L'art du collage a toujours été plus qu'un assemblage de morceaux – c'est un miroir culturel, tenu pour refléter les valeurs, les angoisses et les rêves de son époque. Des artisans anciens superposant des matériaux précieux aux natifs numériques remixant des mèmes, les collages de chaque époque révèlent une chronique de l'expérience humaine.

Considérez une veuve âgée en 1772, Mary Delany, qui a pressé des morceaux de papier coloré pour ressembler à un géranium et a écrit, “J'ai inventé une nouvelle façon d'imiter les fleurs”. Dans cet humble acte d'artisanat, elle a involontairement fait écho à une pratique qui s'étend sur des siècles et des continents – assembler le monde sous forme visuelle.

Le collage, du français coller (coller), lie littéralement et métaphoriquement l'éphémère en signification. Il permet à des images et matériaux disparates de converser sur la toile, créant une syntaxe en couches à la fois poétique et incisive. Au fil du temps, les artistes ont utilisé cette syntaxe pour documenter l'histoire, défier l'autorité et tisser des identités personnelles et collectives.

Aujourd'hui, alors que nous faisons défiler des collages numériques sur les réseaux sociaux ou rencontrons des installations immersives inspirées du collage dans les musées, nous participons à une lignée qui s'étend des rouleaux chinois anciens, aux photomontages dadaïstes, aux fanzines punk, et au-delà.

Le parcours de cet article retracera la transformation du collage de ses origines anciennes à l'ère numérique, en examinant comment les forces culturelles ont façonné son évolution à des moments clés. Nous verrons comment chaque couche de collage – chaque fragment déchiré et collé – porte l'empreinte d'un temps et d'un lieu. Une histoire de créativité née de la complexité, une forme d'art continuellement renaissante pour parler de nouvelles réalités.

Points Clés

• L'art du collage offre une perspective unique sur les complexités des contextes culturels et historiques.
• Le médium a continuellement évolué, reflétant les valeurs et idéologies sociétales changeantes.
• Des mouvements artistiques significatifs, y compris le dadaïsme et le surréalisme, ont utilisé le collage pour des commentaires socio-politiques.
• Le collage sert de chronique de l'histoire humaine, imprégné de symboles et de motifs de diverses cultures.
• À travers le collage, les artistes offrent à la fois une préservation et un défi aux identités culturelles.
• L'adaptabilité de la technique lui a permis de rester pertinente face à un monde en rapide évolution.

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Origines Anciennes : Fragments d'une Tradition Culturelle

Bien avant que le terme “collage” ne soit défini comme un terme artistique, les humains assemblaient des fragments pour raconter leurs histoires. À l'époque préhistorique, nos ancêtres combinaient des matériaux naturels – pétales de fleurs, coquillages, plumes, ailes de papillon – pour orner des objets ou créer des présentations rituelles.

Ces premiers actes, bien que non réalisés pour l'art en tant que tel, révèlent un instinct fondamental de collecter et composer du sens à partir du monde qui nous entoure. En attachant un élément à un autre, les peuples préhistoriques créaient essentiellement les premiers collages, utilisant le matériel de la vie quotidienne pour transmettre des idées ou de la spiritualité.

Une innovation clé a dynamisé cet élan : l'invention du papier en Chine vers 200 avant J.-C.. Avec le papier, une nouvelle surface flexible est née, et bientôt les artisans ont découvert qu'ils pouvaient le couper et le coller de manière inventive. Les archives historiques suggèrent qu'à l'époque de la dynastie Tang, les moines bouddhistes collaient ensemble des sutras (écritures) et des images comme art dévotionnel.

Le collage, dans ce contexte, était un outil de piété et de préservation – des morceaux de prières imprimées assemblés en un tout plus grand. Cela a établi un précédent pour le collage en tant que pratique de création de sens, intégrant des valeurs culturelles (dans ce cas, la dévotion religieuse) dans les matériaux mêmes de l'œuvre d'art.

