팝 아트 : 사회와 변화를위한 촉매제의 거울
팝 아트는 항상 경계를 밀고 선입견을 산산조각내는 하나였습니다. 소비와 정체성 정치에 대한 비공식적 탐구는 예술계에 큰 영향을 미쳤다. 이 기사는 팝 아트의 파괴와 반항성의 기원과 발전을 탐구 할 것입니다. 또한 퀴어 커뮤니티와의 근본적인 유대와 예술 자체의 개념과 함께 연주하는 예술 형식의 지속적인 매력 ...
팝 아트의 기원과 개발
런던 장면
팝 아트가 등장했습니다 영국 그리고 미국 중간에서 1950 년대 후반 전통적인 미술에 대한 도전으로. ~ 안에 런던, 팝 아트는 미국에서의 출현과 거의 동시에 개발되었습니다.1.
이 운동은 대중적이고 상업적 문화에서 영감을 얻었으며 예술가들은 일상적인 물건과 이미지를 그들의 작품에 통합하려고했습니다.2. 팝 아트는 밝은 색상, 대담한 라인 및 그래픽 이미지를 사용하는 것이 특징이며, 종종 광고, 만화책 및 대중 문화의 요소를 통합했습니다.3.
런던에서 독립 그룹예술가, 작가 및 건축가가 포함 된 것은 팝 아트 개발에 중요한 역할을했습니다. 이 그룹은 일련의 전시회를 열었습니다 현대 예술 연구소 런던에서는 예술가들의 작품을 선보였습니다. 리차드 해밀턴, 에두아르도 파올로 지, 그리고 피터 블레이크1. 이 예술가들은 예술과 대중 문화의 관계에 관심이 있었고, 일상적인 물건과 이미지를 그들의 작품에 통합함으로써 미술의 전통적인 개념에 도전하고자했습니다.4.
런던의 팝 아트는 또한 1950 년대와 1960 년대의 신흥 청소년 문화에 의해 영향을 받았으며, 이는 전통적인 가치의 거부와 대중 문화의 축하로 특징 지어졌습니다.5.
미국의 팝 아트
팝 아트가 등장했습니다 미국 중간에서 1950 년대 후반 변화하는 문화 환경에 대한 반응으로 전후 미국. 미국에서는 팝 아트가 1960 년대에 가장 큰 자극을 받았으며, "팝 아트"라는 용어는 1962 년 12 월에 현대 미술관2.
American Pop Art는 가정용 대상 및 상징적 인 유명 인사와 같은 인기있는 소비자 상징을 사용하는 것이 특징이며, 종종 스크린 프린팅과 같은 상업 세계의 기술과 자료를 통합했습니다.35. 미국의 팝 아트는 또한 1950 년대와 1960 년대의 신흥 청소년 문화에 의해 영향을 받았으며, 이는 전통적인 가치의 거부와 대중 문화의 축하로 특징 지어졌습니다.4.
프랑스, 서독 및 소비에트 연방으로의 확장
프랑스에서는 팝 아트가 밝은 색상과 대담한 라인을 사용하는 것이 특징이며, 종종 광고와 대중 문화의 요소를 통합했습니다.1. Yves와 같은 프랑스 팝 아티스트 클라인 그리고 다니엘 스포 에리 예술과 일상 생활의 관계에 관심이 있었고, 일상적인 사물과 이미지를 그들의 작품에 통합함으로써 미술의 전통적인 개념에 도전하려고했습니다.1.
서독에서는 팝 아트가 1950 년대와 1960 년대의 신흥 청소년 문화의 영향을 받았으며 종종 정치적 풍자와 사회 논평의 요소를 통합했습니다.2. 독일 대중 아티스트와 같은 Sigmar Polke 그리고 Gerhard Richter 예술과 사회의 관계에 관심이 있었고, 그들은 일상적인 사물과 이미지를 그들의 작품에 통합함으로써 미술의 전통적인 개념에 도전하고자했습니다.2.
소비에트 연방에서는 팝 아트가 서부보다 늦게 등장했으며 당시의 정치적, 사회적 분위기에 크게 영향을 받았다. 소비에트 팝 아트는 소비에트 테마 이미지의 사용과 사회적, 정치적 논평에 대한 초점3.
