William Morris y la Hermandad Prerrafaelita: Una Revolución Artística
En una mansión de ladrillo rojo a las afueras de Londres, un círculo de jóvenes visionarios se reúne un día de verano de 1860. La luz del sol se inclina sobre las paredes encaladas que pronto florecerán con caballeros pintados y damas de la leyenda artúrica. William Morris, su cabello rizado le valió el apodo burlón de "Topsy" de sus amigos—sube una escalera con el pincel en la mano. Dante Gabriel Rossetti se recuesta abajo, dirigiendo críticas joviales al mural de Morris de Sir Lancelot y la Reina Ginebra.
Esta casa es más que un hogar; Rossetti bromea que la nueva morada de Morris es “más un poema que una casa, pero admirable para vivir también”. De hecho, Red House, como se la conoce, es un experimento viviente en el arte fusionándose con la vida. Sus paredes están siendo adornadas por una hermandad de artistas decididos a rehacer el mundo con belleza y verdad. En esta escena—camaradas bulliciosos salpicando pintura y poesía en igual medida—yacen las raíces de una revolución en el arte y diseño victoriano.
Este cuadro íntimo desmiente la intención radical que lo alimenta. William Morris y la Hermandad Prerrafaelita estaban en una misión para subvertir el establecimiento artístico de la Gran Bretaña de mediados del siglo XIX. La Hermandad Prerrafaelita (o PRB) se había formado en 1848 como una alianza rebelde de jóvenes pintores—John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt y sus camaradas—que rechazaban las convenciones "insípidas y estancadas" de la Real Academia. A sus ojos, la pintura de moda de la Academia carecía de sinceridad y “verdad a la naturaleza”, estancada en un clasicismo formulista.
El mismo nombre Prerrafaelita proclamaba su inspiración: miraban hacia el arte anterior a Rafael y al Alto Renacimiento, inspirándose en los colores vivos y la sinceridad espiritual de pintores medievales y del primer Renacimiento como Giotto y Fra Angelico. Esta mirada al pasado era cualquier cosa menos reaccionaria; era un trampolín para la innovación.
El “proyecto revolucionario de los Prerrafaelitas estaba anclado en el pasado”, reviviendo técnicas y valores medievales “adaptados para garantizar una visión más brillante y feliz de la Naturaleza, y más Belleza para todos”. En una era de humo industrial y hierro, estos idealistas se propusieron recapturar la pureza de una era mítica y, al hacerlo, crear un nuevo arte para su propio tiempo.
Los Primeros Años de William Morris
Infancia y Educación
Nacido el 24 de marzo de 1834, en Walthamstow, Inglaterra, William Morris era el tercer hijo de una familia próspera. Su padre era un financiero exitoso, y su madre era una mujer de fuerte carácter que inculcó en sus hijos el amor por el arte y la literatura. La crianza de Morris estuvo marcada por una pasión por el aprendizaje y un deseo de crear, que lo acompañó a lo largo de su vida.
Asistió al Marlborough College y más tarde estudió en la Universidad de Oxford, donde conoció y se hizo amigo de Edward Burne-Jones, quien más tarde se convertiría en un notable pintor prerrafaelita.
A pesar de los deseos de su padre de que siguiera una carrera en derecho, la pasión de Morris por las artes lo llevó a estudiar en la Universidad de Oxford. Fue allí donde descubrió su amor por la historia y la arquitectura medieval. Se sintió particularmente atraído por el estilo gótico, que más tarde influiría mucho en su trabajo de diseño.
Lo Personal es Político
Morris era un marxista y un socialista revolucionario impulsado por las dos iras persistentes de su vida, contra la fealdad y la injusticia de la sociedad capitalista. La crítica de Morris al capitalismo fue central en su visión del socialismo. Morris creía que el arte y la belleza deberían ser accesibles para todos, no solo para los ricos.
La aversión de Morris hacia el capitalismo contemporáneo creció con el tiempo, y llegó a ser influenciado por el trabajo de los socialistas cristianos Charles Kingsley y Frederick Denison Maurice. Las opiniones políticas de Morris fueron al menos tan informadas por Marx como por John Ruskin y Thomas Carlyle, los dos críticos victorianos de quienes aprendió a dudar de la ideología dominante de progreso de su época.
Morris fue miembro de la Federación Socialdemócrata y más tarde de la Liga Socialista. La contribución duradera de Morris a la causa de la igualdad social fue en gran medida educativa. Financió, editó y escribió para la publicación mensual de la Liga Socialista, Commonweal. La preocupación de Morris por la realización romántica en la vida diaria lo llevó a rechazar casi toda acción política más allá de eso como corruptora del ideal.
La visión de Morris del socialismo como una sociedad cooperativa a nivel mundial basada en el trabajo libremente asociado fue criticada por algunos como anacrónica y purista. La actitud de Morris hacia la política electoral también fue controvertida, y a menudo se alineaba con la facción anti-parlamentaria de la Liga Socialista.
Primeros Encuentros con la Hermandad Prerrafaelita
William Morris entró en este círculo embriagador a mediados de la década de 1850, y llevaría sus ideales mucho más allá del lienzo. Morris llegó a la Universidad de Oxford en 1853 como un joven devoto con la intención de tomar órdenes sagradas. En cambio, encontró la salvación de otro tipo. Conoció a un apasionado compañero de estudios, Edward Burne-Jones, quien lo presentó a Rossetti y al grupo de arte bohemio.
En 1856, Morris y Burne-Jones se mudaron a alojamientos compartidos en Londres, entregándose a la tutela de Rossetti y a la vida ferviente de la “Hermandad”. Morris recordó más tarde que este encuentro redirigió todo su destino, dándole un “deseo de libertad de pensamiento y creación artística para todos” y poniéndolo en una búsqueda de formas de arte “innovadoras, más puras e igualitarias” que pudieran “esparcir felicidad para todos los estratos de la sociedad.”. El antiguo estudiante de teología había encontrado un nuevo evangelio: el arte sería su religión, la belleza su credo, y cada alma humana merecía su gracia.
