Explorando el impacto de los famosos artistas de collage que definieron la forma de arte: Dada al feminismo, el Renacimiento de Harlem, los 'dibujos con tijeras' de Matisse y la lista continúa ...
El arte de collage es más que un conjunto de recortes. Es una reinvención radical de la forma, la narrativa y el significado. Emergiendo de las sombras de la pintura y la escultura tradicionales, hace mucho tiempo, en Japón del siglo X, pero WikipediaTengo todos esos ángulos cubiertos. Si los hechos rectos son lo tuyo, que Wikipedia no siempre. En absoluto. Es deliciosamente extraño y te animo a que te distraigas más tarde. O ahora. ¿Vuelve aunque tal vez? No sé si yo tampoco lo haría. Esperar ... collage. Sí. Entiendo. De vuelta contigo.
Cada uno de los 11 artistas de esta lista usó collage para desafiar las convenciones, redefinir la belleza e invitar al espectador a ver el mundo de manera diferente. Ellos No solo definió el collage, lo evolucionaron. Pero tenemos que hablar rápidamente sobre la definición de la definición en el título de este blog. Eso no era un error tipográfico, por cierto. Tengo algo que contarte sobre la 'definición' del collage moderno.
El collage moderno fue, supongo que nosotros tener Para decir, 'definido' por un valiente Pablo Picasso y Georges Braque en la década de 1910. Al menos, eso es lo que Tate y el Guggenheim han decidido. Y como pienso en el tiempo tal como lo conocemos como una construcción, no soy demasiado quisquilloso. Todo lo que sé es Me enamoré de él. Uso de recortes de todo Internet mezclados con piezas de mi alma. Como cualquier otro colragista que jamás hayas conocido.
Esto es lo que realmente tengo que contarle sobre la definición de collage moderno: no es el mejor trabajo de Picasso y Braque. En absoluto. Ni siquiera creo que sus fantasmas lo quieran. Pero Internet existe, son famosos y su trabajo sobrevivió, mientras que otros no.
Además, no es tan triste para nosotros que nos complacemos un poco en su no tan bueno trabajo. El fracaso es solo la experimentación por otro nombre y el fracaso es la única forma en que puede hacer realidad un sueño. Intenta, inténtalo de nuevo. Además, Picasso y Braque son, ya sabes, ellos. Entonces, ¿qué es un collage o dos de Bitty Crappy? Con su obra en los pasillos de la historia. No es nada, nada, Zilch. Y aún así, llega al corazón del collage y la creación de arte. La naturaleza efímera de todo. Hacer y rehacer mundos dentro de los mundos. Incluso si Picasso y Braque no colocarían estos mundos particulares dentro de los mundos en sus propias retrospectivas ... si tuvieran una opción. Lo siento, no lo siento.
Compartir vergüenza secreta: Como Un artista de collage yo mismo, Me sorprendió cuán pocos de estos 11 artistas conocí antes de escribir esto. H¿Adow de ti?
Artistas de collage famosos que definieron la forma de arte
1
Hannah Höch
Hannah Höch, Corte con el cuchillo de cocina Dada A través de la última época cultural de Beer-Belly Weimar en Alemania, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 en | 114 × 90 cm.
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Hannah Höch (nacida el 1 de noviembre de 1889 en Gotha, Alemania, y murió el 31 de mayo de 1978 en Berlín) era un Alemán Artista de DADA mejor conocida por sus fotomontajes políticos hechos con recortes de periódicos y objetos encontrados. Ella asistió al Colegio de Artes de Berlín y Artesanía y la escuela del Royal Museum of Applied Arts. El trabajo de Höch a menudo se comprometió con el ideal de principios del siglo XX del "Nueva mujer, "desafiando los roles domésticos tradicionales de las mujeres.
Ella estaba asociada con el movimiento Berlín Dada y colaborado con artistas como Raoul Hausmann. Durante el República de Weimar, Höch prosperó en la atmósfera liberalizada, produciendo fotomontajes ingeniosos y sutiles que comentó sobre cuestiones importantes del día. Sus obras fueron innovadoras en su uso de materiales obtenidos de la cultura popular, y es considerada uno de los creadores de fotomontage.