Le Japon a adopté la pratique peu de temps après. Au 10ème siècle, pendant la période Heian, les poètes et calligraphes japonais étaient connus pour coller des poèmes sur des fonds de papier décorés dans le cadre de l'art du tsugimono, créant des rouleaux de poésie visuellement superposés. Ils pouvaient attacher des papiers découpés délicats avec des feuilles d'or ou d'argent et des caractères encrés pour assembler un design harmonisé – essentiellement un collage de papier précoce mariant texte et image.

Au 12ème siècle, les artistes japonais collaient également du papier sur de la soie pour embellir des écrans et des rouleaux, un précurseur précoce du collage dans l'art raffiné. Ces utilisations raffinées en Asie de l'Est Asie étaient parallèles aux pratiques populaires ailleurs : en Europe centrale au 13ème siècle, les gens utilisaient des techniques similaires au collage comme un artisanat pour décorer leurs maisons – par exemple, en combinant tissu, photos et souvenirs dans ce que nous pourrions appeler des proto-albums ou tableaux de mémoire.

La préhistoire du collage est donc une tapisserie mondiale. Dans de nombreuses traditions indigènes et populaires, nous trouvons des techniques analogues d'assemblage de pièces :

• Les textiles Mola fabriqués par les femmes Guna au Panama superposent des tissus colorés dans une appliqué inversée (un collage textile) pour représenter des histoires locales
• Les traditions de quilting en Afrique et dans la diaspora africaine cousent ensemble des morceaux de tissu disparates en récits unifiés
• Les mandalas de sable bouddhistes tibétains assemblent des millions de grains de sable colorés en diagrammes cosmiques, pour ensuite les balayer – un rituel poignant de création et de dispersion semblable à l'éthique de l'impermanence et de la recombinaison du collage.

Chacune de ces pratiques utilise un principe de collage : rassembler des fragments pour créer un sens transcendant toute pièce unique.

À l'époque de la Renaissance et de l'ère baroque en Europe, des éléments de collage apparaissaient dans l'art religieux et les arts de la cour. Les nonnes dans les couvents médiévaux fabriquaient des reliquaires exquis et des images dévotionnelles ornées de parchemin découpé, de tissu et de bijoux – un collage spirituel de matériaux.

Dans les cabinets de curiosités baroques, les collectionneurs montaient des papillons, des pièces de monnaie et des estampes dans des arrangements élaborés, collant effectivement la nature et l'art comme un moyen de cataloguer les merveilles du monde.

Ces premiers collages servaient de miroirs culturels de leur temps : les collages de papier chinois reflétaient une société chérissant l'érudition et la foi, les collages de rouleaux japonais reflétaient une culture de cour qui valorisait la poésie et l'élégance, et les collages populaires européens parlaient de la vie domestique et de la mémoire personnelle.

Au 18ème siècle, le collage tel que nous le connaissons a commencé à émerger plus clairement. Le travail de Mary Delany en est un exemple parfait : entre 1772 et 1783, à la cour d'Angleterre, cette grand-mère distinguée a fabriqué à la main 985 collages botaniques si scientifiquement précis que les botanistes s'émerveillaient qu'on puisse « décrire botaniquement n'importe quelle plante... sans crainte d'erreur » en les regardant.

Delany appelait ses fleurs « mosaïques de papier », un terme approprié soulignant comment chacune était un composite de nombreux fragments de papier. Sa renaissance artistique tardive dans la vie – stimulée par la curiosité et le chagrin – souligne un thème clé : le collage fleurit souvent en temps de bouleversement personnel ou sociétal, donnant forme à ce qui est autrement inexprimable. 

À la même époque, le collage victorien est devenu un passe-temps populaire. Les aristocrates et les familles de la classe moyenne conservaient des albums de coupures et de collages. Même le romancier Charles Dickens s'y adonnait, collaborant avec un ami pour recouvrir un paravent de centaines de gravures découpées.

