波普艺术：社会的镜子和变革的催化剂
波普艺术一直是推动界限和破碎先入为主的观念的一种。它对消费主义和身份政治的毫无歉意的探索对艺术界产生了深远的影响。本文将深入研究波普艺术的颠覆和叛逆的起源和发展。加上它与酷儿社区的基本联系，以及与艺术本身概念的艺术形式的持久吸引力...
波普艺术的起源和发展
伦敦场景
波普艺术出现在 英国 和 美国 在中间到 1950年代末 作为对传统美术的挑战。在 伦敦，波普艺术几乎同时发展了它在美国的出现1.
该运动的灵感来自受欢迎和商业文化，艺术家试图将日常物品和图像纳入他们的作品2。波普艺术的特征是它使用鲜艳的色彩，大胆的线条和图形图像，并且经常结合广告，漫画和流行文化的元素3.
在伦敦， 独立组包括艺术家，作家和建筑师在内，在波普艺术的发展中发挥了至关重要的作用。该小组在 当代艺术学院 在伦敦，展示了艺术家的作品 理查德·汉密尔顿, Eduardo Paolozzi， 和 彼得·布雷克1。这些艺术家对艺术与大众文化之间的关系感兴趣，他们试图通过将日常物品和图像纳入他们的作品来挑战传统的美术观念4.
伦敦的波普艺术也受到1950年代和1960年代新兴青年文化的影响，其特征是拒绝传统价值观和庆祝流行文化5.
美国的波普艺术
波普艺术出现在 美国 在中间到 1950年代末 作为对不断变化的文化景观的回应 战后美国. 在美国，波普艺术在1960年代获得了最大的动力，1962年12月在1962年12月举行的“波普艺术”一词是由 现代艺术博物馆2.
美国波普艺术的特点是它使用了流行的消费者符号，例如家庭对象和标志性名人，并且经常融合商业世界的技术和材料，例如屏幕打印35。美国的波普艺术也受到1950年代和1960年代新兴青年文化的影响，其特征是拒绝传统价值观和对流行文化的庆祝4.
扩展到法国，西德和苏联
在法国，波普艺术的特征是它使用鲜艳的色彩和大胆的线条，并且经常结合广告和流行文化的元素1。法国流行艺术家，例如伊夫 克莱恩 和 丹尼尔·斯波里（Daniel Spoerri） 对艺术与日常生活之间的关系感兴趣，他们试图通过将日常物品和图像纳入他们的作品来挑战传统的美术观念1.
在西德，波普艺术受到1950年代和1960年代新兴青年文化的影响，它经常纳入政治讽刺和社会评论的元素2。德国流行艺术家，例如 西格玛·波克（Sigmar Polke） 和 格哈德·里希特（Gerhard Richter） 对艺术与社会之间的关系感兴趣，他们试图通过将日常物品和图像纳入他们的作品来挑战传统的美术观念2.
在苏联，波普艺术的出现比西方晚，它受到当时政治和社会气氛的严重影响。苏联波普艺术的特征是它使用以苏联为主题的图像及其对社会和政治评论的关注3.
艺术困境和潜台词的酷儿必要性
消费主义与颠覆
波普艺术家面临的关键问题之一是要接受普遍的消费文化还是颠覆它。
流行艺术家使用消费文化的图像来创作既庆祝又批评消费主义的作品1. 波普艺术是一种通过使用自己的图像来颠覆主导文化的一种方式，这是一种庆祝日常物品和图像的方式4. 一些艺术家，例如沃霍尔（Warhol），选择做所有这些，然后做一些艺术家。模糊艺术与商业之间的界限，并挑战观众对整个艺术世界的假设质疑。
批评消费主义的一些最著名的流行艺术作品包括：
• 安迪·沃霍尔''坎贝尔的汤罐“ 和 ”玛丽莲·梦露“系列，使用消费文化的图像来创作既庆祝又批评消费主义的作品1. 沃霍尔（Warhol）的艺术也以其重复和连续性的使用为特征3.
•罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）的“ WHAAM！”和 ”溺水的女孩“使用漫画图像来批评女性在流行文化中的客观化2.
•Claes Oldenburg''巨型汉堡“ 和 ”巨型软马桶“使用日常对象来批评消费文化的过度3.
•理查德·汉密尔顿“是什么使今天的房屋如此不同，如此吸引人？”使用拼贴来批评1950年代的消费文化4.
安迪·沃霍尔（Andy Warhol）和工厂
沃霍尔（Warhol）是那个神秘的人物，他在波普艺术运动上大放异彩，著名地命名了他的工作室The Factory。在这样做的过程中，他承认艺术的商业方面，并模糊了艺术与商业之间的界限。然而，在沃霍尔作品的表面下，有一些颠覆性元素不易分类。工厂是矛盾的坩埚，在这里，每天和非凡的碰撞，艺术既是商品，也是挑战现状的手段。
达达艺术和存在主义的影响
波普艺术也受到达达（Dada）的深刻影响，达达（Dada）是一种早期的艺术运动，在混乱和荒谬中蓬勃发展。达达艺术家（Marcel Duchamp）像马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）一样，嘲笑传统艺术世界，创作了质疑艺术本身的作品。同样，当时的存在主义哲学家，例如让·帕尔·萨特（Jean-Paul Sartre）和阿尔伯特·卡姆斯（Albert Camus），对人类生存的含义和目的进行了问题。这些思想的双流电流为波普艺术及其颠覆性基础的发展提供了肥沃的基础。
营地的美学和身份政治
苏珊·桑塔格（Susan Sontag）在营地上的笔记
1964年，文化评论家苏珊·桑塔格（Susan Sontag）发表了她的有影响力的文章《训练营》。在其中，她描述了一种新的前卫敏感性，既是颠覆性又不敬畏的。如Sontag所定义的那样，营地是一种审美，庆祝人造，夸张的和戏剧。这是一种通过讽刺和超脱的视角来观看世界的一种方式。
这篇文章于1964年首次发表，是Sontag对 党派评论1。论文认为“ camp”一词及其在流行文化中的含义和含义2.
Sontag认为营地是一种敏感性，而不是一个主意，它的特点是对夸张的，“ off”和事物的热爱3。她还认为，坎普是一种通过推广其他人认真对待的方法来消除道德愤慨的一种方式4.
Sontag的文章对营地美学的发展及其与身份政治的关系产生了深远的影响。营地的美感被 LGBTQ 社区是一种促进身份和性行为的嬉戏方法4.
桑塔格（Sontag）的文章还帮助建立了营地的美学，成为流行文化的主要力量，它对当代艺术和时尚的发展产生了深远的影响3.
营地与波普艺术之间的联系
波普艺术与营地美学之间的联系在于他们共同庆祝流行文化，媚俗，以及“高”和“低”艺术之间的界限模糊12.
波普艺术和营地美学都以对主导的现代主义艺术运动的反应而出现，这些运动优先考虑抽象和传统的艺术价值观34. 波普艺术将大众文化的对象和媒体明星融入其作品中，而营地美学却自觉地荣耀流行文化和媚俗12.
通过将“ Low”艺术重新定义为“高级”艺术背景，流行艺术家与营地庆祝和对边际的承诺相似2. 波普艺术与营地美学之间的联系突出了边缘化社区对艺术世界的影响以及对传统艺术等级制度的共同挑战2.
身份和表现的作用
坎普还为探索身份，性别和性行为问题提供了一个框架。对于像沃霍尔（Warhol）这样的艺术家，他们在1950年代纽约的年轻同性恋男人的复杂性中，营地提供了一种表达自己的身份并以自己的方式与世界互动的方法。这是作为个人和艺术家表现身份的一种方式。
安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的痴迷和启示
超人作为反复出现的主题
在沃霍尔（Warhol）的作品中，标志性的超级英雄超人（Superman）是一个反复出现的主题。从表面上看，这似乎只是对流行文化的另一个点头，但是仔细检查揭示了更深入，更个人化的联系。超人是在大城市中改变自己的外星移民，反映了沃霍尔（Warhol）自己在城市景观中锻造自己身份的年轻同性恋者的旅程。
此外，作为美国漫画书中流行的超级英雄角色，超人的文化偶像自然适合沃霍尔对名人文化和大众媒体的探索2. 超人主题的大胆色彩和可识别的标志也与沃霍尔的艺术风格保持一致，可以看作是他的视觉语言的自然选择1.