El trabajo más famoso de Hannah Höch es el fotomontaje de 1919 titulado "Corte con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural del vientre de la cerveza de Weimar de Alemania ". Esta pieza es un comentario satírico sobre los problemas políticos y sociales de la República de Weimar, que muestra su uso innovador de los materiales y su capacidad para crear arte estimulante. El fotomontaje presenta un collage de imágenes de periódicos, revistas y otras fuentes de medios, que las recontextualizan para crear una representación visualmente llamativa y crítica del período. Este trabajo es un excelente ejemplo de las contribuciones pioneras de Höch al movimiento Dada y su habilidad para usar la fotomontaje como un medio artístico poderoso.
El arte de Höch fue considerado degenerado por el régimen nazi, y ella vivió en relativa oscuridad durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de esto, su influencia se puede ver en las obras de artistas posteriores como Cindy Sherman y Hannah Wilke. El arte de Höch se celebra actualmente en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y la Berlinische Galerie.
2
Bearden Romare
Bearden Romare, Emperatriz de los Blues, 1974, acrílico y lápiz sobre papel y papel impreso en el cartón, 36 incógnita 48 en. (91.4 incógnita 121.9 centímetro.)
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Romante Bearden (1911-1988) era un africano Americano Artista conocido por sus poderosas obras de arte de collage que representaba la experiencia afroamericana durante su vida. Nació en Charlotte, Carolina del Norte, Bearden creció en la ciudad de Nueva York y Pittsburgh, y estudió en el Liga de estudiantes de arte en la ciudad de Nueva York con George Grosz y en Universidad de Columbia. Trabajó con varios medios, incluidos dibujos animados, aceites y collages.
La obra de arte de Bearden representaba constantemente la cultura y la experiencia afroamericana, que cubren temas rurales basados en sus recuerdos del Sur, así como Vida urbana y jazz. Su obra de arte de collage a menudo reflejaba elementos de jazz, con interacción entre personajes y improvisación de materiales. En la década de 1980, produjo un gran trabajo con imágenes convincentes de mujeres.
Durante el Renacimiento de Harlem, Romare Bearden's Family Home en La ciudad de Nueva York se convirtió en un lugar de reunión para intelectuales y artistas prominentes, como W. E. B. Du Bois, Paul Robeson, y Countee Cullen. Al crecer en este entorno, Bearden estuvo expuesto a varias formas de arte, incluida la música, y conoció a muchas leyendas musicales conocidas de la época.
A pesar de ser prolífico, Bearden enfrentó desafíos para obtener el reconocimiento como un gran artista estadounidense debido a los prejuicios y la segregación en el mundo del arte estadounidense. Sin embargo, sus exposiciones recibieron respuestas entusiastas, y en 1987, recibió la Medalla Nacional de Artes. Bearden también contribuyó como compositor, ilustrador de libros y diseñador de set para la Alvin Ailey American Dance Company. En 1990, la Fundación Romare Bearden se estableció para apoyar a artistas y académicos jóvenes o emergentes.
En 1964, Bearden fue nombrado primer director de arte de la Harlem Cultural Council, un destacado grupo de defensa afroamericano. Estuvo involucrado en la fundación de varios lugares de arte importantes, como el Museo de estudio en Harlem y el Cinque Gallery. Las contribuciones de Bearden al Renacimiento de Harlem se extendieron más allá de su obra de arte, ya que apoyaba activamente a los jóvenes artistas emergentes y abogaba por la cultura y las experiencias afroamericanas.
Aunque Bearden es mejor conocido por su arte visual, también era un gran estudiante de música, un letrista y diseñador de vestuario y set. Su obra de arte a menudo representaba la cultura y las experiencias afroamericanas, inspirándose en su vida en Harlem y Pittsburgh.
3
Henri Matisse
Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache en papel. 108 x 60 pulgadas.