Bajo el estímulo de Rossetti, Morris incluso intentó pintar. Brevemente “abandonó la arquitectura por la pintura”, produciendo en 1858 su único óleo terminado sobre lienzo, un retrato de su amada Jane Burden posando como una reina medieval. Titulado La Belle Iseult, durante mucho tiempo se asumió que representaba a la Reina Ginebra mirando en un espejo, su rico vestido representado con la exactitud prerrafaelita.
La Belle Iseult era esencialmente una carta de amor en óleo: la presencia de Jane es tangible en cada pincelada, desde el dobladillo bordado de su falda hasta la expresión triste de su boca. Morris también publicó su primer libro de poemas, La Defensa de Ginebra, ese mismo año—la leyenda artúrica inspirando su pluma y pincel a la vez.
Aunque Morris carecía de la paciencia para convertirse en un pintor profesional—Rossetti, de buen humor, se burlaba de la corpulencia de su protegido y de su “apetito nunca saciado” en bocetos etiquetados como “Morris comiendo” y “Morris leyendo sus poemas”—absorbió de los prerrafaelitas algo más duradero que la técnica. Absorbió una visión del arte como una forma de vida.
La Hermandad Prerrafaelita: Un Movimiento de Arte Radical
Desafiando el Status Quo
John Ruskin, el principal crítico de arte de la era y un feroz moralista, se convirtió en el mentor y defensor del joven Brotherhood. Había exhortado a los artistas a “ir a la Naturaleza con toda sencillez de corazón... rechazando nada, seleccionando nada”, instando a una fidelidad casi religiosa a la verdad del mundo natural. Los prerrafaelitas tomaron esto en serio. Pintaban sobre un fondo blanco puro para lograr un brillo similar al de una joya, y examinaban cada pétalo, cada hoja salpicada de sol, con precisión científica.
Inicialmente, los críticos aullaron: los críticos victorianos ridiculizaron sus lienzos como extrañamente planos y sorprendentemente realistas, pero el apoyo público de Ruskin ayudó a cambiar la marea. A principios de la década de 1850, el credo del Brotherhood de “verdad absoluta e intransigente” hacia la naturaleza estaba provocando tanto indignación como entusiasmo en igual medida. Un contemporáneo señaló “el espíritu científico” detrás de su implacable atención al detalle.
Incluso Holman Hunt recordó más tarde que él y Rossetti discutían “ciencia y su relación con el arte,” creyendo que “la apelación que hicimos podría fortalecerse utilizando los instrumentos de la época”, las herramientas empíricas de la ciencia moderna—“que el intelecto humano había descubierto”. La pintura en sí se convirtió en una forma de investigación.
Frederic G. Stephens, uno de los del Brotherhood, lo expresó claramente: así como el experimento y el hecho habían avanzado la ciencia victoriana, también “la adhesión al hecho” y la precisión podían servir a “los propósitos morales de las Artes”. El arte meticuloso de los prerrafaelitas era una especie de ciencia visual, una búsqueda de la verdad en una era de fe y razón en conflicto.
Sin embargo, si su técnica era casi científica, su espíritu era ardientemente romántico. El Brotherhood era joven (Rossetti tenía 20, Millais 19, Hunt 21 cuando comenzó) y lleno de anhelos poéticos. Visitaban museos de día, estudiando los colores brillantes de los misales medievales y las líneas fluidas de la arquitectura gótica; de noche devoraban a Shakespeare, Tennyson y Keats. Llamaron a su efímero diario The Germ, insinuando crecimiento orgánico y nueva vida, y en sus páginas publicaron no manifiestos sino poemas íntimos y ensayos de arte.
Desde el principio, este movimiento unió arte y literatura, parte de una “rebelión general contra el academicismo en la literatura así como en el arte,” como William Morris observó más tarde . Sus pinturas contaban historias—Ofelia cantando antes de ahogarse entre las exquisitamente pintadas malas hierbas del río de Millais, o La conciencia despertada de Hunt, una mujer mantenida levantándose del regazo de un amante mientras la luz del sol (y la culpa) inunda.
Los prerrafaelitas insistieron en que el arte debe ser más que decorativo; debe ser significativo, incluso moral, sin perder su reverencia por la belleza. Este ideal dual—verdad y belleza, naturaleza y leyenda—dio al PRB una tensión interna que fue evidente desde el principio.
Aquí está cómo la Hermandad Prerrafaelita desafió el statu quo de varias maneras específicas:
- Rechazo del arte académico: El grupo se opuso a la estética establecida de la Real Academia, que promovía el eclecticismo, la sentimentalidad y el sensacionalismo.
- Énfasis en el arte prerrafaelita: Admiraban la simplicidad de la línea y las grandes áreas planas de color brillante encontradas en los primeros pintores italianos antes de Rafael y el arte flamenco del siglo XV, que contrastaban con los estilos de arte populares de su tiempo.
- Enfoque en el realismo y la naturaleza: Los Prerrafaelitas buscaban representar la naturaleza y los sujetos humanos con el máximo realismo, a menudo utilizando luz natural y escenarios al aire libre.
- Crítica social y política: La fundación del grupo en 1848 coincidió con la publicación del Manifiesto Comunista de Marx y las revoluciones europeas, reflejando su deseo de una revolución en la pintura y la escritura que abordara cuestiones sociales y políticas.
- Temas controvertidos: Los prerrafaelitas a menudo eligieron temas poco convencionales y controvertidos para sus pinturas, lo que llevó a críticas de críticos de arte establecidos y de Charles Dickens.
- Influencia en futuros movimientos artísticos: Los principios y la estética de la Hermandad Prerrafaelita tuvieron un impacto duradero en la cultura británica e influyeron en futuros movimientos artísticos, como el Simbolismo y las Artes y el movimiento de Artes y Oficios.