Les collages domestiques victoriens, créés pour le divertissement, étaient néanmoins des artefacts culturels : ils rassemblaient la culture visuelle de l'époque (coupures de journaux, images imprimées) en de nouvelles narrations, tout comme nous pourrions créer un collage numérique de photos d'actualité pour commenter les événements actuels.

À travers ces premiers exemples, l'art du collage a établi deux rôles durables : comme moyen de préserver le passé (en pressant des pièces précieuses dans un tout nouveau) et comme moyen de subversion ou de jeu, recombinant le monde avec fantaisie ou critique. Ces rôles deviendraient encore plus prononcés à mesure que le collage entrait dans le domaine de l'art moderne.

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Le contexte historique de l'art du collage : une chronologie des influences

La riche histoire de l'art du collage est imprégnée d'un mélange de dynamiques culturelles, servant de lexique visuel regorgeant de commentaires et d'idées révolutionnaires. Cette section entreprend un voyage de chronologie de la chronologie des influences dans l'art, en identifiant la métamorphose du collage depuis sa création jusqu'à la puissance d'expression qu'il est aujourd'hui.

En explorant les influences culturelles, nous acquérons non seulement un aperçu de ce médium transformateur, mais nous apprécions également les rôles essentiels joués par une constellation d'artistes et de mouvements dans la formation de sa trajectoire.

1. Les premières étapes du collage peuvent être retracées jusqu'à l'invention du papier en Chine, qui a finalement conduit aux premiers exemples enregistrés de collages de papier utilisés par les moines pour les textes religieux, symbolisant le premier contexte historique de l'art du collage.
2. Avançons rapidement jusqu'au début du 20e siècle, lorsque le cubisme a déclenché un changement crucial alors que des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque ont commencé à incorporer des médias mixtes dans leur travail, marquant un développement significatif dans la chronologie des influences dans l'art.
3. Les sentiments anti-guerre et la critique sociétale du mouvement Dada ont permis aux artistes, dont Hannah Höch et Kurt Schwitters, d'utiliser le collage comme une forme de rébellion—critiquant les constructions culturelles et établissant de nouveaux précédents dans l'histoire de l'art du collage.
4. Les surréalistes, plus tard, ont infusé le collage avec des éléments de rêve et de fantaisie, avec des artistes comme Max Ernst l'utilisant comme une toile pour des explorations subconscientes et reflétant les influences culturelles à travers des juxtapositions qui brouillaient la réalité et le rêve.
5. Le milieu du 20e siècle a vu émerger Pop Art , où le collage a tourné un miroir sur la culture de consommation, avec des artistes comme Richard Hamilton et Andy Warhol disséquant et réassemblant des images populaires pour commenter la marchandisation de la culture.
6. La fin du 20e siècle jusqu'au 21e siècle a vu l'art du collage continuer à évoluer, avec les technologies numériques et la connectivité mondiale inaugurant une nouvelle ère. Cette période a vu des artistes utiliser le collage pour des commentaires sociaux et l'activisme numérique, élargissant finalement sa signification historique et culturelle.

En examinant ce passé riche en histoire, il est évident que le collage a continuellement servi de médium de choix pour les artistes désireux d'explorer les influences culturelles. Son adaptabilité et sa propension aux amalgames éclectiques en ont fait une toile en constante évolution, reflétant le visage en perpétuel changement de la culture humaine.

Le contexte historique de l'art du collage n'est pas simplement un passé à étudier mais une conversation en cours, ponctuée de couches de signification qui parlent de la fluidité du temps et de la culture.