예술적 딜레마와 하위 텍스트의 퀴어 필요성
소비와 전복
팝 아트 아티스트가 직면 한 주요 질문 중 하나는 광범위한 소비자 문화를 받아들이거나이를 전복 할 것인지에 대한 것입니다.
팝 아티스트는 소비자 문화의 이미지를 사용하여 소비주의를 축하하고 비판하는 작품을 만듭니다.1. 팝 아트는 자체 이미지를 사용하여 지배적 인 문화를 파괴하는 방법이었으며, 전통적인 미술이 종종 간과하는 일상적인 물건과 이미지를 축하하는 방법이었습니다.4. Warhol과 같은 일부 예술가들은 그 모든 것을하기로 결정했습니다. 예술과 상업 사이의 경계를 흐리게하고 시청자가 예술계에 대한 가정에 의문을 제기하도록 도전합니다.
소비주의를 비판하는 가장 유명한 팝 아트 작품 중 일부는 다음과 같습니다.
• 앤디 워홀"S"캠벨의 수프 캔" 그리고 "마릴린 먼로"소비자 문화의 이미지를 사용한 시리즈는 소비주의를 기념하고 비판적 인 작품을 만드는 작품을 만듭니다.1. Warhol의 예술은 또한 반복과 연속성의 사용으로 특징 지어졌으며, 이는 예술의 독창성과 독창성에 대한 전통적인 개념에 도전했습니다.3.
• Roy Lichtenstein"WHAAM!" 그리고 "익사 소녀"대중 문화에서 여성의 객관화를 비판하기 위해 만화 이미지를 사용했습니다.2.
• Claes Oldenburg"S"거대한 햄버거" 그리고 "거대한 소프트 화장실"소비자 문화의 초과 비판을 위해 일상적인 물건을 사용했습니다.3.
• 리차드 해밀턴""오늘날의 집을 그렇게 다르게 만들고 매력적으로 만드는 것은 무엇입니까? " 1950 년대의 소비자 문화를 비판하기 위해 콜라주를 사용했습니다.4.
앤디 워홀과 공장
팝 아트 운동을 통해 크게 자리한 수수께끼의 인물 인 워홀 (Warhol)은 그의 스튜디오를 공장으로 명명했습니다. 그렇게하면서 그는 예술의 비즈니스 측면을 인정하고 예술과 상업의 경계를 흐리게했습니다. 그러나 Warhol의 작품 표면 아래에는 쉽게 분류 된 분류를 무시하는 파괴적인 요소가있었습니다. 공장은 모순의 도가니였으며, 일상과 특별한 사람들이 충돌했으며, 예술이 상품이자 현 상태에 도전하는 수단이었던 곳이었습니다.
다다 예술과 실존주의의 영향
팝 아트는 또한 혼란과 부조리에 번성 한 초기 예술 운동 인 Dada의 영향을 받았습니다. Marcel Duchamp와 같은 다다 예술가들은 전통 예술계의 조롱을 만들어 예술 자체의 본질에 의문을 제기 한 작품을 만들었습니다. 마찬가지로, Jean-Paul Sartre 및 Albert Camus와 같은 시대의 실존주의 철학자들은 인간 존재의 의미와 목적에 대한 질문에 시달렸다. 이 쌍둥이 전류는 팝 아트의 발전과 파괴적인 토대를위한 비옥 한 근거를 제공했습니다.
캠프 미학과 정체성 정치
캠프에 대한 Susan Sontag의 메모
1964 년 문화 비평가 Susan Sontag는 그녀의 영향력있는 에세이 인 Camp on Camp를 출판했습니다. 그것에서, 그녀는 파괴적이고 불쾌한 새로운 아방가르드 감성을 묘사했습니다. Sontag가 정의한 것처럼 캠프는 인공, 과장된 사람들, 극장을 축하하는 미학이었습니다. 그것은 아이러니와 분리의 렌즈를 통해 세상을 보는 방법이었습니다.
