11 artistes de collage célèbres qui ont défini la forme artistique

Exploration de l'impact des célèbres artistes de collage qui ont défini la forme artistique: Dada au féminisme, la Renaissance de Harlem, les `` dessins avec des ciseaux '' de Matisse et la liste continue ...

L'art du collage est plus qu'un assemblage de découpes. C’est une réimagination radicale de la forme, du récit et du sens. Émergeant de l'ombre de la peinture et de la sculpture traditionnelles - il y a longtemps, au 10ème siècle au Japon - mais Wikipediaa tous ces angles couverts. Si les faits droits sont votre truc, qui Wikipedia n'est pas toujours. Du tout. C'est délicieusement étrange et je vous encourage à vous distraire plus tard. Ou maintenant. Revenez cependant peut-être? Je ne sais pas si je le ferais non plus. Attendez ... Collage. Oui. J'ai compris. De retour avec vous.

Chacun des 11 artistes de cette liste a utilisé le collage pour défier les conventions, redéfinir la beauté et inviter le spectateur à voir le monde différemment. Ils N'a pas simplement défini le collage - ils l'ont évolué. Mais nous devons parler rapidement de la définition de la définition du titre de ce blog. Ce n'était pas une faute de frappe, au fait. J'ai quelque chose à vous parler de la «définition» du collage moderne.

Le collage moderne était, je suppose que nous avoir Dire «défini» par un Poblo Pipasso et Georges courageux dans les années 1910. Du moins, c'est ce que la Tate et le Guggenheim ont décidé. Et parce que je pense que tel que nous le connaissons comme une construction, je ne suis pas trop pointilleux. Tout ce que je sais, c'est J'en suis tombé amoureux. Utiliser des découpes de partout sur Internet mélangées à des morceaux de mon âme. Comme tous les autres collagistes que vous rencontrerez jamais.

Voici ce que je dois vraiment vous parler de la définition du collage moderne: ce n'est pas le meilleur travail de Picasso et Braque. Du tout. Je ne pense même pas que leurs fantômes le veulent là-bas. Mais Internet existe, ils sont célèbres et leur travail a survécu tandis que d'autres ne l'ont pas fait.

Pas aussi triste pour nous de prendre un peu de plaisir à leur travail pas si génial. L'échec est juste l'expérimentation par un autre nom et l'échec est la seule façon de réaliser un rêve. Essayez, réessayez. Aussi, Picasso et Braque sont, vous savez, eux. Alors, qu'est-ce qu'un ou deux collage de merde bitty? Avec leur œuvre dans les couloirs de l'histoire. Ce n'est rien, Nada, Zilch. Et pourtant, il arrive au cœur même du collage et de la fabrication de l'art. La nature éphémère de tout cela. Faire et refaire des mondes dans les mondes. Même si Picasso et Braque ne mettraient pas ces mondes particuliers dans des mondes dans leurs propres rétrospectives ... s'ils avaient le choix. Désolé pas désolé.

Partage de honte secrète: Comme un artiste de collage moi-même, J'ai été surpris de voir combien de ces 11 artistes que je connaissais avant d'écrire ceci. How à vous?

 

Artistes de collage célèbres qui ont défini la forme artistique

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Coupé avec le couteau Dada Kitchen À travers la dernière époque culturelle de la bière Weimar en Allemagne, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

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Hannah Höch (né le 1er novembre 1889 Gotha, Allemagne, et est décédé le 31 mai 1978 Berlin) était un Allemand Dada Artist connu pour ses photomontages politiques fabriqués à partir de coupures de journaux et a trouvé des objets. Elle a assisté au Berlin College of Arts et Artisanat et l'école du Royal Museum of Applied Arts. Le travail de Höch s'est souvent engagé avec l'idéal du début du XXe siècle du "New Woman, «Défixant les rôles domestiques traditionnels des femmes.

