Sargent est devenu le portraitiste par excellence de son temps.
• Apprenez l'intégration unique des techniques impressionnistes dans les portraits de Sargent.
• Appréciez l'ampleur de l'œuvre de Sargent, y compris ses paysages et ses fresques au-delà des portraits de société.
• Découvrez les profondeurs personnelles et culturelles révélées dans les peintures de Sargent.
• Examinez l'influence durable de Sargent sur l'art américain et sa pertinence continue à l'époque moderne.
• Explorez la richesse de l'art de Sargent et sa capture de l'esprit d'une époque en détail vif.

Création d'un Maître : John Singer Sargent en tant qu'Expatrié Américain

Photographe inconnu, John Singer Sargent dans les Alpes (1910-11 CE)

Le voyage de John Singer Sargent a commencé au milieu de la beauté artistique de Florence, en Italie, où ses premières années ont été aussi vives et non conventionnelles que les coups de pinceau qui définiraient plus tard son art. Né dans une famille expatriée cosmopolite, la jeunesse de Sargent a été marquée par un mode de vie itinérant—ses parents l'ont emmené à travers les épicentres culturels de l'Europe, lui offrant une éducation immergée dans les grandes traditions de l'art occidental.

Les riches textures de la Toscane ont formé le décor de ses années formatrices, remplies de visites de musées et de leçons sur la grandeur de l'art de la Renaissance. La mère de Sargent, Mary, une héritière de Philadelphie et artiste amateur en aquarelle, a cultivé en lui une passion perpétuelle pour le monde visuel, malgré les pressions sociales qui décourageaient les femmes de poursuivre de telles passions. La quête incessante de beauté et de culture de Mary a conduit la famille à travers la Suisse, Paris, Salzbourg, Milan, Gênes et Rome, nourrissant le talent artistique naissant de son fils.

L'éducation de Sargent était non conventionnelle. En tant qu'itinérants permanents, sa famille avait rarement les ressources pour une scolarité traditionnelle, alors son père a fourni une version du XIXe siècle de l'école à la maison, se concentrant sur les opportunités que leurs voyages présentaient. Les musées, les bibliothèques, les jardins et les ruines anciennes sont devenus les salles de classe de Sargent, lui offrant une éducation unique et immersive qui a ancré une curiosité et une polyvalence dans sa pratique artistique.

Carolus-Duran et l'influence des maîtres anciens

John Singer Sargent, Portrait de Carolus-Duran (1879 CE)

Le père de Sargent espérait qu'il devienne officier de marine, mais il est vite devenu clair que la passion de John était pour l'art. En 1874, à l'âge de 18 ans, il a déménagé à Paris, alors centre du monde de l'art, pour se former officiellement en tant que peintre. Il s'est inscrit à la prestigieuse École des Beaux-Arts et, surtout, est entré dans l'atelier indépendant de Charles Auguste Émile Durand, mieux connu sous le nom de Carolus-Duran , un portraitiste à la mode célèbre pour sa technique moderne. Sous la tutelle de Carolus-Duran, Sargent a été poussé à abandonner le travail de pinceau académique timide en faveur d'une peinture directe.

Carolus-Duran insistait pour que ses étudiants peignent au premier coup, ou “au premier toucher” – une forme de technique alla prima impliquant l'application de peinture humide sur humide avec des coups de pinceau confiants. Cette méthode encourageait un style large et pictural et nécessitait une précision technique et du courage à parts égales. Sargent a adopté cette approche radicale, maîtrisant rapidement l'art de capturer une scène ou un modèle en une seule et vive tentative. Sa capacité à “dessiner avec un pinceau,” rendant les formes avec des coups fluides mais précis, deviendrait une caractéristique de son travail.

Tout en perfectionnant son art à Paris, Sargent s'est également imprégné de l'héritage des Vieux Maîtres. Carolus-Duran, qui admirait le peintre espagnol du XVIIe siècle Velázquez, a dirigé Sargent pour étudier les grands maîtres européens comme Diego Velázquez, Rembrandt, et Titien.

En 1879, Sargent s'est rendu à Madrid pour copier les peintures de Velázquez au Prado, et l'année suivante en Hollande pour étudier le travail expressif de Frans Hals. Ces influences ont profondément façonné l'identité artistique de Sargent. De Velázquez, il a absorbé un sens de la composition et du ton, de Hals une liberté et une vie dans le travail de pinceau, et de Rembrandt une pénétrante perspicacité dans le caractère.

Dès ses vingt ans, Sargent synthétisait ces influences des Vieux Maîtres avec des techniques modernes, réalisant ce qu'un critique appellerait une simplicité savante – une “simplicité habile” qui rendait son travail à la fois classiquement informé et remarquablement frais.

Portraits Alla Prima et le Pouvoir du Réalisme

Sous la tutelle de Carolus-Duran, Sargent s'est épanoui en un prodige technique. Il a étonné les instructeurs et ses pairs en remportant des honneurs au Salon de Paris alors qu'il était encore dans la vingtaine : une Mention Honorable en 1879 pour son portrait de Carolus-Duran lui-même, et une médaille de Deuxième Classe en 1881 pour un portrait de Madame Ramón Subercaseaux.

Les critiques ont remarqué le bravoure du jeune Américain dans son coup de pinceau et ses compositions non conventionnelles qui défiaient les normes académiques rigides sans les renverser complètement.

