William Morris e la Confraternita dei Preraffaelliti: Una Rivoluzione Artistica

In un maniero di mattoni rossi fuori Londra, un circolo di giovani visionari si riunisce un giorno d'estate del 1860. La luce del sole si inclina sui muri imbiancati a calce, presto fioriti con cavalieri dipinti e dame della leggenda arturiana. William Morris—i suoi capelli ricci gli valgono il soprannome scherzoso di “Topsy” dai suoi amici​—sale una scala con un pennello in mano. Dante Gabriel Rossetti si rilassa sotto, dirigendo critiche gioviali al murale di Morris di Sir Lancillotto e Regina Ginevra.

Questa casa è più di una dimora; Rossetti scherza che la nuova abitazione di Morris è “più una poesia che una casa ma anche ammirabile per viverci”​. Infatti, la Red House, come è conosciuta, è un esperimento vivente di arte che si fonde con la vita. Le sue pareti sono adornate da una confraternita di artisti determinati a rifare il mondo con bellezza e verità. In questa scena—compagni chiassosi che spruzzano pittura e poesia in egual misura—giacciono le radici di una rivoluzione nell'arte e nel design vittoriano.

Questo tableau intimo nasconde l'intento radicale che lo alimenta. William Morris e la Confraternita dei Preraffaelliti erano in missione per sconvolgere l'establishment artistico della Gran Bretagna di metà Ottocento. La Confraternita dei Preraffaelliti (o PRB) si era formata nel 1848 come un'alleanza ribelle di giovani pittori—John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt e i loro compagni—che respingevano le convenzioni “insipide e stultificate” della Royal Academy​. Ai loro occhi, la pittura alla moda dell'Accademia mancava di sincerità e “verità alla natura”, impantanata in un classicismo formulare.

Il nome stesso Preraffaellita proclamava la loro ispirazione: guardavano indietro all'arte prima di Raffaello e dell'Alto Rinascimento, attingendo ai colori vivaci e alla sincerità spirituale dei pittori medievali e del primo Rinascimento come Giotto e Fra Angelico​. Questo sguardo all'indietro era tutt'altro che reazionario; era un trampolino di lancio per l'innovazione.

Il “progetto rivoluzionario dei Preraffaelliti era ancorato al passato”, rivivendo tecniche e valori medievali “adattati per garantire una visione più luminosa e felice della Natura, e più Bellezza per tutti”​. In un'era di fumo industriale e ferro, questi idealisti si proponevano di ricatturare la purezza di un'età mitica e, facendo ciò, creare una nuova arte per il loro tempo.

I Primi Anni di William Morris

Infanzia ed Educazione

Nato il 24 marzo 1834 a Walthamstow, in Inghilterra, William Morris era il terzo figlio di una famiglia prospera. Suo padre era un finanziere di successo e sua madre era una donna di forte volontà che instillò nei suoi figli l'amore per l'arte e la letteratura. L'educazione di Morris fu caratterizzata da una passione per l'apprendimento e un desiderio di creare, che lo accompagnò per tutta la vita.

Frequentò il Marlborough College e successivamente studiò all'Università di Oxford, dove incontrò e divenne amico di Edward Burne-Jones, che in seguito sarebbe diventato un noto pittore preraffaellita.

Nonostante i desideri di suo padre di intraprendere una carriera nel diritto, la passione di Morris per le arti lo portò a studiare all'Università di Oxford. Fu qui che scoprì il suo amore per la storia medievale e l'architettura. Fu particolarmente attratto dallo stile gotico, che in seguito avrebbe influenzato pesantemente il suo lavoro di design.

Il personale è politico

Morris era un marxista e un socialista rivoluzionario guidato dalle due rabbie permanenti della sua vita, contro la bruttezza e l'ingiustizia della società capitalista. La critica di Morris al capitalismo era centrale nella sua visione del socialismo. Morris credeva che l'arte e la bellezza dovessero essere accessibili a tutti, non solo ai ricchi.

Il disprezzo di Morris per il capitalismo contemporaneo crebbe nel tempo, ed egli fu influenzato dal lavoro dei socialisti cristiani Charles Kingsley e Frederick Denison Maurice. Le opinioni politiche di Morris furono almeno tanto informate da Marx quanto da John Ruskin e Thomas Carlyle, i due critici vittoriani dai quali imparò a dubitare dell'ideologia dominante del progresso della sua epoca. 

Morris era un membro della Federazione Socialdemocratica e successivamente della Lega Socialista. Il contributo duraturo di Morris alla causa dell'uguaglianza sociale fu in gran parte educativo. Finanziando, modificando e scrivendo per la pubblicazione mensile della Lega Socialista, Commonweal. La preoccupazione di Morris per il compimento romantico nella vita quotidiana lo portò a rifiutare quasi tutte le azioni politiche oltre a quelle come corrotte dell'ideale.

La visione di Morris del socialismo come una società cooperativa a livello globale basata sul lavoro liberamente associato è stata criticata da alcuni come anacronistica e purista. L'atteggiamento di Morris verso la politica elettorale era anche controverso, e spesso si schierava con la fazione anti-parlamentare della Socialist League.

Primi incontri con la Confraternita dei Preraffaelliti

William Morris entrò in questo circolo inebriante a metà degli anni '50 del 1800, e avrebbe portato i suoi ideali ben oltre la tela. Morris arrivò all'Università di Oxford nel 1853 come un giovane devoto intenzionato a prendere gli ordini sacri​. Invece, trovò la salvezza di un altro tipo. Incontrò un appassionato compagno di studi, Edward Burne-Jones, che lo introdusse a Rossetti e al gruppo artistico bohémien.

Nel 1856, Morris e Burne-Jones si trasferirono in alloggi condivisi a Londra, immergendosi nell'insegnamento di Rossetti e nella vita fervente della “Confraternita”​. Morris in seguito ricordò che questo incontro diresse l'intero suo destino, dandogli un “desiderio di libertà di pensiero e creazione artistica per tutti” e mettendolo in una ricerca di forme d'arte “innovative, più pure e egualitarie” che potessero “diffondere felicità per tutti gli strati della società.”​. L'ex studente di teologia aveva trovato un nuovo vangelo: l'arte sarebbe stata la sua religione, la bellezza il suo credo, e ogni anima umana meritava la sua grazia.