Elle était associée au mouvement Berlin Dada et collaboré avec des artistes tels que Raoul Hausmann. Pendant Weimar Republic, Höch a prospéré dans l'atmosphère libéralisée, produisant des photomontages d'esprit et subtils qui a commenté les principales questions de la journée. Ses œuvres ont été innovantes dans leur utilisation de matériaux glanés par la culture populaire, et elle est considérée comme l'un des initiateurs de Photomontage.

L'œuvre la plus célèbre de Hannah Höch est le photomontage de 1919 intitulé "Couper avec le couteau de cuisine Dada à travers la dernière époque culturelle culturelle du ventre de la bière Weimar ". Cette pièce est un commentaire satirique sur les questions politiques et sociales de la République de Weimar, présentant son utilisation innovante des matériaux et sa capacité à Créer de l'art stimulant. Le photomontage présente un collage Des images de journaux, de magazines et d'autres sources médiatiques, les recontextualiser pour créer une représentation visuellement frappante et critique de la période. Ce travail est un excellent exemple des contributions pionnières de Höch au mouvement DADA et de son habileté à utiliser le photomontage comme un médium artistique puissant.

L'art de Höch a été jugé dégénéré par le régime nazi, et elle a vécu dans une relative obscurité pendant la Seconde Guerre mondiale. Malgré cela, son influence peut être vue dans les œuvres d'artistes ultérieurs tels que Cindy Sherman et Hannah Wilke. L'art de Höch se déroule actuellement dans les collections du Metropolitan Museum of Art et du Musée d'art moderne de New York et de la Galerie de Berlinische.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Impéraire du blues, 1974, acrylique et crayon sur papier et papier imprimé sur papier, 36 x 48 dans. (91.4 x 121.9 cm.)

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Romare Bearden (1911-1988) était un Africain Américain Artiste connu pour ses puissantes œuvres d'art de collage qui décrivaient l'expérience afro-américaine de son vivant. Né dans Charlotte, Caroline du Nord, Bearden a grandi à New York et à Pittsburgh, et a étudié au Ligue des étudiants d'art à New York avec George Grosz et à Université Columbia. Il a travaillé avec divers médias, y compris caricatures, huiles et collages.

Les œuvres d'art de Bearden représentaient constamment la culture et l'expérience afro-américaines, couvrant des thèmes ruraux basés sur ses souvenirs de la Sud, ainsi que Vie urbaine et jazz. Ses œuvres d'art de collage reflétaient souvent des éléments de jazz, avec l'interaction entre les personnages et improvisation des matériaux. Dans les années 1980, il a produit un grand nombre de travaux avec des images convaincantes de femmes.

Pendant Renaissance de Harlem, La maison familiale de Romare Bearden New York est devenue un lieu de rassemblement pour les intellectuels et les artistes éminents, tels que W. E. B. Du Bois, Paul Robeson, et Countee Cullen. Ayant grandi dans cet environnement, Bearden a été exposé à diverses formes d'art, y compris de la musique, et a rencontré de nombreuses légendes musicales bien connues de l'époque.

En dépit d'être prolifique, Bearden a été confronté à des défis pour gagner en reconnaissance en tant qu'artiste américain majeur en raison des préjugés et de la ségrégation dans le monde de l'art américain. Cependant, ses expositions ont reçu des réponses enthousiastes et, en 1987, il a reçu la médaille nationale des arts. Bearden a également contribué en tant qu'auteur-compositeur, illustratrice de livres et designer de la compagnie de danse américaine Alvin Ailey. En 1990, la Romare Bearden Foundation a été créée pour soutenir les jeunes artistes et érudits émergents.

En 1964, Bearden a été nommé premier directeur artistique de la HARLEM Cultural Council, un éminent groupe de défense des défenseurs afro-américains. Il a été impliqué dans la fondation de plusieurs lieux d'art importants, comme le Musée de studio à Harlem et le Galerie Cinque. Les contributions de Bearden à la Renaissance de Harlem ont dépassé ses œuvres, alors qu'il soutenait activement les jeunes artistes émergents et préconisait la culture et les expériences afro-américaines.

Bien que Bearden soit surtout connu pour son art visuel, il était également un étudiant passionné de musique, de parolier et de costume et de déménagement. Ses œuvres représentaient souvent la culture et les expériences afro-américaines, s'inspirant de sa vie à Harlem et Pittsburgh.