L'influence de Carolus-Duran est évidente dans l'approche audacieuse de Sargent : l'utilisation d'ombres profondes et non modulées et de lumière vacillante, et une emphase sur l'immédiateté plutôt que sur des couches laborieuses. Sargent peignait « humide sur humide » – mélangeant et façonnant les formes sur la toile avec des coups de pinceau spontanés – ce qui donnait à ses meilleurs portraits une impression de présence vivante et respirante.

À la fin des années 1870, la maîtrise émergente alla prima de Sargent brillait dans les portraits et les scènes de genre. Un des premiers triomphes fut Les Filles d'Edward Darley Boit (1882), un portrait de quatre jeunes sœurs à Paris que Sargent a composé de manière non conventionnelle et énigmatique – avec les filles placées de manière informelle dans une pièce sombre et spacieuse. La peinture, maintenant célèbre pour son atmosphère envoûtante, montrait la dette de Sargent envers Las Meninas de Velázquez dans sa composition audacieuse et son jeu de lumière et d'ombre.

Un autre était El Jaleo (1882), une représentation grandeur nature d'une danseuse de flamenco se produisant avec des musiciens, inspirée par les voyages de Sargent en Espagne. Quand El Jaleo Lors de ses débuts, les spectateurs ont été stupéfaits par son éclairage théâtral et son coup de pinceau dynamique : la danseuse tourbillonne dans des jupes blanches au centre tandis que les guitaristes et les spectateurs s'estompent dans une obscurité enfumée aux bords, un effet de mouvement et de mystère qu'un contemporain a décrit comme faisant de la toile « une chose vivante ». Ces œuvres ont annoncé que Sargent pouvait gérer non seulement des portraits de société polis mais aussi des scènes dramatiques et défiant les genres palpitant d'énergie.

La technique de peinture de portrait de Sargent à cette époque était audacieuse et fluide. Travaillant principalement à partir de séances en direct, il esquissait rapidement la pose au fusain, puis attaquait la toile avec de larges pinceaux, souvent en complétant une ressemblance en bien moins de séances que les autres portraitistes de l'époque. Son coup de pinceau rapide et infaillible faisait ressortir la brillance des robes en satin, l'éclat des bijoux, la douceur de la chair et l'étincelle dans un œil avec une économie de moyens étonnante.

« Un portrait est une peinture avec quelque chose qui ne va pas avec la bouche », plaisantait un jour Sargent, reconnaissant la difficulté notoire de plaire à ses modèles. En effet, il était un perfectionniste qui parfois grattait et repeignait un visage plusieurs fois pour le réussir. Mais quand tout se passait bien, le résultat était un portrait qui palpitait de vie, capturant non seulement l'apparence physique d'un sujet mais aussi une impression de sa personnalité et de son humeur.

Un exemple emblématique est Lady Agnew of Lochnaw (1892), un portrait en buste d'une jeune aristocrate écossaise. La représentation détendue mais royale de Lady Agnew par Sargent – assise dans un fauteuil rembourré, regardant directement le spectateur avec un léger sourire – combinait délicatesse et force tranquille à parts égales. L'harmonie nuancée des couleurs de lavande, d'ivoire et de gris doux et ses coups de pinceau confiants et fluides en ont fait un succès immédiat, renforçant la réputation de Sargent en tant que virtuose du portrait de l'époque.

Scandales et Triomphes : Madame X et Défi de la Société

Photographe inconnu, Sargent dans son studio avec Madame X (1885 CE)

Au Salon de Paris de 1884, Sargent a dévoilé un portrait qu'il espérait consoliderait sa position parmi les portraitistes d'élite de France – une peinture officiellement intitulée Portrait de Madame Pierre Gautreau mais désormais célèbre sous le nom de « Madame X. » Le sujet, Virginie Amélie Gautreau, était une jeune mondaine parisienne d'origine américaine célébrée pour sa beauté et son style excentrique.

Sargent l'a représentée dans une robe noire élégante avec des bretelles ornées de bijoux, une bretelle initialement peinte glissant de manière provocante de son épaule – une pose qu'il estimait capturer sa personnalité. La réaction fut explosive. Alors que Sargent avait l'intention de faire du portrait une représentation audacieuse mais de bon goût de l'élégance moderne, de nombreux spectateurs du Salon l'ont trouvé choquant et indécent, interprétant la bretelle tombée et la peau pâle et poudrée de Virginie comme suggestives et “indécentes.”

Les dénonciations des critiques français étaient cinglantes : Gautreau était mortifiée, et Sargent, consterné par le scandale qu'il avait involontairement causé, a repeint la bretelle à sa place correcte sur l'épaule pour apaiser le tollé. C'était trop tard – Paris avait pris sa décision. “Un portrait [d'une dame] devrait montrer une femme de mode, pas une femme déchue,” ont reniflé les matrones de la société. La clientèle de Sargent à Paris s'est évaporée du jour au lendemain ; l'artiste a plus tard plaisanté en disant que chaque fois qu'il peignait un portrait, il perdait un ami. Face à l'embarras et à une perte soudaine de commandes, le peintre de 28 ans s'est retiré à Londres pour reconstruire sa carrière.

Ironiquement, Madame X est maintenant considérée comme le chef-d'œuvre de Sargent et l'une des images emblématiques de l'âge doré. Avec son contraste saisissant entre la peau d'albâtre de Madame Gautreau et un fond bronze plat, et son profil hautain tourné en silhouette parfaite, la peinture possède un charme intemporel.