Sotto l'incoraggiamento di Rossetti, Morris tentò persino di dipingere. Per un breve periodo “abbandonò l'architettura per la pittura”​, producendo nel 1858 il suo unico olio su tela finito, un ritratto della sua amata Jane Burden posata come una regina medievale. Intitolato La Belle Iseult, fu a lungo ritenuto raffigurare la Regina Ginevra che si guarda in uno specchio, il suo ricco abito reso con l'esattezza preraffaellita​.

La Belle Iseult era essenzialmente una lettera d'amore in olio: la presenza di Jane è tangibile in ogni pennellata, dall'orlo ricamato della sua gonna all'espressione malinconica della sua bocca. Morris pubblicò anche il suo primo libro di poesie, The Defence of Guenevere, quello stesso anno​—la leggenda arturiana che stimolava la sua penna e il suo pennello contemporaneamente.

Anche se Morris mancava della pazienza per diventare un pittore professionista—Rossetti lo derideva bonariamente per la sua imponente corporatura e “appetito mai placato” in schizzi etichettati “Morris che mangia” e “Morris che legge le sue poesie”​—assorbì dai Preraffaelliti qualcosa di più duraturo della tecnica. Assorbì una visione di arte come stile di vita.

La Confraternita dei Preraffaelliti: Un Movimento Artistico Radicale

Sfida allo Status Quo

John Ruskin, il principale critico d'arte dell'epoca e un feroce moralista, divenne il mentore e il campione della giovane Confraternita. Aveva esortato gli artisti a “andare alla Natura con tutta la semplicità del cuore... rifiutando nulla, selezionando nulla”​, spingendo a una fedeltà quasi religiosa alla verità del mondo naturale. I Preraffaelliti presero a cuore questo consiglio. Dipingevano su un fondo bianco puro per ottenere una luminosità simile a quella delle gemme​, e scrutavano ogni petalo, ogni foglia illuminata dal sole, con precisione scientifica.

Inizialmente i critici urlarono—i recensori vittoriani derisero le loro tele come stranamente piatte e scioccantemente realistiche—ma il supporto pubblico di Ruskin aiutò a invertire la tendenza​. All'inizio degli anni 1850, il credo della Confraternita di “assoluta, intransigente verità” alla natura​ stava suscitando sia indignazione che esaltazione in egual misura. Un contemporaneo notò “lo spirito scientifico” dietro la loro incessante attenzione ai dettagli​.

Anche Holman Hunt ricordò in seguito che lui e Rossetti avrebbero discusso di “scienza e la sua relazione con l'arte,” credendo che “il richiamo che facevamo potesse essere rafforzato utilizzando gli strumenti dell'epoca”—gli strumenti empirici della scienza moderna—“che l'intelletto umano aveva scoperto”​. La pittura stessa divenne una forma di indagine.

Frederic G. Stephens, uno della Confraternita, lo espresse chiaramente: proprio come l'esperimento e il fatto avevano avanzato la scienza vittoriana, così anche “l'aderenza al fatto” e la precisione potevano servire “i fini morali delle Arti”​. L'arte meticolosa dei Preraffaelliti era una sorta di scienza visiva, una ricerca della verità in un'epoca di fede e ragione in conflitto.

Eppure, se la loro tecnica era quasi scientifica, il loro spirito era ardentemente romantico. La Confraternita era giovane (Rossetti aveva 20 anni, Millais 19, Hunt 21 quando iniziò​) e piena di desiderio poetico. Frequentavano i musei di giorno, studiando le tonalità brillanti dei messali medievali e le linee fluide dell'architettura gotica; di notte divoravano Shakespeare, Tennyson e Keats. Chiamarono il loro effimero giornale The Germ, alludendo alla crescita organica e alla nuova vita, e nelle sue pagine pubblicarono non manifesti ma poesie intime e saggi d'arte.

Fin dall'inizio, questo movimento ha unito arte e letteratura, parte di una “rivolta generale contro l'Accademismo nella Letteratura così come nell'Arte,” come osservò in seguito William Morris​ . I loro dipinti raccontavano storie—Ofelia che canta prima di annegare tra le erbacce del fiume dipinte squisitamente da Millais, o The Awakening Conscience di Hunt, una donna mantenuta che si alza dal grembo di un amante mentre la luce del sole (e il senso di colpa) si riversa dentro.

I Preraffaelliti insistevano che l'arte dovesse essere più che decorativa; doveva essere significativa, persino morale, senza perdere la sua riverenza per la bellezza. Questo doppio ideale—verità e bellezza, natura e leggenda—ha dato al PRB una tensione interna evidente sin dall'inizio.

Ecco come la Confraternita Preraffaellita sfidò lo status quo in diversi modi specifici:

1. Rifiuto dell'arte accademica: Il gruppo si oppose all'estetica consolidata della Royal Academy, che promuoveva eclettismo, sentimentalismo e sensazionalismo.
2. Enfasi sull'arte preraffaellita: Ammiravano la semplicità della linea e le grandi aree piatte di colori brillanti trovate nei primi pittori italiani prima di Raffaello e nell'arte fiamminga del XV secolo, che contrastavano con gli stili artistici popolari del loro tempo.
3. Focus sul realismo e la natura: I Preraffaelliti cercavano di rappresentare la natura e i soggetti umani con il massimo realismo, utilizzando spesso la luce naturale e ambientazioni all'aperto.
4. Critica sociale e politica: La fondazione del gruppo nel 1848 coincise con la pubblicazione del Manifesto del Partito Comunista di Marx e le rivoluzioni europee, riflettendo il loro desiderio di una rivoluzione nella pittura e nella scrittura che affrontasse questioni sociali e politiche.
5. Temi controversi: I Preraffaelliti spesso sceglievano soggetti non convenzionali e controversi per i loro dipinti, il che portò a critiche da parte dei critici d'arte affermati e Charles Dickens.
6. Influenza sui futuri movimenti artistici: I principi e l'estetica della Confraternita Preraffaellita ebbero un impatto duraturo sulla cultura britannica e influenzarono i futuri movimenti artistici, come il Simbolismo e le Arti e Crafts movement.