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Los recortes de Henri Matisse, creados Durante la última década de su vida, tuvo un impacto significativo en nuestra comprensión contemporánea del arte del collage. A fines de la década de 1940, Matisse cambió su metodología artística y se volvió para cortar el papel como su medio principal, usando tijeras como su herramienta. Sus recortes, a menudo inspirados en el mundo natural o las formas abstractas, se organizaron en composiciones animadas que trascendieron los límites de la pintura de caballete y le permitieron trabajar con un nuevo tipo de reinado libre. Muchos consideran que este período es "Una segunda vida" para el artista. ¿No puedes ver la expresión de satisfacción en su rostro en este? imágenes raras haciendo un recorte de papel?
Recortes de Matisse mostró su increíble creatividad y vitalidad, incluso en circunstancias desafiantes. Representaron el pináculo de su carrera, marcando la transición final a un vocabulario completamente abstracto. Su dominio del estilo recortado tuvo un profundo impacto en su viaje artístico. Los recortes también introdujeron una nueva operación en el arte, que se conoció como "Dibujo con tijeras". Que presentan sus propios desafíos de preservación, como puede ver en este minucioso proceso de restauración.
Los recortes de Matisse influyeron en muchos artistas abstractos modernos y Continuar inspirando a artistas y curadores. La simplicidad de sus recortes fue inesperada en el mundo del arte, y fueron considerados totalmente único y radical en ese momento estaban siendo creados. Sus recortes se despojaron al color y la forma básicos, asumiendo una naturaleza casi gráfica, lo que podría explicar el resurgimiento de la estética en la ilustración y el diseño gráfico.
4
Barbara Kruger
Barbara Kruger, Sin título (tu cuerpo es un campo de batalla), 1989. Silscreen fotográfica sobre vinilo. 112 x 112 pulg. (284.48 x 284.48 cm).
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Barbara Kruger (nacida el 26 de enero de 1945) es un Artista conceptual y colgista estadounidense asociado con el Generación de imágenes. Es conocida por sus obras de arte de collage audaces y provocativas que cuestionan el papel de las mujeres en la sociedad, utilizando fotografías en blanco y negro superpuestos con subtítulos declarativos en Futura Bold Oblique o blancos en negrita o Helvetica Text Ultra Condensed. El trabajo de Kruger a menudo incluye texto a gran escala superpuesto en imágenes para desafiar supuestos culturales y los espectadores indicadores a Pregunta Mensajes de los medios de comunicación y su impacto en la identidad y la sociedad.
El estilo característico de Kruger era Influenciado por su entrenamiento clásico en diseño y su experiencia en la industria de la moda, particularmente como diseñadora jefe de la revista Mademoiselle. Su trabajo fue moldeado por la crítica del cine feminista y la teoría literaria estructuralista, que encontró a través de su participación en la reunión de artistas para el grupo de cambio social.
El arte de Kruger aborda cuestiones como el consumismo, la sexualidad, la política y la relación entre el poder y la sociedad, difuminar los límites entre el arte y la comercialidad. Ella es considerada una de las artistas feministas más importantes del siglo XX debido a su capacidad para desafiar y cuestionar las nociones de identidad y estructuras de poder a través de sus obras estimulantes y visualmente llamativas.
Escuche a Kruger hablar sobre su arte en sus propias palabras.
Algunos de los trabajos más importantes de Kruger incluyen:
"Sin título (tu cuerpo es un campo de batalla)"(1989): este trabajo presenta una fotografía en blanco y negro de la cara de una mujer, dividida por la mitad, con el texto" Tu cuerpo es un campo de batalla "superpuesto. Fue creado en respuesta al debate político que rodea los derechos reproductivos de las mujeres y Sirve como un poderoso comentario sobre la lucha por el control sobre los cuerpos de las mujeres.
"Sin título (compro por lo tanto lo soy)"(1987): esta pieza presenta la frase" Compro, por lo tanto, estoy "superpuesto en una mano que contiene una tarjeta de crédito. Critica al consumismo y la forma en que da forma a nuestras identidades y valores.