3

Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache sur papier. 108 x 60 pouces.

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Les découpes d'Henri Matisse, créées Au cours de la dernière décennie de sa vie, a eu un impact significatif sur notre compréhension contemporaine de l'art du collage. À la fin des années 40, Matisse a déplacé sa méthodologie artistique et s'est tourné vers le papier comme son médium principal, en utilisant des ciseaux comme son outil. Ses découpes, souvent inspirées par le monde naturel ou les formes abstraites, ont été disposées en compositions vives qui transcendaient les limites de la peinture de chevalet et lui ont permis de travailler avec un nouveau type de règne libre. Beaucoup considèrent cette période comme "une seconde vie" pour l'artiste. Ne pouvez-vous pas voir le regard du contentement sur son visage dans ce séquences rares faisant une découpe de papier?

Découpes de Matisse a présenté son incroyable créativité et vitalité, même dans des circonstances difficiles. Ils représentaient le summum de sa carrière, marquant la transition ultime vers un vocabulaire entièrement abstrait. Sa maîtrise du style de découpe a eu un impact profond sur son voyage artistique. Les découpes ont également introduit une nouvelle opération dans l'art, qui est devenue "connue sous le nom de"dessin avec des ciseaux". Qui présentent leurs propres défis de conservation, comme vous pouvez le voir dans Ce processus de restauration minutieux.

Les découpes de Matisse ont influencé de nombreux artistes abstraits modernes et Continuez à inspirer les artistes et les conservateurs. La simplicité de ses découpes était inattendue dans le monde de l'art, et ils étaient considérés entièrement unique et radical à l'époque Ils étaient fabriqués. Ses découpes se sont déshabillées à la couleur et à la forme de base, prenant une nature presque graphique, ce qui pourrait expliquer la résurgence de l'esthétique en illustration et en conception graphique.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger, Sans titre (votre corps est un champ de bataille), 1989. Écran à soie photographique sur vinyle. 112 x 112 po (284,48 x 284,48 cm).

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Barbara Kruger (née le 26 janvier 1945) est un Artiste et collagiste conceptuel américain associé au Génération d'images. Elle est connue pour ses œuvres de collage audacieuses et provocantes qui remettent en question le rôle des femmes dans la société, en utilisant des photographies en noir et blanc surchargées de légendes déclaratives dans le futura audacieux blanc Texte Helvetica Ultra condensé. Le travail de Kruger comprend souvent un texte à grande échelle superposé sur les images pour défier Hypothèses culturelles et les téléspectateurs proches à Question Messages multimédias traditionnels et leur impact sur l'identité et la société.

Le style de signature de Kruger était influencé par sa formation classique en conception et son expérience dans l'industrie de la mode, en particulier en tant que créatrice en chef du magazine Mademoiselle. Son travail a été façonné par la critique cinématographique féministe et la théorie littéraire structuraliste, qu'elle a rencontrée grâce à sa participation à la réunion des artistes pour le groupe de changement social.

L'art de Kruger aborde des questions telles que le consumérisme, la sexualité, la politique et la relation entre le pouvoir et la société, brouter les frontières entre l'art et la commercialisation. Elle est considérée comme l'un des artistes féministes les plus importants du 20e siècle en raison de sa capacité à remettre en question et à remettre en question les notions d'identité et de structures de pouvoir à travers ses œuvres stimulantes et visuellement frappantes.

Écoutez Kruger parler de son art dans ses propres mots.

Certains des œuvres les plus importantes de Kruger comprennent:

"Sans titre (votre corps est un champ de bataille)"(1989): Ce travail présente une photographie en noir et blanc du visage d'une femme, divisée en deux, avec le texte" Votre corps est un champ de bataille "superposé. Il a été créé en réponse au débat politique entourant les droits reproductifs des femmes et sert de commentaire puissant sur la lutte pour le contrôle sur le corps des femmes.