에세이는 1964 년에 처음 출판되었으며 Sontag의 첫 번째 공헌이었습니다. 당파 검토1. 에세이는 "캠프"라는 단어의 의미와 의미와 대중 문화에서 어떻게 사용되는지를 고려합니다.2.
Sontag는 캠프는 아이디어가 아니라 감성이며 과장된 자, "꺼짐", 그리고 사물의 사물에 대한 사랑으로 특징 지어 졌다고 주장했다.3. 그녀는 또한 캠프가 다른 사람들이 진지하게 받아들이는 것에 대한 장난스러운 접근 방식을 촉진함으로써 도덕적 분노를 중화시키는 방법이라고 주장했다.4.
Sontag의 에세이는 캠프 미학의 발전과 정체성 정치와의 관계에 큰 영향을 미쳤습니다. 캠프 미학은 LGBTQ 정체성과 섹슈얼리티에 대한 장난스러운 접근을 장려하는 방법으로서의 커뮤니티4.
Sontag의 에세이는 또한 대중 문화의 주요 힘으로 캠프 미학을 확립하는 데 도움이되었으며 현대 미술과 패션의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.3.
캠프와 팝 아트의 연결
팝 아트와 캠프 미학의 연결은 대중 문화, 키치의 공동 축하, "High"와 "Low"Art 사이의 경계의 흐릿함에 있습니다.12.
팝 아트와 캠프 미학은 모두 지배적 인 현대 예술 운동에 대한 반응으로 등장했으며, 이는 추상화와 전통적인 예술적 가치를 우선시했습니다.34. 팝 아트는 대중 문화 대상과 미디어 스타를 작품에 포함 시켰으며, 캠프 미학은 대중 문화와 키치를 자의적으로 영화 롭게하는 데 도움이되었습니다.12.
"낮은"예술을 "높은"예술 맥락으로 재구성함으로써, 팝 아티스트는 캠프 축하 행사와 한계에 대한 헌신과 평행2. 팝 아트와 캠프 미학의 연결은 예술 세계에 소외된 커뮤니티의 영향과 전통적인 예술적 계층에 대한 공유 도전을 강조합니다.2.
정체성과 성과의 역할
캠프는 또한 정체성, 성별 및 섹슈얼리티 문제를 탐구하기위한 프레임 워크를 제공했습니다. 1950 년대 뉴욕에서 젊고 동성애자가되는 복잡성을 탐색 한 워홀 (Warhol)과 같은 아티스트들에게 캠프는 자신의 정체성을 표현하고 자신의 용어로 세상과 교류하는 수단을 제공했습니다. 그것은 개인과 예술가로서 정체성을 수행하는 방법이었습니다.
앤디 워홀의 강박 관념과 계시
반복되는 주제로서의 슈퍼맨
Warhol의 작품에서 상징적 인 슈퍼 히어로 슈퍼맨은 반복되는 주제로 나타납니다. 표면적으로, 이것은 대중 문화에 대한 또 다른 끄덕임처럼 보일지 모르지만, 더 자세한 조사는 더 깊고 더 개인적인 연결을 보여줍니다. 대도시에서 자신을 변화시키는 외계인 이민자 인 슈퍼맨은 도시 풍경에서 자신의 정체성을 구하는 젊은 게이 남자로서 워홀 자신의 여정을 반영합니다.
또한 미국 만화책에서 인기있는 슈퍼 히어로 캐릭터 인 Superman은 자연스럽게 Warhol의 유명 인사 문화 및 대중 매체 탐험에 적합한 문화적 아이콘입니다.2. 대담한 색상과 인식 가능한 엠블럼을 가진 슈퍼맨 주제는 워홀의 예술적 스타일과도 일치하며 그의 시각적 언어의 자연스러운 선택으로 볼 수 있습니다.1.
워홀의 펑크 팝 기간
1970 년대 워홀은 펑크 팝 단계로 알려진 예술적 실험 기간에 들어갔다. 이 기간 동안, 그는 성적과 욕망의 어두운 구석을 탐구하여 악명 높은 "오줌"그림과 같은 작품을 만들어 냈습니다. 이러한 도발적인 작품을 통해 워홀은 예술적 표현의 경계에 계속 도전하고 정체성과 성의 복잡성을 탐구했습니다.