5
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Tinta de aceite y plantilería en lienzo
96 x 72 pulg. (243.8 x 183.8 cm.).
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Robert Rauschenberg (1925-2008) fue un Pintor estadounidense y artista gráfico Conocido por sus obras de "combinar", que difuminaban las distinciones entre la pintura y la escultura al incorporar objetos cotidianos como materiales de arte. Estudió arte en el Instituto de Arte de Kansas City, Academie Julian en París, y Black Mountain College en Carolina del Norte antes moverse hacia Ciudad de Nueva York en 1949.
Rauschenberg's combina objetos descartados integrados que recolectó de las calles de la ciudad de Nueva York, como Recortes de periódicos, fotografías y objetos encontrados. Él creía que usar materiales del mundo real hizo su arte más identificable y reflejado de la realidad. Algunas de sus primeras obras anticiparon el Arte pop Movimiento, y se celebra como un precursor para casi todos los movimientos de arte desde el expresionismo abstracto.
Las contribuciones de Robert Rauschenberg al mundo del arte fueron significativas y transformadoras. Fue una figura principal durante las décadas de 1950 y 1960 y se reconoció como un principal precursor de los estadounidenses Arte pop, junto con contemporáneos como Andy Warhol y Jasper Johns. Enfoques innovadores de Rauschenberg, visto en obras como Monograma, expandió los límites tradicionales del arte. Abriendo nuevas vías de exploración para futuros artistas.
Sus obras de "combinar" difuminó las distinciones entre la pintura y la escultura, incorporando objetos cotidianos como materiales de arte y Desafiando el status quo. La práctica artística de Rauschenberg y la energía creativa nunca encajarían en cajas preconcebidas. Historiador del arte Branden W. Joseph señaló que el trabajo de Rauschenberg sirvió como un estímulo, un ímpetu y un desafío para los artistas en todos los ámbitos.
A lo largo de su carrera, Rauschenberg trabajó en varios medios, como pintura, escultura, impresiones, fotografíay rendimiento. Colaboró con coreógrafos como Merce Cunningham, Paul Taylor, y Trisha Brown, y fue miembro fundador de los innovadores experimentos grupales en arte y tecnología (E.A.T.) en 1966.
Rauschenberg's enfoque innovador y energía creativa tuvo una influencia duradera en generaciones de artistas. Escuche cómo Rauschenberg "Reescribió las reglas del juego " De su hijo, el fotógrafo Chris Rauschenberg.
6
Kurt Schwitters
Kurt Schwitters, Difícil, 1942-43. doOblage. 31.25 x 24 pulgadas (79.37 x 60.96 cm).
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Kurt Schwitters (1887-1948) fue un Artista alemán involucrado tanto en el dadaísmo como en el constructivismo, mejor conocido por sus obras de Merz y Merzbau. Acuñó el término "merz" Describir su estilo de arte único que implicaba usar objetos cotidianos para crear sus obras. Schwitters creó Merzbild (Merz-Pintings), que eran collages y ensamblajes hechos de varios materiales de desecho, como impresiones, etiquetas, fondos de pantalla y piezas de madera. Y nunca se alejó del tema puntiagudo y abrasador, incluido su tiempo en el campo de internamiento de Hutchinson.
Concepto Merz de Schwitters fue un subsecto del movimiento Dada, adaptado a sus propias filosofías y visiones artísticas. El nombre Merz fue generado por casualidad a través de un collage que incorporó la palabra alemana "Kommerz "(Comercio). Esta palabra sin sentido y generada espontáneamente fue similar en origen y filosofía al título de DADA.
Mientras El arte de Merz y Dada está estrechamente relacionado, hay algunas diferencias entre los dos. Merz es un subsecto del movimiento DADA que fue adaptado a las propias filosofías y visiones artísticas de Schwitters. Por otro lado, Dada fue un movimiento de arte más amplio que abarcaba varias formas de arte, incluidas las artes de performance, la poesía, la fotografía, la escultura, la pintura y el collage. La estética de Dada estuvo marcada por su burla de actitudes materialistas y nacionalistas.
