John Singer Sargent : Portraitiste de l'Âme d'une Époque

À la fin du XIXe siècle, une certaine aura magnétique semblait suivre John Singer Sargent partout où il installait son chevalet. Son coup de pinceau rapide et infaillible et son œil incisif pour le détail allaient définir un moment culturel que nous appelons aujourd'hui l'âge d'or, capturant l'ambition, l'élégance et les tensions cachées d'un monde en mutation.

Les critiques l'ont qualifié de maître portraitiste, mais ses talents allaient bien au-delà des salons de l'aristocratie. Arpentant l'Europe dans sa jeunesse, s'imprégnant du dynamisme du flamenco espagnol ou de l'agitation des bazars nord-africains, Sargent a acquis une vision large qui se déversait sur chaque toile qu'il touchait.

Des salons royaux de Londres aux rues agitées de Paris et de New York, il a distillé l'esprit d'une époque—une époque imprégnée d'opulence mais hantée par un murmure de fragilité.

Ce talent vaste a façonné un héritage qui résonne encore aujourd'hui, et comprendre Sargent signifie retracer l'arc agité d'un peintre qui refusait de rester en un seul endroit—artistiquement, culturellement ou géographiquement.

Malgré l'élégance de ses portraits formels, il était, à bien des égards, un nomade américain : un vagabond de la société, reliant sans cesse l'ancien monde et le nouveau.

Points Clés

• Découvrez comment John Singer Sargent est devenu le peintre portraitiste par excellence de son temps.
• Apprenez l'intégration unique des techniques impressionnistes dans les portraits de Sargent.
• Appréciez l'étendue de l'œuvre de Sargent, y compris ses paysages et ses fresques au-delà des portraits de société.
• Découvrez les profondeurs personnelles et culturelles révélées dans les peintures de Sargent.
• Examinez l'influence durable de Sargent sur l'art américain et sa pertinence continue à l'époque moderne.
• Explorez la richesse de l'art de  Sargent et sa capture de l'esprit d'une époque en détail vif.

La Création d'un Maître : John Singer Sargent en tant qu'Expatrié Américain

Le voyage de John Singer Sargent a commencé au milieu de la beauté artistique de Florence, en Italie, où ses premières années étaient aussi vives et non conventionnelles que les coups de pinceau qui allaient plus tard définir son art. Né dans une famille cosmopolite expatriée, la jeunesse de Sargent a été marquée par un style de vie itinérant—ses parents l'ont emmené à travers les épicentres culturels de l'Europe, lui offrant une éducation immergée dans les grandes traditions de l'art occidental.

Les riches textures de la Toscane ont formé le décor de ses années formatrices, remplies de visites de musées et de leçons sur la grandeur de l'art de la Renaissance. La mère de Sargent, Mary, une héritière de Philadelphie et artiste aquarelliste amateur, a cultivé en lui une passion éternelle pour le monde visuel, malgré les pressions sociales qui décourageaient les femmes de poursuivre de telles passions. La quête incessante de beauté et de culture de Mary a conduit la famille à travers la Suisse, Paris, Salzbourg, Milan, Gênes et Rome, nourrissant le talent artistique naissant de son fils.

L'éducation de Sargent était non conventionnelle. En tant qu'itinérants permanents, sa famille avait rarement les ressources pour une scolarité traditionnelle, donc son père a fourni une version du XIXe siècle de l'enseignement à domicile, se concentrant sur toutes les opportunités que leurs voyages présentaient. Les musées, bibliothèques, jardins et ruines antiques sont devenus les salles de classe de Sargent, lui offrant une éducation immersive unique qui a ancré une curiosité et une polyvalence dans sa pratique artistique.

Carolus-Duran et l'Influence des Anciens Maîtres

Le père de Sargent avait espéré qu'il devienne officier de marine, mais il est rapidement devenu clair que la passion de John était pour l'art​. En 1874, à l'âge de 18 ans, il a déménagé à Paris, alors centre du monde de l'art, pour se former officiellement en tant que peintre​. Il s'est inscrit à la prestigieuse École des Beaux-Arts et, surtout, est entré dans l'atelier indépendant de Charles Auguste Émile Durand, mieux connu sous le nom de Carolus-Duran, un portraitiste à la mode renommé pour sa technique moderne​. Sous le mentorat de Carolus-Duran, Sargent a été poussé à abandonner le travail académique timide au pinceau au profit d'une peinture audacieuse et directe.

Carolus-Duran insistait pour que ses élèves peignent au premier coup, ou “au premier toucher” – une forme de technique alla prima impliquant l'application de peinture humide sur humide avec des coups de pinceau confiants​. Cette méthode encourageait un style large et pictural et nécessitait une précision technique et du courage à parts égales​. Sargent a embrassé cette approche radicale, maîtrisant rapidement l'art de capturer une scène ou un modèle en une seule et vive tentative. Sa capacité à “dessiner avec un pinceau,” rendant les formes avec des coups de pinceau fluides mais précis, deviendrait une marque de fabrique de son travail​.

Tout en perfectionnant son art à Paris, Sargent s'est également imprégné de l'héritage des Anciens Maîtres. Carolus-Duran, qui admirait le peintre espagnol du XVIIe siècle Velázquez, a dirigé Sargent pour étudier les grands maîtres européens comme Diego Velázquez, Rembrandt, et Titien​.

En 1879, Sargent se rendit à Madrid pour copier les peintures de Velázquez au Prado, et l'année suivante en Hollande pour étudier le travail expressif de Frans Hals​. Ces influences façonnèrent profondément l'identité artistique de Sargent. De Velázquez, il absorba un sens de la composition et du ton, de Hals une liberté et une vie dans le coup de pinceau, et de Rembrandt une pénétration dans le caractère.