沃霍尔的朋克流行时期
在1970年代，沃霍尔（Warhol）进入了一段艺术实验，称为他的朋克流行阶段。在这段时间里，他深入研究了性和欲望的黑暗角落，制作了像他臭名昭著的“小便”绘画一样的作品。通过这些挑衅性的作品，沃霍尔继续挑战艺术表达的界限，并探索身份和性的复杂性。
当然，与他的过去有一个朋克流行音乐的联系。 沃霍尔（Warhol）管理和制作的天鹅绒地下音乐的特征是对资产阶级的口味和腐败的消费系统的工人阶级起义1. 沃霍尔的 爆炸塑料不可避免，一个以乐队为特色的多媒体事件，被描述为“电子：中间：全尺度”，并包裹着 天鹅绒 在黑暗，朦胧，频闪的马戏团1。尽管与朋克摇滚的这种联系早于1970年代，但它表明了沃霍尔对运动的影响。实验性和叛逆...什么比这更朋克？
准将Amiga 1000和数字性能
1985年， 安迪·沃霍尔 接近 国际准将 展示其新个人计算机的高级图形功能， Amiga 10001.
沃霍尔热情地拥抱了这一机会，并使用Amiga 1000的最先进的软件成像工具（例如“模式洪水填充”，“托盘化颜色”和“拷贝帕斯特拼贴”）创建了一系列数字作品。1.
人们长期以来一直认为这些数字作品会丢失，但在2014年在档案中重新发现 安迪·沃霍尔博物馆1.对于Amiga 1000的发布，Commodore计划在 林肯中心 在 纽约，沃霍尔在其中构成了计算机肖像 黛比·哈利23.
沃霍尔（Warhol）在Amiga 1000上创建的数字作品包括他的标志性的变体 坎贝尔的汤罐，花和肖像3。重新发现的数字艺术后来在沃霍尔博物馆展出2.
其他颠覆性流行艺术家
Marisol，Nikki de Saint Phalle和Dorothy Grebenak
许多艺术家使用 /二手的波普艺术作为探索和挑战常规思想的一种手段。关于艺术，政治，性别，性行为等。像Marisol，Nikki de Saint Phalle和Dorothy Grebenak这样的艺术家都在运动中雕刻了自己独特的壁ni，创造了强大的工作主体，值得更加认识和欣赏。
马里索尔
Marisol Escobar，仅被称为马里索尔（Marisol），是委内瑞拉裔美国人雕塑家 巴黎 他在1960年代因其独特的集合和雕塑而闻名1。她的作品经常将波普艺术图像与民间艺术元素相结合，模糊了两种样式之间的边界1.
Marisol的艺术经常使用照片或个人记忆中的物体和灵感2. Marisol的雕塑经常以她自己的脸为特色，如在小组安装中的人物 托莱多艺术博物馆1. 她的著名作品之一，“ 家庭（1962年），灵感来自她在纽约工作室发现的家庭的照片4. 她的雕塑经常充当当代生活的讽刺批评，包括上层社会的代表2.