La défiance de la société inhérente à la représentation de Sargent – montrant une femme avec une assurance et une sensualité sans complexe – a marqué un tournant dans le portrait. Les portraits n'étaient plus de simples décorations flatteuses, ils pouvaient être des déclarations de personnalité et même de provocation. Comme le note l'historien de l'art Trevor Fairbrother, Sargent “n'était pas un grand peintre de la société, il était un grand peintre qui peignait la société” – imprégnant ses portraits de société d'une profondeur psychologique et d'un style moderne. 

Madame X est aujourd'hui exposée au Metropolitan Museum of Art à New York, emblématique de la manière dont Sargent a capturé le glamour et la tension de l'âge doré. Dans la robe noire corbeau et la pose aristocratique de Virginie Gautreau, on voit à la fois l'opulence de la mode haute monde et un soupçon de l'indépendance transgressive à laquelle ces femmes aspiraient, préfigurant les rôles changeants des femmes au nouveau siècle.

Londres a finalement offert à Sargent un second acte. Avec l'aide d'amis comme l'écrivain Henry James , qui a décrit Sargent comme « civilisé jusqu'au bout des doigts » et l'a présenté avec enthousiasme à la haute société britannique, Sargent a lentement gagné de nouveaux mécènes.

À la fin des années 1880 et 1890, il était le portraitiste de choix pour l'élite fortunée des deux côtés de l'Atlantique. Son studio sur Tite Street à Chelsea (précédemment occupé par James McNeill Whistler) est devenu un véritable défilé de noblesse, d'industriels, d'artistes et de célébrités posant pour leurs portraits.

Parmi les portraits de la haute société de l'âge d'or de Sargent figuraient des portraits de femmes aristocratiques comme Lady Gertrude Agnew, Mme Isabella Stewart Gardner (1888) – la mécène d'art influente de Boston que Sargent a peinte comme une figure imposante dans une robe blanche – et les sœurs Wyndham (1899), un triple portrait de trois élégantes sœurs surnommées « Les Trois Grâces » par la presse.

Il a peint des membres de la royauté et des hommes d'affaires, de Mme George Swinton (une grande hôtesse de la société londonienne) au magnat de l'acier Charles Schwab. Chaque portrait que Sargent a adapté à son sujet et à son cadre : comme l'a noté un observateur, ses modèles anglais apparaissaient majestueux, ses modèles américains exhalaient une vigueur démocratique.

L'œil avisé de Sargent pour la nuance sociale signifiait qu'il suggérait souvent la pose ou la tenue parfaite pour transmettre le statut et le caractère d'une personne. Cet instinct est évident dans des portraits comme Lady Agnew, dont la pose languide et le regard direct projettent une confiance moderne, ou le président Theodore Roosevelt (1903), que Sargent a représenté debout de manière assertive, la main sur la hanche, incarnant l'autorité exécutive.

En capturant l'esprit de l'âge d'or, les portraits de Sargent vont au-delà de l'opulence de surface. Il a peint les nouveaux riches et l'ancienne aristocratie avec un égal discernement, des mondaines parées de bijoux de New York aux Bostoniens patriciens « avec des responsabilités ancestrales sur leurs épaules ». Ses œuvres reflètent les contradictions de l'époque : une richesse et un raffinement énormes associés à des tensions sociales sous-jacentes.

Dans les soies somptueuses et les perles de ses modèles féminins, on ressent à la fois le pouvoir et les pièges décoratifs de leurs rôles. Certains critiques de l'époque de Sargent et plus tard l'ont accusé d'être un simple « peintre de société », flattant les riches et les beaux pour des honoraires élevés. Il est vrai qu'en 1900, Sargent commandait des prix élevés et était courtisé par la haute société (un critique français a plaisanté au début des années 1880 que « toutes les jolies femmes rêvent d'être peintes par lui »). Pourtant, les meilleurs portraits de société de Sargent ont un courant sous-jacent de narration et de réalisme qui les distingue.

Dans Madame X, scandale mis à part, il y a une étude presque clinique d'un personnage – elle est à la fois glamour et isolée contre ce fond vide. Dans Les Filles d'Edward D. Boit, les enfants d'une riche famille américaine à Paris ne sont pas rendus comme des poupées chérubines mais comme des figures mystérieuses et introspectives dispersées dans un espace ombragé, symbolisant peut-être la solitude de l'enfance. Les portraits de société de Sargent, à leur meilleur, sont devenus des tranches de vie de l'âge doré : capturant le scintillement de surface d'une époque tout en suggérant les complexités personnelles et culturelles en dessous.

Au-delà de la société : Œuvres notables en dehors du monde doré

John Singer Sargent, A Capriote (1878 CE)

Bien que surtout connu de son vivant pour ses portraits de haute société, l'appétit artistique de Sargent était bien plus catholique et insatiable que beaucoup ne le réalisaient. Il a poursuivi une variété de genres avec une maîtrise égale, souvent pendant les pauses entre les commandes de portraits.

À la fin des années 1870 et au début des années 1880, il a peint des paysages et des scènes de genre inspirés par ses voyages : Les Ramasseuses d'huîtres de Cancale (1878) représentait des filles paysannes sur une plage française dans une lumière côtière nacrée, tandis que A Capriote (1878) montrait un modèle italien allongé dans un olivier, reflétant l'intérêt de Sargent pour les poses naturelles et spontanées.

Lors d'un voyage en Afrique du Nord en 1880, Sargent a peint Fumée d'ambre gris (Smoke of Ambergris), une scène évocatrice d'une femme voilée inhalant des fumées de parfum – un sujet teinté de fascination et de mystère orientaliste. À Venise, il errait avec carnet de croquis et pinceaux, capturant des vues atmosphériques des canaux et de l'architecture vénitiens non pas comme des vedute grandioses mais comme des études intimes et baignées de lumière de la vie quotidienne – radicalement différentes des scènes vénitiennes plus théâtrales d'autres artistes de son époque.