Membri chiave della Confraternita dei Preraffaelliti

La Confraternita dei Preraffaelliti era composta da diversi artisti e poeti influenti, ciascuno dei quali contribuiva all'impatto complessivo del movimento sull'arte e sul design. Alcuni dei membri chiave includono:

Dante Gabriel Rossetti

Dante Gabriel Rossetti nacque a Londra nel 1828 da madre inglese e padre italiano. La sua infanzia fu influenzata dall'amore del padre per la letteratura e l'arte italiana, e crebbe circondato dall'atmosfera del medioevo italiano.

Le esperienze dell'infanzia di Rossetti e il background artistico della sua famiglia ebbero un impatto significativo sul suo stile artistico e sui suoi soggetti. La sua arte era caratterizzata da sensualità e revivalismo medievale, e la sua poesia iniziale fu influenzata da John Keats e William Blake.

Le imprese artistiche di Rossetti furono influenzate dal suo background letterario, e la sua poesia e pittura spesso si intersecavano. Le sue opere mostrano un'immaginazione appassionata, in forte contrasto con l'arte vittoriana più popolare e accettabile durante la seconda metà del diciannovesimo secolo.

La vita personale di Rossetti era strettamente legata al suo lavoro, specialmente le sue relazioni con le sue modelle e muse Elizabeth Siddal, Fanny Cornforth, e Jane Morris. La sua arte fu influenzata dalle sue relazioni e dalle sue esperienze personali, e il suo lavoro rifletteva spesso il suo stato emotivo e psicologico.

In definitiva, le esperienze dell'infanzia di Rossetti e il background artistico della sua famiglia ebbero un impatto significativo sul suo stile artistico e sui suoi soggetti, e la sua vita personale e le sue relazioni influenzarono il suo lavoro per tutta la sua carriera.

John Ruskin

John Ruskin nacque a Londra nel 1819 e crebbe in una famiglia benestante. La sua infanzia fu caratterizzata da un amore per la natura e una passione per l'arte, che ereditò dai suoi genitori.

Le esperienze dell'infanzia di Ruskin ebbero un impatto significativo sulla sua vita e sul suo lavoro, e divenne un importante critico d'arte e mecenate delle arti. Ruskin fu un sostenitore del movimento Preraffaellita, che cercava di minare il dominio della Royal Academy e promuovere la pittura dalla natura.

L'esplicazione di Ruskin dei principi del Preraffaellismo fu una delle sue influenze più importanti, e svolse un ruolo cruciale nel successo della Confraternita Preraffaellita. Il sostegno di Ruskin ai Preraffaelliti si basava sulla sua convinzione che l'arte dovesse essere veritiera e che gli artisti dovessero essere liberi di esprimere la loro individualità.

L'influenza di Ruskin sui Preraffaelliti fu significativa, e le sue idee sull'arte e la natura aiutarono a plasmare i principi e l'estetica del movimento.

William Holman Hunt

William Holman Hunt nacque a Londra nel 1827 e crebbe in una famiglia religiosa. Le esperienze dell'infanzia ebbero un impatto significativo sulla sua vita e sul suo lavoro. I dipinti di Hunt erano noti per la loro grande attenzione ai dettagli, i colori vivaci e il simbolismo elaborato, influenzati dagli scritti di John Ruskin.

I primi tentativi di Hunt di combinare realismo con simbolismo elaborato appaiono nel suo amato lavoro, La Luce del Mondo (1851-53), che raffigura Cristo che bussa a una porta che può essere aperta solo dall'interno.

L'uso del simbolismo da parte di Hunt fu un fattore chiave nel suo lavoro, dove immagini o oggetti comuni quotidiani venivano utilizzati per attirare lo spettatore nella vera storia dietro il dipinto.

L'educazione religiosa di Hunt e il suo interesse per il simbolismo hanno contribuito a plasmare il suo stile artistico e i suoi soggetti, e i suoi dipinti spesso avevano un messaggio morale o religioso.

L'amore di Hunt per la natura e il suo interesse per il Medio Oriente hanno anche influenzato il suo lavoro, e ha dipinto molti paesaggi e scene dei suoi viaggi nella regione.

John Everett Millais

John Everett Millais nacque a Southampton, Inghilterra nel 1829. La sua infanzia fu caratterizzata da un amore per la natura e una passione per l'arte, che ereditò dai suoi genitori. Millais era un bambino prodigio e iniziò a frequentare la Royal Academy of Arts all'età di undici anni.

Le esperienze dell'infanzia di Millais ebbero un impatto significativo sulla sua vita e il suo lavoro, e divenne uno dei fondatori della Confraternita dei Preraffaelliti. I dipinti di Millais erano noti per la loro attenzione ai dettagli, il colore vivido e il realismo. Il suo interesse per la natura e il suo amore per l'aria aperta sono evidenti nel suo dipinto "Ophelia", che raffigura una giovane donna che galleggia in un fiume circondata da fiori e fogliame. Naturalmente, parla anche di una bellezza nell'oscurità e della natura umana conflittuale, che è una forma di connessione ed espressione con cui molti artisti si confrontano.

Il dipinto di Millais "Cristo nella Casa dei Suoi Genitori" è anche notevole per il suo realismo e attenzione ai dettagli. Il dipinto raffigura la Sacra Famiglia in una bottega di falegname, e causò polemiche quando fu esposto per la prima volta a causa della sua rappresentazione realistica.

Le esperienze dell'infanzia di Millais e l'amore per la natura e l'arte della sua famiglia ebbero un impatto profondo sulla sua vita e il suo lavoro, e i suoi dipinti spesso avevano un messaggio morale o religioso. Il suo uso del realismo e l'attenzione ai dettagli lo aiutarono a stabilirsi come figura di rilievo nel movimento preraffaellita.

Le esperienze infantili di Millais e il background artistico della sua famiglia ebbero un impatto significativo sul suo stile artistico e sui suoi soggetti, e i suoi dipinti "Ofelia" e "Cristo nella casa dei suoi genitori" sono chiari esempi di come le sue esperienze infantili siano state tradotte nella sua arte.

William Michael Rossetti

William Michael Rossetti nacque a Londra nel 1829 da Gabriele Rossetti, studioso italiano esiliato, e sua moglie Frances Polidori. La sua infanzia fu segnata da difficoltà finanziarie a causa della salute precaria e della cecità del padre.

Le esperienze infantili di Rossetti ebbero un impatto significativo sulla sua vita e il suo lavoro, e divenne scrittore, critico e organizzatore. Rossetti fu membro dell'originale Confraternita dei Preraffaelliti e servì come loro diarista oltre che come editore del loro giornale The Germ.