Miembros Clave de la Hermandad Prerrafaelita
La Hermandad Prerrafaelita consistía en varios artistas y poetas influyentes, cada uno contribuyendo al impacto general del movimiento en el arte y el diseño. Algunos de los miembros clave incluyen:
Dante Gabriel Rossetti
Dante Gabriel Rossetti nació en Londres en 1828 de madre inglesa y padre italiano. Su infancia estuvo influenciada por el amor de su padre por la literatura y el arte italianos, y creció rodeado por la atmósfera del Italia medieval.
Las experiencias de infancia de Rossetti y el trasfondo artístico de su familia tuvieron un impacto significativo en su estilo artístico y en los temas de sus obras. Su arte se caracterizaba por la sensualidad y el revivalismo medieval, y su poesía temprana fue influenciada por John Keats y William Blake.
Los esfuerzos artísticos de Rossetti fueron influenciados por su trasfondo literario, y su poesía y pintura a menudo se entrecruzaban. Sus obras muestran una imaginación apasionada, contrastando fuertemente con el arte victoriano más popular y aceptable durante la segunda mitad del siglo XIX.
La vida personal de Rossetti estaba estrechamente ligada a su trabajo, especialmente sus relaciones con sus modelos y musas Elizabeth Siddal, Fanny Cornforth, y Jane Morris. Su arte fue influenciado por sus relaciones y sus experiencias personales, y su trabajo a menudo reflejaba su estado emocional y psicológico.
En última instancia, las experiencias de infancia de Rossetti y el trasfondo artístico de su familia tuvieron un impacto significativo en su estilo artístico y en los temas de sus obras, y su vida personal y relaciones influyeron en su trabajo a lo largo de su carrera.
John Ruskin
John Ruskin nació en Londres en 1819 y creció en una familia adinerada. Su infancia estuvo marcada por un amor a la naturaleza y una pasión por el arte, que heredó de sus padres.
Las experiencias de la infancia de Ruskin tuvieron un impacto significativo en su vida y obra, y se convirtió en un destacado crítico de arte y mecenas de las artes. Ruskin fue un defensor del movimiento Prerrafaelita, que buscaba socavar la dominancia de la Royal Academy y promover la pintura de la naturaleza.
La explicación de Ruskin de los principios del Prerrafaelismo fue una de sus influencias más importantes, y jugó un papel crucial en el éxito de la Hermandad Prerrafaelita. El apoyo de Ruskin a los Prerrafaelitas se basaba en su creencia de que el arte debía ser veraz y que los artistas debían ser libres para expresar su individualidad.
La influencia de Ruskin en los Prerrafaelitas fue significativa, y sus ideas sobre el arte y la naturaleza ayudaron a dar forma a los principios y la estética del movimiento.
William Holman Hunt
William Holman Hunt nació en Londres en 1827 y creció en una familia religiosa. Las experiencias de su infancia tuvieron un impacto significativo en su vida y obra. Las pinturas de Hunt eran notables por su gran atención al detalle, colorido vívido y simbolismo elaborado, que fueron influenciados por los escritos de John Ruskin.
Los primeros intentos de Hunt de combinar realismo con simbolismo elaborado aparecen en su obra muy querida, La Luz del Mundo (1851-53), que representa a Cristo golpeando una puerta que solo se puede abrir desde adentro.
El uso del simbolismo por parte de Hunt fue un factor clave en su obra, donde imágenes u objetos comunes de la vida cotidiana se utilizaban para atraer al espectador a la verdadera historia detrás de la pintura.
La educación religiosa de Hunt y su interés por el simbolismo ayudaron a dar forma a su estilo artístico y a los temas de sus obras, y sus pinturas a menudo tenían un mensaje moral o religioso.
El amor de Hunt por la naturaleza y su interés en el Medio Oriente también influyeron en su trabajo, y pintó muchos paisajes y escenas de sus viajes por la región.
John Everett Millais
John Everett Millais nació en Southampton, Inglaterra en 1829. Su infancia estuvo marcada por un amor por la naturaleza y una pasión por el arte, que heredó de sus padres. Millais fue un niño prodigio y comenzó a asistir a la Royal Academy of Arts a los once años.
Las experiencias de infancia de Millais tuvieron un impacto significativo en su vida y obra, y se convirtió en uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Las pinturas de Millais fueron notables por su atención al detalle, colorido vívido y realismo. Su interés por la naturaleza y su amor por el aire libre es evidente en su pintura "Ofelia," que representa a una joven flotando en un río rodeada de flores y follaje. Por supuesto, también habla de una belleza en la oscuridad y la naturaleza humana conflictiva, que es una forma de conexión y expresión con la que muchos artistas luchan.
La pintura de Millais "Cristo en la Casa de Sus Padres" también es notable por su realismo y atención al detalle. La pintura representa a la Sagrada Familia en un taller de carpintería, y causó controversia cuando se exhibió por primera vez debido a su representación realista de ellos.
Las experiencias de infancia de Millais y el amor de su familia por la naturaleza y el arte tuvieron un profundo impacto en su vida y obra, y sus pinturas a menudo tenían un mensaje moral o religioso. Su uso del realismo y la atención al detalle lo ayudaron a establecerse como una figura importante en el movimiento Prerrafaelita.
Las experiencias de la infancia de Millais y el trasfondo artístico de su familia tuvieron un impacto significativo en su estilo artístico y en los temas de sus obras, y sus pinturas "Ofelia" y "Cristo en la casa de sus padres" son claros ejemplos de cómo sus experiencias infantiles se tradujeron en su arte.
William Michael Rossetti
William Michael Rossetti nació en Londres en 1829, hijo del erudito italiano exiliado Gabriele Rossetti y su esposa Frances Polidori. Su infancia estuvo marcada por dificultades económicas debido a la mala salud y ceguera de su padre.
Las experiencias de infancia de Rossetti tuvieron un impacto significativo en su vida y obra, y se convirtió en escritor, crítico y organizador. Rossetti fue miembro de la Hermandad Prerrafaelita original y sirvió como su diarista, así como editor de su revista The Germ.