Ces œuvres moins connues révèlent l'expérimentation constante de Sargent. El Jaleo, mentionné plus tôt, est un exemple de lui sortant du portrait poli pour explorer la musique, la danse et la vie bohème.

Il a également peint ses amis et collègues artistes dans des cadres informels : son ami Robert Louis Stevenson apparaît élancé et agité, marchant sur un tapis dans un portrait de 1885 qui brise les règles conventionnelles en coupant une partie du corps du sujet et en le plaçant hors centre. Ces prises de risques créatives montrent Sargent s'engageant avec les courants impressionnistes et réalistes de son temps.

Il connaissait également les impressionnistes – il a rendu visite à Monet à Giverny et a même acheté des œuvres de Monet. Le propre coup de pinceau et l'éclairage de Sargent dans des scènes en plein air comme Carnation, Lily, Lily, Rose reflètent cette influence. Pourtant, Sargent n'a jamais complètement abandonné l'accent sur la forme et le dessin qu'il avait appris ; comme le note la biographie du MFA, il n'est pas allé jusqu'à dissoudre la forme en simples taches de couleur comme Monet l'a fait. En effet, il a équilibré la technique académique avec la lumière et la couleur impressionnistes, ce qui a donné à ses œuvres non commandées une vitalité unique.

Certaines des études intimes et esquisses de Sargent sont restées privées de son vivant, pour ne faire surface que des décennies plus tard. Il a rempli des carnets de croquis avec des dessins au fusain et au crayon d'amis, de scènes de voyages et d'études de la figure.

Particulièrement intrigantes sont les nombreuses études de nus masculins qu'il a dessinées – souvent rendues en traits rapides et sensibles – qu'il a gardées pour lui, probablement conscient que l'exposition de telles œuvres aurait suscité des malentendus à l'époque victorienne. Ces dessins, ainsi que des esquisses à l'huile informelles d'amis, révèlent un Sargent plus introspectif au travail, fasciné par la forme et l'anatomie humaine au-delà des limites de l'art poli.

Sargent a un jour déploré à un ami que la peinture de portrait le confinait, la qualifiant de « profession de proxénète » en raison des jeux sociaux impliqués dans les commandes. Dans son temps personnel, il cherchait à s'évader à travers la peinture de paysages en plein air, en expérimentant l'aquarelle et en peignant ceux qui lui étaient les plus proches sans filtres.

Commandes de Murs : Le Triomphe de la Religion dans les Espaces Publics

John Singer Sargent, Synagogue (1919 CE)

Un autre domaine dans lequel Sargent a canalisé son talent prodigieux était la peinture murale, à une échelle qui dépassait de loin le chevalet. À la fin du 19ème siècle, Sargent a entrepris une commande publique prestigieuse qui l'occuperait par intermittence pendant près de trente ans : les fresques pour la Bibliothèque publique de Boston.

Intitulé “Le Triomphe de la Religion,” ce projet était un cycle ambitieux destiné à orner le grand escalier et la salle de lecture de la bibliothèque avec des panneaux thématiques mêlant mythologie classique, religions du monde et allégorie.

Sargent, toujours désireux de prouver son éventail, s'est lancé dans la tâche, étudiant les mosaïques byzantines et les fresques de la Renaissance pour s'inspirer de la composition à grande échelle. À partir de 1890, il a conçu et exécuté une série de vastes toiles dans son atelier londonien et les a installées à Boston par étapes au cours des décennies suivantes.

Les fresques de Boston révèlent encore une autre facette des capacités de Sargent. Elles sont symboliquement complexes et densément peuplées de figures – prophètes, anges, divinités et diables – rien de semblable au portrait direct pour lequel il était connu. Dans un panneau, Frise des Prophètes, une rangée d'anciens prophètes hébreux est représentée dans un style de relief sculptural presque monochrome, transmettant gravité et unité.

Dans un autre, Les Dieux Païens, des figures colorées de la mythologie païenne se prélassent parmi des nuages tourbillonnants. La pièce maîtresse, Dogme de la Rédemption, présentait une figure lumineuse du Christ et était si controversée pour sa représentation des Juifs (sujet de critique et même de dégradation) que certaines parties de la série ont finalement été retirées ou déplacées.

Sargent a abordé des thèmes de foi, de doute et de modernité dans ces œuvres, sinon entièrement avec succès, du moins avec un effort intellectuel sincère. Techniquement, les fresques marient sa précision académique – dessin sur le modèle, planification minutieuse des poses – avec un esprit plus expérimental, incluant quelques touches modernistes dans un motif abstrait et couleur. Ils ont forcé Sargent à penser à une échelle narrative épique, synchronisant plusieurs figures et gestes dans un design cohérent à travers l'espace architectural.

Bien qu'initialement accueillies avec des critiques mitigées, les fresques de Boston se dressent aujourd'hui comme un témoignage de la dévotion de Sargent à élargir ses horizons artistiques. Ne se contentant pas d'être catalogué comme portraitiste, il s'est essentiellement auto-enseigné l'art de la peinture murale à l'âge mûr, produisant des œuvres qui ornent encore la bibliothèque et inspirent les spectateurs à lever les yeux avec admiration.