Gli interessi letterari di Rossetti erano quasi altrettanto vari quanto quelli di suo fratello Dante Gabriel Rossetti. Ha curato le opere complete di Christina e Dante Gabriel, e ha anche creato notevoli ritratti a matita, penna e inchiostro. In particolare quelli della sua famiglia e degli amici artisti.

Le esperienze infantili di Rossetti e le difficoltà finanziarie della sua famiglia ebbero un impatto profondo sulla sua vita e il suo lavoro, riflettendosi nel suo interesse per la giustizia sociale e nella sua preoccupazione per il benessere degli altri.

James Collinson

James Collinson nacque a Mansfield, Nottinghamshire nel 1825, figlio di un libraio. Le sue esperienze infantili ebbero un impatto significativo sulla sua vita e il suo lavoro. Collinson era un compagno di studi di Holman Hunt e Dante Gabriel Rossetti alla Royal Academy Schools.

Collinson era un devoto cristiano attratto dagli aspetti devozionali e della chiesa alta del Preraffaellismo. Il suo lavoro raffigurava non solo soggetti religiosi ma anche temi domestici.

Collinson contribuì con un lungo poema devozionale a The Germ e produsse una serie di opere religiose, soprattutto "La Sacra Famiglia" e "Il Bambino Gesù Dormiente".

Le credenze religiose di Collinson e il suo interesse per i temi domestici contribuirono a plasmare il suo stile artistico e i suoi soggetti, e i suoi dipinti avevano spesso un messaggio morale o religioso. Collinson fu brevemente fidanzato con Christina Rossetti, ma la sua conversione al cattolicesimo portò alla rottura del fidanzamento.

Quando il dipinto di Millais "Cristo nella Casa dei Suoi Genitori" fu accusato di blasfemia, Collinson si dimise dalla Fratellanza credendo che stesse portando discredito alla religione cristiana.

Frederic George Stephens

Frederic George Stephens nacque a Walworth, Londra nel 1827 da Septimus Stephens e Ann Cook. Crebbe nei pressi di Lambeth e fu educato privatamente a causa di una disabilità fisica causata da un incidente nel 1837.

Stephens successivamente frequentò la University College School, Londra, e entrò nella Royal Academy nel 1844 per studiare pittura. Tuttavia, fu così deluso dal proprio talento artistico che si dedicò alla critica d'arte e smise di dipingere.

Le esperienze dell'infanzia di Stephens e la sua disabilità fisica ebbero un impatto significativo sulla sua vita e sul suo lavoro. Stephens fu una figura chiave nello sviluppo dell'estetica preraffaellita attraverso i suoi scritti e la sua difesa. Fu un prolifico scrittore e critico, e i suoi articoli e recensioni aiutarono a stabilire il movimento preraffaellita come una forza importante nel mondo dell'arte.

Stephens era particolarmente interessato agli elementi religiosi ed estetici del Preraffaellitismo, e scrisse ampiamente su questi argomenti³.

Il sostegno di Stephens al movimento preraffaellita contribuì a plasmare i suoi principi e la sua estetica, e i suoi contributi al movimento furono determinanti per il suo successo.

Thomas Woolner

Thomas Woolner nacque a Hadleigh, Suffolk nel 1825. Le esperienze della sua infanzia ebbero un impatto significativo sulla sua vita e sul suo lavoro. Woolner fu apprendista presso uno scultore all'età di quattordici anni e successivamente studiò alla Royal Academy Schools.

L'adesione di Woolner ai principi preraffaelliti che enfatizzavano il dettaglio e il naturalismo può essere ricondotta alle sue esperienze d'infanzia. Woolner era affascinato dal mondo naturale ed era noto per la sua attenzione ai dettagli nelle sue sculture.

Le sculture di Woolner erano caratterizzate dal loro realismo e attenzione ai dettagli, ed era particolarmente interessato alla forma umana.

L'adesione di Woolner ai principi preraffaelliti contribuì a plasmare l'estetica del movimento, e i suoi contributi al movimento furono determinanti per il suo successo.

Le sculture di Woolner spesso avevano un messaggio morale o religioso, e il suo interesse per la forma umana lo aiutò a stabilirsi come una figura importante nel mondo dell'arte dell'epoca.

Le Connessioni in Evoluzione tra la Confraternita dei Preraffaelliti e William Morris

Mentre Rossetti e compagnia insegnavano a Morris come mescolare i colori, Morris insegnava loro a sognare su una scala più grande. Nella cameratismo tutto al maschile della Confraternita, era un turbine di energia e idee, sebbene goffo. Si guadagnò il soprannome affettuoso di “Topsy” per i suoi movimenti irrequieti e impacciati e la sua chioma indisciplinata​. Scherzi e buon umore abbondavano; partecipava al “gioioso prendere in giro,” non offeso dalle caricature della sua figura robusta​.

Morris bruciava anche di un sincero idealismo che neanche il suo spirito poteva nascondere. Gli amici lo ricordavano declamare poesie ad alta voce con zelo evangelico, o irrompere in una stanza, occhi scintillanti, per condividere una rivelazione da un libro che aveva appena letto. Era, come uno di loro si meravigliava, un uomo di talenti e convinzioni quasi spaventosamente ampi.

William Michael Rossetti (fratello di Dante Gabriel) descrisse Morris come “uno degli uomini più straordinari in assoluto... Era artista, poeta, romanziere, antiquario, linguista, traduttore, conferenziere, artigiano, stampatore, commerciante, socialista; e inoltre, come uomo da incontrare e con cui parlare, una personalità davvero singolare”​. Quella miscela unica di artista romantico e artigiano pratico, pensatore radicale e amico “più caloroso”​, avrebbe presto spinto Morris oltre il circolo preraffaellita in territori inesplorati.

Per ora, però, nei primi anni del 1860, il sogno medievale dei Preraffaelliti era in pieno svolgimento e Morris ne era al centro. Sposò Jane Burden nel 1859, la straordinaria bellezza di Oxford che era stata scoperta da Rossetti e Burne-Jones mentre posava come una damigella medievale drappeggiata in un murale studentesco.

