Le Collage comme Miroir Culturel : Un Voyage Lyrique à Travers l'Histoire

L'art du collage a toujours été plus qu'un assemblage de morceaux - c'est un miroir culturel, tenu pour refléter les valeurs, les angoisses et les rêves de son époque. Des artisans anciens superposant des matériaux précieux aux natifs numériques remixant des mèmes, les collages de chaque époque révèlent une chronique de l'expérience humaine.

Considérez une veuve âgée en 1772, Mary Delany, qui a pressé des morceaux de papier coloré en la ressemblance d'un géranium et a écrit, “J'ai inventé une nouvelle façon d'imiter les fleurs”​. Dans cet acte humble d'artisanat, elle a involontairement fait écho à une pratique s'étendant sur des siècles et des continents – assembler le monde sous forme visuelle.

Le collage, du français coller (coller), lie littéralement et métaphoriquement l'éphémère en signification. Il permet à des images et matériaux disparates de converser sur la toile, créant une syntaxe en couches à la fois poétique et incisive. Au fil du temps, les artistes ont utilisé cette syntaxe pour documenter l'histoire, défier l'autorité, et tisser des identités personnelles et collectives.

Aujourd'hui, alors que nous défilons à travers des collages numériques sur les réseaux sociaux ou que nous rencontrons des installations immersives inspirées du collage dans les musées, nous participons à une lignée qui s'étend des rouleaux chinois anciens, aux photomontages dadaïstes, aux fanzines punk, et au-delà.

Le voyage de cet article retracera la transformation du collage de ses origines anciennes à l'ère numérique, examinant comment les forces culturelles ont façonné son évolution à des moments clés. Nous verrons comment chaque couche de collage - chaque fragment déchiré et collé - porte l'empreinte d'un temps et d'un lieu. Une histoire de créativité née de la complexité, une forme d'art continuellement renaissante pour parler de nouvelles réalités.

Points Clés

• L'art du collage offre une perspective unique sur les complexités des contextes culturels et historiques.
• Le médium a continuellement évolué, reflétant les valeurs et idéologies sociétales changeantes.
• Des mouvements artistiques significatifs, y compris le dadaïsme et le surréalisme, ont utilisé le collage pour des commentaires socio-politiques.
• Le collage sert de chronique de l'histoire humaine, imprégnée de symboles et de motifs de diverses cultures.
• À travers le collage, les artistes offrent à la fois une préservation et un défi aux identités culturelles.
• L'adaptabilité de la technique lui a permis de rester pertinente face à un monde en rapide évolution.

Origines Anciennes : Fragments d'une Tradition Culturelle

Bien avant que le terme “collage” ne soit défini dans le domaine de l'art, les humains assemblaient des fragments pour raconter leurs histoires. À l'époque préhistorique, nos ancêtres combinaient des matériaux naturels – pétales de fleurs, coquillages, plumes, ailes de papillon – pour orner des objets ou créer des présentations rituelles.

Ces premiers actes, bien que non réalisés pour l'art pour l'art, révèlent un instinct fondamental de collecter et composer du sens à partir du monde qui nous entoure. En attachant un élément à un autre, les personnes préhistoriques faisaient essentiellement les premiers collages, utilisant les éléments de la vie quotidienne pour transmettre des idées ou de la spiritualité.

Une innovation clé a dynamisé cet élan : l'invention du papier en Chine vers 200 avant notre ère. Avec le papier, une nouvelle surface flexible est née, et bientôt les artisans ont découvert qu'ils pouvaient le couper et le coller de manière inventive. Les archives historiques suggèrent qu'à l'époque de la dynastie Tang, les moines bouddhistes collaient des sutras (écritures) et des images en tant qu'art dévotionnel.

Le collage, dans ce contexte, était un outil de piété et de préservation – des morceaux de prières imprimées assemblés en un tout plus grand. Cela a établi un précédent pour le collage en tant que pratique de création de sens, intégrant des valeurs culturelles (dans ce cas, la dévotion religieuse) dans les matériaux mêmes de l'œuvre d'art.