À ses débuts, Sargent synthétisait ces influences des maîtres anciens avec des techniques modernes, réalisant ce qu'un critique appellerait une simplicité savante – une “ simplicité habile ” qui rendait son travail à la fois classiquement informé et étonnamment frais​.

Portraits Alla Prima et le Pouvoir du Réalisme

Sous la tutelle de Carolus-Duran, Sargent s'épanouit en un prodige technique. Il étonna instructeurs et pairs en remportant des honneurs au Salon de Paris alors qu'il était encore dans sa vingtaine : une Mention Honorable en 1879 pour son portrait de Carolus-Duran lui-même, et une médaille de Seconde Classe en 1881 pour un portrait de Madame Ramón Subercaseaux​.

Les critiques remarquèrent le bravoure du jeune Américain dans le coup de pinceau et les compositions non conventionnelles qui défiaient les normes académiques sans les renverser entièrement​.

L'influence de Carolus-Duran est évidente dans l'approche audacieuse de Sargent : l'utilisation d'ombres profondes et non modulées et de lumière vacillante, et une emphase sur l'immédiateté plutôt que sur la superposition laborieuse. Sargent peignait “ humide sur humide ” – mélangeant et façonnant les formes sur la toile en traits spontanés – ce qui conférait à ses meilleurs portraits une présence vivante et respirante​.

À la fin des années 1870, la maîtrise émergente alla prima de Sargent brillait dans les portraits et les scènes de genre. Un des premiers triomphes fut Les Filles d'Edward Darley Boit (1882), un portrait de quatre jeunes sœurs à Paris que Sargent composa d'une manière non conventionnelle et énigmatique – avec les filles placées de manière informelle dans une pièce sombre et spacieuse. Le tableau, désormais célèbre pour son atmosphère envoûtante, montra la dette de Sargent envers Las Meninas de Velázquez dans sa composition audacieuse et son jeu de lumière et d'ombre​.

Un autre était El Jaleo (1882), une représentation grandeur nature d'une danseuse de flamenco se produisant avec des musiciens, inspirée par les voyages de Sargent en Espagne. Lorsque El Jaleo a été présenté, les spectateurs ont été stupéfaits par son éclairage théâtral et son coup de pinceau dynamique : la danseuse tournoie dans des jupes blanches au centre tandis que les guitaristes et les spectateurs s'estompent dans l'obscurité enfumée aux bords, un effet de mouvement et de mystère qu'un contemporain a décrit comme rendant la toile “une chose vivante”​. Ces œuvres ont annoncé que Sargent pouvait gérer non seulement des portraits de société polis mais aussi des scènes dramatiques et défiant les genres palpitant d'énergie.

La technique de peinture de portrait de Sargent à cette époque était audacieuse et fluide. Travaillant principalement à partir de séances en direct, il esquissait rapidement la pose au fusain, puis attaquait la toile avec de larges pinceaux, souvent en complétant une ressemblance en beaucoup moins de séances que les autres portraitistes de l'époque​. Son coup de pinceau rapide et infaillible faisait ressortir l'éclat des robes en satin, le scintillement des bijoux, la douceur de la chair et l'étincelle dans un œil avec une économie de moyens étonnante​.

“Un portrait est une peinture avec quelque chose qui ne va pas avec la bouche,” plaisantait un jour Sargent, reconnaissant la difficulté notoire de satisfaire ses modèles​. En effet, il était perfectionniste et parfois il grattait et repeignait un visage plusieurs fois pour obtenir le bon résultat. Mais quand tout se passait bien, le résultat était un portrait qui palpitait de vie, capturant non seulement l'apparence physique d'un sujet mais aussi une impression de sa personnalité et de son humeur.

Un exemple emblématique est Lady Agnew of Lochnaw (1892), un portrait en demi-longueur d'une jeune aristocrate écossaise. La représentation décontractée mais royale de Sargent de Lady Agnew – assise dans un fauteuil rembourré, regardant directement le spectateur avec un léger sourire – combinait délicatesse et force tranquille à parts égales​. L'harmonie colorée nuancée de lavande, d'ivoire et de gris doux du tableau et ses coups de pinceau confiants et fluides en ont fait un succès immédiat, renforçant la réputation de Sargent en tant que virtuose du portrait de l'époque.

Scandales et Triomphes : Madame X et Défi de la Société

Au Salon de Paris de 1884, Sargent dévoila un portrait qu'il espérait solidifierait sa position parmi les portraitistes d'élite de France – une peinture officiellement intitulée Portrait de Madame Pierre Gautreau mais désormais infâme sous le nom de “Madame X.” Le sujet, Virginie Amélie Gautreau, était une jeune mondaine parisienne née américaine, célébrée pour sa beauté et son style excentrique.

Sargent l'a représentée dans une robe noire élégante avec des bretelles ornées de bijoux, une bretelle initialement peinte glissant de manière provocante de son épaule – une pose qu'il estimait capturer sa personnalité. La réaction fut explosive. Alors que Sargent avait voulu que le portrait soit une représentation audacieuse mais de bon goût de l'élégance moderne, de nombreux spectateurs du Salon l'ont trouvé choquant et indécent, interprétant la bretelle tombée et la peau pâle et poudrée de Virginie comme suggestives et “indignes.”

Les dénonciations des critiques français étaient cinglantes : Gautreau était mortifiée, et Sargent, consterné par le scandale qu'il avait involontairement causé, a repeint la bretelle à sa place correcte sur l'épaule pour calmer le tumulte​. C'était trop tard – Paris avait pris sa décision. “Un portrait [d'une dame] devrait montrer une femme de mode, pas une femme déchue,” ont reniflé les matrones de la société. La clientèle de Sargent à Paris s'est évaporée du jour au lendemain; l'artiste a plus tard plaisanté en disant que chaque fois qu'il peignait un portrait, il perdait un ami. Faisant face à l'embarras et à une perte soudaine de commandes, le peintre de 28 ans s'est retiré à Londres pour reconstruire sa carrière​.