물론 과거와의 펑크 팝 연결이 있습니다. Warhol이 관리하고 제작 한 Velvet Underground의 음악은 부르주아 취향과 부패한 소비 시스템에 대한 노동 계급 반란이 특징입니다.1. 워홀 플라스틱이 피할 수없는 폭발, 밴드가 등장하는 멀티미디어 이벤트는 "전자 : 중개 : 총 스케일"으로 묘사되었으며 벨벳 어둡고 흐릿하고 스트로브가 많은 서커스에서1. 펑크 록과의 관계는 1970 년대를 앞질렀지만 워홀이 운동에 미치는 영향을 보여줍니다. 실험적이고 반항적 인 ... 그보다 더 펑크는 무엇입니까?
Commodore Amiga 1000 및 디지털 성능
1985 년, 앤디 워홀 접근했습니다 Commodore International 새로운 개인용 컴퓨터의 고급 그래픽 기능을 보여주기 위해 아미가 10001.
Warhol은 열정적으로 기회를 수용하고 Amiga 1000의 최신 소프트웨어 이미징 도구 (Pattern Flood Fills”, "Palletized Color"및 "Copy-Paste Collage"와 같은 일련의 디지털 작품을 만들었습니다.1.
이 디지털 작품은 오랫동안 잃어버린 것으로 생각되었지만 2014 년에 재발견되었습니다. 앤디 워홀 박물관1.Amiga 1000의 출시를 위해 Commodore는 연극 공연을 계획했습니다. 링컨 센터 ~에 뉴욕Warhol은 컴퓨터 초상화를 구성했습니다 데비 해리23.
Amiga 1000에서 제작 된 Warhol의 디지털 작품에는 그의 상징적 인 변형이 포함되었습니다. 캠벨의 수프 캔, 꽃과 초상화3. 재발견 된 디지털 아트는 나중에 워홀 박물관에서 전시되었습니다.2.
다른 파괴적인 팝 아티스트
Marisol, Nikki de Saint Phalle 및 Dorothy Grebenak
많은 예술가들이 기존 아이디어를 탐구하고 도전하는 수단으로 팝 아트를 사용 / 사용합니다. 예술, 정치, 성별, 성 등에 대해. Marisol, Nikki de Saint Phalle 및 Dorothy Grebenak와 같은 예술가들은 각각 운동 내에서 자신의 독특한 틈새 시장을 개척하여 더 큰 인식과 감사를받을 수있는 강력한 작품을 만들었습니다.
마리솔
마리솔 에스코 바르단순히 마리솔 (Marisol)으로 알려진 베네수엘라 계 미국인 조각가는 파리 1960 년대에 그녀의 독특한 조립과 조각으로 명성을 얻은 사람1. 그녀의 작품은 종종 팝 아트 이미지를 민속 예술 요소와 결합하여 두 스타일 사이의 경계를 흐리게합니다.1.
자주 사용되는 마리솔의 예술 사진 또는 개인 기억에서 발견 된 대상과 영감2. 마리솔의 조각품은 종종 자신의 얼굴을 구성했습니다. 톨레도 미술관1. 그녀의 주목할만한 작품 중 하나 인 "The 가족"(1962)는 뉴욕 스튜디오에서 찾은 가족의 사진에서 영감을 받았습니다.4. 그녀의 조각품은 종종 중상층 사회의 표현을 포함하여 현대 생활에 대한 풍자적 비판으로 작용했습니다.2.