Le Japon a adopté la pratique peu de temps après. Au 10ème siècle, pendant la période Heian, les poètes et calligraphes japonais étaient connus pour coller des poèmes sur des fonds de papier décorés dans le cadre de l'art du tsugimono, créant des rouleaux de poésie visuellement superposés. Ils pouvaient attacher de délicats morceaux de papier avec des feuilles d'or ou d'argent et des caractères encrés pour assembler un design harmonisé – essentiellement un collage de papier précoce mariant texte et image.

Au 12ème siècle, les artistes japonais collaient également du papier sur de la soie pour embellir des écrans et des rouleaux, un précurseur précoce du collage dans l'art raffiné. Ces utilisations raffinées en Asie de l'Est étaient parallèles aux pratiques populaires ailleurs : en Europe centrale au 13ème siècle, les gens utilisaient des techniques similaires au collage comme un artisanat pour décorer leurs maisons – par exemple, en combinant tissu, photos et souvenirs dans ce que nous pourrions appeler des proto-albums ou des tableaux de mémoire.

La préhistoire du collage est donc une tapisserie mondiale. Dans de nombreuses traditions indigènes et populaires, nous trouvons des techniques analogues d'assemblage de pièces :

• Les textiles Mola fabriqués par les femmes Guna au Panama superposent des tissus colorés dans une appliqué inversée (un collage textile) pour représenter des histoires locales
• Les traditions de quilting en Afrique et dans la diaspora africaine assemblent des morceaux de tissu disparates en récits unifiés
• Les mandalas de sable bouddhistes tibétains assemblent des millions de grains de sable coloré en diagrammes cosmiques, pour ensuite les balayer – un rituel poignant de création et de dispersion, semblable à l'éthique de l'impermanence et de la recombinaison du collage.

Chacune de ces pratiques utilise un principe de collage : réunir des fragments pour créer un sens qui transcende chaque pièce individuelle.

À l'époque de la Renaissance et du Baroque en Europe, des éléments de collage apparaissaient dans l'art religieux et les arts de la cour. Les nonnes dans les couvents médiévaux fabriquaient d'exquis reliquaires et images dévotionnelles ornés de parchemin découpé, de tissu et de bijoux – un collage spirituel de matériaux.

Dans le cabinet de curiosités baroque, les collectionneurs montaient des papillons, des pièces de monnaie et des gravures dans des arrangements élaborés, effectuant un collage de la nature et de l'art comme moyen de cataloguer les merveilles du monde.

Ces premiers collages servaient de miroirs culturels de leur époque : les collages de papier chinois reflétaient une société chérissant le savoir et la foi, les collages de rouleaux japonais reflétaient une culture de cour qui valorisait la poésie et l'élégance, et les collages populaires européens parlaient de la vie domestique et de la mémoire personnelle.

Au 18ème siècle, le collage tel que nous le connaissons a commencé à émerger plus clairement. Le travail de Mary Delany en est un exemple frappant : entre 1772 et 1783, à la cour d'Angleterre, cette grand-mère distinguée a fabriqué à la main 985 collages botaniques si scientifiquement précis que les botanistes s'émerveillaient qu'on puisse « décrire botanique n'importe quelle plante... sans crainte d'erreur » en les regardant.

Delany appelait ses fleurs « mosaïques de papier », un terme approprié soulignant comment chacune était un composite de nombreux fragments de papier. Sa renaissance artistique tard dans la vie – stimulée par la curiosité et le chagrin – souligne un thème clé : le collage fleurit souvent en période de bouleversements personnels ou sociétaux, donnant forme à ce qui est autrement inexprimable. 

À la même époque, le collage victorien est devenu un passe-temps populaire. Les aristocrates et les familles de la classe moyenne gardaient des albums de coupures et de collages. Même le romancier Charles Dickens s'y adonnait, collaborant avec un ami pour couvrir un paravent pliant de centaines de gravures découpées.