Ironiquement, Madame X est maintenant considérée comme le chef-d'œuvre de Sargent et l'une des images définissant l'âge doré. Avec son contraste saisissant entre la peau d'albâtre de Madame Gautreau et un fond bronze plat, et son profil hautain tourné en silhouette parfaite, le tableau possède une allure intemporelle.

Le défi à la société inhérent dans la représentation de Sargent – montrant une femme avec une allure et une sensualité sans complexe – a marqué un tournant dans le portrait​. Les portraits n'étaient plus de simples décorations flatteuses, mais pouvaient être des déclarations de personnalité et même de provocation. Comme le note l'historien de l'art Trevor Fairbrother, Sargent “n'était pas un grand peintre de la société, il était un grand peintre qui peignait la société” – imprégnant ses portraits de société d'une profondeur psychologique et d'un style moderne​. 

Madame X est aujourd'hui exposée au Metropolitan Museum of Art de New York, emblématique de la manière dont Sargent a capturé le glamour et la tension de l'âge doré. Dans la robe noire corbeau de Virginie Gautreau et sa pose aristocratique, on voit à la fois l'opulence de la mode haute monde et un soupçon de l'indépendance transgressive à laquelle ces femmes aspiraient, préfigurant les rôles changeants des femmes dans le nouveau siècle​.

Londres a finalement offert à Sargent une seconde chance. Avec l'aide d'amis comme l'écrivain Henry James , qui a décrit Sargent comme « civilisé jusqu'au bout des doigts » et l'a présenté avec enthousiasme à la haute société britannique, Sargent a lentement acquis de nouveaux mécènes.

À la fin des années 1880 et 1890, il était le portraitiste de choix pour l'élite fortunée des deux côtés de l'Atlantique. Son atelier sur Tite Street à Chelsea (auparavant occupé par James McNeill Whistler) est devenu un véritable défilé de noblesse, d'industriels, d'artistes et de célébrités posant pour leurs portraits.

Parmi les portraits de la haute société de l'âge doré de Sargent figuraient des portraits de femmes aristocratiques comme Lady Gertrude Agnew, Madame Isabella Stewart Gardner (1888) – la mécène influente de l'art de Boston que Sargent a peinte comme une figure imposante dans une robe blanche – et les sœurs Wyndham (1899), un triple portrait de trois élégantes sœurs surnommées « Les Trois Grâces » par la presse.

Il a peint des membres de la royauté et des hommes d'affaires, de Madame George Swinton (une grande hôtesse de la société londonienne) au magnat de l'acier Charles Schwab. Chaque portrait était adapté par Sargent à son sujet et à son cadre : comme l'a noté un observateur, ses sujets anglais apparaissaient majestueux, tandis que ses sujets américains exhalaient une vigueur démocratique​.

L'œil aiguisé de Sargent pour les nuances sociales signifiait qu'il suggérait souvent la pose ou la tenue parfaite pour transmettre le statut et le caractère d'une personne. Cet instinct est évident dans des portraits comme celui de Lady Agnew, dont la pose langoureuse et le regard direct projettent une confiance moderne, ou celui du président Theodore Roosevelt (1903), que Sargent a représenté debout avec assurance, la main sur la hanche, incarnant l'autorité exécutive.

En capturant l'esprit de l'âge doré, les portraits de Sargent vont au-delà de l'opulence de surface. Il a peint les nouveaux riches et la vieille aristocratie avec une perspicacité égale, des mondaines parées de bijoux de New York aux Bostoniens patriciens « avec des responsabilités ancestrales sur leurs épaules »​. Ses œuvres reflètent les contradictions de l'époque : une richesse énorme et un raffinement associé à des tensions sociales sous-jacentes.

Dans les soies somptueuses et les perles de ses modèles féminins, on ressent à la fois le pouvoir et le piège décoratif de leurs rôles. Certains critiques de l'époque de Sargent et plus tard l'accusèrent d'être un simple « peintre de société », flattant les riches et les beaux pour des honoraires conséquents​. Il est vrai qu'en 1900, Sargent commandait des prix élevés et était courtisé par la haute société (un critique français plaisantait au début des années 1880 en disant que « toutes les jolies femmes rêvent d'être peintes par lui »​). Pourtant, les meilleurs portraits de société de Sargent ont un sous-courant de narration et de réalisme qui les distingue.

Dans Madame X, scandale mis à part, il y a une étude presque clinique d'un personnage – elle est à la fois glamour et isolée contre ce fond vide. Dans Les Filles d'Edward D. Boit, les enfants d'une riche famille américaine à Paris ne sont pas représentés comme des poupées chérubines mais comme des figures mystérieuses et introspectives dispersées dans un espace ombragé, symbolisant peut-être la solitude de l'enfance. Les portraits de société de Sargent, dans leurs meilleurs moments, sont devenus des tranches de vie de l'Âge d'Or : capturant le scintillement de surface d'une époque tout en laissant entrevoir les complexités personnelles et culturelles sous-jacentes.

Au-delà de la société : Œuvres notables en dehors du monde doré

Bien qu'il soit surtout connu de son vivant pour ses portraits de haute société, l'appétit artistique de Sargent était bien plus catholique et insatiable que beaucoup ne le réalisaient. Il a exploré une variété de genres avec une maîtrise égale, souvent pendant les pauses entre les commandes de portraits.