Los intereses literarios de Rossetti fueron casi tan variados como los de su hermano Dante Gabriel Rossetti. Editó las obras completas de Christina y Dante Gabriel, y también creó notables retratos a lápiz, pluma y tinta. Particularmente aquellos de su familia y amigos artistas.
Las experiencias de infancia de Rossetti y las dificultades financieras de su familia tuvieron un profundo impacto en su vida y obra, reflejados a través de su interés por la justicia social y su preocupación por el bienestar de los demás.
James Collinson
James Collinson nació en Mansfield, Nottinghamshire en 1825, hijo de un librero. Sus experiencias infantiles tuvieron un impacto significativo en su vida y obra. Collinson fue compañero de estudios de Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti en la Escuelas de la Real Academia.
Collinson era un devoto cristiano que se sentía atraído por los aspectos devocionales y de alta iglesia del Prerrafaelismo. Su obra no solo representaba temas religiosos, sino también temas domésticos.
Collinson contribuyó con un largo poema devocional a The Germ y produjo una serie de obras religiosas, sobre todo "La Sagrada Familia" y "El Niño Jesús Durmiendo".
Las creencias religiosas de Collinson y su interés en los temas domésticos ayudaron a dar forma a su estilo artístico y temática, y sus pinturas a menudo tenían un mensaje moral o religioso. Collinson estuvo brevemente comprometido con Christina Rossetti, pero su conversión al catolicismo llevó al fin del compromiso.
Cuando la pintura de Millais "Cristo en la Casa de Sus Padres" fue acusada de blasfemia, Collinson renunció a la Hermandad creyendo que estaba desacreditando la religión cristiana.
Frederic George Stephens
Frederic George Stephens nació en Walworth, Londres en 1827, hijo de Septimus Stephens y Ann Cook. Creció en la cercana Lambeth y fue educado de manera privada debido a una discapacidad física causada por un accidente en 1837.
Stephens más tarde asistió a la University College School, Londres, y entró en la Real Academia en 1844 para estudiar pintura. Sin embargo, estaba tan decepcionado por su propio talento artístico que se dedicó a la crítica de arte y dejó de pintar.
Las experiencias de infancia de Stephens y su discapacidad física tuvieron un impacto significativo en su vida y obra. Stephens fue una figura clave en el desarrollo de la estética prerrafaelita a través de sus escritos y defensa. Fue un escritor y crítico prolífico, y sus artículos y reseñas ayudaron a establecer el movimiento prerrafaelita como una fuerza importante en el mundo del arte.
Stephens estaba particularmente interesado en los elementos religiosos y estéticos del prerrafaelismo, y escribió extensamente sobre estos temas3.
La defensa de Stephens por el movimiento prerrafaelita ayudó a dar forma a sus principios y estética, y sus contribuciones al movimiento fueron fundamentales para su éxito.
Thomas Woolner
Thomas Woolner nació en Hadleigh, Suffolk en 1825. Sus experiencias de infancia tuvieron un impacto significativo en su vida y obra. Woolner fue aprendiz de un escultor a la edad de catorce años y luego estudió en la Royal Academy Schools.
La adhesión de Woolner a los principios prerrafaelitas que enfatizaban el detalle y el naturalismo se puede rastrear hasta sus experiencias de infancia. Woolner estaba fascinado por el mundo natural y era conocido por su atención al detalle en sus esculturas.
Las esculturas de Woolner se caracterizaban por su realismo y atención al detalle, y estaba particularmente interesado en la forma humana.
La adhesión de Woolner a los principios prerrafaelitas ayudó a dar forma a la estética del movimiento, y sus contribuciones al movimiento fueron fundamentales para su éxito.
Las esculturas de Woolner a menudo tenían un mensaje moral o religioso, y su interés en la forma humana ayudó a establecerlo como una figura importante en el mundo del arte de la época.
Las Conexiones en Evolución Entre la Hermandad Prerrafaelita y William Morris
Mientras Rossetti y compañía enseñaban a Morris a mezclar colores, Morris les enseñaba a soñar a mayor escala. En la camaradería totalmente masculina de la Hermandad, él era un torbellino de energía e ideas, aunque torpe. Ganó el cariñoso apodo de "Topsy" por sus movimientos inquietos y torpes y su desordenada mata de cabello. Las bromas y el buen ánimo abundaban; se unía a las "burlas alegres", sin sentirse ofendido por las caricaturas de su figura robusta.
Morris también ardía con un idealismo sincero que ni siquiera su ingenio podía disimular. Los amigos lo recordaban declamando poesía en voz alta con celo evangélico, o irrumpiendo en una habitación, con los ojos brillantes, para compartir una revelación de un libro que acababa de leer. Era, como uno de ellos se maravilló, un hombre de talentos y convicciones casi aterradoramente amplios.
William Michael Rossetti (el hermano de Dante Gabriel) describió a Morris como "probablemente el hombre más notable en todos los aspectos... Era artista, poeta, novelista, anticuario, lingüista, traductor, conferenciante, artesano, impresor, comerciante, socialista; y además, como persona para conocer y hablar, una personalidad singularísima. Esa mezcla única de artista romántico y artesano práctico, pensador radical y amigo "más cordial", pronto llevaría a Morris más allá del círculo Prerrafaelita hacia un territorio inexplorado.
Por ahora, sin embargo, a principios de la década de 1860, el sueño medieval de los Prerrafaelitas estaba en pleno apogeo y Morris estaba en el centro de él. Se casó con Jane Burden en 1859, la llamativa belleza de Oxford que había sido descubierta por Rossetti y Burne-Jones modelando como una damisela medieval envuelta en un mural estudiantil.
Su luna de miel fue un recorrido por las catedrales góticas de Francia, una elección inusual para los recién casados, quizás, pero perfectamente acorde con el carácter de Morris. Vagando bajo las bóvedas de piedra de Rouen y Chartres, Morris estaba en el cielo. Las "hermosas catedrales góticas" que vio en ese viaje profundizaron “su devoción por los tiempos y las costumbres de la Edad Media, cuando cada artesano podía estar orgulloso de su creación y verla como una obra de arte terminada y personal.”