Les collages domestiques victoriens, créés pour le divertissement, étaient néanmoins des artefacts culturels : ils rassemblaient la culture visuelle de l'époque (coupures de journaux, images imprimées) en nouvelles narrations, tout comme nous pourrions créer un collage numérique de photos d'actualité pour commenter les événements actuels.

À travers ces premiers exemples, l'art du collage a établi deux rôles durables : comme moyen de préserver le passé (en pressant des pièces précieuses dans un nouveau tout) et comme moyen de subversion ou de jeu , recombiner le monde avec fantaisie ou critique. Ces rôles deviendraient encore plus prononcés à mesure que le collage entrait dans le domaine de l'art moderne.

Le contexte historique de l'art du collage : une chronologie des influences

La riche histoire de l'art du collage est imprégnée d'un mélange de dynamiques culturelles, servant de lexique visuel débordant de commentaires et d'idées révolutionnaires. Cette section entreprend un voyage de chronologie de la chronologie des influences dans l'art, soulignant la métamorphose du collage depuis ses débuts jusqu'à la puissance d'expression qu'il est aujourd'hui.

En explorant les influences culturelles, nous acquérons non seulement un aperçu de ce médium transformateur mais nous apprécions également les rôles essentiels joués par une constellation d'artistes et de mouvements dans l'élaboration de sa trajectoire.

1. Les stades naissants du collage peuvent être retracés jusqu'à l'invention du papier en Chine, qui a finalement conduit aux premiers exemples enregistrés de collages de papier utilisés par des moines pour des textes religieux, symbolisant le plus ancien contexte historique de l'art du collage.
2. Avançons jusqu'au début du 20ème siècle, lorsque le cubisme a déclenché un changement crucial alors que des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque ont commencé à incorporer des médias mixtes dans leur travail, marquant un développement significatif dans la chronologie des influences dans l'art.
3. Les sentiments anti-guerre et la critique sociale du mouvement Dada ont permis aux artistes, y compris Hannah Höch et Kurt Schwitters, d'utiliser le collage comme une forme de rébellion—critiquant les constructions culturelles et établissant de nouveaux précédents dans l'histoire de l'art du collage.
4. Les surréalistes, plus tard, ont infusé le collage avec des éléments de rêve et de fantaisie, avec des artistes comme Max Ernst l'utilisant comme une toile pour des explorations subconscientes et reflétant les influences culturelles à travers des juxtapositions qui brouillaient la réalité et le rêve.
5. Le milieu du 20ème siècle a vu émerger le Pop Art, où le collage a tendu un miroir à la culture de consommation, avec des artistes comme Richard Hamilton et Andy Warhol disséquant et réassemblant des images populaires pour commenter la marchandisation de la culture.
6. La fin du 20ème siècle jusqu'au 21ème siècle a vu l'art du collage continuer à évoluer, avec les technologies numériques et la connectivité mondiale inaugurant une nouvelle ère. Cette période a vu des artistes utiliser le collage pour le commentaire social et l'activisme numérique, élargissant finalement son importance historique et culturelle.

En examinant ce passé riche en histoires, il est évident que le collage a toujours servi de médium de choix pour les artistes désireux d'explorer les influences culturelles. Son adaptabilité et sa propension aux amalgames éclectiques l'ont rendu une toile en constante évolution, reflétant le visage toujours changeant de la culture humaine.

Le contexte historique de l'art du collage n'est pas simplement un passé à étudier mais une conversation continue, ponctuée de couches de sens qui parlent de la fluidité du temps et de la culture.