A lo largo de su vida, Schwitters creó más de 8,000 obras, con alrededor de 2,500 restantes hoy. Su enfoque innovador al arte, fusionando collage y abstracción, artistas influenciados como Robert Rauschenberg. Schwitters era un extraño e individualista, eligiendo no mudarse a los principales centros artísticos como Berlín o París después de completar sus estudios en la Academia Dresden.
7
Eduardo Paolozzi
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Eduardo Paolozzi (1924-2005) fue un Artista escocés conocido por sus innovadoras obras de collage Eso incorporó una mezcla de imágenes de la cultura y la tecnología populares. Nació en Leith cerca Edimburgo a padres italianos, Paolozzi estudió en Edimburgo y Londres antes de pasar dos años en París. Se considera ampliamente que es uno de los pioneros del arte pop.
Las obras de Paolozzi a menudo Desafiados nociones tradicionales de arte y belleza Al combinar elementos del surrealismo con cultura popular, maquinaria moderna y tecnología. Su temprano amor por la cultura estadounidense lo llevó a crear collages usando imágenes de anuncios, representando a los estilos de vida más brillantes y más felices que estaban emergiendo en América de posguerra. Pero también jugó con esa forma y estilo, transmutando su sensibilidad superior en sus mosaicos y esculturas, especialmente en Estación de metro de Tottenham Court Road.
Sus obras eran de naturaleza surrealista, ya que él Anuncios de revistas combinadas, dibujos animados y piezas de máquina en su arte, anticipando las preocupaciones del arte pop. Paolozzi estaba particularmente interesado en los medios de comunicación y en la ciencia y la tecnología, lo que influyó en su arte a lo largo de su carrera. Además de sus obras de collage, Paolozzi también produjo esculturas figurativas a gran escala, impresiones y murales mosaicos: sus vibrantes préstamos de apelación "una especie de enfoque para el caos".
8
Martha Rosler
Martha Rosler, Culto de carga, de la serie Body Beautiful, o Beauty no sabe dolor, 1966–72. PAGHotomontage impreso como fotografía. 39 1/2 x 30 1/4 pulg.
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Martha Rosler, nacida en 1943 en Brooklyn, Nueva York, es un Artista conceptual americano Conocido por sus collages feministas y fotomontajes. Ella trabaja en varios medios, incluyendo fotografía, texto fotográfico, video, instalación, escultura y rendimiento, así como escribir sobre el arte y la cultura. El trabajo de Rosler a menudo incorpora imágenes de la cultura popular y la publicidad hasta cuestionar el papel de las mujeres en la sociedad y desafiar los roles de género tradicionales.
El trabajo de Martha Rosler influyó significativamente en el movimiento del arte feminista al cuestionar la representación de las mujeres en la sociedad. También utilizó nuevas tecnologías, como el video, para diferenciarse de los artistas masculinos y los medios más tradicionales del mundo del arte. A mediados de la década de 1960, comenzó a crear fotomontajes que exploran material de mujeres y subyugación psíquica, manipulando anuncios populares para exponer sus ideologías subyacentes. Su trabajo, como el "cuerpo hermoso, o La serie Beauty No Knows Pain "(1966–72), combinó varias prácticas de arte conceptual en sintonía con la política feminista.
Una de sus obras ampliamente conocidas ",Semiótica de la cocina"(1975), es una parodia de video de cocina que aborda con humor las implicaciones de los roles femeninos tradicionales. Al apropiarse de elementos de la cultura pop, como la televisión y la publicidad de revistas, el trabajo de Rosler critica las normas y expectativas sociales que rodean a las mujeres.
La práctica artística de Rosler se extendió más allá del tema, ya que creía que el arte podría ocupar genuinamente un papel social y provocar empatía y desidentificación en el espectador. Su video funciona de los años setenta y ochenta, examinó las operaciones de los medios de comunicación para revelar cómo cultivaron un público complaciente. Influenciado por la ola de rendimiento feminista que surge de espacios de arte alternativos en California, el trabajo de Rosler contribuyó al desarrollo del arte conceptual feminista y dejó una marca indeleble en la escena de las artes contemporáneas.