Marisol的艺术训练是不规则和折衷的，因为她在 Beaux-Arts 1949年在巴黎，然后搬到 纽约3. 她的作品与当时其他流行艺术家不同，因为她的雕塑中的民间和幼稚的品质2。 k将其类似盒子的比喻作品固定在一起，结合了木材和其他材料，通常被分组为Tableaux3. 她对艺术的创新方法和挑战社会规范的能力使她成为了今天的令人信服的人物1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle （1930-2002）是一位法国雕塑家，画家，电影制片人，并以其丰富多彩而创新的作品而闻名1。出生 凯瑟琳·玛丽·阿格纳斯 Fal de Saint Phalle，S他没有正式的艺术培训，但与许多当代艺术家有关，开发了一种特殊的风格，通常称为“局外人艺术”2.
de Saint Phalle的作品颠覆了传统的艺术规范和期望。在1960年代初，她因“ Tirs”或 “拍摄绘画，“她在准备好的白色组合中开枪，在艺术中产生了暴力和破坏的感觉3。后来，她将重点转移到雕塑上，创作了“ Nanas”系列，其中以动物，怪物和女性人物的轻松，异想天开和丰富多彩的大规模雕塑为特色2.
她最全面的作品《塔罗牌花园》是一个大型雕塑花园 安东尼·高迪' ParcGüell 和parco dei mostri Bomarzo, 意大利4.
在她的整个职业生涯中，de Saint Phalle都将她的艺术用于行动主义，解决社会和政治问题，并促进喜悦和积极性3.
多萝西·格雷本纳克（Dorothy Grebenak）
多萝西·格雷本纳克（Dorothy Grebenak） （1913-1990）是一位美国流行艺术家 浪潮 盒子和美元账单12.
格雷本纳克（Grebenak）的作品在很大程度上是自学成才的，颠覆了日常商业图像并将其转化为传统的手工艺媒介，这通常被认为是露营而不是颠覆性的2.
当她的男性同伴在波普艺术运动中，就像 安迪·沃霍尔 和 罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）格雷本纳克（Grebenak2。但是，她的艺术实践与她的同时代人分享了类似的中心前提，从商业媒体中汲取文字和图像，然后将其转化为另一种媒介2.
尽管她本世纪中叶中世纪的关键和商业上的成功，但格雷本纳克几乎不久之后就从艺术界消失了2。随着时间的流逝，她的许多地毯已经消失或崩溃2。丈夫在1971年去世后，她搬到了 伦敦，她在1990年去世2.
Grebenak的作品可以看作是对消费文化和日常物品价值的评论，使用幽默和独特的媒介来挑战艺术规范2。格雷本纳克（Grebenak）的作品在波普艺术运动中经常被忽视，而她离开艺术界的理由仍在辩论2.
姐妹Corita Kent，Martha Rosler和Idelle Weber
同样，科里塔·肯特（Corita Kent）姐妹，玛莎·罗斯勒（Martha Rosler）和艾德尔·韦伯（Idelle Weber）利用他们的艺术来询问周围的世界，质疑统治着妇女和艺术家生活的社会规范和期望。他们的工作证明了艺术的变革力量及其改变我们看到世界的方式的能力。
姐姐Corita Kent
姐姐Corita Kent （1918-1986），出生于弗朗西斯 伊丽莎白·肯特，是美国艺术家，设计师，教育家，并且以其充满活力和社会意识的波普艺术而闻名1.
她加入了 完美心脏的姐妹 的 玛丽 18岁，以姐姐的名字 玛丽·科里塔·肯特（Mary Corita Kent）1。她在 Chouinard艺术学院 （现在 卡拉特）并从中获得了学位 洛杉矶' 完美的心脏大学2.
肯特的艺术品结合了 圣经，现代诗歌以及带有宗教或世俗图像的流行歌曲歌词3。她大胆而丰富多彩的丝网印刷倡导了社会正义事业，解决了贫困，饥饿与和平等问题4。她在1960年代初获得名声，并在离开修道院后继续创作艺术4.
科里塔·肯特（Corita Kent）的作品因其充满希望，爱与社会意识的强大信息而受到庆祝4.
玛莎·罗斯勒（Martha Rosler）
玛莎·罗斯勒（Martha Rosler） 是一位美国艺术家，出生于1943年，以摄影，照片文字，视频，安装和表演艺术而闻名1。她在 布鲁克林, 纽约2。罗斯勒的艺术经常解决社会和政治问题，例如战争，性别和消费文化3.