La loro luna di miele fu un tour delle cattedrali gotiche in Francia—una scelta insolita per i novelli sposi, forse, ma perfettamente in carattere per Morris​. Vagando sotto le volte di pietra di Rouen e Chartres, Morris era in paradiso. Le “bellissime cattedrali gotiche” che vide in quel viaggio approfondirono “la sua devozione per i tempi e i costumi del Medioevo, quando ogni artigiano poteva essere orgoglioso della sua creazione e vederla come un'opera d'arte finita e personale.”​

In contrasto, il mondo industriale moderno, con le sue fabbriche fumanti e la produzione di massa senz'anima, lo disgustava. Egli “odio la massiccia meccanizzazione nata dalla Rivoluzione Industriale”​, credendo che privasse il lavoro della gioia e del significato. Per Morris, arte e lavoro erano intrecciati: “l'obiettivo dell'arte,” sosteneva, “è aumentare la felicità degli uomini, dando loro bellezza e interesse... e dando loro speranza e piacere fisico nel loro lavoro”​.

L'arte genuina, insisterebbe Morris, non è un lusso per l'élite ma “una benedizione pura per la razza umana.”​ Queste non erano ancora le parole di un rivoluzionario politico, ma i semi dell'etica socialista di Morris stavano già mettendo radici nel suo cuore, nati dal terreno del medievalismo e della fraternità che i Preraffaelliti avevano coltivato.

Tornato a Red House nel Kent, Morris si mise a creare una piccola utopia tutta sua. Questa era la casa in cui lui e Jane si trasferirono nel 1860 – una casa co-progettata con il suo amico Philip Webb, costruita come un santuario alla lavorazione artigianale e ai materiali onesti​. Mattone dopo mattone, intaglio dopo intaglio, Morris e i suoi amici trasformarono Red House in un gesamtkunstwerk (un'opera d'arte totale). Dipinsero i soffitti con stelle dorate e le pareti con murali epici; progettarono e costruirono i mobili, le vetrate, gli arazzi, le stesse piastrelle attorno al camino.

Rossetti, Burne-Jones, e persino il poeta Swinburne contribuirono con le decorazioni​, bevendo Borgogna e cantando vecchie ballate fino a tarda notte dopo che il lavoro del giorno era finito. Si può immaginare Morris al crepuscolo, le mani macchiate di pigmenti blu e vermiglio, che si allontana per osservare un pannello appena dipinto di amanti medievali che aveva collocato sopra un sedile di quercia – e vedendo non solo un piacevole salotto, ma un manifesto reso tangibile.

Red House, come hanno notato gli storici, “può essere considerata come la prima manifestazione di quello che sarebbe poi stato conosciuto come lo stile Arts and Crafts.”​ Era una confutazione in muratura alla bruttezza industriale vittoriana, un'affermazione che una casa poteva essere un'opera d'arte e che l'arte poteva plasmare la vita quotidiana.

In questo Eden domestico, l'ideale preraffaellita trovò la sua espressione più intima. L'arte non era confinata a cornici dorate in una galleria; viveva con te, si svegliava con te, ti nutriva con pane da un tavolo intagliato a mano e ti cullava nel sonno sotto un quilt tinto a mano. La vita e l'arte di Morris stavano diventando una cosa sola.

Eppure anche in questo idillio apparente, si nascondevano tensioni—personali e ideologiche. La Confraternita Preraffaellita stessa non era immune alle passioni umane. La moglie di Rossetti, l'eterea modella d'artista Elizabeth Siddal, morì tragicamente giovane nel 1862, mandando Rossetti in una spirale di disperazione e ossessione poetica​. Immortalò Lizzie in tele di Beatrice e Ofelia, e famosamente seppellì le sue poesie inedite con lei solo per riesumarle anni dopo in un macabro tentativo di chiusura​.

Morris, da parte sua, presto affrontò una crisi matrimoniale propria. La sua amata “Janey” – Jane Morris – con il suo aspetto inquietante di “capelli spessi e arricciati” e tratti scultorei, divenne la nuova musa di Rossetti​. Rossetti dipinse Jane ossessivamente (in capolavori come Mariana e Pandora​), e la loro intensa compagnia scatenò pettegolezzi e dolorose verità.

Entro la metà degli anni 1860, Jane si stancò del lavoro incessante di Morris e delle sue frequenti assenze; Rossetti, recentemente vedovo e alla deriva emotiva, vedeva in Jane l'incarnazione vivente della sua donna ideale. A Londra si sparlava della loro intimità—cartoni satirici su Punch mostravano Morris beatamente ignaro mentre sua moglie posava per “il suo amico Gabriel”​. In realtà, Morris non era affatto ignaro. Lettere del periodo rivelano la sua tranquilla angoscia.

Quando nel 1871 Morris co-affittò Kelmscott Manor, un vecchio casale di pietra fatiscente lungo il Tamigi, come rifugio di campagna per la sua famiglia e Rossetti, fu in parte per placare Jane. Ma presto scoprì che Rossetti si era insediato lì indefinitamente. “Rossetti si è stabilito a Kelmscott come se non avesse mai intenzione di andarsene,” scrisse Morris in una lettera privata, confessando che la presenza del suo amico “mi tiene lontano dal porto di rifugio (perché davvero è una farsa incontrarci quando possiamo evitarlo)”​.

Kelmscott—il “più bel rifugio di antica pace”​ di Morris—era diventato contaminato da un doloroso intreccio moderno. L'anima gentile che aveva predicato di guardare le cose “con ampiezza e gentilezza” sentiva la sua generosità messa alla prova dal dolore​. Alla fine, la situazione divenne insostenibile. Rossetti, tormentato da crolli mentali, lasciò Kelmscott nel 1874; Morris portò sua moglie e le figlie in un lungo soggiorno in Italia per guarire​. La Fratellanza, un tempo legata da un'amicizia idealistica, si trovò fratturata dalla vita reale e dall'amore.

Questo dramma personale rispecchiava una più ampia divergenza ideologica all'interno del circolo preraffaellita. Con il progredire degli anni 1860, la Fratellanza originale si dissolse effettivamente. Ogni artista seguì la propria stella.

John Millais si unì all'establishment contro cui una volta si era ribellato, guadagnando un baronetto e la presidenza della Royal Academy negli anni 1890—“degenerando in... compiacenza,” come un commentatore disse acidamente​.