9
John Heartfield
John Heartfield, Portada de Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über Alles, 1929 © The Heartfield Community of Herirs / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlín.
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John Heartfield (nacido Helmut Herzfeld; 1891-1968) era un artista visual alemán que Pionero fue el uso del arte como arma política, particularmente a través de sus fotomontajes antinazi y anti-fascistas. Las obras de Heartfield a menudo usaban imágenes satíricas y consignas para criticar el clima político de su tiempo, especialmente contra el surgimiento de Adolf Hitler y el Tercer Reich.
Los fotomontajes de Heartfield se acreditan la creación Algunos de los carteles políticos más emblemáticos del siglo XX Debido a su poderoso impacto visual y su capacidad para transmitir mensajes políticos fuertes. De 1930 a 1938, diseñó 240 piezas de arte antinazi, que se publicaron en el Revista AIZ. Estas obras fueron de contrabando en Alemania de Checoslovaquia, Austria, Suiza, y Oriental Francia después del Los nacionalsocialistas tomaron el control.
El coraje artístico de Heartfield era igual a su coraje físico, ya que continuó creando collages con vehemencia antifascista mientras vivía en Berlín hasta 1933. Sus fotomontajes presagió los horrores del régimen nazi y sirvió como una forma poderosa de protesta política, convirtiéndolo figura significativa en la historia del arte político.
El trabajo de John Heartfield ha influido en numerosos artistas, diseñadores gráficos, tipógrafos, anunciantes, cineastas, escritores y otros que han encontrado inspiración en su legado. Artistas de al otro lado del Bloque oriental, soviético Rusia y el Estados Unidos encontró inspiración en los fotomontajes de Heartfield a fines de los años sesenta y setenta. Para artistas como Klaus Staeck, László Lakner, y Martha Rosler, entre otros, su trabajo los ayudó a enfrentar ideologías izquierdistas desgastadas con un nuevo lenguaje visual.
El uso innovador de Heartfield de Photomontage transformado en una forma poderosa de comunicación masivanorte. Su método único para apropiarse y reutilizar fotografías para el efecto político ha inspirado a los artistas contemporáneos a usar técnicas similares para combatir la intolerancia, la ignorancia, la violencia y la guerra sin sentido con fines de lucro. La exposición de John Heartfield presenta trabajos de artistas de collage como Winston Smith, Thomas Young, y David King, quien continúa y se expande en el trabajo innovador de Heartfield.
10
Pablo Picasso
Pablo Picasso, La botella de Vieux Marc, 1913. Fondos de pantalla impresos, periódicos, carbón, gouache y alfileres cortados y pasados en papel colocado, 24 13/16 × 19 5/16 pulg. (63 × 49 cm).
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Pablo Picasso, junto con Georges Braque, jugó un papel crucial en la evolución del arte del collage. Desarrollaron la técnica de Papier Collé (papel pegado) en 1912, que marcó un cambio innovador en el mundo del arte. El enfoque innovador de Picasso para el arte de collage inspiró a otros artistas y se convirtió en un catalizador para los movimientos artísticos como el cubismo, el Dada y el surrealismo.
Uno de Picasso trabajo de collage temprano, "Copa de guitarra y vino, "Demuestra su capacidad para crear sombreado y estructura pegando y capas en papel. Su obra de arte de 1912"Naturaleza muerta con silla Caning"Es otro ejemplo significativo de su trabajo de collage. En esta pieza, Picasso incorporó un pedazo de Pelloth de petróleo con un patrón de lata de silla y una cuerda Para enmarcar la composición. Esta obra de arte desafió las ideas tradicionales de arte combinando materiales cotidianos con elementos pintados, difuminando los límites entre la cultura alta y baja.
Las obras de collage de Picasso tenían un Impacto profundo en el mundo del arte, inspirando a los artistas en varios movimientos, medios y estilos para explorar la práctica del arte del collage. Su enfoque inventivo e innovador al arte atrajo a artistas debido a su proceso estético único y un proceso de referencia. Como resultado, la influencia de Picasso en la evolución del arte del collage es evidente en las obras de muchos artistas que siguieron, como David Hockney, Jasper Johns y Martin Kippenberger.