A la fin des années 1870 et au début des années 1880, il a peint des paysages et des scènes de genre inspirés par ses voyages : Les Ramasseuses d'huîtres de Cancale (1878) représente des filles paysannes sur une plage française dans une lumière côtière nacrée, tandis que Une Capriote (1878) montre un modèle italien se délassant dans un olivier, reflétant l'intérêt de Sargent pour les poses naturelles et spontanées​.

Lors d'un voyage en Afrique du Nord en 1880, Sargent a peint Fumée d'ambre gris (Smoke of Ambergris), une scène évocatrice d'une femme voilée inhalant des fumées de parfum – un sujet teinté de fascination et de mystère orientaliste​. À Venise, il errait avec carnet de croquis et pinceaux, capturant des vues atmosphériques des canaux et de l'architecture vénitiens non pas comme de grandes vedute mais comme des études intimes et baignées de lumière de la vie quotidienne – radicalement différentes des scènes vénitiennes plus théâtrales d'autres artistes de son époque​.

Ces œuvres moins connues révèlent l'expérimentation constante de Sargent. El Jaleo, mentionné plus tôt, est un exemple de lui sortant de la portraiture polie pour explorer la musique, la danse et la vie bohème.

Il a également peint ses amis et confrères artistes dans des cadres informels : son ami Robert Louis Stevenson apparaît longiligne et agité, arpentant un tapis dans un portrait de 1885 qui brise les règles conventionnelles en coupant une partie du corps du sujet et en le plaçant décentré. De tels risques créatifs montrent Sargent s'engageant avec les courants impressionnistes et réalistes de son temps.

Il connaissait aussi les impressionnistes – il a rendu visite à Monet à Giverny et a même acheté les œuvres de Monet. La technique de pinceau et l'éclairage de Sargent dans des scènes en plein air comme Carnation, Lily, Lily, Rose reflètent cette influence​. Pourtant, Sargent n'a jamais complètement abandonné l'accent sur la forme et le dessin qu'il avait appris; comme le note la biographie du MFA, il n'est pas allé jusqu'à dissoudre la forme en simples taches de couleur comme l'a fait Monet​. En effet, il a équilibré la technique académique avec la lumière et la couleur impressionnistes, ce qui a donné à ses œuvres non commandées une vitalité unique.

Certaines des études intimes et esquisses de Sargent sont restées privées de son vivant, pour n'apparaître que des décennies plus tard. Il a rempli des carnets de croquis avec des dessins au fusain et au crayon d'amis, de scènes de voyages et d'études de la figure.

Particulièrement intrigantes sont les nombreuses études de nus masculins qu'il a dessinées – souvent rendues en traits rapides et sensibles – qu'il a gardées pour lui, probablement conscient qu'exposer de telles œuvres aurait entraîné des malentendus à l'époque victorienne. Ces dessins, ainsi que des esquisses à l'huile informelles d'amis, révèlent un Sargent plus introspectif au travail, fasciné par la forme et l'anatomie humaine au-delà des limites de l'art poli.

Sargent a un jour déploré à un ami que la peinture de portrait le confinait, la qualifiant de "profession de proxénète" en raison des jeux sociaux impliqués dans les commandes​. Dans son temps personnel, il cherchait à s'évader à travers la peinture de paysage en plein air, expérimentant l'aquarelle, et peignant ceux qui lui étaient proches sans filtres.

Commandes de Murailles : Le Triomphe de la Religion dans les Espaces Publics

Un autre domaine dans lequel Sargent a canalisé son talent prodigieux était la peinture murale, à une échelle qui allait bien au-delà du chevalet. À la fin du 19ème siècle, Sargent a entrepris une commande publique prestigieuse qui le consommerait par intermittence pendant près de trente ans : les fresques pour la Bibliothèque Publique de Boston.

Intitulé “Le Triomphe de la Religion,” ce projet était un cycle ambitieux destiné à orner le grand escalier et la salle de lecture de la bibliothèque avec des panneaux thématiques mêlant mythologie classique, religions du monde et allégorie​.

Sargent, toujours désireux de prouver son éventail, s'est lancé dans la tâche, étudiant les mosaïques byzantines et les fresques de la Renaissance pour s'inspirer de la composition à grande échelle. À partir de 1890, il a conçu et exécuté une série de vastes toiles dans son atelier londonien et les a installées à Boston par étapes au cours des décennies suivantes.

Les fresques de Boston révèlent une autre facette des capacités de Sargent. Elles sont symboliquement complexes et densément peuplées de figures – prophètes, anges, divinités et démons – rien de comparable au portrait direct pour lequel il était connu. Dans un panneau, Frise des Prophètes, une lignée d'anciens prophètes hébreux est représentée dans un style de relief sculptural presque monochrome, transmettant gravité et unité.

Dans un autre, Les Dieux Païens, des figures colorées de la mythologie païenne se prélassent parmi des nuages tourbillonnants. La pièce maîtresse, Dogme de la Rédemption, présentait une figure lumineuse du Christ et était si controversée pour sa représentation des Juifs (sujet de critique et même de dégradation) que certaines parties de la série ont été finalement retirées ou déplacées​.

Sargent a abordé des thèmes de foi, de doute et de modernité dans ces œuvres, sinon entièrement réussies, du moins avec un effort intellectuel sincère. Techniquement, les fresques marient sa précision académique – dessin sur le modèle, planification minutieuse des poses – avec un esprit plus expérimental, incluant quelques touches modernistes dans le motif abstrait et la couleur. Elles ont forcé Sargent à penser à une échelle narrative épique, synchronisant plusieurs figures et gestes en un design cohérent à travers l'espace architectural​.

Bien que rencontrées initialement avec des critiques mitigées, les fresques de Boston se dressent aujourd'hui comme un témoignage de la dévotion de Sargent à élargir ses horizons artistiques. Ne se contentant pas d'être catalogué comme portraitiste, il s'est essentiellement enseigné l'art de la peinture murale à l'âge mûr, produisant des œuvres qui ornent encore la bibliothèque et inspirent les spectateurs à lever les yeux en admiration.