En contraste, el mundo industrial moderno, con sus fábricas humeantes y su producción en masa sin alma, le horrorizaba. "Detestaba la masiva mecanización que surgió de la Revolución Industrial", creyendo que robaba al trabajo la alegría y el significado. Para Morris, arte y trabajo estaban entrelazados: “el objetivo del arte,” argumentaba, “es aumentar la felicidad de los hombres, dándoles belleza e interés... y dándoles esperanza y placer corporal en su trabajo”.
El arte genuino, insistía Morris, no es un lujo para la élite sino “una bendición pura para la raza humana.” Estas no eran aún las palabras de un revolucionario político, pero las semillas del ethos socialista de Morris ya estaban echando raíces en su corazón, nacidas del suelo del medievalismo y la camaradería que los prerrafaelitas habían cultivado.
De vuelta en Red House en Kent, Morris se dedicó a crear una pequeña utopía propia. Esta fue la casa a la que él y Jane se mudaron en 1860 – una casa co-diseñada con su amigo Philip Webb, construida como un santuario para la artesanía y los materiales honestos. Ladrillo a ladrillo, talla a talla, Morris y sus amigos convirtieron Red House en una gesamtkunstwerk (una obra de arte total). Pintaron los techos con estrellas doradas y las paredes con murales épicos; diseñaron y construyeron los muebles, las vidrieras, los tapices, los mismos azulejos alrededor de la chimenea.
Rossetti, Burne-Jones, e incluso el poeta Swinburne colaboraron con la decoración, bebiendo Borgoña y cantando viejas baladas hasta altas horas de la noche después de terminar el trabajo del día. Uno puede imaginar a Morris al anochecer, con las manos manchadas de pigmentos azules y bermellones, retrocediendo para contemplar un panel recién pintado de amantes medievales que había colocado sobre un banco de roble – y viendo no solo un salón agradable, sino un manifiesto hecho tangible.
Red House, como han señalado los historiadores, “puede considerarse como la primera manifestación de lo que más tarde se conocería como el estilo Arts and Crafts.” Fue una refutación de ladrillo y mortero a la fealdad industrial victoriana, una afirmación de que una casa podría ser una obra de arte y que el arte podría dar forma a la vida cotidiana.
En este Edén doméstico, el ideal prerrafaelita encontró su expresión más íntima. El arte no estaba confinado a marcos dorados en una galería; vivía contigo, despertaba contigo, te alimentaba con pan de una mesa tallada a mano y te arrullaba para dormir bajo una colcha teñida a mano. La vida y el arte de Morris se estaban convirtiendo en uno.
Sin embargo, incluso en este aparente idilio, acechaban tensiones—personales e ideológicas. La Hermandad Prerrafaelita misma no era inmune a las pasiones humanas. La esposa de Rossetti, la etérea modelo de artista Elizabeth Siddal, murió trágicamente joven en 1862, enviando a Rossetti a una espiral de desesperación y obsesión poética. Él inmortalizó a Lizzie en lienzos de Beatrice y Ophelia, y famosamente enterró sus poemas inéditos con ella solo para exhumarlos años después en un intento morboso de encontrar cierre.
Morris, por su parte, pronto enfrentó una crisis matrimonial propia. Su amada “Janey” – Jane Morris – con su aspecto inquietante de “cabello rizado grueso” y rasgos escultóricos, se convirtió en la nueva musa de Rossetti. Rossetti pintó a Jane obsesivamente (en obras maestras como Mariana y Pandora), y su intensa compañía desató chismes y verdades dolorosas.
A mediados de la década de 1860, Jane se cansó del trabajo incesante de Morris y sus frecuentes ausencias; Rossetti, recientemente viudo y emocionalmente a la deriva, vio en Jane una encarnación viva de su mujer ideal. En Londres se hablaba de su intimidad: caricaturas satíricas en Punch mostraban a Morris felizmente ignorante mientras su esposa posaba para “su amigo Gabriel”. En realidad, Morris no era ignorante. Cartas del período revelan su silenciosa angustia.
Cuando en 1871 Morris coarrendó Kelmscott Manor, una vieja y deteriorada casa de piedra junto al Támesis, como un refugio campestre para su familia y Rossetti, fue en parte para apaciguar a Jane. Pero pronto descubrió que Rossetti se instalaba allí indefinidamente. “Rossetti se ha instalado en Kelmscott como si nunca pensara irse,” escribió Morris en una carta privada, confesando que la presencia de su amigo “me mantiene alejado del puerto de refugio (porque realmente es una farsa nuestro encuentro cuando podemos evitarlo)”.
Kelmscott, el “lugar más encantador de antigua paz” de Morris, se había visto manchado por un doloroso enredo moderno. El alma gentil que había predicado mirar las cosas “en grande y con amabilidad” sintió su generosidad puesta a prueba por el desamor. Eventualmente, la situación se volvió insostenible. Rossetti, acosado por colapsos mentales, dejó Kelmscott en 1874; Morris llevó a su esposa e hijas a un largo viaje por Italia para sanar. La Hermandad, una vez unida por un compañerismo idealista, se encontró fracturada por la vida real y el amor.
Este drama personal reflejó una mayor divergencia ideológica dentro del círculo prerrafaelita. A medida que avanzaban los años 1860, la Hermandad original se disolvió efectivamente. Cada artista siguió su propia estrella.
John Millais se unió al establecimiento contra el que una vez se rebeló, ganando un título de baronet y la presidencia de la Royal Academy hacia la década de 1890—“degenerando en... complacencia,” como un comentarista lo expresó ácidamente.
William Holman Hunt mantuvo la fe más rígidamente, aferrándose a temas bíblicos y a una verdad dura y precisa hacia la naturaleza a lo largo de su carrera. Rossetti se volvió hacia adentro, alejándose del naturalismo hacia un simbolismo exuberante y melancólico impulsado por la emoción privada (sus pinturas posteriores de Jane Morris son iconos hipnóticos de amor y pérdida, con “calidad onírica y medievalismo fantasioso”).