Les fresques du Triomphe de la Religion ont été réévaluées ces derniers temps, les chercheurs y trouvant des couches de signification et un aperçu des contemplations spirituelles de Sargent. Elles explorent le choc et la convergence des cultures - approprié pour un expatrié qui chevauchait les mondes - et commentent peut-être subtilement le déclin de la foi traditionnelle à l'ère moderne et scientifique.

Sargent a également achevé un deuxième projet mural majeur à Boston : la rotonde du Musée des Beaux-Arts, pour laquelle il a peint des dieux et muses classiques (et où le corps de Thomas McKeller a servi de modèle pour de nombreuses figures). Ces œuvres publiques ont encore renforcé l'héritage de Sargent dans la ville de ses ancêtres, liant son nom au mouvement de la Renaissance américaine qui cherchait à élever les espaces publics avec un art de haut niveau.

Voyages artistiques : du Moyen-Orient à Venise

John Singer Sargent, Bedouins (1905-06 CE)

Inquiet de nature, Sargent était un voyageur pour les âges, et ses voyages étendus ont joué un rôle essentiel dans l'évolution de son style. Il a un jour remarqué qu'il ne pouvait "jamais être attaché à un endroit - je dois continuer à bouger." En effet, lorsqu'il n'était pas attaché à son studio pour des commandes, il cherchait de nouveaux horizons presque compulsivement.

Dans les années 1880 et 1890, il a traversé l'Europe et s'est aventuré au Moyen-Orient, souvent en compagnie d'amis artistes. Ces voyages ont donné une riche récolte d'aquarelles et d'huiles qui révèlent le plaisir de Sargent pour d'autres cultures et paysages.

En 1890, Sargent a voyagé au Moyen-Orient et en Afrique du Nord, visitant des lieux comme Le Caire, Jérusalem, Damas et Tanger. Plutôt que de créer des fantaisies orientalistes grandioses comme certains contemporains, les peintures de Sargent de ces voyages sont marquées par une observation attentive et un respect du détail.

Son aquarelle Bédouins (1905–06) présente deux hommes bédouins en robes traditionnelles avec un regard direct et sans sentimentalisme - les textures de leurs vêtements et le jeu de la lumière du désert capturés avec des lavis vibrants de couleur. Ses scènes de rue et croquis de marché du Moyen-Orient montrent une fascination pour la vie quotidienne : l'agitation d'un bazar, la silhouette d'une mosquée au coucher du soleil, la posture d'un chamelier se reposant à l'ombre.

La perspective transnationale de Sargent était en avance sur son temps, résistant à l'exotisme réducteur. Comme le note un critique, ses représentations de « l'autre » évitaient souvent les stéréotypes, visant plutôt l'authenticité dans la représentation de lieux étrangers.

Venise était un autre amour durable de Sargent. Il y a visité à plusieurs reprises, non pas pour peindre les vues clichées du Grand Canal mais pour capturer des coins intimes de la vie vénitienne : une cour ombragée avec du linge suspendu, un éclat de soleil dans un canal étroit, des hommes locaux bavardant dans un café. Il a travaillé à l'aquarelle et à l'huile, produisant des dizaines de scènes vénitiennes allant du lyrique au mélancolique.

Ces œuvres vénitiennes, souvent réalisées en plein air, ont une qualité presque instantanée - comme si l'œil vagabond de Sargent et sa main rapide prenaient des notes visuelles d'impressions fugitives. Elles lui ont également permis de jouer avec des éléments visuels purs comme les reflets sur l'eau, les textures friables de la brique et de la pierre, et la lumière méditerranéenne en perpétuel changement. Dans des peintures comme Les Marches du Palazzo Foscari ou Rue à Venise (toutes deux vers 1882), les coups de pinceau colorés et impressionnistes de Sargent célèbrent la beauté des moments ordinaires dans une ville historique, faisant le pont entre réalisme et impressionnisme.

Les voyages de Sargent ne se limitaient pas à l'Europe et au Proche-Orient. Il a également effectué plusieurs voyages aux États-Unis, notamment après 1900. Dans les montagnes Rocheuses du Montana, dans les orangeraies ensoleillées de Floride et dans les forêts du Maine, il a trouvé une nouvelle inspiration. Il a peint des pêcheurs sur le rivage en Floride, des lacs alpins scintillants dans les Rocheuses canadiennes, et la grandeur rugueuse des frontières occidentales. Ces expériences ont encore élargi son répertoire visuel, le confirmant comme un artiste mondial dont l'œuvre cartographiait un monde en rapide évolution.

Peut-être que l'expédition artistique la plus significative entreprise par Sargent fut un voyage de plusieurs mois en Espagne et en Afrique du Nord en 1912, spécifiquement pour étudier l'art et l'architecture du monde islamique. Ce voyage a culminé avec l'une de ses dernières grandes séries d'huiles, la série arabe ou syrienne peintures, où Sargent a représenté des camps bédouins, des femmes arabes et des études architecturales de mosquées. Ces œuvres sont restées principalement en sa possession, peu exposées – elles étaient des exercices personnels de vision et d'enregistrement.

Lorsqu'elles sont vues ensemble, les peintures de voyage de Sargent forment un portrait kaléidoscopique d'un monde en mouvement : des canaux languissants de Venise aux neiges éclatantes des Alpes, des salles de danse espagnoles aux déserts du Moyen-Orient. À travers celles-ci, nous apercevons Sargent l'aventurier et observateur, l'artiste-voyageur qui trouvait un renouveau à chaque nouvel horizon.