William Holman Hunt mantenne la fede in modo più rigido, aggrappandosi a soggetti biblici e a una veridicità rigida alla natura per tutta la sua carriera​. Rossetti si rivolse verso l'interno, allontanandosi dal naturalismo verso un simbolismo lussureggiante e malinconico guidato da emozioni private (i suoi dipinti successivi di Jane Morris sono icone ipnotiche di amore e perdita, con “qualità onirica e medievalismo fantasioso”​).

I giovani aderenti come Edward Burne-Jones andarono a ottenere ancora maggiore fama in nuovi ambiti: le tele spettrali e romantiche di Burne-Jones di angeli e cavalieri avrebbero ispirato il movimento simbolista europeo verso la fine del secolo​.

Entro il 1857, quando Rossetti guidò un gruppo (inclusi Morris e Burne-Jones) a dipingere murali nella biblioteca della Oxford Union, il messaggio era chiaro: una seconda ondata del Preraffaellismo stava prendendo forma​. Gli affreschi di Oxford stessi furono un fiasco minore—la pittura sbiadì quasi immediatamente—ma essi cementarono l'impegno di Morris e Burne-Jones per “una vita artistica.” Da quel momento in poi, questi due amici avrebbero tracciato un percorso che si discostava dai loro predecessori preraffaelliti.

Il percorso di Morris fu forse il più radicale di tutti. Nel 1861, ancora prima che la prima generazione della Fratellanza si fosse separata, lanciò un'impresa audace per portare l'arte nel cuore della vita britannica.

Insieme a Rossetti, Burne-Jones, Ford Madox Brown e altri amici, Morris fondò un'azienda di arti decorative—Morris, Marshall, Faulkner & Co.—con l'obiettivo di produrre bellissimi manufatti per case ordinarie​. Progettarono vetrate di santi medievali, ricche carte da parati floreali, arazzi di antiche storie, mobili scolpiti come tesori gotici.

Le creazioni dell'azienda adornarono presto chiese ed edifici civici in tutto il paese, dalle vetrate di St. Michael's, Forden (1873) ai tendaggi ricamati del Exeter College di Oxford​. In queste opere si vede la traduzione diretta dell'arte preraffaellita nel design decorativo: gli stessi colori vivaci, lo stesso amore per la natura e la leggenda.

Un arazzo come L'Adorazione dei Magi (progettato da Burne-Jones, tessuto da Morris & Co. nel 1890) è essenzialmente un dipinto preraffaellita in lana e seta, i suoi re e angeli dati forma dalle mani degli artigiani invece che dalla pittura ad olio​. Morris aveva sempre creduto che “ordnamento” fosse il terzo elemento essenziale dell'arte (oltre al realismo veritiero e all'incidente narrativo)​. Ora fece dell'ornamento il suo regno.

Morris voleva “portare bellezza nelle case, nei mobili e negli oggetti della vita quotidiana”​, per cancellare la distinzione tra belle arti e le cosiddette arti “minori” dell'artigianato e del design. In effetti, Morris portò l'etica preraffaellita fuori dalla tela e nei salotti delle persone. Se un dipinto come Ofelia di Millais poteva mostrare un soggetto comune vittoriano (un'eroina shakespeariana) con una fedeltà e una bellezza senza precedenti, perché un'umile carta da parati non poteva fare lo stesso per una sala da pranzo?

Il famoso tessuto di Morris “Strawberry Thief” del 1883, con i suoi tordi e le viti di bacche intrecciate in un motivo edenico, fu direttamente ispirato dagli uccelli che rubavano frutta nel suo giardino—una scena naturale trasfigurata in decorazione quotidiana​. I prodotti artigianali di alta qualità di Morris & Co. erano un deliberato rimprovero ai prodotti di fabbrica scadenti che inondavano la Gran Bretagna.

Ogni articolo era fatto con cura, spesso dagli artisti stessi: Burne-Jones progettava un pannello di vetro colorato, o Morris tingeva l'indaco in un calderone ribollente nel laboratorio. In questo sforzo collettivo, la giovanile fratellanza dei preraffaelliti trovò una nuova incarnazione più pratica.

Per un certo periodo, l'azienda prosperò, ma nel 1874 fu anch'essa lacerata da disaccordi. Il declino della salute mentale di Rossetti e la tensione persistente della situazione con Jane Morris portarono a una rottura; inoltre, la forte personalità di Morris lo spingeva a prendere il controllo esclusivo. Sciolse la partnership originale (con grande sorpresa di alcuni amici) e la riformò come Morris & Co. nel 1875​. Questo causò un "allontanamento di lunga durata" tra il gruppo una volta molto unito​. La vecchia cameratismo della Fratellanza non guarì mai completamente dopo questa scissione.

La decisione di Morris segnò un punto di svolta. A metà degli anni 1870, si stava consapevolmente allontanando dall'identità preraffaellita. Aveva "preso la decisione di abbandonare la Fratellanza Preraffaellita" nello spirito​, dedicandosi invece alle "cosiddette arti minori" e a una visione sociale sempre più ampia. Alcuni dei suoi ex alleati continuarono a collaborare (Burne-Jones rimase un amico e partner creativo per tutta la vita), ma la Fratellanza in quanto tale aveva ceduto il passo a qualcosa di più grande: il Movimento Arts and Crafts, di cui Morris divenne il principale profeta.

Questo nuovo movimento, ufficialmente nominato nel 1887, difendeva gli ideali che Morris aveva sempre sostenuto—semplicità, lavoro onesto, la gioia dell'artigianato—e si diffuse in Europa e America​. In effetti, Morris era riuscito a trasformare una ribellione giovanile nell'arte in una crociata riformista internazionale nel design. Il “ramo della grande Arte Gotica” che sentiva fosse il Preraffaellismo​ era cresciuto in un albero a foglia larga con radici e fioriture in molti paesi.

Attraverso tutte queste trasformazioni, Morris stesso fu notevolmente coerente nei suoi principi. Un collega osservò che non ci fu “nessuna conversione improvvisa, e nessuna transizione violenta tra Morris il Romantico e Morris il Rivoluzionario”​. Il filo conduttore della sua vita era la convinzione che arte, vita e giustizia fossero inseparabili.

Anche quando si immerse nella politica negli anni 1880—sorprendendo molti che lo conoscevano solo come poeta-artigiano—Morris vedeva questo come un'estensione naturale del Preraffaellitismo, non una rottura con esso. Il Romanticismo gli aveva insegnato a cercare “realizzazione di sé in un'arte basata sulla naturalità e l'armonia,” e la sua educazione protestante (per quanto possa sembrare strano) gli instillò il dovere di praticare quegli ideali nei "mondi quotidiani del lavoro e della vita domestica"​.