她著名的系列之一是“美丽的房子：带回家”拼贴画，并置 越南战争 带有家里的图片Décor杂志3。该系列突出了战争暴力与家庭生活舒适之间的对比，这是对美国帝国主义的批评3.
在她的整个职业生涯中，罗斯勒因其发人深省和具有社会意识的艺术而受到认可2.
艾德尔·韦伯
艾德尔·韦伯 （1932-2020）是一位以她在波普艺术和摄影主义工作而闻名的美国艺术家1。她因1960年代和70年代的早期轮廓作品而获得认可，该作品以企业和家庭环境中的黑色和白色轮廓为特色1。这些作品经常颠覆广告和消费文化的视觉语言，批评企业世界及其对社会的影响21.
韦伯的艺术在2010年开创性的展览中刊登”诱人的颠覆：女性流行艺术家, 1958–1968"2。她后来的工作扩展到了现实主义，重点是垃圾和城市景观等主题3.
随着战后女艺术家的贡献进行了重新审查，韦伯的作品因其创新方法和对消费主义和社会规范的批判性评论而获得了重新认可。1.
Rosalyn Drexler，David Hockney和Ray Johnson
其他酷儿艺术家，例如Rosalyn Drexler，David Hockney和Ray Johnson，采取了更直接的方法，他们以他们的艺术来面对性别，性和身份的问题。通过他们的工作，他们向边缘化和挑战主流的挑战以面对自己的偏见和假设。
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler （生于1926年）是美国视觉艺术家，小说家， 奥比屡获殊荣 剧作家， 艾美奖奖- 拥有编剧和前职业摔跤手1。她被认为是波普艺术运动中的关键女权主义声音2.
德雷克斯勒（Drexler）于1961年开始使用流行文化的图像，同年 安迪·沃霍尔 和 罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）3。她的艺术品经常以拼贴方式重新利用媒体图像，例如电影的场景，将它们与大胆的色彩和醒目的作品结合在一起2.
Drexler的作品探讨了亲密，暴力和男性气质的主题，在流行拨款时提供了个人，有时甚至更黑暗的旋转3。她作为母亲，女性摔跤手和作家的经历影响了这些主题3.
除了视觉艺术外，德雷克斯勒还以屡获殊荣的戏剧和小说而闻名，这通常反映出相似的主题和经验3。她的多学科艺术实践为她在艺术品中的颠覆和符号学的独特方法做出了贡献2.
大卫·霍克尼（David Hockney）
大卫·霍克尼（David Hockney） （出生于1937年）是英国画家，制作人，版画制造商，舞台设计师和摄影师，被认为是20世纪最具影响力的英国艺术家之一，也是波普艺术运动的重要贡献者1.
霍克尼的作品经常通过结合各种媒体（例如绘画，绘画，版画，摄影和数字艺术）来颠覆规范，以创造创新和独特的作品1.
霍克尼最著名的系列之一，他的游泳池绘画，展示了他对光对水的影响和鲜艳的色彩的迷恋 加利福尼亚 景观2。这些作品通常具有孤立和内省的感觉，挑战了闲暇和美国梦的传统表现2.
大卫·霍克尼（David Hockney）同性恋对他的艺术产生了重大影响，因为他公开探索了同性恋和渴望的主题，甚至在同性恋在1967年非刑事化之前1。霍克尼的早期作品经常以模型的图像为特色 体质，一本针对男同性恋的健身杂志1。他的目的是通过他的艺术“宣传同性恋”，其中一些最早的绘画包含对他对歌手的渴望的重编号的参考 悬崖理查德2.
霍克尼对诗人的钦佩 C.P.卡瓦菲 导致他创建了一系列印刷品，灵感来自卡瓦菲（Cavafy）关于注定同性恋爱的诗2。他的艺术经常描绘亲密的关系和个人经历，反映了他在同性恋仍然是禁忌话题的年轻同性恋者的生活2.
霍克尼对自己的性行为的开放和他愿意在艺术中解决这个问题的意愿使他成为了开拓者和LGBTQ+社区的榜样2.