Un Passage à la Liberté : La Carrière Tardive de Sargent en Aquarelles

John Singer Sargent, Esquisse du "Persée" de Cellini (1909-10 CE)

Au tournant du 20ème siècle, Sargent était devenu las du défilé incessant de commandes de portraits. Les pressions pour plaire aux riches mécènes et les rituels sociaux formulaires impliqués commençaient à irriter son esprit créatif.

En 1907, au sommet de sa renommée, Sargent a pris la décision audacieuse de cesser de peindre des portraits à l'huile sur commande. “Plus de paughtraits,” déclara-t-il à ses amis dans son anglais à l'accent français plein d'esprit. Bien qu'il n'ait pas abandonné complètement le portrait, il acceptait désormais des modèles principalement sur une base amicale et se concentrait principalement sur d'autres sujets – en particulier les paysages à l'aquarelle.

Cela marqua une libération tardive pour Sargent. L'aquarelle, un médium dans lequel sa mère l'avait initié enfant, devint sa nouvelle passion. Entre 1900 et sa mort en 1925, Sargent produisit des centaines d'aquarelles, voyageant avec papier et boîte de peinture pour capturer des impressions spontanées de la nature. Travaillant en plein air, souvent en compagnie de sa sœur Emily et d'amis, il peignait des scènes baignées de soleil qui comptent parmi les plus joyeuses et débridées de ses œuvres.

Ses aquarelles présentent tout, des avalanches alpines de rochers aux gros plans floraux délicats. Dans les montagnes, il peignait des ruisseaux scintillants, des faces granitiques escarpées, et ses compagnons se prélassant dans des prairies de fleurs sauvages. Dans les lieux méditerranéens, il peignait des statues de marbre dans les jardins, des voiles blanches sur des mers turquoise, et des orangers chargés de fruits. T

la palette vibrante et l'exécution rapide de ces pièces montrent Sargent se délectant de la spontanéité que le médium permettait. Contrairement à ses portraits en studio mis en scène, l'aquarelle en plein air exigeait une réponse immédiate aux changements de lumière et de conditions - un défi que Sargent a relevé.

Les critiques ont été étonnés par la vigueur des aquarelles de Sargent lorsqu'elles ont été exposées pour la première fois. Une exposition de ses aquarelles à New York en 1909 s'est vendue presque immédiatement, le Brooklyn Museum achetant un grand groupe dans son intégralité. Les critiques ont loué la façon dont ces œuvres semblaient "respirer" avec un air frais et une liberté picturale. L'un d'eux a noté que “Sargent jette de la couleur sur le papier avec le plaisir tumultueux d'un enfant éclaboussant dans les flaques de boue, mais les résultats sont magistraux” - une indication de la façon dont son contrôle technique n'a jamais faibli même si son style s'est assoupli.

Dans des aquarelles comme Simplon Pass: The Green Parasol (c. 1911), représentant des femmes dessinant sous un parapluie vert vif dans les Alpes, le pinceau de Sargent danse sur le papier, équilibrant de larges lavis translucides avec des détails fins obtenus grâce à la réserve de cire et au pinceau sec.

Le médium lui a permis d'être intime et expérimental, capturant des effets fugitifs de lumière tachetée et de reflets qui pourraient être difficiles à réaliser à l'huile. En sortant des limites formelles des commandes de portraits, Sargent s'est reconnecté avec le simple plaisir de peindre pour lui-même.

Sargent ne pouvait pas entièrement échapper à l'attrait du portrait. Il a continué à créer des croquis de portraits au fusain, souvent en une seule séance, comme un compromis pour satisfaire les demandes occasionnelles. Ces fusains, de figures comme le diplomate Otto von Bismarck ou le critique d'art Roger Fry, sont aujourd'hui considérés comme des chefs-d'œuvre du dessin - des images monochromes audacieuses et élégantes qui distillent le caractère en quelques lignes et estompes.

À la demande spéciale, Sargent a peint quelques huiles supplémentaires d'amis au cours de ces dernières années, comme son émouvant portrait de 1913 de son amie Sybil Sassoon de profil, ou son tendre portrait de 1916 de Henry James vers la fin de la vie du romancier. Mais en grande partie, après 1907, Sargent s'est consacré aux paysages et études de figures qu'il aimait, trouvant dans la nature et le voyage le renouveau que le portrait de société ne fournissait plus.

Narratives Cachées : Sexualité et une Vie Énigmatique

John Singer Sargent, Homme portant des lauriers (1874-80 CE)

Derrière l'image professionnelle brillante de Sargent en tant que portraitiste de la société se cachait une vie privée qui a intrigué – et échappé – aux biographes. Sargent ne s'est jamais marié et a laissé peu de correspondance personnelle, donc les indices sur son monde intérieur émergent principalement d'anecdotes et, de manière plus fascinante, de son art. Au fil des ans, les chercheurs ont de plus en plus exploré les thèmes du genre et de la sexualité dans l'œuvre de Sargent, découvrant des récits cachés qui contrastent avec la conventionalité de son œuvre de portrait public.

Une révélation majeure est survenue dans les années 1980, lorsqu'un trésor de dessins inédits de Sargent représentant des modèles masculins nus a été exposé pour la première fois. Ces dessins – dont beaucoup sont franchement sensuels, montrant des figures masculines dans des poses allongées ou vulnérables – ont suscité une réévaluation de Sargent non seulement comme un peintre de société raffiné mais aussi comme un homme avec des désirs et des amitiés non conventionnels.