Da Ruskin aveva tratto un collegamento tra le condizioni sociali e la qualità dell'arte​. Così anche quando Morris lesse Marx e abbracciò il socialismo, "definì ancora la sua visione socialista in termini di buona arte prodotta e goduta nella vita quotidiana"​. Si separò dagli ortodossi marxisti su punti di tattica e dottrina—non si fidava dei partiti politici e litigava con i compagni socialisti che mettevano l'economia al di sopra dell'etica​—ma non vacillò mai sul perché stava lottando.

Come ha osservato il commentatore francese Paul Dupont, l'ideale umanitario di Morris “va oltre l'economico. Cerca la felicità, non beni materiali sovrabbondanti”​. In altre parole, Morris desiderava una rivoluzione che permettesse a ogni persona di vivere in un mondo bello come un'opera d'arte. Rimase, fino alla sua morte nel 1896, “un combattente per l'uguaglianza dei diritti contro ogni previsione”, dedicando penna, voce e fortuna alla causa​.

Fondò e finanziò la Socialist League, percorse le strade tenendo infuocati discorsi all'aperto, fu arrestato durante la protesta della Bloody Sunday del 1887​. Eppure, lo stesso giorno poteva essere trovato a progettare un nuovo arazzo o a tradurre una saga islandese. Per Morris, queste non erano attività contraddittorie.

Scrivere News from Nowhere (1890), il suo celebre romanzo utopico, era solo un altro modo di predicare il suo vangelo dell'arte e della fraternità; tenere conferenze sulla storia medievale in una sala pubblica, o stampare a mano un'edizione di lusso di Chaucer alla sua Kelmscott Press, scaturiva dallo stesso impulso. Dichiarò una volta di sperare di vedere il giorno in cui “l'arte renderà le nostre strade belle come i boschi”​. Quella vivida metafora—strade cittadine belle come foreste—cattura l'essenza del credo di Morris: la fusione di civiltà e natura, l'unione della vita pratica e della bellezza immaginativa.

Negli anni 1890, la Confraternita dei Preraffaelliti era un ricordo caro e un'eredità. Alcuni dei suoi membri erano scomparsi (Rossetti nel 1882, Millais nel 1896 insieme allo stesso Morris). Eppure la loro influenza crebbe soltanto. La “fedeltà minuta” e la “perfezione inesauribile dei dettagli della natura” che hanno inaugurato nella pittura anticiparono il realismo vivido degli Impressionisti e l'osservazione attenta delle scienze emergenti​. Il loro “medievalismo fantasioso” e l'enfasi sull'emozione preannunciarono il Simbolismo europeo e persino la qualità onirica dell'arte dei primi del XX secolo​. E attraverso Morris, le loro idee confluirono nel Movimento Arts and Crafts, nel movimento della città-giardino nella pianificazione urbana, nelle pratiche moderne di conservazione storica (Morris fondò la Society for the Protection of Ancient Buildings della Gran Bretagna nel 1877)​, e nella stessa nozione di artista-artigiano che avrebbe ispirato il Bauhaus decenni dopo. 

La ribellione preraffaellita seminò una rivoluzione culturale. Ciò che iniziò come un gruppo di adolescenti che dipingevano visioni medievali in salotti vittoriani soffocanti divenne nientemeno che una reimmaginazione di come l'arte potesse trasformare la società. Il percorso di Morris—da poeta bohémien a designer e attivista sociale di fama internazionale—incarnava quella trasformazione. Dimostrò in persona che il “Romantico” e il “Rivoluzionario” erano due facce della stessa medaglia​. La bellezza radicale che Rossetti e i suoi amici cercavano sulla tela, Morris la cercava nel tessuto della vita quotidiana.

Alla fine, William Morris e i Preraffaelliti raggiunsero qualcosa di profondo: riaffermarono il valore della bellezza e dell'immaginazione in un'epoca sempre più meccanizzata. Ebbero il coraggio di dichiarare che l'arte conta—non come un semplice ornamento della vita, ma come la vita stessa. Dai primi audaci dipinti del 1848 ai sogni finali di utopia di Morris, la loro è una storia di idealismo giovanile che matura in un cambiamento culturale duraturo.

Come un arazzo intessuto di molti fili colorati, il loro movimento era ricco di tonalità contrastanti: ribellione e nostalgia romantica, cameratismo e crepacuore, leggende medievali e profezie socialiste. Ma guardando l'arazzo da lontano emerge un'immagine coerente. È una visione di un mondo dove arte, amore e lavoro sono unificati—la stessa visione che Morris, con il pennello in mano alla Red House, deve aver visto brillare davanti a lui nella luce dorata dell'estate.

Oggi, quando entriamo in un museo e ammiriamo un dipinto preraffaellita o accarezziamo un tessuto disegnato da Morris, stiamo toccando quella visione. Siamo, per un momento, di nuovo in quel “rifugio di pace antica”, dove un mondo migliore sembrava non solo possibile, ma palpabile in ogni dettaglio.

L'eredità di Morris e dei Preraffaelliti non è solo nell'arte che hanno lasciato, ma nella speranza che l'arte possa ancora nobilitare e trasformare le nostre vite – una causa che, sebbene un tempo ascoltata solo da pochi audaci, potrebbe ancora, col tempo, essere vinta.

L'impatto Duraturo di William Morris

I Successi Artistici di Morris

William Morris ha ottenuto successi artistici in una vasta gamma di mezzi, dalla pittura e il ricamo al vetro colorato e al design di carta da parati. Ispirato dai principi preraffaelliti, il suo lavoro mostrava un profondo apprezzamento per l'artigianato e una connessione profonda con la natura. I suoi design innovativi e modelli continuano a influenzare l'arte e il design contemporaneo.

I Successi nel Design di Morris

L'impatto di Morris sul design è evidente nella fondazione di Morris, Marshall, Faulkner & Co., che in seguito divenne Morris & Co. Questa azienda produsse tessuti, carte da parati e arredi che riflettevano gli ideali del movimento Arts and Crafts, enfatizzando la qualità dell'artigianato e l'uso di materiali naturali. I suoi design innovativi e l'impegno per la qualità hanno contribuito a plasmare l'industria del design moderno e continuano a ispirare i designer di oggi.