• L'expérimentation du cubisme reflète la vision du monde modernisant et le chevauchement de différentes perspectives à travers le collage.
• L'utilisation du collage par le dadaïsme sous-tend la critique culturelle et la déconstruction des valeurs d'avant-guerre.
• Le surréalisme et ses collages oniriques dissèquent les crevasses entre la réalité tangible et l'esprit sans entraves.
• Les tableaux vibrants du Pop Art dépeignent l'influence croissante des médias de masse et de la culture de consommation sur les identités individuelles et sociétales.
• La culture du remix de l'ère numérique et les mèmes Internet présentent une nouvelle frontière où le récit historique de l'art du collage continue de se dérouler.

Dans cette riche tapisserie se trouve un réseau complexe d'époques, d'idéologies et de méthodologies, contribuant tous à l'essence robuste et multifacette de l'art du collage. C'est une histoire non seulement d'artistes et de leurs œuvres, mais aussi de la manière dont ces éléments reflètent et défient les époques dont ils sont issus, fournissant un contexte culturel et influençant les générations créatives successives.

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Révolution du découpage et collage : le collage dans l'avant-garde

Au début du 20e siècle, le collage a explosé sur la scène artistique d'avant-garde, changeant à jamais le cours de l'art moderne. Le catalyseur était le cubisme, le mouvement artistique radical dirigé par Pablo Picasso et Georges Braque à Paris.

En 1912, Picasso s'était lassé de simplement peindre une nature morte. Dans un geste audacieux, il a collé un morceau de toile cirée imprimée commercialement avec un motif de chaise en canne directement sur sa toile Nature morte avec chaise cannée (1912). C'était un geste scandaleux – “l'incongruité choquante d'introduire un dispositif d'art populaire dans l'art 'sérieux'”.

En insérant un matériau du monde réel dans l'illusion peinte, Picasso a effondré la frontière entre l'art et la vie. Comme le note un commentaire du Metropolitan Museum, c'était un “acte radical – insérer un fragment de réalité dans le domaine fictif de la peinture,” une imitation spirituelle de la réalité qui se moquait et honorait à la fois la tradition.

Braque, ne voulant pas être en reste, a bientôt collé des morceaux de papier peint et d'imprimé de journaux dans ses œuvres. Ainsi est né le Cubisme Synthétique, et avec lui l'introduction formelle de la technique du collage dans l'art.

Pourquoi cela s'est-il produit en 1912 ? Culturellement, le monde changeait à une vitesse vertigineuse – la modernité était en plein essor avec ses téléphones, automobiles et journaux quotidiens. Le collage cubiste reflétait une vision du monde moderne : celle des fragments, de la simultanéité et des perspectives multiples.

En découpant et réassemblant des morceaux du quotidien (coupures de journaux, emballages de tabac, papier peint), Picasso et Braque visaient à capturer les réalités superposées de la vie moderne. Le collage était le médium parfait pour cela. Il permettait aux artistes de juxtaposer différentes textures et points de vue sur un même plan, tout comme une ville présente un collage de vues et de sons. En conséquence, l'expérimentation du cubisme avec le collage est devenue une base pour une grande partie de l'art du XXe siècle. Le mot même “collage” est entré dans le vocabulaire de l'art grâce à ces expériences.

D'autres artistes ont rapidement pris les ciseaux (et la colle). En Italie, les Futuristes ont collé des mots et des images dans leurs manifestes et leurs conceptions typographiques délirantes, essayant de transmettre le chaos de l'ère des machines. En Russie, les Constructivistes ont assemblé des collages abstraits à partir de papier et d'imprimés pour faire avancer les idéaux révolutionnaires. Mais c'est au milieu de la Première Guerre mondiale que le collage a pris un rôle culturel encore plus combatif : la naissance du Dada.

Dada : La colle comme arme de dissidence

En 1916, alors que la guerre faisait rage en Europe , un groupe d'artistes et de poètes expatriés à Zurich – Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann parmi eux – se sont rebellés contre tout ce que la société représentait. Ils ont appelé leur anti-mouvement Dada, un mot absurde correspondant à leur indignation face à la violence insensée de la Première Guerre mondiale. Le collage et son cousin photographique, le photomontage, sont devenus les armes les plus explosives du Dada.