Des murmures sur la sexualité de Sargent avaient circulé auparavant — il évoluait dans des cercles artistiques qui incluaient des figures gays comme Oscar Wilde, et ses amis les plus proches étaient principalement des hommes. Mais il y avait maintenant des preuves tangibles que Sargent trouvait la forme masculine profondément captivante et digne d'étude dans un contexte privé et expressif.

Bien que Sargent ne se soit pas ouvertement identifié comme quoi que ce soit (le terme “gay” en tant qu'orientation n'était pas utilisé à son époque), beaucoup interprètent ces œuvres comme indiquant qu'il était probablement homosexuel ou bisexuel. Cependant, parce qu'il était extrêmement discret – peut-être par nécessité à une époque où l'homosexualité était criminalisée – la question de la vie romantique de Sargent reste en partie spéculative. Sargent était-il gay, bisexuel, ou simplement un homme dont les relations les plus proches étaient avec des hommes ? La vérité ne sera peut-être jamais entièrement connue.

Ce qui est documenté, c'est que Sargent avait des relations intenses et significatives avec plusieurs hommes qui servaient souvent de muses ou de modèles. L'un d'eux était le modèle italien Nicola d'Inverno, qui a travaillé comme assistant de studio de Sargent pendant des années et apparaît dans certains de ses croquis et peintures. Un autre était l'artiste britannique Albert de Belleroche, que Sargent a peint et avec qui il a voyagé ; ils étaient si proches que leurs contemporains appelaient Belleroche en plaisantant “Mme Sargent.” Et peut-être le plus poignamment, il y avait Thomas McKeller , un jeune ascenseur noir que Sargent a rencontré à Boston vers 1916 et engagé comme modèle.

McKeller a posé nu pour de nombreuses figures (allégories masculines et féminines) dans les grandes fresques de Sargent pour la Bibliothèque publique de Boston et le Musée des beaux-arts. Sargent a même peint un portrait nu en pied de McKeller, une image frappante du modèle assis sur un coussin vert avec des ailes bleuâtres spectrales derrière lui, comme un ange déchu. Ce tableau, jamais exposé du vivant de Sargent, a été essentiellement caché - Sargent a donné la toile à Isabella Stewart Gardner, peut-être pour s'assurer qu'elle soit préservée tout en restant discrètement dans son musée.

Ce n'est que des décennies après la mort de Sargent que le rôle de McKeller a été reconnu ; pendant des années, l'homme noir dont la forme est devenue la base des dieux et héros peints par Sargent est resté anonyme dans les œuvres, un silence qui témoigne des dynamiques raciales et sociales de l'époque. L'exposition Boston's Apollo: Thomas McKeller and John Singer Sargent (2020) a finalement mis en lumière leur collaboration, soulevant des questions sur le pouvoir, la visibilité et la connexion personnelle entre l'artiste patricien et son modèle de classe ouvrière.

L'amitié étroite de Sargent avec Henry James mérite également d'être notée dans le cadre de son récit privé. Les deux hommes, tous deux expatriés américains d'à peu près le même âge, partageaient une compréhension profonde. James écrivait souvent sur le travail de Sargent, louant sa sophistication, et Sargent, à son tour, a peint le portrait de James avec une acuité psychologique qui suggère une véritable affection. Certains chercheurs se sont demandé si leur lien contenait une intimité émotionnelle non exprimée.

Lorsque Henry James est mort en 1916, Sargent était bouleversé ; il a conçu la plaque commémorative de James pour l'abbaye de Westminster, versant son chagrin dans un dernier hommage artistique. Que Sargent ait ou non éprouvé un amour romantique conventionnel, il a clairement formé des attachements émotionnels profonds qui ont alimenté sa créativité.

Les nombreux portraits de Sargent de femmes fortes et charismatiques - de la diva Elizabeth “Bessie” Marbury à l'intellectuelle Vernon Lee (Violet Paget) - reflètent également une aisance avec la compagnie féminine indépendante. À une époque où les rôles de genre étaient rigides, Sargent semblait tracer son propre chemin, s'entourant d'un cercle cosmopolite qui embrassait l'identité artistique plutôt que la conformité.

En fin de compte, le Sargent caché qui émerge de ces facettes est une figure bien plus complexe que le stéréotype du peintre de la société élégante. C'était un individu privé qui protégeait sa vie intérieure, mais son art laisse des indices : la beauté androgyne de certains de ses croquis nus, l'empathie dans ses portraits d'outsiders et de créatifs, l'aversion de toute une vie pour le mariage et la domesticité conventionnelle. 

Aujourd'hui, les historiens LGBTQ célèbrent Sargent comme faisant partie d'une lignée artistique queer, notant que ses intérêts pour le même sexe et sa non-conformité de genre dans l'art étaient discrètement radicaux pour son époque. Pendant ce temps, l'histoire de Thomas McKeller a suscité des discussions sur la façon dont la contribution d'un modèle noir à l'art américain a pu rester effacée si longtemps – et comment l'héritage de Sargent lui-même est lié à des questions de race et de représentation qui ne sont pleinement explorées que maintenant.

Les couches de secret et de révélation dans la vie de Sargent ajoutent une dimension poignante à notre compréhension de ses peintures, nous rappelant que l'art porte souvent des histoires non dites sous sa surface.

Réévaluer Sargent : Héritage et Perspectives Modernes

J E Purdy, Portrait de John Singer Sargent (1920 CE)

John Singer Sargent est mort en avril 1925 à Londres, juste avant son 70e anniversaire, laissant derrière lui un énorme corpus d'œuvres – environ 900 peintures à l'huile et plus de 2 000 aquarelles ainsi que d'innombrables croquis. Son décès a été marqué par d'importantes expositions commémoratives à Boston, New York et Londres. Pourtant, pendant une grande partie du 20e siècle, la réputation de Sargent est tombée dans une éclipse particulière.