Les Triomphes de la Religion ont été réévalués ces derniers temps, avec des chercheurs y trouvant des couches de signification et un aperçu des contemplations spirituelles de Sargent​. Ils explorent le choc et la convergence des cultures – adapté pour un expatrié qui chevauchait les mondes – et commentent peut-être subtilement le déclin de la foi traditionnelle à une époque moderne et scientifique.

Sargent a également achevé un deuxième projet de fresque majeur à Boston : la rotonde du Musée des Beaux-Arts, pour laquelle il a peint des dieux et muses classiques (et où le corps de Thomas McKeller a servi de modèle pour de nombreuses figures)​. Ces œuvres publiques ont encore renforcé l'héritage de Sargent dans la ville de ses ancêtres, liant son nom au mouvement de la Renaissance américaine qui cherchait à élever les espaces publics avec l'art de haut niveau.

Voyages Artistiques : Du Moyen-Orient à Venise

Inquiet de cœur, Sargent était un voyageur des temps anciens, et ses voyages extensifs ont joué un rôle essentiel dans l'évolution de son style. Il a un jour remarqué qu'il ne pouvait « jamais être attaché à un endroit – je dois continuer à bouger. » En effet, lorsqu'il n'était pas lié à son studio pour des commandes, il cherchait de nouveaux horizons presque compulsivement.

Dans les années 1880 et 1890, il a traversé l'Europe et s'est aventuré au Moyen-Orient, souvent en compagnie d'amis artistes. Ces voyages ont produit une riche moisson d'aquarelles et d'huiles qui révèlent le plaisir de Sargent pour d'autres cultures et paysages.

En 1890, Sargent a voyagé au Moyen-Orient et en Afrique du Nord, visitant des lieux comme Le Caire, Jérusalem, Damas et Tanger. Plutôt que de créer des fantaisies orientalistes grandioses comme certains contemporains, les peintures de Sargent de ces voyages se distinguent par une observation attentive et un respect du détail.

Son aquarelle Bédouins (1905-06) présente deux hommes bédouins en robes traditionnelles avec un regard direct et sans sentimentalisme – les textures de leurs vêtements et le jeu de la lumière du désert capturés avec des lavis de couleurs vibrantes. Ses scènes de rue et croquis de marché du Moyen-Orient montrent une fascination pour la vie quotidienne : l'agitation d'un bazar, la silhouette d'une mosquée au coucher du soleil, la posture d'un chamelier se reposant à l'ombre.

La perspective transnationale de Sargent était en avance sur son temps, résistant à l'exotisme réducteur. Comme le note un critique, ses représentations de « l'autre » évitaient souvent les stéréotypes, visant plutôt l'authenticité dans la représentation des lieux étrangers.

Venise était un autre amour durable de Sargent. Il y a visité à plusieurs reprises, non pas pour peindre les clichés des vues du Grand Canal, mais pour capturer les coins intimes de la vie vénitienne : une cour ombragée avec du linge suspendu, un éclat de soleil dans un canal étroit, des hommes locaux bavardant dans un café. Il a travaillé à l'aquarelle et à l'huile, produisant des dizaines de scènes vénitiennes allant du lyrique au mélancolique.

Ces œuvres vénitiennes, souvent réalisées en plein air, ont une qualité presque instantanée – comme si l'œil vagabond de Sargent et sa main rapide prenaient des notes visuelles d'impressions fugitives. Elles lui ont également permis de jouer avec des éléments visuels purs comme les reflets sur l'eau, les textures friables de la brique et de la pierre, et la lumière méditerranéenne en perpétuelle évolution. Dans des peintures comme Les marches du Palazzo Foscari ou Rue à Venise (toutes deux vers 1882), les coups de pinceau colorés et impressionnistes de Sargent célèbrent la beauté des moments ordinaires dans une ville historique, faisant le pont entre le réalisme et l'impressionnisme.

Les voyages de Sargent ne se limitaient pas à l'Europe et au Proche-Orient. Il a également effectué plusieurs voyages aux États-Unis, en particulier après 1900. Dans les montagnes Rocheuses du Montana, dans les orangeraies ensoleillées de Floride et dans les forêts du Maine, il a trouvé une nouvelle inspiration. Il a peint des pêcheurs sur le rivage en Floride, des lacs alpins scintillants dans les Rocheuses canadiennes et la grandeur rugueuse des frontières de l'Ouest. Ces expériences ont encore élargi son répertoire visuel, le confirmant comme un artiste mondial dont l'œuvre a cartographié un monde en rapide évolution​.

Peut-être que l'expédition artistique la plus significative entreprise par Sargent fut un voyage de plusieurs mois en Espagne et en Afrique du Nord en 1912, spécifiquement pour étudier l'art et l'architecture du monde islamique. Ce voyage a culminé avec l'une de ses dernières grandes séries d'huiles, les peintures arabes ou syriennes, où Sargent a représenté des camps bédouins, des femmes arabes et des études architecturales de mosquées. Ces œuvres sont restées principalement en sa possession, peu exposées – elles étaient des exercices personnels de vision et d'enregistrement.

Lorsqu'on les observe ensemble, les peintures de voyage de Sargent forment un portrait kaléidoscopique d'un monde en mouvement : des canaux languissants de Venise aux neiges éclatantes des Alpes, des salles de danse espagnoles aux déserts du Moyen-Orient. À travers ceux-ci, nous apercevons Sargent l'aventurier et observateur, l'artiste-voyageur qui a trouvé le renouveau à chaque nouvel horizon.