Pourquoi le collage ? Les dadaïstes ont trouvé dans la technique du couper-coller une métaphore pour le monde fracturé qui les entourait. En découpant physiquement des journaux, des publicités et des photographies – le tissu même de la culture visuelle de la société bourgeoise – et en les réassemblant de manière absurde ou choquante, ils visaient à littéralement couper à travers les illusions du nationalisme, de la propagande et de l'art traditionnel.

Hannah Höch, une dadaïste berlinoise, a été pionnière du photomontage pour critiquer les rôles de genre et la politique. Dans son collage de 1919 Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany, elle a découpé des images de figures politiques allemandes et d'images des médias de masse, les réassemblant en une satire chaotique et mordante de la société de Weimar. Le titre lui-même suggère des outils domestiques (un couteau de cuisine) utilisés pour découper l'autorité gonflée (le « ventre à bière » de l'établissement). Le travail de Höch, comme beaucoup de collages dada, était une critique polyphonique – plusieurs voix et significations émergeant des fragments juxtaposés, une protestation visuelle contre un récit singulier et rationnel.

Le collage dada a introduit plusieurs tactiques culturelles clés qui résonnent dans l'art jusqu'à aujourd'hui :

• Photomontage comme critique sociale : Des artistes comme Höch et John Heartfield ont combiné et retouché des photographies pour créer des messages politiques cinglants (Heartfield a célèbrement moqué Hitler en collant le portrait du Führer pour révéler une cache de pièces d'or dans son estomac – impliquant la cupidité alimentant le fascisme). Cette technique est un ancêtre direct des mèmes politiques et de la satire Photoshop d'aujourd'hui.

• Hasard et irrationalité : Les collagistes dada embrassaient souvent les arrangements aléatoires de fragments (Jean Arp, par exemple, laissait tomber des morceaux de papier déchirés et les collait là où ils tombaient) pour rejeter l'idée d'un ordre prémédité. Cette association libre d'images imitait le sentiment de dislocation de l'époque, et annonçait également les méthodes surréalistes.

• Typographie et Graphisme dans l'Art : Le Dada a brouillé les frontières entre l'art et l'édition. Des mots découpés, des polices de caractères et des logos commerciaux ont trouvé leur place dans des collages, érodant la barrière entre l'art pur et les médias de masse. Ce faisant, les collages dadaïstes reconnaissaient que la culture elle-même était un collage de haut et de bas, de sérieux et d'absurde – une notion qui ne ferait que se renforcer dans l'art postmoderne.

Dans les années 1920, de nombreux artistes dadaïstes ont évolué (ou régressé) vers le surréalisme, emportant avec eux les techniques de collage dans de nouveaux domaines conceptuels. Le mouvement surréaliste, fasciné par les théories de Freud sur les rêves et le subconscient, voyait le collage comme un moyen d'accéder à des images bizarres et étranges qui pourraient surgir apparemment par accident.

Max Ernst a créé des collages à partir de gravures du XIXe siècle pour former des scènes fantastiques (son livre de 1934 Une Semaine de Bonté est un roman en collage, remixant des illustrations victoriennes en vignettes absurdes et oniriques). Les surréalistes appréciaient la façon dont le collage pouvait rendre les images familières étranges en les arrachant de leur contexte.

Comme l'a observé un historien de l'art, l'acte de rassembler des images disparates reflétait les croyances surréalistes selon lesquelles le sens est généré par le subconscient à travers des sauts illogiques. Une tête d'homme sur un corps de poisson, ou une poupée collée dans une forêt – de telles combinaisons irrationnelles étaient des fenêtres sur l'esprit inconscient.

Pourtant, même dans ses applications les plus oniriques, le collage entre les mains des surréalistes restait un baromètre culturel. Il capturait le désenchantement d'un monde après la guerre, où les anciennes certitudes (politiques, sociales, religieuses) étaient découpées, et de nouvelles réalités inquiétantes étaient assemblées à partir de leurs morceaux.