마리솔의 예술적 훈련은 그녀가 공부 한 것처럼 불규칙하고 절충 적이었습니다. Beaux-Arts 1949 년 파리에서 이사하기 전에 뉴욕3. 그녀의 작품은 그녀의 조각품 내에서 민속과 아이 같은 자질로 인해 당시의 다른 팝 아티스트와 구별되었습니다.2. 케이그녀의 상자와 같은 비 유적 작품, 목재와 기타 재료를 결합한 Nown은 종종 Tableaux로 그룹화됩니다.3. 예술에 대한 그녀의 혁신적인 접근과 사회적 규범에 도전하는 능력1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle (1930-2002)는 프랑스계 미국인 조각가, 화가, 영화 제작자 및 그녀의 화려하고 혁신적인 작품으로 유명한 작가였습니다.1. 태어나다 캐서린-마리-아그네스 Fal de Saint Phalle, s그는 예술에 대한 공식적인 훈련은 없었지만 많은 현대 예술가들과 관련하여 종종 "외부인 예술"이라고하는 특유의 스타일을 개발했습니다.2.
De Saint Phalle의 작품은 전통적인 예술적 규범과 기대를 전복했습니다. 1960 년대 초, 그녀는 "Tirs"또는 "그림 촬영, "그녀는 준비된 흰색 모임에서 총을 쏜 곳에서 그녀의 예술에서 폭력과 파괴의 느낌을줍니다.3. 그녀는 나중에 조각품으로 초점을 맞추고 가벼운 마음, 기발하고 화려한 대규모 대규모 조각의 동물, 괴물 및 여성 인물을 특징으로하는 "Nanas"시리즈를 만들었습니다.2.
그녀의 가장 포괄적 인 작품 인 타로 가든 (Tarot Garden)은 영감을 얻은 주택 크기의 창작물에 이르는 수많은 작품을 포함하는 넓은 조각 정원이었습니다. 안토니 가우디'에스 PARC Güell 그리고 Parco dei Mostri 보 마르조, 이탈리아4.
그녀의 경력을 통해 De Saint Phalle은 행동주의를 위해 예술을 사용하고 사회적, 정치적 문제를 해결하며 기쁨과 양성을 촉진했습니다.3.
도로시 그레 베 나 크
도로시 그레 베 나 크 (1913-1990)은 야구 거래 카드와 같은 친숙한 주제를 특징으로하는 그녀의 크고 손에 든 양모 양탄자로 유명한 미국 팝 아티스트였습니다. 조류 상자 및 달러 지폐12.
Grebenak의 작품은 일상적인 상업적 이미지를 취하고 전통적인 공예 매체로 번역함으로써 대체로 자기를 가르치는 규범을 전복했습니다.2.
그녀의 남성은 팝 아트 운동에서 앤디 워홀 그리고 로이 리히텐슈타인, 상업적 이미지 사용에 대한 명성을 얻은 Grebenak의 작품은 그녀의 시간에 크게 간과되고 평가 절하되었습니다.2. 그러나 그녀의 예술 관행은 그녀의 동시대 사람들과 비슷한 중앙 전제를 공유하여 상업 미디어에서 텍스트와 이미지를 뽑아 다른 매체로 번역했습니다.2.
세기 중반에 그녀의 겸손하고 상업적 성공에도 불구하고 Grebenak은 곧 미술 세계에서 사라졌습니다.2. 그녀의 많은 양탄자가 시간이 지남에 따라 사라지거나 떨어졌습니다.2. 1971 년 남편이 사망 한 후 그녀는 런던, 그녀는 1990 년에 죽었다2.
Grebenak의 작품은 소비자 문화와 일상적인 대상의 가치에 대한 논평으로 볼 수 있으며 유머와 독특한 매체를 사용하여 예술적 규범에 도전합니다.2. Grebenak의 작품은 종종 팝 아트 운동에서 간과되는 것으로 인용되며, 그녀의 예술 세계를 떠나는 이유는 여전히 논쟁의 여지가 있습니다.2.
Corita Kent 자매, Martha Rosler 및 Idelle Weber
마찬가지로, Corita Kent, Martha Rosler 및 Idelle Weber 자매는 예술을 사용하여 주변 세계를 심문하여 여성과 예술가로서의 삶을 지배하는 사회적 규범과 기대에 의문을 제기했습니다. 그들의 작품은 예술의 변혁 적 힘과 우리가 세상을 보는 방식을 바꿀 수있는 능력에 대한 증거였습니다.