Un Changement Vers la Liberté : La Fin de Carrière de Sargent en Aquarelles

Au tournant du 20ème siècle, Sargent s'était lassé du défilé incessant de commandes de portraits. Les pressions pour plaire aux riches mécènes et les rituels sociaux formulaires impliqués commençaient à irriter son esprit créatif.

En 1907, au sommet de sa renommée, Sargent a pris la décision audacieuse de cesser de peindre des portraits à l'huile sur commande​. “Plus de paughtraits,” a-t-il déclaré à des amis dans son anglais plein d'esprit et à l'accent français. Bien qu'il n'ait pas complètement abandonné le portrait, il a par la suite accepté des modèles principalement sur une base amicale et a tourné son attention principale vers d'autres sujets – en particulier les paysages à l'aquarelle.

Cela a marqué une libération en fin de carrière pour Sargent. L'aquarelle, un médium dans lequel sa mère l'avait formé enfant, est devenue sa nouvelle passion. Entre 1900 et sa mort en 1925, Sargent a produit des centaines d'aquarelles, voyageant avec papier et boîte de peinture pour capturer des impressions spontanées de la nature. Travaillant en plein air, souvent en compagnie de sa sœur Emily et d'amis, il a peint des scènes baignées de soleil qui comptent parmi les plus joyeuses et désinhibées de ses œuvres​.

Ses aquarelles présentent tout, des avalanches alpines de roches à des gros plans floraux délicats. Dans les montagnes, il a peint des ruisseaux étincelants, des faces de granit escarpées et ses compagnons se prélassant dans des prairies de fleurs sauvages. Dans les lieux méditerranéens, il a peint des statues de marbre dans des jardins, des voiles blanches sur des mers turquoise et des orangers chargés de fruits. L

a palette vibrante et l'exécution rapide de ces pièces montrent Sargent se délectant de la spontanéité que le médium permettait​. Contrairement à ses portraits de studio mis en scène, l'aquarelle en plein air exigeait une réponse immédiate aux changements de lumière et de conditions - un défi que Sargent a relevé.

Les critiques ont été étonnés par la vigueur des aquarelles de Sargent lorsqu'elles ont été exposées pour la première fois. Une exposition de ses aquarelles en 1909 à New York s'est vendue presque immédiatement, le Musée de Brooklyn achetant un grand groupe dans son intégralité​. Les critiques ont loué comment ces œuvres semblaient "respirer" avec de l'air frais et une liberté picturale. L'un a noté que “Sargent jette de la couleur sur le papier avec la joie débridée d'un enfant éclaboussant dans des flaques de boue, mais les résultats sont magistraux” - une indication de la façon dont son contrôle technique n'a jamais faibli même si son style s'est assoupli.

Dans des aquarelles comme Simplon Pass: The Green Parasol (c. 1911), représentant des femmes esquissant sous un parapluie vert vif dans les Alpes, le pinceau de Sargent danse sur le papier, équilibrant de larges lavis translucides avec des détails fins obtenus par la résistance à la cire et le pinceau sec.

Le médium lui a permis d'être intime et expérimental, capturant les effets fugitifs de la lumière tachetée et des reflets qui pourraient être difficiles en huile. En sortant des contraintes formelles des commandes de portraits, Sargent s'est reconnecté avec le simple plaisir de peindre pour lui-même.

Sargent ne pouvait pas échapper entièrement à l'attrait du portrait. Il a continué à créer des croquis de portraits au fusain, souvent en une seule séance, comme un compromis pour satisfaire les demandes occasionnelles​. Ces fusains, de personnages comme le diplomate Otto von Bismarck ou le critique d'art Roger Fry, sont aujourd'hui considérés comme des chefs-d'œuvre du dessin - des images monochromes audacieuses et élégantes qui distillent le caractère en quelques lignes et estompes.

À la demande spéciale, Sargent a peint quelques huiles de plus de ses amis dans ces dernières années, comme son émouvant portrait de 1913 de son amie Sybil Sassoon de profil, ou son tendre portrait de 1916 de Henry James vers la fin de la vie du romancier. Mais en grande partie, après 1907, Sargent s'est consacré aux études de paysages et de figures qu'il aimait, trouvant dans la nature et le voyage le rajeunissement que le portrait de société ne fournissait plus.

Narratives Cachées : Sexualité et une Vie Énigmatique

Derrière l'image professionnelle brillante de Sargent en tant que portraitiste de la société se cachait une vie privée qui a intrigué – et échappé – aux biographes. Sargent ne s'est jamais marié et a laissé peu de correspondance personnelle, de sorte que des indices sur son monde intérieur émergent principalement d'anecdotes et, plus fascinant encore, de son art. Au fil des ans, les chercheurs ont de plus en plus exploré les thèmes du genre et de la sexualité dans l'œuvre de Sargent, découvrant des récits cachés qui contrastent avec la conventionalité de son œuvre de portrait public.

Une révélation majeure est survenue dans les années 1980, lorsqu'un trésor de dessins de Sargent de modèles masculins nus, jusqu'alors inédits, a été exposé pour la première fois​. Ces dessins – dont beaucoup sont franchement sensuels, montrant des figures masculines dans des poses allongées ou vulnérables – ont suscité une réévaluation de Sargent non seulement comme un peintre de société distingué mais aussi comme un homme aux désirs et amitiés non conventionnels.

Des murmures sur la sexualité de Sargent avaient circulé auparavant — il évoluait dans des cercles artistiques qui comprenaient des figures gays comme Oscar Wilde, et ses amis les plus proches étaient principalement des hommes. Mais il y avait maintenant des preuves tangibles que Sargent trouvait la forme masculine profondément captivante et digne d'étude dans un contexte privé et expressif​.