• L'expérimentation du cubisme reflète la vision du monde en modernisation et le chevauchement de différentes perspectives à travers le collage.
• L'utilisation du collage par le dadaïsme soutient la critique culturelle et la déconstruction des valeurs d'avant-guerre.
• Les collages oniriques du surréalisme dissèquent les crevasses entre la réalité tangible et l'esprit sans entrave.
• Les tableaux vibrants du Pop Art dépeignent l'influence croissante des médias de masse et de la culture de consommation sur les identités individuelles et sociétales.
• La culture du remix de l'ère numérique et les mèmes Internet présentent une nouvelle frontière où le récit historique de l'art du collage continue de se dérouler.

Dans cette riche tapisserie se trouve un réseau complexe d'époques, d'idéologies et de méthodologies, contribuant tous à l'essence robuste et multiforme de l'art du collage. C'est une histoire non seulement d'artistes et de leurs œuvres, mais aussi de la manière dont ces éléments reflètent et défient les époques dont ils sont issus, fournissant un contexte culturel et influençant les générations créatives successives.

Révolution du découpage et du collage : Le collage dans l'avant-garde

Au début du 20e siècle, le collage a fait irruption sur la scène artistique d'avant-garde, changeant à jamais le cours de l'art moderne. Le catalyseur fut le Cubisme, le mouvement artistique radical dirigé par Pablo Picasso et Georges Braque à Paris.

En 1912, Picasso s'était lassé de simplement peindre une nature morte. Dans un geste audacieux, il a collé un morceau de toile cirée imprimée commercialement avec un motif de chaise en canne directement sur sa toile Nature morte à la chaise cannée (1912). C'était un geste scandaleux – “l'incongruité choquante d'introduire un dispositif d'art populaire dans l'art ‘sérieux’”.

En insérant un matériau du monde réel dans l'illusion peinte, Picasso a effondré la frontière entre l'art et la vie. Comme le note un commentaire du Metropolitan Museum, c'était un “acte radical – insérer un fragment de réalité dans le domaine fictif de la peinture,” une imitation spirituelle de la réalité qui se moquait et honorait la tradition.

Braque, ne voulant pas être surpassé, a bientôt collé des morceaux de papier peint et d'imprimés de journaux dans ses œuvres. Ainsi est né le Cubisme synthétique, et avec lui l'introduction formelle de la technique du collage dans les beaux-arts.

Pourquoi cela s'est-il produit en 1912 ? Culturellement, le monde changeait à une vitesse vertigineuse – la modernité battait son plein avec ses téléphones, ses automobiles et ses quotidiens. Le collage cubiste reflétait une vision du monde moderne : celle des fragments, de la simultanéité et des perspectives multiples.

En découpant et en réassemblant des morceaux du quotidien (coupures de journaux, emballages de tabac, papier peint), Picasso et Braque visaient à capturer les réalités superposées de la vie moderne. Le collage était le médium parfait pour cela. Il permettait aux artistes de juxtaposer différentes textures et points de vue sur un même plan, tout comme une ville présente un collage de vues et de sons. En conséquence, l'expérimentation du Cubisme avec le collage est devenue un fondement de l'art du 20e siècle. Le mot même “collage” est entré dans le vocabulaire artistique grâce à ces expériences.

D'autres artistes ont rapidement pris les ciseaux (et la colle). En Italie, les Futuristes ont collé des mots et des images dans leurs manifestes et leurs conceptions typographiques déjantées, essayant de transmettre le chaos de l'ère de la machine. En Russie, les Constructivistes ont assemblé des collages abstraits à partir de papier et d'imprimés pour promouvoir des idéaux révolutionnaires. Mais c'est au milieu de la Première Guerre mondiale que le collage a pris un rôle culturel encore plus combatif : la naissance du Dada.

Dada : La colle comme arme de dissidence

En 1916, alors que la guerre faisait rage en Europe, un groupe d'artistes et de poètes expatriés à Zurich – Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann parmi eux – se sont rebellés contre tout ce que la société représentait. Ils ont appelé leur anti-mouvement Dada, un mot absurde qui correspondait à leur indignation face à la violence insensée de la Première Guerre mondiale. Le collage et son cousin photographique le photomontage sont devenus les armes les plus explosives du Dada.