Le collage offrait également un moyen de traiter l'assaut des images des médias modernes. Alors que les journaux, magazines et publicités proliféraient dans les années 1920, les artistes avaient littéralement plus de matière première que jamais à découper. Les surréalistes ont profité de ce flot d'images pour sonder le psychisme collectif : chaque collage était comme une interprétation freudienne des rêves de la culture moderne, assemblant les résidus des médias de masse en révélations ou cauchemars.

À la fin des années 1920 et dans les années 1930, le collage s'était établi comme une technique centrale de l'avant-garde, utilisée non seulement en Europe mais dans le monde entier. Les modernistes latino-américains comme José Orozco ont expérimenté le collage dans des fresques et des estampes ; au Japon, le magazine d'avant-garde Mavo présentait des œuvres de collage ; et aux États-Unis, le jeune Joseph Cornell a commencé à créer ses boîtes d'assemblage en forme de collage fascinantes, remplies de bric-à-brac victorien arrangé de manière surréaliste.

Chronologie Indexée : Moments Clés de l'Histoire du Collage (1900–1940) – une référence rapide des percées cruciales du collage et de leur contexte culturel :

• 1907–1911 : Picasso et Braque développent le Cubisme Analytique (fragmentation de la forme). En 1912, ils passent au Cubisme Synthétique et réalisent les premiers collages d'art (par exemple, Nature Morte à la Chaise Cannée de Picasso), introduisant du papier peint, des journaux et de la corde dans la peinture. Signification : Le collage entre dans l'art majeur, reflétant une réalité moderne où l'art et la vie quotidienne fusionnent.
• 1916–1920 : Dada émerge (Zurich, Berlin, Paris, New York). Les photomontages de Hannah Höch et les collages Merz de Kurt Schwitters utilisent des tickets de bus, des journaux, des tissus et des images pour attaquer la culture bourgeoise et la propagande de guerre. Signification : Le collage devient un outil de protestation, de parodie et de critique culturelle.
• 1924 : Manifeste Surréaliste publié à Paris. Les romans-collages de Max Ernst (1921–34) et d'autres utilisent le collage pour évoquer des scènes oniriques. Signification : Le collage est utilisé pour explorer le subconscient et l'irrationnel, commentant la psyché fracturée de l'après-Première Guerre mondiale.
• 1931 : Exposition Internationale du Surréalisme expose des collages et des objets (Paris). Joseph Cornell commence à créer des boîtes d'assemblage à New York dans les années 1930, une extension tridimensionnelle des principes du collage. Signification : Valide le collage en tant qu'art majeur à l'international ; l'esthétique du collage se répand en Amérique, influençant les artistes émergents.

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Collage Pop Art et la Culture des Médias de Masse

Si le début du 20e siècle a vu le collage utilisé pour démanteler les anciens ordres mondiaux, le milieu du 20e siècle l'a vu employé pour naviguer dans le nouveau monde des médias de masse et de la culture de consommation . La période après la Seconde Guerre mondiale a été marquée par une explosion de la publicité, de la télévision, des images imprimées et des marchandises – un excès de stimuli visuels qui ressemblait à un immense collage assaillant les sens. Il n'est pas surprenant que les artistes des années 1950 et 1960 se soient tournés (à nouveau) vers le collage pour donner un sens à, ou critiquer, cette nouvelle réalité.

Proto-Pop : La capsule temporelle de Hamilton en 1956

En 1956, un collage séminal de l'artiste britannique Richard Hamilton posait (et répondait malicieusement) à la question : “Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes ?” Le collage représente un salon moderne débordant de biens de consommation et d'icônes de la culture pop : un culturiste tient fièrement une sucette géante étiquetée “POP”, une boîte de jambon repose sur une table basse, une couverture de bande dessinée et un magnétophone ornent les murs.