Los adherentes más jóvenes como Edward Burne-Jones lograron aún mayor fama en nuevos escenarios: los lienzos espectrales y románticos de Burne-Jones de ángeles y caballeros inspirarían el movimiento simbolista europeo hacia el final del siglo.
Para 1857, cuando Rossetti lideró un equipo (incluyendo a Morris y Burne-Jones) para pintar murales en la biblioteca de Oxford Union, la escritura estaba en la pared: una segunda ola del prerrafaelismo estaba tomando forma. Los murales de Oxford en sí mismos fueron un pequeño fiasco—la pintura se desvaneció casi de inmediato—pero consolidaron el compromiso de Morris y Burne-Jones con “una vida artística.” Desde ese momento, estos dos amigos trazarían un camino que se desviaría de sus mayores prerrafaelitas.
El camino de Morris fue quizás el más radical de todos. En 1861, incluso antes de que la primera generación de la Hermandad se hubiera separado, lanzó una audaz empresa para llevar el arte al corazón de la vida británica.
Junto con Rossetti, Burne-Jones, Ford Madox Brown y otros amigos, Morris fundó una empresa de artes decorativas—Morris, Marshall, Faulkner & Co.—con el objetivo de producir bellas artesanías para hogares comunes. Diseñaron vitrales de santos medievales, papeles pintados con ricos patrones florales, tapices de cuentos antiguos, muebles tallados como tesoros góticos.
Las creaciones de la empresa pronto adornaron iglesias y edificios cívicos en todo el país, desde el vidrio pintado de St. Michael’s, Forden (1873) hasta los tapices de pared bordados del Exeter College de Oxford. En estas obras, se ve la traducción directa del arte prerrafaelita al diseño decorativo: los mismos colores vivos, el mismo amor por la naturaleza y la leyenda.
Un tapiz como La Adoración de los Magos (diseñado por Burne-Jones, tejido por Morris & Co. en 1890) es esencialmente una pintura prerrafaelita en lana y seda, sus reyes y ángeles dados forma por las manos de los artesanos en lugar de óleo. Morris siempre había creído que “ordnamento” era el tercer elemento esencial del arte (además del realismo veraz y el incidente narrativo). Ahora hizo del ornamento su reino.
Morris quería “llevar la belleza a las casas, muebles y objetos de la vida cotidiana”, para borrar la distinción entre el arte fino y las llamadas artes “menores” de la artesanía y el diseño. En efecto, Morris llevó la ética prerrafaelita fuera del lienzo y a las salas de estar de las personas. Si una pintura como Ophelia de Millais podía mostrar un tema victoriano común (una heroína de Shakespeare) con una fidelidad y belleza sin precedentes, ¿por qué no podía un humilde papel tapiz hacer lo mismo por un comedor?
El famoso textil de Morris “Strawberry Thief” de 1883, con sus zorzales y enredaderas de bayas en un patrón edénico, fue directamente inspirado por pájaros robando fruta en su propio jardín—una escena natural transfigurada en decoración cotidiana. Los productos artesanales de alta calidad de Morris & Co. fueron una reproche deliberada a los productos de fábrica de mala calidad que inundaban Gran Bretaña.
Cada artículo fue hecho con cuidado, a menudo por los propios artistas: Burne-Jones diseñando un panel de vidrio pintado, o Morris tiñendo índigo en un caldero burbujeante en el taller. En este esfuerzo colectivo, la juvenil hermandad de los prerrafaelitas encontró una nueva encarnación, más práctica.
Por un tiempo, la empresa prosperó, pero para 1874 también fue desgarrada por desacuerdos. La salud mental en declive de Rossetti y la tensión persistente de la situación con Jane Morris llevaron a una ruptura; además, la propia personalidad autoritaria de Morris lo empujaba a tomar el control exclusivo. Disolvió la sociedad original (para la amarga sorpresa de algunos amigos) y la reformó como Morris & Co. en 1875. Esto causó un “distanciamiento duradero” entre el grupo que alguna vez fue muy unido. La vieja camaradería de la Hermandad nunca se curó completamente después de este cisma.
La decisión de Morris marcó un punto de inflexión. A mediados de la década de 1870, se estaba alejando conscientemente de la identidad prerrafaelita. Había “tomado la decisión de abandonar la Hermandad Prerrafaelita” en espíritu, dedicándose en cambio a las “artes menores” y a una visión social cada vez más expansiva. Algunos de sus antiguos aliados continuaron colaborando (Burne-Jones siguió siendo un amigo y socio creativo de por vida), pero la Hermandad como tal había dado paso a algo más grande: el Movimiento de Artes y Oficios, del cual Morris se convirtió en el principal profeta.
Este nuevo movimiento, oficialmente nombrado en 1887, defendía los mismos ideales que Morris había estado promoviendo: simplicidad, trabajo honesto, la alegría de la artesanía, y se extendió por Europa y América. En efecto, Morris había logrado convertir una rebelión juvenil en el arte en una cruzada reformista internacional en el diseño. La “rama del gran Arte Gótico” que él sentía que era el Prerrafaelismo se había convertido en un árbol de hoja ancha con raíces y flores en muchos países.
A través de todas estas transformaciones, Morris mismo fue notablemente consistente en sus principios. Un colega observó que no había “ninguna conversión repentina, ni transición violenta entre Morris el Romántico y Morris el Revolucionario”. El hilo conductor en su vida fue la creencia de que el arte, la vida y la justicia eran inseparables.
Incluso cuando se adentró en la política en la década de 1880—asombrando a muchos que lo conocían solo como poeta-artesano—Morris vio esto como una extensión natural del Prerrafaelismo, no una ruptura con él. El romanticismo le había enseñado a buscar “realización personal en un arte basado en la naturalidad y la armonía,” y su educación protestante (por extraño que parezca) le inculcó el deber de practicar esos ideales en los “mundos cotidianos del trabajo y la vida doméstica”.