Pourquoi le collage ? Les dadaïstes ont trouvé dans la technique du découpage et collage une métaphore pour le monde fracturé qui les entourait. En découpant physiquement les journaux, les publicités et les photographies – le tissu même de la culture visuelle bourgeoise – et en les réassemblant de manière absurde ou choquante, ils visaient à littéralement couper à travers les illusions du nationalisme, de la propagande et de l'art traditionnel.

Hannah Höch, une dadaïste berlinoise, a été pionnière du photomontage pour critiquer les rôles de genre et la politique. Dans son collage de 1919 Découpé au couteau de cuisine Dada à travers la dernière époque culturelle bedonnante de Weimar en Allemagne, elle a découpé des images de figures politiques allemandes et d'images des médias de masse, les réassemblant en une satire chaotique et mordante de la société de Weimar. Le titre lui-même suggère des outils domestiques (un couteau de cuisine) utilisés pour découper l'autorité gonflée (le « bedon de bière » de l'établissement)​. Le travail de Höch, comme beaucoup de collages dada, était une critique polyphonique – plusieurs voix et significations émergeant des fragments juxtaposés, une protestation visuelle contre un récit unique et rationnel.

Le collage Dada a introduit plusieurs tactiques culturelles clés qui résonnent dans l'art jusqu'à aujourd'hui :

• Le photomontage comme critique sociale : Les artistes comme Höch et John Heartfield combinaient et retouchaient des photographies pour créer des messages politiques cinglants (Heartfield a fameusement ridiculisé Hitler en collant le portrait du Führer pour révéler une cache de pièces d'or dans son estomac – impliquant la cupidité alimentant le fascisme). Cette technique est un ancêtre direct des mèmes politiques et de la satire Photoshop d'aujourd'hui.

• Hasard et Irrationalité : Les collagistes Dada ont souvent adopté des arrangements aléatoires de fragments (Jean Arp, par exemple, laissait tomber des morceaux de papier déchirés et les collait là où ils tombaient) pour rejeter l'idée d'un ordre prémédité. Cette association libre d'images imitait le sentiment de désorientation de l'époque, et annonçait également les méthodes surréalistes.

• Typographie et Graphisme dans l'Art : Dada a brouillé les frontières entre l'art et l'édition. Des mots découpés, des polices de caractères et des logos commerciaux ont trouvé leur place dans les collages, érodant la barrière entre l'art pur et les médias de masse. Ce faisant, les collages Dada reconnaissaient que la culture elle-même était un collage de haut et de bas, de sérieux et d'absurde – une notion qui ne ferait que se renforcer dans l'art postmoderne.

Dans les années 1920, de nombreux artistes Dada ont évolué (ou régressé) en Surréalistes, emportant avec eux les techniques de collage dans de nouveaux domaines conceptuels. Le mouvement surréaliste, séduit par les théories freudiennes des rêves et de l'inconscient, voyait le collage comme un moyen d'accéder à des images étranges et troublantes qui pourraient surgir apparemment par accident.

Max Ernst a créé des collages à partir de gravures du XIXe siècle pour former des scènes fantastiques (son livre de 1934 Une Semaine de Bonté est un roman en collage, remixant des illustrations victoriennes en vignettes absurdes et oniriques). Les surréalistes appréciaient la façon dont le collage pouvait rendre les images familières étranges en les sortant de leur contexte.

Comme l'a observé un historien de l'art, l'acte de joindre ensemble des images disparates reflétait les croyances surréalistes selon lesquelles le sens est généré par l'inconscient à travers des sauts illogiques. Une tête d'homme sur un corps de poisson, ou une poupée collée dans une forêt – de telles combinaisons irrationnelles étaient des fenêtres sur l'esprit inconscient.