Hamilton a découpé ces images dans des magazines américains et les a assemblées en un instantané satirique de la société de consommation émergente. Cette œuvre est souvent citée comme la première œuvre du Pop Art, avec le collage en son cœur. Le message était clair – la vie moderne est un collage, un bombardement d'images et de produits disparates cherchant tous à attirer notre attention et notre désir.

Le collage de Hamilton annonçait un changement. Dans le mouvement Pop Art de la fin des années 1950 et des années 1960, les artistes ont joyeusement adopté le collage et l'assemblage pour célébrer, critiquer ou simplement refléter la nouvelle culture saturée de médias.

Andy Warhol, bien que connu pour la peinture en sérigraphie, a également utilisé des techniques de collage dans ses premières œuvres (comme ses expériences de photo-collage des années 1960 arrangeant des images répétées de célébrités et de produits).

Robert Rauschenberg a construit des combines monumentaux – moitié peinture, moitié assemblage – en collant des journaux et des photographies sur des toiles et en incorporant même des objets réels comme une chèvre empaillée ou un pneu.

Ceux-ci étaient des collages en trois dimensions, des accumulations chaotiques qui capturaient la texture brute de la vie américaine. Rauschenberg a dit célèbrement qu'il travaillait “dans l'écart entre l'art et la vie,” et ses combines basés sur le collage sont exactement cela : ni entièrement de l'art illusoire ni de la réalité brute, mais un hybride.

De l'autre côté de l'océan , Pop européen et les artistes du Nouveau Réalisme faisaient à peu près la même chose. En 1960, l'artiste français Mimmo Rotella a déchiré des affiches de rue et a réassemblé leurs fragments en de nouvelles compositions (il appelait cela décollage, littéralement décollement, car il soustrayait et réorganisait plutôt qu'ajouter). Les Nouveaux Réalistes en France (comme Jacques Villeglé) ont de même récupéré des affiches couvertes de graffitis et les ont exposées comme des collages de la culture visuelle urbaine de la « vraie vie ».

Ce qui unit ces approches de l'ère Pop est un sentiment que l'art devrait refléter le bombardement d'images que les gens expérimentaient quotidiennement – les publicités de magazines, les stars de cinéma, les bandes dessinées et les emballages commerciaux qui étaient venus définir les rêves et aspirations de la société d'après-guerre.

Le collage de cette époque avait souvent une touche ludique et ironique. Contrairement aux Dadaïstes en colère ou aux Surréalistes sincères, les artistes Pop abordaient l'imagerie culturelle avec un mélange de fascination et d'ironie. Pourtant, il y avait une critique intégrée dans beaucoup de ces œuvres. Le collage de Hamilton est presque clinique dans la façon dont il dissèque un intérieur consumériste; les répétitions de Warhol de Marilyn Monroe ou d'une boîte de soupe Campbell, bien que célébrées en surface, nous demandent également de considérer comment la reproduction de masse et les médias façonnent nos désirs.

Le collage était le format idéal pour les questions de l'art Pop car il est fondamentalement un art d'appropriation – il prend des images existantes (souvent commerciales) et les recontextualise. Ce faisant, l'art du collage peut exposer les mécanismes des images médiatiques : comment elles persuadent, glorifient ou trompent.

Comme l'a observé le critique d'art Donald Kuspit, une grande force du collage est son potentiel à saper les idées reçues sur le monde, à nier l'absolutisme de la réalité consensuelle. Dans les années 1960, la « réalité consensuelle » était que la consommation = bonheur; les collages Pop perçaient joyeusement des trous dans cela en recombinant les signes mêmes de la consommation en art ambigu.

Collage pour la protestation et l'identité (années 1960-1970)

Les années 1960 et 70 étaient des périodes turbulentes – mouvements pour les droits civiques, mouvements féministes, manifestations contre la guerre du Vietnam – et le collage est redevenu une tactique privilégiée pour les activistes et artistes disant la vérité au pouvoir.