자매 코리타 켄트
자매 코리타 켄트 (1918-1986), 프랜시스 출신 엘리자베스 켄트, 미국 예술가, 디자이너, 교육자 및 전직 종교 자매는 생생하고 사회적으로 의식이있는 팝 아트로 알려져 있습니다.1.
그녀는에 합류했다 성모의 자매 ~의 메리 18 세의 나이에 자매라는 이름을 메리 코리타 켄트1. 그녀는 예술을 공부했다 Chouinard Art Institute (지금 Calarts)) 및 학위를 받았습니다 로스 앤젤레스'에스 뽀뽀 한 심장 대학2.
켄트의 작품은 인용문을 결합했습니다 성경, 현대시, 종교적 또는 세속적 인 이미지를 가진 인기 노래 가사3. 그녀의 대담하고 다채로운 실크 스크린 인쇄는 빈곤, 굶주림 및 평화와 같은 문제를 해결하면서 사회 정의의 원인을 옹호했습니다.4. 그녀는 1960 년대 초에 명성을 얻었고 수녀원을 떠난 후에도 계속 예술을 만들었습니다.4.
Corita Kent의 작품은 강력한 희망, 사랑 및 사회적 인식의 메시지로 축하되었습니다.4.
Martha Rosler
Martha Rosler 1943 년에 태어난 미국 예술가는 사진, 사진 텍스트, 비디오, 설치 및 공연 예술 작품으로 유명합니다.1. 그녀는 기반을두고 있습니다 브루클린, 뉴욕2. Rosler의 예술은 종종 전쟁, 성별 및 소비자 문화와 같은 사회적, 정치적 문제를 다룹니다.3.
그녀의 주목할만한 시리즈 중 하나는 "House Beautiful : Bringing the War Home"콜라주이며 베트남 전쟁 Home Décor 잡지의 사진과 함께3. 이 시리즈는 전쟁의 폭력과 국내 생활의 안락함 사이의 대조를 강조하며, 미국 제국주의의 비판으로 작용합니다.3.
그녀의 경력을 통해 Rosler는 그녀의 생각을 자극하고 사회적으로 의식적인 예술로 인정 받았습니다.2.
Idelle Weber
Idelle Weber (1932-2020) 팝 아트와 포토 리얼리즘에서 그녀의 작품으로 유명한 미국 예술가였습니다.1. 그녀는 1960 년대와 70 년대의 초기 실루엣 작품으로 인정을 받았으며, 회사 및 국내 환경에서 얼굴이없는 흑백 컨투어 인물을 특징으로했습니다.1. 이 작품들은 종종 광고 및 소비자 문화의 시각적 언어를 전복하여 기업 세계를 비판하고 사회에 미치는 영향21.
웨버의 예술은 2010 년 획기적인 2010 전시회에 실 렸습니다. "매혹적인 파괴 : 여성 팝 아티스트, 1958–1968"2. 그녀의 나중에는 쓰레기 및 도시 경관과 같은 주제에 중점을 둔 사진으로 확장되었습니다.3.
전후 여성 예술가의 기여가 재검토되면서 Weber의 연구는 혁신적인 접근 방식과 소비 및 사회 규범에 대한 비판적 논평에 대한 새로운 인정을 얻었습니다.1.
Rosalyn Drexler, David Hockney 및 Ray Johnson
Rosalyn Drexler, David Hockney 및 Ray Johnson과 같은 다른 퀴어 아티스트들은 예술을 사용하여 성, 성, 정체성 문제에 직면하여보다 직접적인 접근 방식을 취했습니다. 그들은 일을 통해 소외된 사람들에게 목소리를 냈고 주류에 자신의 편견과 가정에 직면하도록 도전했다.
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler (1926 년 출생) 미국 시각 예술가, 소설가, 오비 수상 경력에 빛나는 극작가, 에미 상-Winning 시나리오 작가 및 전 프로 레슬러1. 그녀는 팝 아트 운동에서 주요 페미니스트 목소리로 여겨집니다.2.
Drexler는 1961 년에 같은 해인 대중 문화의 이미지를 사용하기 시작했습니다. 앤디 워홀 그리고 로이 리히텐슈타인3. 그녀의 작품은 종종 필름의 장면과 같은 미디어 이미지를 콜라주 방식으로 굵은 색상과 눈에 띄는 작곡과 결합합니다.2.