Pourtant, même dans ses applications les plus oniriques, le collage entre les mains des surréalistes restait un baromètre culturel. Il capturait la désillusion d'un monde après la guerre, où les anciennes certitudes (politiques, sociales, religieuses) étaient découpées, et de nouvelles réalités inquiétantes étaient assemblées à partir de leurs morceaux.

Le collage a également fourni un moyen de traiter l'assaut des images médiatiques modernes . Alors que les journaux, magazines et publicités se multipliaient dans les années 1920, les artistes avaient littéralement plus de matière première que jamais à découper. Les surréalistes ont profité de ce flot d'images pour sonder le psychisme collectif : chaque collage était comme une interprétation freudienne du rêve de la culture moderne, assemblant les résidus des médias de masse en révélations ou cauchemars.

À la fin des années 1920 et 1930, le collage s'était imposé comme une technique centrale de l'avant-garde, utilisée non seulement en Europe mais aussi à l'échelle mondiale. Les modernistes latino-américains comme José Orozco ont expérimenté le collage dans des fresques et des estampes ; au Japon, le magazine d'avant-garde Mavo présentait des œuvres de collage ; et aux États-Unis, le jeune Joseph Cornell a commencé à créer ses séduisantes boîtes d'assemblage de type collage, remplies de bibelots victoriens arrangés de manière surréaliste.

Chronologie Indexée : Moments Clés de l'Histoire du Collage (1900–1940) – une référence rapide des percées cruciales du collage et de leur contexte culturel :

• 1907–1911: Picasso et Braque développent le Cubisme Analytique (fragmentation de la forme). En 1912, ils passent au Cubisme Synthétique et réalisent les premiers collages d'art (par exemple, Nature Morte avec Chaise Cannée de Picasso), introduisant le papier peint, le journal et la corde dans la peinture. Signification: Le collage entre dans l'art de haut niveau, reflétant une réalité moderne où l'art et la vie quotidienne fusionnent.
• 1916–1920: Dada émerge (Zurich, Berlin, Paris, New York). Les photomontages de Hannah Höch et les collages Merz de Kurt Schwitters utilisent des tickets de bus, des journaux, des tissus et des images pour attaquer la culture bourgeoise et la propagande de guerre. Signification: Le collage devient un outil de protestation, de parodie et de critique culturelle.
• 1924: Manifeste Surréaliste publié à Paris. Les romans-collages de Max Ernst (1921–34) et d'autres utilisent le collage pour évoquer des scènes oniriques. Signification: Le collage est utilisé pour explorer le subconscient et l'irrationnel, commentant le psychisme fracturé de l'après-Première Guerre mondiale.
• 1931: Exposition Internationale du Surréalisme présente des collages et des objets (Paris). Joseph Cornell commence à créer des boîtes d'assemblage à New York dans les années 1930, une extension tridimensionnelle des principes du collage. Signification : Valide le collage en tant qu'art majeur à l'échelle internationale ; l'esthétique du collage se répand en Amérique, influençant les artistes émergents.

Collage Pop Art et la Culture des Médias de Masse

Si le début du XXe siècle a vu le collage utilisé pour démanteler les anciens ordres mondiaux, le milieu du XXe siècle l'a vu employé pour naviguer dans le nouveau monde des médias de masse et de la culture de consommation. La période après la Seconde Guerre mondiale a été marquée par une explosion de la publicité, de la télévision, des images imprimées et des marchandises – un flot de stimuli visuels qui semblait lui-même être un énorme collage assaillant les sens. Il n'est pas surprenant que les artistes des années 1950 et 1960 se soient tournés (à nouveau) vers le collage pour comprendre ou critiquer cette nouvelle réalité.

Proto-Pop : la Capsule Temporelle de Hamilton en 1956

En 1956, un collage séminal de l'artiste britannique Richard Hamilton posait (et répondait avec humour) la question : “Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes ?” Le collage représente un salon moderne débordant de biens de consommation et d'icônes de la culture pop : un culturiste tient fièrement une sucette géante étiquetée « POP », une boîte de jambon repose sur une table basse, une couverture de bande dessinée et un magnétophone ornent les murs.