Bien que Sargent ne se soit pas ouvertement identifié comme quoi que ce soit (le terme « gay » en tant qu'orientation n'était pas utilisé à son époque), beaucoup interprètent ces œuvres comme indiquant qu'il était probablement homosexuel ou bisexuel​. Cependant, parce qu'il était extrêmement discret – peut-être par nécessité à une époque où l'homosexualité était criminalisée – la question de la vie romantique de Sargent reste en partie spéculative. Sargent était-il gay, bisexuel, ou simplement un homme dont les relations les plus proches étaient avec des hommes ? La vérité ne sera peut-être jamais entièrement connue​.

Ce qui est documenté, c'est que Sargent avait des relations intenses et significatives avec plusieurs hommes qui servaient souvent de muses ou de modèles. L'un d'eux était le modèle italien Nicola d'Inverno, qui a travaillé comme assistant de studio de Sargent pendant des années et apparaît dans certains de ses croquis et peintures. Un autre était l'artiste britannique Albert de Belleroche, que Sargent a peint et avec qui il a voyagé ; ils étaient si proches que leurs contemporains appelaient en plaisantant Belleroche « Mme Sargent ». Et peut-être le plus poignant, il y avait Thomas McKeller, un jeune liftier noir que Sargent a rencontré à Boston vers 1916 et a engagé comme modèle.

McKeller a posé nu pour de nombreuses figures (allégories masculines et féminines) dans les grandes fresques de Sargent pour la bibliothèque publique de Boston et le musée des beaux-arts​. Sargent a même peint un portrait nu en pied de McKeller , une image frappante du modèle assis sur un coussin vert avec des ailes bleuâtres spectrales derrière lui, comme un ange déchu. Cette peinture, jamais exposée du vivant de Sargent, a été essentiellement cachée - Sargent a donné la toile à Isabella Stewart Gardner, peut-être pour s'assurer qu'elle soit préservée tout en étant discrètement gardée dans son musée​.

Ce n'est que des décennies après la mort de Sargent que le rôle de McKeller a été reconnu ; pendant des années, l'homme noir dont la forme est devenue la base des dieux et héros peints de Sargent est resté anonyme dans les œuvres d'art, un silence qui parle des dynamiques raciales et sociales de l'époque​. L'exposition Boston's Apollo: Thomas McKeller and John Singer Sargent (2020) a finalement mis en lumière leur collaboration, soulevant des questions sur le pouvoir, la visibilité et la connexion personnelle entre l'artiste patricien et son modèle de classe ouvrière.

L'amitié étroite de Sargent avec Henry James mérite également d'être notée dans le cadre de son récit privé. Les deux hommes, tous deux expatriés américains d'âge presque identique, partageaient une compréhension profonde. James écrivait souvent sur le travail de Sargent, louant sa sophistication, et Sargent a à son tour peint le portrait de James avec une acuité psychologique qui suggère une réelle affection. Certains érudits se sont demandé si leur lien contenait une intimité émotionnelle non exprimée.

Lorsque Henry James est mort en 1916, Sargent était bouleversé ; il a conçu la plaque commémorative de James pour l'abbaye de Westminster, versant son chagrin dans un dernier hommage artistique. Que Sargent ait ou non connu l'amour romantique conventionnel, il a clairement formé des attachements émotionnels profonds qui ont alimenté sa créativité.

Les nombreux portraits de Sargent de femmes fortes et charismatiques - de la diva Elizabeth “Bessie” Marbury à l'intellectuelle Vernon Lee (Violet Paget) - reflètent également une aisance avec la compagnie féminine indépendante. À une époque où les rôles de genre étaient rigides, Sargent semblait tracer son propre chemin, s'entourant d'un cercle cosmopolite qui embrassait l'identité artistique plutôt que la conformité.

Finalement, le Sargent caché qui émerge de ces facettes est une figure bien plus complexe que le stéréotype du peintre élégant de la société. Il était un individu privé qui protégeait sa vie intérieure, mais son art laisse des indices : la beauté androgyne de certains de ses croquis nus, l'empathie dans ses portraits de marginaux et de créateurs, l'aversion de toute une vie pour le mariage et la domesticité conventionnelle. 

Aujourd'hui, les historiens LGBTQ célèbrent Sargent comme faisant partie d'une lignée artistique queer, notant que ses intérêts pour le même sexe et sa non-conformité de genre dans l'art étaient discrètement radicaux pour son époque​ . Pendant ce temps, l'histoire de Thomas McKeller a suscité des discussions sur la manière dont la contribution d'un modèle noir à l'art américain a pu rester effacée si longtemps - et comment l'héritage de Sargent est lui-même lié à des questions de race et de représentation qui ne sont pleinement explorées que maintenant.

Les couches de secret et de révélation dans la vie de Sargent ajoutent une dimension poignante à notre compréhension de ses peintures, nous rappelant que l'art porte souvent des histoires non dites sous sa surface.

Réévaluation de Sargent : Héritage et perspectives modernes

John Singer Sargent est mort en avril 1925 à Londres, juste avant son 70e anniversaire, laissant derrière lui une énorme œuvre - environ 900 peintures à l'huile et plus de 2 000 aquarelles ainsi que d'innombrables croquis​. Sa disparition a été marquée par d'importantes expositions commémoratives à Boston, New York et Londres​. Pourtant, pendant une grande partie du 20e siècle, la réputation de Sargent est tombée dans une éclipse particulière.

L'essor du modernisme dans l'art - avec son abstraction et son rejet du réalisme traditionnel - a rendu les portraits luxuriants de Sargent démodés pour de nombreux critiques. Dans les années 1950, certains le considéraient comme un simple décorateur de société, techniquement habile mais dépourvu de signification plus profonde. Le style de portrait en grand manière dans lequel il excellait était considéré comme anachronique à une époque qui célébrait Picasso et Pollock.