I Successi Letterari di Morris

Oltre al suo lavoro nell'arte e nel design, William Morris è stato uno scrittore prolifico, producendo poesie, romanzi e saggi durante tutta la sua vita. La sua opera letteraria esplorava spesso temi di mitologia, storia e mondo naturale, riflettendo gli stessi ideali che guidavano le sue ricerche artistiche. La sua opera più famosa, "Il Paradiso Terrestre", è una raccolta di poesie narrative che intreccia racconti da varie mitologie e culture, mostrando la sua passione per la narrazione e il suo profondo legame con il passato. Altri suoi successi letterari includono "La Difesa di Ginevra" e "Notizie da Nessun Luogo" — fortemente influenzati dal periodo medievale, di cui Morris era profondamente appassionato.

La Confraternita dei Preraffaelliti e William Morris hanno svolto un ruolo cruciale nel plasmare il panorama artistico del XIX secolo. Il loro impegno per la verità, la bellezza e l'artigianato ha portato a una rivoluzione nell'arte e nel design che continua a ispirare e influenzare oggi. Dai dipinti dettagliati di Rossetti e Millais ai design innovativi di Morris, l'eredità della Confraternita dei Preraffaelliti e del movimento Arts and Crafts perdura, ricordandoci il potere senza tempo dell'arte di catturare lo spirito umano.

L'Influenza di Morris

L'influenza di Morris nel mondo del design può essere vista ancora oggi. La sua enfasi sull'artigianato e l'uso di materiali naturali è stata un precursore del moderno movimento di design sostenibile. I suoi design hanno anche ispirato il movimento Arts and Crafts negli Stati Uniti, che ha avuto un impatto significativo sul design americano all'inizio del XX secolo.

L'approccio di Morris al design era rivoluzionario. Credeva che il design di un oggetto dovesse essere informato dal suo uso previsto e che il processo di produzione dovesse essere trasparente ed etico. Morris credeva che bellezza e funzionalità dovessero andare di pari passo, e cercava di creare design che fossero sia esteticamente piacevoli che pratici. I suoi design erano anche noti per l'uso di materiali naturali, come legno, lino e seta, e per l'evitamento di coloranti artificiali e prodotti chimici.

Uno dei contributi più duraturi di Morris al design è stato il suo lavoro nel design di carte da parati. Creò design intricati e belli che presentavano motivi floreali e di fogliame, spesso ispirati alla natura. Le carte da parati di Morris erano realizzate a mano, utilizzando un processo di produzione meticoloso che prevedeva la stratificazione di diversi colori e texture di carta. Il risultato finale era un'opera d'arte sorprendente e unica che poteva trasformare qualsiasi stanza.

Oltre al design di carte da parati, Morris era anche coinvolto nel design di tessuti, mobili, vetrate e altre arti decorative. Il suo approccio al design era sempre radicato in un profondo rispetto per il mondo naturale e in un desiderio di creare oggetti di bellezza e utilità duratura.

L'Impatto di Morris sul Design

L'influenza di Morris nel mondo del design può essere vista nei molti artisti e designer che sono stati ispirati dal suo lavoro. Il suo enfasi sull'artigianato, i materiali naturali e i metodi di produzione etici ha avuto un impatto duraturo sul mondo del design. Oggi, il design sostenibile è un movimento in crescita, e molti designer citano Morris come un'influenza precoce in quest'area.

L'approccio di Morris al design ha avuto anche un impatto nel campo del design grafico. Il suo uso della tipografia e la sua convinzione nell'importanza di una comunicazione chiara hanno influenzato lo sviluppo del design grafico moderno. Morris credeva che il design dovesse essere funzionale e che il messaggio trasmesso dovesse essere sempre chiaro e facile da capire.

L'eredità di Morris

William Morris ha lasciato un'eredità di rivoluzione artistica e politica. Il suo approccio al design e all'artigianato continua a ispirare artisti e designer in tutto il mondo. La sua convinzione nel valore dei beni fatti a mano e il suo impegno a migliorare le vite dei lavoratori hanno aperto la strada al moderno movimento del design sostenibile.

L'attivismo politico di Morris è stato anche una parte significativa della sua eredità. Era un socialista convinto e credeva nel potere dell'arte di provocare un cambiamento sociale. Morris credeva che migliorare le vite dei lavoratori fosse una parte essenziale della creazione di una società giusta ed equa. Il suo lavoro come artista e designer è stato sempre legato alle sue convinzioni politiche, e vedeva le sue creazioni come un modo per promuovere il cambiamento sociale e il progresso. 

È vero che il XX secolo non ha realizzato tutte le speranze di Morris. In molti modi esso “incarna i peggiori timori che Morris aveva per un'epoca guidata dal commercio.”​ L'avanzata della produzione di massa e della cultura consumistica capitalista è solo accelerata, spesso riducendo l'arte a una merce, un “giocattolo intellettuale” per pochi piuttosto che l'elemento vitale di ogni aspetto dell'attività umana che Morris credeva dovesse essere​. Eppure, la sua influenza perdura e addirittura riaffiora ogni volta che la società ha fame di significato piuttosto che di monotonia.

Si può rintracciare la mano di Morris nella rinascita dell'artigianato oggi, nel design ecologico e nel movimento dal produttore al consumatore, in ogni sforzo per riconnettere il lavoro con la gioia e la sostenibilità. Ogni volta che preferiamo una tazza di ceramica fatta a mano rispetto a una fabbricata in serie, o piantiamo un giardino comunitario in un isolato cittadino, riecheggiamo la guerra di Morris contro il "mercato" senz'anima a favore del "laboratorio" pieno di anima.

Ci ha insegnato a valorizzare il particolare, il fatto, la scala umana. In un mondo nuovamente scosso dalle pressioni dell'industrializzazione—ora digitale e globale—le sue parole risuonano come un richiamo chiaro attraverso gli anni. “Non avete sentito come è andata con molte cause in passato?” sfidò un pubblico verso la fine della sua vita.

“All'inizio pochi uomini la ascoltano; poi la maggior parte degli uomini la condanna; infine tutti gli uomini la accettano; e la causa è vinta.”​ Morris, l'ottimista eterno, credeva che le verità che lui e i Preraffaelliti avevano sostenuto sarebbero un giorno diventate buon senso comune.

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Lista di Lettura

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