Hamilton a découpé ces images dans des magazines américains et les a assemblées en un instantané satirique de la société de consommation émergente. Cette œuvre est souvent citée comme la première œuvre du Pop Art, avec le collage en son cœur. Le message était clair – la vie moderne est un collage, un bombardement d'images et de produits disparates cherchant tous à attirer notre attention et notre désir.

Le collage de Hamilton a annoncé un changement. Dans le mouvement Pop Art de la fin des années 1950 et des années 1960, les artistes ont joyeusement embrassé le collage et l'assemblage pour célébrer, critiquer ou simplement refléter la nouvelle culture saturée de médias.

Andy Warhol, bien que connu pour la peinture sérigraphique, a également utilisé des techniques de collage dans ses premières œuvres (comme ses expériences de photo-collage dans les années 1960 arrangeant des images répétées de célébrités et de produits).

Robert Rauschenberg a construit des combinaisons monumentales – moitié peinture, moitié assemblage – en plâtrant des journaux et des photographies sur des toiles et en incorporant même de vrais objets comme une chèvre empaillée ou un pneu.

C'étaient des collages en trois dimensions, des accumulations chaotiques qui capturaient la texture brute de la vie américaine. Rauschenberg a célèbrement dit qu'il travaillait « dans l'écart entre l'art et la vie », et ses combines basées sur le collage sont exactement cela : ni un art totalement illusoire ni une réalité brute, mais un hybride.

De l'autre côté de l'océan, les artistes du Pop européen et du Nouveau Réalisme faisaient à peu près la même chose. En 1960, l'artiste français Mimmo Rotella arrachait des affiches de rue et recollait leurs fragments dans de nouvelles compositions (il appelait cela décollage, littéralement décollement, car il soustrayait et réarrangeait plutôt qu'ajoutait). Les Nouveaux Réalistes en France (comme Jacques Villeglé) soulevaient de même des affiches couvertes de graffitis et les exposaient comme des collages de la culture visuelle urbaine de la "vraie vie".

Ce qui unit ces approches de l'ère Pop est un sentiment que l'art devrait refléter le bombardement d'images que les gens subissaient quotidiennement – les publicités de magazines, les stars de cinéma, les bandes dessinées et les emballages commerciaux qui étaient venus définir les rêves et aspirations de la société d'après-guerre.

Le collage à cette époque avait souvent une touche ludique et ironique. Contrairement aux Dadaïstes en colère ou aux Surréalistes sérieux, les artistes Pop abordaient l'imagerie culturelle avec un mélange de fascination et d'ironie. Pourtant, il y avait une critique intégrée dans beaucoup de ces œuvres. Le collage de Hamilton est presque clinique dans la façon dont il dissèque un intérieur consumériste ; les répétitions de Warhol de Marilyn Monroe ou d'une boîte de soupe Campbell, bien que célébratoires en surface, nous demandent également de considérer comment la reproduction de masse et les médias façonnent nos désirs.

Le collage était le format idéal pour les questions de l'art Pop car il est fondamentalement un art de l'appropriation – il prend des images existantes (souvent commerciales) et les recontextualise. Ce faisant, l'art du collage peut exposer les mécanismes des images médiatiques : comment elles persuadent, glorifient ou trompent.

Comme l'a observé le critique d'art Donald Kuspit, une grande force du collage est son potentiel à saper les idées reçues sur le monde, à nier l'absolutisme de la réalité consensuelle. Dans les années 1960, la "réalité consensuelle" était que consommation = bonheur ; les collages Pop perçaient joyeusement des trous dans cela en recomposant les mêmes signes de consommation en art ambigu.

Collage pour la protestation et l'identité (années 1960-1970)

Les années 1960 et 70 étaient des périodes turbulentes – mouvements pour les droits civiques, mouvements féministes, manifestations contre la guerre du Vietnam – et le collage est redevenu une tactique privilégiée pour les activistes et les artistes disant la vérité au pouvoir.