Drexler의 작업은 친밀감, 폭력 및 남성의 주제를 탐구하며, 팝 세출에 대한 개인적이고 때로는 어두운 스핀을 제공합니다.3. 어머니, 여성 레슬링 선수 및 작가로서의 그녀의 경험은 이러한 주제에 영향을 미쳤습니다.3.
그녀의 시각 예술 외에도 Drexler는 수상 경력에 빛나는 연극과 소설로 유명하며 종종 비슷한 주제와 경험을 반영합니다.3. 그녀의 여러 분야의 예술적 실습2.
데이비드 호크니
데이비드 호크니 (1937 년 출생)는 20 세기의 가장 영향력있는 영국 예술가 중 한 명이며 팝 아트 운동에 중요한 기여자로 여겨지는 영어 화가, 초안, 인쇄 제작자, 무대 디자이너 및 사진 작가입니다.1.
Hockney의 작품은 종종 그림, 그림, 인쇄물, 사진 및 디지털 아트와 같은 다양한 미디어를 결합하여 혁신적이고 독특한 작품을 만들어 규범을 전복했습니다.1.
Hockney의 가장 유명한 시리즈 중 하나 인 그의 수영장 그림은 물에 대한 빛과 캘리포니아 풍경2. 이 작품들은 종종 여가와 아메리칸 드림의 전통적인 표현에 도전하는 고립감과 성찰감을 특징으로했습니다.2.
데이비드 호크니'동성애는 동성애가 1967 년에 비범죄화되기 전에도 그의 작품에서 게이 사랑과 욕망에 대한 주제를 공개적으로 탐구함에 따라 그의 예술에 큰 영향을 미쳤다.1. Hockney의 초기 작품은 종종 모델의 이미지를 특징으로했습니다. 체, 피트니스 매거진은 게이 남성을 향해 숭고하게 판매되었습니다1. 그는 자신의 예술을 통해 "동성애를 선전"하는 것을 목표로했으며, 가수에 대한 그의 욕구에 대한 심각한 체계화 된 언급을 담은 그의 초기 그림 중 일부는 클리프 리차드2.
시인에 대한 호크니의 감탄 C.P. 카파 피 그는 운명의 동성애 사랑에 대한 Cavafy의시에서 영감을 얻은 일련의 인쇄물을 만들었습니다.2. 그의 기술2.
그의 성욕과 그의 예술에서 그것을 다루 겠다는 의지에 대한 호크니의 개방성은 그를 LGBTQ+ 커뮤니티의 선구자이자 역할 모델로 만들었습니다.2.
Robert Indiana, Duane Michels 및 Keith Haring
Robert Indiana, Duane Michels 및 Keith Haring은 각각 독특한 스타일을 사용하여 문화 마진에 대한 삶을 탐구하면서 팝 아트 운동에 자신의 마크를 만들었습니다. 그들은 예술을 통해 인간 경험의 풍부함과 다양성을 축하하고 예술이 무엇을 할 수 있고 무엇을 할 수 있었는지의 경계를 추진했습니다.
로버트 인디애나
로버트 인디애나 팝 아트 운동의 중심 인물이었습니다. 그의 예술은 종종 아메리칸 드림의 어두운면을 반영하는 미국 문화에서 소비자 경향과 정치적 초과를 비판했다.2. 그러나 그는 그의 상징적 인 것으로 가장 잘 알려져 있습니다 사랑 시리즈1.
그의 작품에서 인디애나의 상징적 사용은 그의 사랑 시리즈에서 분명했으며, 20 세기의 가장 잘 알려진 작품 중 하나가되었습니다.3. "사랑"이라는 단어의 단순하면서도 강력한 배열은 기울어 진 "O"를 가진 대담하고 자본화 된 문자로 평화와 연합의 상징이되어 원래의 맥락을 초월하고 광범위한 청중과 공명합니다.1.