L'essor du modernisme dans l'art – avec son abstraction et son rejet du réalisme traditionnel – a rendu les portraits luxuriants de Sargent démodés pour de nombreux critiques. Dans les années 1950, certains l'ont rejeté comme un simple décorateur de société, techniquement habile mais dépourvu de signification plus profonde. Le style de portrait grandiose dans lequel il excellait était considéré comme anachronique à une époque qui prônait Picasso et Pollock.

Cependant, à partir de la fin du 20e siècle, une renaissance de l'intérêt pour Sargent a pris de l'ampleur. Les historiens de l'art et le public ont commencé à réévaluer sa contribution, reconnaissant l'extraordinaire brillance technique et la complexité subtile de son œuvre. D'importantes rétrospectives dans les années 1980 et 1990 (comme une exposition à succès de 1986 qui a voyagé du Tate au Metropolitan Museum) ont réintroduit Sargent à de nouvelles générations.

Les critiques ont fini par apprécier que sous l'élégance de surface de ses peintures, Sargent avait discrètement repoussé les limites – dans les rôles de genre, dans la perspective culturelle, et dans le très langage de la peinture . Ses représentations de femmes comme Lady Agnew ou Mme Gardner sont désormais vues comme célébrant l'autonomie et l'intelligence féminines, et pas seulement la beauté. Son inclusion de figures marginalisées – les danseuses gitanes espagnoles d'El Jaleo, les sujets bédouins, le modèle noir McKeller – a été mise en avant comme preuve d'un humanisme plus large dans son art que ce qui lui avait été attribué.

La découverte et l'exposition tardives des dessins de nus masculins de Sargent (comme discuté) ont également contribué de manière significative à cette réévaluation. À la lumière de ceux-ci, l'œuvre de Sargent a été examinée à travers le prisme de l'histoire LGBTQ et de la critique postcoloniale.

Des chercheurs comme Trevor Fairbrother et Richard Ormond ont publié des études révélant les couches de signification dans l'œuvre de Sargent – de la manière dont ses peintures négocient les questions de race et d'empire, par exemple, les dynamiques de pouvoir en utilisant un modèle noir pour des figures divines blanches, à la façon dont son amitié avec Henry James et d'autres suggère un réseau de créativité queer souvent passé sous silence.

Comme l'a dit un biographe, la vie et l'art de Sargent englobent « le spectre complet de l'expérience humaine – de l'opulence de l'aristocratie à la beauté brute et non filtrée de la vie ordinaire ». Une telle portée est désormais célébrée comme en avance sur son temps, comblant le fossé entre l'art traditionnel et les thèmes modernes.

Aujourd'hui, John Singer Sargent est fermement ancré dans le panthéon des grands artistes. Ses peintures sont des pièces maîtresses dans les collections de musées du monde entier, admirées par les spectateurs occasionnels et les connaisseurs. Il est souvent cité comme « le principal portraitiste de sa génération », une étiquette initialement attribuée pour ses évocations du luxe de l'ère édouardienne dans les portraits.

Il est apprécié comme un virtuose qui a maîtrisé la lumière et le coup de pinceau comme peu d'autres dans l'histoire – un Monet américain avec les compétences de dessin d'un vieux maître, comme l'a décrit un critique. Les portraitistes contemporains se tournent vers Sargent pour des leçons sur la capture de l'essence vivante d'un sujet, tandis que les aquarellistes étudient sa technique pour son audace et sa fluidité.

Il est important de noter que les conversations autour de Sargent sont devenues plus nuancées. Il y a une compréhension que le même artiste qui a peint Madame X – icône de l'élégance – a également peint Gassed – une dénonciation de la brutalité de la guerre – et a dessiné des croquis affectueux de nus masculins, et peint des prophètes austères sur un plafond. Chacune de ces œuvres informe l'autre, composant un portrait de Sargent lui-même aussi facetté et riche que l'époque dans laquelle il a vécu.

En fin de compte, l'héritage de Sargent peut être mieux résumé par sa capacité à capturer l'esprit d'une époque avec des détails vifs tout en le transcendant simultanément. Il appartenait à l'âge doré et le dépassait. En tant qu'Américain expatrié en Europe, il avait un regard acéré d'outsider sur la parade de la société ; en tant qu'âme sensible avec des secrets, il a imprégné son art d'empathie et d'intrigue.

Sa soif de voyage et sa curiosité tout au long de sa vie ont empêché son art de stagner - il a continué à explorer de nouveaux sujets, de nouveaux lieux, de nouvelles méthodes. Et à travers tout cela, il a maintenu un niveau de savoir-faire qui suscite l'admiration. Plus d'un siècle après sa mort, les spectateurs se retrouvent encore attirés par le jeu nuancé entre opulence et fragilité dans l'œuvre de Sargent - que ce soit le satin chatoyant d'une robe qui ne peut cacher la mélancolie d'un modèle, ou la lueur dorée d'une lanterne illuminant le visage d'un enfant au crépuscule.

Sargent nous invite à regarder de plus près et à voir au-delà de la surface. Ce faisant, il a laissé une impression indélébile sur la toile de l'histoire de l'art, une impression qui continue d'inspirer et de captiver par sa profondeur narrative et sa poésie visuelle.

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