罗伯特·印第安纳州，杜安·米歇尔（Duane Michels）和基思·哈林（Keith Haring）
罗伯特·印第安纳州，杜安·米歇尔斯（Duane Michels）和基思·哈林（Keith Haring）都在波普艺术运动上均打下了自己的印记，利用其独特的风格探索文化边缘的生活。通过他们的艺术，他们庆祝了人类经验的丰富性和多样性，并突破了艺术的界限。
罗伯特印第安纳州
罗伯特印第安纳州 是波普艺术运动的中心人物。 他的艺术经常批评美国文化中的消费者倾向和政治过度，反映了美国梦的黑暗面2。但是他以他的标志性而闻名 爱 系列1.
印第安纳州在他的作品中使用符号学的使用在他的爱情系列中很明显，该系列成为20世纪最知名的艺术品之一3。用大胆的大写字母和倾斜的“ o”一词的简单而强大的安排成为和平与统一的象征，超越了其原始背景，并引起广泛的观众的共鸣1.
罗伯特·印第安纳州有效地品牌爱情。 有了他的作品 自1960年代创造以来，在流行文化中以各种方式使用。标志性的设计已经以从大型公共雕塑到邮票的格式复制1。世界各地安装了50个爱情雕塑2。该图像也在无数商品（例如地毯和滑板）上展出3.
杜安·米歇尔（Duane Michals）
杜安·米歇尔（Duane Michals） 是一位以通过连续照片创新的讲故事而闻名的美国摄影师，该照片经常探索形而上学主题1。他的作品通过将摄影的界限作为一种媒介，捕捉思想和情感而不仅仅是记录现实，从而颠覆了社会规范2.
迈克尔斯认为自己是他想像的剧照的导演，演出和拍摄故事1.
米歇尔的工作经常处理生活的陌生和不一致的主题，反映出他作为同性恋的同性恋者的观点不那么被接受3。他对自己的性行为开放，并将其融入他的艺术中，解决了人际关系和情感的复杂性3.
除了他开创性的顺序照片外，米歇尔作为杂志摄影师的商业作品还采用了另一种方法，捕捉了人们在环境中的肖像，而不是在工作室环境中1.
让·米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）
让·米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat） （1960-1988）是一位波多黎各人/海地美国艺术家，以他的新表达主义画和 涂鸦 艺术1。他通过他的原始，毫无歉意的风格颠覆了社会规范，这些风格经常纳入涉及种族，阶级，权力和身份问题的文本和图像2。巴斯奎特的艺术专注于二分法，例如财富与贫困，融合与隔离以及内在与外在体验3.
巴斯奎特在他的绘画中使用社会评论作为内省的工具，并确定他在当时的黑人社区中的经历，以及对种族主义的权力结构和种族主义制度的攻击3。他的视觉诗学是敏锐的政治性，直接在批评殖民主义和对阶级斗争的支持下4.
作为一名年轻的黑人艺术家，巴斯奎特的作品挑战了主要是白人艺术世界，并引起了边缘化社区的经历1。他对艺术的开创性方法和对传统艺术规范的蔑视使他成为新表达主义运动的重要人物2.
波普艺术及其激进遗产的持久吸引力
流行艺术具有讽刺意味的复杂性和自我意识的嬉戏，一直在吸引和挑战观众。该运动与许多不同的人交谈的能力以及愿意面对和颠覆现状的意愿是其持久吸引力的一部分。而且，当我们回顾它的历史时，很明显，波普艺术在其激进和颠覆性的荣耀中，在塑造我们的现代世界中发挥了重要作用。
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正如我们所看到的，波普艺术不仅仅是一种浮华，肤浅的动作。这是对消费主义，身份政治和艺术表达的局限性的复杂而多方面的探索。流行的遗产 艺术及其酷儿先驱就像安迪·沃霍尔（Andy Warhol）一样，继续在艺术界回荡，使我们想起艺术的变革力量以及挑战我们的假设和偏见的重要性。
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