Cependant, à partir de la fin du 20e siècle, une renaissance de l'intérêt pour Sargent a pris de l'ampleur​. Les historiens de l'art et le public ont commencé à réévaluer sa contribution, reconnaissant l'extraordinaire brillance technique et la complexité subtile de son œuvre. D'importantes rétrospectives dans les années 1980 et 1990 (comme une exposition phare de 1986 qui a voyagé du Tate au Metropolitan Museum) ont réintroduit Sargent à de nouvelles générations.

Les critiques ont fini par apprécier que sous l'élégance de surface de ses peintures, Sargent avait discrètement repoussé les limites - dans les rôles de genre, dans la perspective culturelle, et dans le langage même de la peinture. Ses portraits de femmes comme Lady Agnew ou Mrs. Gardner étaient désormais considérés comme célébrant l'autonomie et l'intelligence féminines, et pas seulement la beauté. Son inclusion de figures marginalisées - les danseurs gitans espagnols de El Jaleo, les sujets bédouins, le modèle noir McKeller - était mise en avant comme preuve d'un humanisme plus large dans son art que ce qu'on lui avait attribué​.

La découverte et l'exposition tardives des dessins de nus masculins de Sargent (comme discuté) ont également ajouté de manière significative à cette réévaluation​. À la lumière de ceux-ci, l'œuvre de Sargent a été examinée à travers le prisme de l'histoire LGBTQ et de la critique postcoloniale.

Des chercheurs comme Trevor Fairbrother et Richard Ormond ont publié des études révélant les couches de signification dans l'œuvre de Sargent – de la manière dont ses peintures négocient les questions de race et d'empire, par exemple, les dynamiques de pouvoir en utilisant un modèle noir pour des figures divines blanches, à la façon dont son amitié avec Henry James et d'autres suggère un réseau de créativité queer souvent passé sous silence.

Comme l'a dit un biographe, la vie et l'art de Sargent englobaient «le spectre complet de l'expérience humaine – de l'opulence de l'aristocratie à la beauté brute et non filtrée de la vie ordinaire». Une telle portée est maintenant célébrée comme avant-gardiste, comblant le fossé entre l'art traditionnel et les thèmes modernes.

Aujourd'hui, John Singer Sargent est fermement ancré dans le panthéon des grands artistes. Ses peintures sont des pièces maîtresses dans les collections de musées du monde entier, admirées par les spectateurs occasionnels et les connaisseurs. Il est souvent cité comme «le principal portraitiste de sa génération», une étiquette initialement attribuée pour ses évocations de luxe de l'époque édouardienne dans les portraits​.

Il est apprécié comme un virtuose qui a maîtrisé la lumière et le coup de pinceau comme peu d'autres dans l'histoire – un Monet américain avec les compétences de dessin d'un Vieux Maître, comme l'a décrit un critique. Les portraitistes contemporains se tournent vers Sargent pour des leçons sur la capture de l'essence vivante d'un sujet, tandis que les aquarellistes étudient sa technique pour son audace et sa fluidité.

Il est important de noter que les conversations autour de Sargent sont devenues plus nuancées. Il y a une compréhension que le même artiste qui a peint Madame X – icône d'élégance – a également peint Gassed – réquisitoire contre la brutalité de la guerre – et a dessiné des croquis amoureux de nus masculins, et peint des prophètes austères sur un plafond. Chacune de ces œuvres informe l'autre, composant un portrait de Sargent lui-même aussi facetté et riche que l'époque dans laquelle il a vécu.

En fin de compte, l'héritage de Sargent peut être mieux résumé par sa capacité à capturer l'esprit d'une époque dans des détails vifs tout en la transcendant simultanément. Il était à la fois de l'âge doré et au-delà. En tant qu'Américain expatrié en Europe, il avait un regard acéré d'outsider sur le faste de la société; en tant qu'âme sensible avec des secrets, il a imprégné son art d'empathie et d'intrigue.

Sa soif de voyage et curiosité tout au long de sa vie ont empêché son art de stagner – il a continué à explorer de nouveaux sujets, de nouveaux lieux, de nouvelles méthodes. Et à travers tout cela, il a maintenu un standard de savoir-faire qui commande l'admiration. Plus d'un siècle après sa mort, les spectateurs se retrouvent encore attirés par le jeu nuancé d'opulence et de fragilité dans l'œuvre de Sargent​– que ce soit le satin chatoyant d'une robe qui ne peut cacher la mélancolie d'un modèle, ou la lueur dorée d'une lanterne illuminant le visage d'un enfant au crépuscule.

Sargent nous invite à regarder de plus près et à voir au-delà de la surface. Ce faisant, il a laissé une impression indélébile sur la toile de l'histoire de l'art, une impression qui continue d'inspirer et de captiver par sa profondeur narrative et sa poésie visuelle.

Liste de Lecture

1. Bédouins - Musée de Brooklyn
2. El Jaleo - Wikipédia
3. Comment la Famille de Henry James a Tenté de le Garder dans le Placard - Colm Tóibín dans  The Guardian
4. John Singer Sargent - Le Metropolitan Museum
5. Lady Agnew de Lochnaw - Wikipédia
6. Madame X - Lumen Learning
7. Nouvelles Interprétations des Murales de Sargent - Bibliothèque Publique de Boston
8. Hommes Nus dans les Dessins - Wikipédia
9. Portrait de Madame X - Wikipédia
10. Sargent et l'Espagne - Galerie Nationale d'Art
11. Sargent, Âme Sœur de Henry James - Deborah Wiesgall dans le [New York Times
12. Le Sargent Caché  - Patricia Failing dans  ARTnews
13. Who's Who in Gay and Lesbian History - Michael J. Murphy
14. Pourquoi Madame X a Scandalisé le Monde de l'Art - Alina Cohen sur Artsy