De Ruskin había tomado la vinculación de las condiciones sociales con la calidad del arte. Así que incluso cuando Morris leyó a Marx y abrazó el socialismo, “siguió definiendo su visión socialista en términos de buen arte producido y disfrutado en la vida diaria”. Se separó de los marxistas ortodoxos en puntos de táctica y doctrina—desconfiaba de los partidos políticos y discutía con compañeros socialistas que ponían la economía por encima de la ética—pero nunca vaciló en por qué estaba luchando.
Como señaló el comentarista francés Paul Dupont, el ideal humanitario de Morris “va más allá de lo económico. Busca la felicidad, no la abundancia excesiva de bienes materiales”. En otras palabras, Morris quería una revolución que permitiera a cada persona vivir en un mundo tan hermoso como una obra de arte. Permaneció, hasta su muerte en 1896, “un luchador por la igualdad de derechos contra todo pronóstico”, vertiendo su pluma, voz y fortuna en la causa.
Fundó y financió la Liga Socialista, caminó por las calles dando discursos apasionados al aire libre, fue arrestado durante la protesta del Domingo Sangriento de 1887. Sin embargo, el mismo día se le podía encontrar diseñando un nuevo tapiz o traduciendo una saga islandesa. Para Morris, estas no eran actividades contradictorias.
Escribir Noticias de Ninguna Parte (1890), su célebre novela utópica, fue solo otra forma de predicar su evangelio de arte y compañerismo; dar conferencias sobre historia medieval en un salón público, o imprimir a mano una edición de lujo de Chaucer en su Kelmscott Press, surgió del mismo impulso. Una vez declaró que esperaba ver el día en que “el arte hará nuestras calles tan hermosas como los bosques”. Esa vívida metáfora—calles de ciudad tan hermosas como los bosques—captura la esencia del credo de Morris: la fusión de la civilización y la naturaleza, la unión de la vida práctica y la belleza imaginativa.
Para la década de 1890, la Hermandad Prerrafaelita era un recuerdo querido y un legado. Algunos de sus miembros habían fallecido (Rossetti en 1882, Millais en 1896 junto con el propio Morris). Sin embargo, su influencia solo creció. La “fidelidad minuciosa” y la “perfección inagotable de los detalles de la naturaleza” que introdujeron en la pintura anticiparon el realismo vívido de los impresionistas y la observación detallada de las ciencias emergentes. Su “medievalismo fantasioso” y énfasis en la emoción presagiaron el simbolismo europeo e incluso la calidad onírica del arte de principios del siglo XX. Y a través de Morris, sus ideas fluyeron hacia el Movimiento de Artes y Oficios, el movimiento de ciudad-jardín en la planificación urbana, las prácticas modernas de preservación histórica (Morris fundó la Sociedad para la Protección de Edificios Antiguos de Gran Bretaña en 1877), y la misma noción del artista-artesano que inspiraría a la Bauhaus décadas después.
La rebelión prerrafaelita sembró una revolución cultural. Lo que comenzó como un puñado de adolescentes pintando visiones medievales en sofocantes salones victorianos se convirtió en nada menos que una reinvención de cómo el arte podría transformar la sociedad. El propio viaje de Morris—de poeta bohemio a diseñador y activista social de renombre internacional—encarnó esa transformación. Demostró en su persona que lo “Romántico” y lo “Revolucionario” eran dos caras de la misma moneda. La belleza radical que Rossetti y sus amigos habían buscado en el lienzo, Morris la buscó en el tejido de la vida diaria.
Al final, William Morris y los prerrafaelitas lograron algo profundo: reafirmaron el valor de la belleza y la imaginación en una era cada vez más mecanizada. Se atrevieron a declarar que el arte importa—no como un mero adorno de la vida, sino como la vida misma. Desde los primeros lienzos atrevidos de 1848 hasta los últimos sueños de utopía de Morris, su historia es una de idealismo juvenil que madura en un cambio cultural duradero.
Como un tapiz tejido con muchos hilos de colores, su movimiento estaba lleno de tonos contrastantes: rebelión y nostalgia romántica, camaradería y desamor, leyendas medievales y profecías socialistas. Pero mira el tapiz desde lejos y surge una imagen coherente. Es una visión de un mundo donde arte, amor y trabajo están unificados—la misma visión que Morris, pincel en mano en Red House, debió haber visto parpadear ante él en la luz dorada del verano.
Hoy, cuando entramos en un museo y admiramos una pintura prerrafaelita o pasamos nuestros dedos a lo largo de un textil diseñado por Morris, estamos tocando esa visión. Estamos, por un momento, de vuelta en ese “refugio de paz antigua”, donde un mundo mejor parecía no solo posible, sino palpable en cada detalle.
El legado de Morris y los prerrafaelitas no está solo en el arte que dejaron atrás, sino en la esperanza de que el arte pueda aún ennoblecer y transformar nuestras vidas – una causa que, aunque una vez atendida solo por unas pocas almas atrevidas, puede aún, con el tiempo, ser ganada.
El Impacto Duradero de William Morris
Logros Artísticos de Morris
William Morris logró hazañas artísticas que abarcaron una amplia gama de medios, desde la pintura y el bordado hasta el vidrio pintado y el diseño de papel tapiz. Inspirado por los principios prerrafaelitas, su obra mostró una profunda apreciación por la artesanía y una conexión profunda con la naturaleza. Sus diseños y patrones innovadores continúan influyendo en el arte y el diseño contemporáneos.
Logros en Diseño de Morris
El impacto de Morris en el diseño es evidente en su fundación de Morris, Marshall, Faulkner & Co., que luego se convirtió en Morris & Co. Esta empresa produjo textiles, papeles pintados y muebles que reflejaban los ideales del movimiento Arts and Crafts, enfatizando la artesanía de calidad y el uso de materiales naturales. Sus diseños innovadores y su compromiso con la calidad ayudaron a dar forma a la industria del diseño moderno y continúan inspirando a los diseñadores hoy en día.