Le collage est intrinsèquement démocratique : on n'a pas besoin d'une éducation artistique formelle pour couper et coller, et on peut utiliser des matériaux bon marché et accessibles comme des magazines, des prospectus et des photographies. Ainsi, cela a naturellement servi la contre-culture.

Considérez les affiches politiques et les fanzines underground de l'époque. Le mouvement anti-guerre utilisait souvent des photographies collées pour un effet choquant (par exemple, des images d'enfants vietnamiens superposées sur un drapeau américain). En 1967, Carolee Schneemann, une artiste de performance avant-gardiste, a créé “Body Collage”, une œuvre dans laquelle elle roulait nue dans de la colle et des lambeaux de papier. C'était une déclaration féministe viscérale - la femme devenant collage - remettant en question l'objectification du corps féminin en le réappropriant dans un chaos de matériaux collés.

Des artistes féministes comme Hannah Wilke et Martha Rosler dans les années 1970 ont utilisé le photomontage pour critiquer les rôles de genre, tout comme Höch l'avait fait mais en abordant désormais la domesticité des années 1960 et l'industrie de la beauté. La série de Rosler House Beautiful: Bringing the War Home (c. 1967-72) collait des images horribles de la guerre du Vietnam dans les intérieurs de magazines brillants, effondrant la distance entre les maisons américaines confortables et la guerre à l'étranger - un collage politique puissant qui circulait dans les journaux underground plutôt que dans les galeries d'art.

Pendant ce temps, dans la musique et le design graphique, l'esthétique du collage signalait la rébellion. Le mouvement punk rock a adopté un look bricolage de découpage et collage pour les affiches de concerts et les pochettes d'album - probablement l'influence du Dada ressuscité.

Le flyer notoirement anarchique pour le single des Sex Pistols “God Save the Queen” (1977) par Jamie Reid présente le portrait de la Reine défiguré avec des lettres de style rançon, un descendant direct du photomontage Dada. Pour produire ce texte de style rançon, Reid a littéralement découpé des lettres dans les manchettes des journaux. Ce style de collage “rançon” est devenu synonyme de l'attitude anti-autoritaire du punk. En essence, chaque collage était une petite révolution, réorganisant les symboles du pouvoir en rébellion visuelle.

Le collage est également devenu un moyen pour les voix marginalisées d'affirmer leur identité. Les artistes afro-américains des années 1960 et 70 comme Romare Bearden ont adopté le collage pour dépeindre la vie noire en Amérique. Bearden découpait des photographies de magazines, du papier à motifs, et ses propres dessins, les assemblant en scènes vibrantes et improvisées de l'histoire et de l'expérience quotidienne afro-américaines - musiciens de jazz, baptêmes, vie de rue à Harlem.

L'esthétique “patchwork” de Romare Bearden résonnait avec les traditions de la confection de quilts et l'improvisation du Blues, liant le collage à un patrimoine culturel de créativité noire née de l'assemblage de ce qui est à portée de main. Cela a également permis à Bearden d'insérer littéralement des visages et des corps noirs dans le récit historique de l'art , subvertissant un canon qui les avait longtemps exclus. Ce faisant, il a influencé les générations suivantes à utiliser le collage pour des récits personnels et politiques.

À la fin des années 1970, le collage avait imprégné presque toutes les formes d'art et tous les coins de la société – de l'art noble (expositions muséales de Schwitters ou Cornell) à la culture pop (fanzines musicaux, bandes dessinées) en passant par l'activisme politique (art de protestation).

L'idée que n'importe quoi pouvait être de l'art une fois combiné avec réflexion était désormais largement acceptée. Le collage, autrefois controversé, était maintenant un langage visuel commun. Pourtant, son parcours était loin d'être terminé ; en fait, la révolution numérique était sur le point de propulser le collage dans une dimension entièrement nouvelle.