11
Georges Braque
Georges Braque, Plato de frutas y vidrio, 1912. Carbón, papel tapiz, gouache, papel, cartón.
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Georges Braque, junto con Pablo Picasso, tocó un papel importante en la evolución del arte del collage. Inventaron la técnica de Papier Collé (papel pegado) en 1912, que marcó un cambio revolucionario en el mundo del arte. Braque llevó un collage un paso más allá por Pegando anuncios cortados en sus lienzos. También estenció a letras en pinturas, pigmentos mezclados con arena y copió grano de madera y mármol para lograr grandes niveles de dimensión en sus pinturas. Por supuesto, El collage existía mucho antes de entonces En otras formas ...
Las obras de arte de collage de Braque, como su 1912 obras de arte "plato de frutas y vidrio", piezas combinadas de papel tapiz de madera falsa con su Representaciones cubistas de objetos. Esta técnica cuestionó las ideas formales de perspectiva y espacio dentro del arte, ya que creó áreas de intersección de elementos de collage y dibujo dentro de su trabajo. Su enfoque innovador para el arte del collage influyó en muchos artistas contemporáneos y contribuyó al crecimiento y la expansión de la forma de arte de collage.
Durante la fase de collage del cubismo de 1912-14, los objetos inanimados dominaron las imágenes de Picasso, Braque y Juan Gris. Braque sigue siendo vidas poseía un Corriente de drama humano, gracias a la ingeniosa combinación de cosas y texto. El uso de materiales y texturas reales en sus composiciones de collage introdujo una nueva dimensión a la pintura occidental, cuyas repercusiones todavía se sienten hoy.
El trabajo de Braque con el collage tuvo un impacto duradero en el mundo del arte, inspirando a los artistas en varios movimientos, medios y estilos para Explore la práctica del arte del collage. El enfoque inventivo e innovador del arte atrajo a artistas debido a su proceso estético único y único, de un lado único. Como resultado, la influencia de Braque en la evolución del arte del collage es evidente en las obras de muchos artistas que siguieron, como el accionista de Jessica, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters y John Stezaker.
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El arte de collage es un medio único y versátil que permite infinitas posibilidades creativas. Las famosas obras de arte de collage mencionadas en este artículo han hecho contribuciones significativas al mundo del arte a través de sus innovadores estilos y técnicas. Cada artista tiene su propia perspectiva única, y su impacto en el mundo del arte ha resonado con otros artistas e ha influido en su trabajo.
Ya sea utilizando objetos cotidianos, sátira política o cuestionando los roles de género tradicionales, el arte del collage tiene la capacidad de comunicar mensajes complejos de una manera visualmente impresionante. Estos artistas han demostrado que arte de collage es más que simplemente cortar y pegar, es un medio poderoso para la autoexpresión y los comentarios sociales.
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Para nerds y alumnos visuales
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Icymi
¿Qué artista convirtió el concepto de collage en una forma de arte en 1912?
En 1912, el artista pionero que transformó el concepto de collage En una forma distinta de arte no era otro que Pablo Picasso. Durante este año, Picasso dio a conocer la "naturaleza muerta con la silla", un trabajo notable que marcó el advenimiento del collage como una expresión artística significativa y marcó el inicio de una nueva fase en el movimiento cubista.
"Naturaleza muerta con silla Caning" presentaba una combinación poco convencional de materiales y técnicas. Picasso incorporó una tira de tela de aceite impresa con un patrón de lata de silla en un lienzo en forma de ovalado. La pintura se enmarcó aún más con una cuerda. Esta fusión innovadora de varios elementos, junto con la incorporación de materiales no tradicionales, como el petrolero, desafió las normas artísticas convencionales e introdujo un enfoque de vanguardia para la fabricación de arte. Esta innovadora obra de arte allanó el camino para la exploración de nuevas posibilidades en la representación visual y amplió significativamente los límites de la expresión artística.