Le collage est intrinsèquement démocratique : on n'a pas besoin d'une éducation artistique formelle pour couper et coller, et on peut utiliser des matériaux bon marché et accessibles comme des magazines, des flyers et des photographies. Ainsi, il a naturellement servi la contre-culture.

Considérez les affiches politiques et les fanzines underground de l'époque . Le mouvement anti-guerre utilisait souvent des photographies collées pour un effet choquant (par exemple, des images d'enfants vietnamiens superposées sur un drapeau américain). En 1967, Carolee Schneemann, une artiste de performance d'avant-garde, a créé « Body Collage », une œuvre dans laquelle elle roulait nue dans de la colle et des lambeaux de papier. C'était une déclaration féministe viscérale – la femme devenant collage – défiant l'objectification du corps féminin en le réappropriant dans un chaos de matériaux collés.

Les artistes féministes comme Hannah Wilke et Martha Rosler dans les années 1970 ont utilisé le photomontage pour critiquer les rôles de genre, tout comme Höch l'avait fait mais en abordant maintenant la domesticité des années 1960 et l'industrie de la beauté. La série de Rosler House Beautiful: Bringing the War Home (c. 1967-72) collait des images horribles de la guerre du Vietnam dans des intérieurs de magazines brillants, réduisant la distance entre les foyers américains confortables et la guerre à l'étranger – un collage politique puissant qui circulait dans les journaux clandestins plutôt que dans les galeries d'art.

Pendant ce temps, dans la musique et le design graphique, l'esthétique du collage signalait la rébellion. Le mouvement punk rock a adopté un look bricolage de découpage et collage pour les affiches de concert et les pochettes d'album – probablement l'influence du Dada ressuscité.

Le flyer notoirement anarchique pour le single des Sex Pistols « God Save the Queen » (1977) par Jamie Reid présente le portrait de la Reine défiguré avec des lettres de style rançon, un descendant direct du photomontage Dada. Pour produire ce texte de style rançon, Reid a littéralement découpé des lettres dans les gros titres des journaux. Ce style de collage « rançon » est devenu synonyme de la posture anti-autoritaire du punk. En essence, chaque collage était une petite révolution, réarrangeant les symboles du pouvoir en une rébellion visuelle.

Le collage est également devenu un moyen pour les voix marginalisées d'affirmer leur identité. Les artistes afro-américains des années 1960 et 70 comme Romare Bearden ont adopté le collage pour représenter la vie des Noirs en Amérique. Bearden découpait des photographies de magazines, du papier à motifs et ses propres dessins, les assemblant en scènes vibrantes et improvisées de l'histoire afro-américaine et de l'expérience quotidienne – musiciens de jazz, baptêmes, vie de rue à Harlem.

L'esthétique de "patchwork" de Romare Bearden résonnait avec les traditions de la confection de quilts et l'improvisation du Blues, liant le collage à un héritage culturel de créativité noire né de l'assemblage de ce qui est à portée de main. Cela a également permis à Bearden d'insérer littéralement des visages et des corps noirs dans le récit historique de l'art, subvertissant un canon qui les avait longtemps exclus. Ce faisant, il a influencé les générations suivantes à utiliser le collage pour raconter des histoires personnelles et politiques.

À la fin des années 1970, le collage avait imprégné presque toutes les formes d'art et tous les coins de la société – de l'art de haut niveau (expositions de Schwitters ou Cornell) à la culture pop (fanzines musicaux, bandes dessinées) en passant par l'activisme politique (art de protestation).

L'idée que n'importe quoi pouvait être de l'art une fois combiné de manière réfléchie était désormais largement acceptée. Le collage, autrefois controversé, était maintenant un langage visuel commun. Pourtant, son parcours était loin d'être terminé ; en fait, la révolution numérique était sur le point de propulser le collage dans une dimension entièrement nouvelle.