Logros Literarios de Morris
Además de su trabajo en arte y diseño, William Morris fue un escritor prolífico, produciendo poesía, novelas y ensayos a lo largo de su vida. Su obra literaria a menudo exploraba temas de mitología, historia y el mundo natural, reflejando los mismos ideales que impulsaron sus búsquedas artísticas. Su obra más famosa, "El Paraíso Terrenal", es una colección de poemas narrativos que entrelaza relatos de diversas mitologías y culturas, mostrando su pasión por la narración y su profunda conexión con el pasado. Sus otros logros literarios incluyen "La Defensa de Ginebra" y "Noticias de Ninguna Parte" — fuertemente influenciado por el período medieval, del cual Morris estaba profundamente apasionado.
La Hermandad Prerrafaelita y William Morris jugaron un papel crucial en dar forma al paisaje artístico del siglo XIX. Su compromiso con la verdad, la belleza y la artesanía llevó a una revolución en el arte y el diseño que continúa inspirando e influyendo hoy en día. Desde las detalladas pinturas de Rossetti y Millais hasta los diseños innovadores de Morris, el legado de la Hermandad Prerrafaelita y el movimiento Arts and Crafts perdura, recordándonos el poder atemporal del arte para capturar el espíritu humano.
La Influencia de Morris
La influencia de Morris en el mundo del diseño aún se puede ver hoy en día. Su énfasis en la artesanía y el uso de materiales naturales fue un precursor del movimiento moderno de diseño sostenible. Sus diseños también inspiraron el movimiento Arts and Crafts en los Estados Unidos, que tuvo un impacto significativo en el diseño americano a principios del siglo XX.
El enfoque de Morris hacia el diseño fue revolucionario. Creía que el diseño de un objeto debería estar informado por su uso previsto y que el proceso de producción debería ser transparente y ético. Morris creía que la belleza y la funcionalidad deberían ir de la mano, y buscaba crear diseños que fueran tanto estéticamente agradables como prácticos. Sus diseños también eran notables por su uso de materiales naturales, como madera, lino y seda, y su evitación de tintes y productos químicos artificiales.
Una de las contribuciones más perdurables de Morris al diseño fue su trabajo en el diseño de papel tapiz. Creó diseños intrincados y hermosos que presentaban motivos florales y de follaje, a menudo inspirados en la naturaleza. Los papeles pintados de Morris eran hechos a mano, utilizando un meticuloso proceso de producción que involucraba la superposición de diferentes colores y texturas de papel. El resultado final era una obra de arte impresionante y única que podía transformar cualquier habitación.
Además del diseño de papel tapiz, Morris también estuvo involucrado en el diseño de textiles, muebles, vidrieras y otras artes decorativas. Su enfoque del diseño siempre se basó en un profundo respeto por el mundo natural y un deseo de crear objetos de belleza y utilidad duradera.
El Impacto de Morris en el Diseño
La influencia de Morris en el mundo del diseño se puede ver en los muchos artistas y diseñadores que se han inspirado en su trabajo. Su énfasis en la artesanía, los materiales naturales y los métodos de producción éticos ha tenido un impacto duradero en el mundo del diseño. Hoy en día, el diseño sostenible es un movimiento en crecimiento, y muchos diseñadores citan a Morris como una influencia temprana en esta área.
El enfoque de Morris en el diseño también tuvo un impacto en el campo del diseño gráfico. Su uso de la tipografía y su creencia en la importancia de la comunicación clara influyeron en el desarrollo del diseño gráfico moderno. Morris creía que el diseño debía ser funcional y que el mensaje transmitido siempre debía ser claro y fácil de entender.
El Legado de Morris
William Morris dejó un legado de revolución artística y política. Su enfoque del diseño y la artesanía sigue inspirando a artistas y diseñadores de todo el mundo. Su creencia en el valor de los productos hechos a mano y su compromiso de mejorar la vida de los trabajadores allanaron el camino para el moderno movimiento de diseño sostenible.
El activismo político de Morris también fue una parte significativa de su legado. Era un socialista comprometido y creía en el poder del arte para lograr un cambio social. Morris creía que mejorar la vida de los trabajadores era una parte esencial para crear una sociedad justa y equitativa. Su trabajo como artista y diseñador siempre estuvo vinculado a sus creencias políticas, y veía sus creaciones como una forma de promover el cambio social y el progreso.
Es cierto que el siglo XX no cumplió con todas las esperanzas de Morris. En muchos sentidos, “encarna los peores temores que Morris tenía para una era impulsada por el comercio.” El auge de la producción en masa y la cultura consumista capitalista solo se aceleró, a menudo reduciendo el arte a una mercancía, un “juguete intelectual” para unos pocos en lugar del vital “elemento de cada aspecto del esfuerzo humano” que Morris creía que debía ser. Y sin embargo, su influencia perdura e incluso resurge cada vez que la sociedad ansía significado sobre monotonía.
Uno puede rastrear la mano de Morris en el resurgimiento de la artesanía hoy en día, en el diseño ecológico y el movimiento de la granja a la mesa, en cualquier esfuerzo por reconectar el trabajo con la alegría y la sostenibilidad. Cada vez que preferimos una taza de cerámica hecha a mano en lugar de una fabricada en serie, o plantamos un jardín comunitario en una cuadra de la ciudad, hacemos eco de la guerra de Morris contra el "mercado" sin alma a favor del "taller" con alma.
Nos enseñó a valorar lo particular, lo hecho, la escala humana. En un mundo nuevamente sacudido por las presiones de la industrialización—ahora digital y global—sus palabras resuenan como un llamado claro a través de los años. “¿No has oído cómo ha ido con muchas causas antes?” desafió a una audiencia al final de su vida.
“Primero pocos hombres la atienden; luego la mayoría de los hombres la condenan; finalmente todos los hombres la aceptan; y la causa se gana.” Morris, el eterno optimista, creía que las verdades que él y los prerrafaelitas habían defendido algún día serían sentido común.
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Lista de Lectura
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