Además de su impacto en las artes visuales, el uso innovador del collage de Picasso tuvo implicaciones más amplias para la filosofía artística y el pensamiento creativo. La introducción del collage como una forma de arte viable desafió las ideas establecidas sobre la naturaleza de los materiales de arte, la composición y la representación. Este enfoque alentó a los artistas a explorar materiales, texturas y formas no convencionales, fomentando un espíritu de experimentación y redefinición dentro de la comunidad artística.
¿El trabajo de Hannah Höch se considera parte de qué estilo artístico?
El estilo artístico de Hannah Höch está firmemente asociado con el dadaísmo, un movimiento de vanguardia que tenía como objetivo desafiar las nociones tradicionales de arte y sociedad a través de su adopción de absurdo, anticonformidad y experimentación.
Höch es mejor conocida por sus obras de fotomontage, una técnica en la que hábilmente combinó y yuxtapone imágenes recortadas de revistas y periódicos para crear collages intrincados y estimulantes. Sus fotomontajes a menudo presentaban un comentario satírico y crítico sobre temas sociales y políticos, lo que refleja el rechazo dadaísta de las normas y valores establecidos.
La participación de Höch en el dadaísmo y su dominio de las técnicas de fotomontaje jugó un papel importante en la expansión de las posibilidades artísticas del movimiento. Su trabajo desafió las nociones predominantes de autoría y originalidad al apropiarse y recontextualizar las imágenes existentes, que resonaron con el espíritu de subversión e iconoclasia de Dada.
Pronóstico futuro
¿Por qué era importante el movimiento artístico de Dada para los futuros artistas?
El movimiento artístico de Dada tiene un importante significado para los futuros artistas debido a su desviación radical de las normas artísticas convencionales, su subversión de las instituciones establecidas y su papel en allanar el camino para las posteriores formas de arte de vanguardia y de vanguardia. Al emerger durante la Primera Guerra Mundial como reacción contra los horrores de la guerra y las normas sociales que parecían haberlo llevado a ella, el dadaísmo era una fuerza que destrozaba las fronteras artísticas tradicionales. Innumerables artistas se inspiraron en las payasadas salvajes y la audaz naturaleza antiautoritaria de Dada, motivándolos a expandir los horizontes del mundo del arte.
Una de las figuras más emblemáticas del dadaísmo fue Marcel Duchamp, conocida por su trabajo innovador "fuente", un urinario de porcelana firmado con el seudónimo "R. Mutt". La creación de Duchamp personificó el espíritu anti-arte de Dada, desafiando las nociones tradicionales de estética y obligando a los espectadores a cuestionar la esencia misma del arte. Este audaz acto tuvo un profundo impacto en los futuros artistas al empujarlos a repensar la definición y los límites de la expresión artística.
El movimiento Dada desempeñó un papel fundamental en el cambio de la percepción del arte y la ruptura de las reglas establecidas. Interrumpió medios artísticos tradicionales incorporando objetos encontrados, técnicas de collagey arte de performance, estableciendo un precedente para que los artistas experimenten con materiales y métodos no convencionales. El rechazo del dadaísmo a la lógica y su abrazo de absurdo e irracionalidad influyó en movimientos posteriores como Surrealismo, que también tenía como objetivo aprovechar la mente inconsciente y desafiar la racionalidad en el arte.
La influencia del movimiento se extendió más allá de las prácticas artísticas para desafiar las normas y la autoridad de la sociedad. Al ridiculizar y rechazar las convenciones, los dadaístas confrontaron el status quo, inspirando a futuras generaciones de artistas a utilizar sus expresiones creativas como un medio de crítica y cambio social. La postura antisistema del dadaísmo y su exploración de la aleatoriedad, el azar y la espontaneidad también contribuyeron al desarrollo del arte conceptual y el arte escénico, los cuales priorizan las ideas y los procesos sobre los resultados estéticos tradicionales.
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Imagen principal: Eduardo Paolozzi, Turing 6, 2001. Foto-serigrafía en color. 64×53cm.