Robert Indiana는 효과적으로 브랜드 사랑입니다. 그의 작품과 함께 1960 년대 창조 이후 대중 문화에서 다양한 방식으로 사용되었습니다. 상징적 인 디자인은 대규모 공개 조각에서 우표에 이르기까지 다양한 형식으로 재현되었습니다.1. 전 세계에 50 개의 사랑 조각품이 설치되어 있습니다2. 이미지는 카펫 및 스케이트 보드와 같은 수많은 상품 품목에도 등장했습니다.3.
Duane Michals
Duane Michals 순차적 사진을 통해 혁신적인 스토리 텔링으로 유명한 미국 사진 작가이며, 종종 형이상학 적 주제를 탐구합니다.1. 그의 작품은 사진의 경계를 매체로 밀어서 현실을 기록하는 것이 아니라 아이디어와 감정을 포착함으로써 사회 규범을 전복했습니다.2.
Michals는 자신이 상상했던 이야기를 준비하고 사진을 찍고 사진을 찍는 감독이라고 생각했습니다.1.
Michals의 작품은 종종 동성애가 덜 받아 들여진시기에 게이 남자로서의 그의 관점을 반영하는 삶의 이상과 불일치의 주제를 다루었습니다.3. 그는 그의성에 대해 열려 있었고 그것을 인간 관계와 감정의 복잡성을 다루면서 그의 예술에 포함시켰다.3.
그의 획기적인 순차 사진 외에도 Michals의 매거진 사진 작가로서의 상업 작품은 스튜디오 환경이 아닌 환경에서 사람들의 초상화를 포착하여 다른 접근 방식을 취했습니다.1.
장 미첼 바스키아
장 미첼 바스키아 (1960-1988)는 그의 신 표현주의 그림으로 알려진 푸에르토 리코/아이티 아메리카 계 미국인 예술가였습니다. 낙서 미술1. 그는 인종, 계급, 권력 및 정체성 문제를 다루는 텍스트와 이미지를 종종 통합 한 그의 생생하고 비 사과 스타일을 통해 사회 규범을 전복했습니다.2. Basquiat의 예술은 부와 빈곤, 통합 대 분리, 내부 대 외부 경험과 같은 이분법에 중점을 둔3.
Basquiat는 그의 그림에서 사회 논평을 내성을위한 도구로 사용했으며 당시의 흑인 공동체에서의 경험과 권력 구조 및 인종 차별 시스템에 대한 공격을 식별하는 도구로 사용했습니다.3. 그의 시각적 시인은 식민주의에 대한 비판과 계급 투쟁에 대한 지원에서 정치적으로 정치적이었고 직접적이었습니다.4.
젊은 흑인 예술가로서 Basquiat의 작품은 주로 백인 예술계에 도전했으며 소외된 지역 사회의 경험에 주목했습니다.1. 예술에 대한 그의 획기적인 접근과 전통적인 예술적 규범에 대한 그의 도전은 그를 신 표현 운동에서 중요한 인물로 만들었습니다.2.
팝 아트의 지속적인 매력과 급진적 유산
팝 아트는 아이러니 한 복잡성과 자의식 장난감을 가진 팝 아트는 오늘날까지 청중을 계속 사로 잡고 도전하고 있습니다. 많은 다른 사람들과 대화 할 수있는 운동의 능력과 현 상태에 직면하고 전복하려는 의지는 지속적인 호소의 일부입니다. 그리고 우리가 역사를 되돌아 보면서, 팝 아트는 모든 급진적이고 파괴적인 영광에서 우리의 현대 세계를 형성하는 데 중요한 역할을했다는 것이 분명합니다.
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우리가 보았 듯이, 팝 아트는 단순히 화려하고 피상적 인 움직임 이상이었습니다. 그것은 소비주의, 정체성 정치 및 예술적 표현의 한계에 대한 복잡하고 다각적 인 탐구였습니다. 팝의 유산 예술과 그 퀴어 개척자앤디 워홀 (Andy Warhol)과 마찬가지로 예술계를 통해 계속 반향을 일으켜 예술의 변화적인 힘과 우리의 가정과 편견에 도전하는 것의 중요성을 상기시켜줍니다.
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