"Sans titre (je fais des achats donc je le suis)"(1987): Cette pièce présente la phrase" Je fais du shopping donc je suis "superposée à une main tenant une carte de crédit. Il critique le consumérisme et la façon dont il façonne nos identités et nos valeurs.

5

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Encre à l'huile et à la soie sur toile
96 x 72 po (243,8 x 183,8 cm.).

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Robert Rauschenberg (1925-2008) était un Peintre et graphiste américain Connu pour ses œuvres "combinés", qui brouillaient les distinctions entre la peinture et la sculpture en incorporant des objets de tous les jours comme des matériaux d'art. Il a étudié l'art au Kansas City Art Institute, Academie Julian dans Paris, et Black Mountain College en Caroline du Nord avant passer à New York en 1949.

Rauschenberg combine des objets rejetés intégrés qu'il a collectés dans les rues de New York, comme coups de presse, photographies et objets trouvés. Il pensait que l'utilisation de matériaux du monde réel a rendu son art relatable et reflétant la réalité. Certaines de ses premiers œuvres ont anticipé le Pop art Mouvement, et il est célébré comme précurseur pour presque tous les mouvements artistiques depuis l'expressionnisme abstrait.

Les contributions de Robert Rauschenberg au monde de l'art étaient significatives et transformatrices. Il était une figure principale dans les années 1950 et 1960 et est devenu reconnu comme un précurseur majeur de l'Américain Pop art, aux côtés de contemporains comme Andy Warhol et Jasper Johns. Les approches innovantes de Rauschenberg, vu dans des œuvres comme Monogramme, élargi les limites traditionnelles de l'art. Ouverture de nouvelles avenues d'exploration pour les futurs artistes.

Son "combinant" fonctionne brouillé les distinctions entre la peinture et la sculpture, incorporant des objets quotidiens comme matériaux d'art et Déterminer le statu quo. La pratique artistique de Rauschenberg et l'énergie créative n'allaient jamais s'intégrer dans des boîtes préconçues. Historien Branden W. Joseph a noté que le travail de Rauschenberg était un stimulus, un élan et un défi pour les artistes à tous les niveaux.

Tout au long de sa carrière, Rauschenberg a travaillé dans divers médiums, notamment la peinture, la sculpture, les imprimés, photographieet performance. Il a collaboré avec des chorégraphes comme Merce Cunningham, Paul Taylor, et Trisha Brown, et a été un membre fondateur des expériences de groupe innovantes en art et technologie (E.A.T.) en 1966.

Rauschenberg's approche révolutionnaire et énergie créative a eu une influence durable sur les générations d'artistes. Écoutez comment Rauschenberg "Réécrivez les règles du jeu " De son fils, le photographe Chris Rauschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Difficile, 1942-43. Colage. 31,25 x 24 pouces (79,37 x 60,96 cm).

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Kurt Schwitters (1887-1948) était un Artiste allemand impliqué à la fois dans le dadaïsme et le constructivisme, mieux connu pour ses œuvres Merz et Merzbau. Il a inventé le terme "Merz" pour décrire son style d'art unique qui impliquait d'utiliser des objets de tous les jours pour créer ses œuvres. Schwitters a créé Merzbild (Merz-Paintings), qui étaient des collages et des assemblages fabriqués à partir de divers déchets, tels que Impressions, étiquettes, fonds d'écran et morceaux de bois. Et il ne s'est jamais éloigné du sujet pointu et brûlant, y compris son temps dans le camp d'internement Hutchinson.

Concept Merz de Schwitters était un sous-sect du mouvement Dada, adapté à ses propres philosophies et visions artistiques. Le nom Merz a été généré par hasard à travers un collage qui incorporait le mot allemand "Kommerz "(Commerce). Ce mot absurde et généré spontanément était similaire d'origine et de philosophie au titre de DADA.

Alors que Merz et Dada Art sont étroitement liés, il existe quelques différences entre les deux. Merz est un sous-sect du mouvement DADA qui a été adapté aux propres philosophies et visions artistiques de Schwitters. D'un autre côté, Dada était un mouvement artistique plus large qui englobait diverses formes d'art, notamment l'art de la performance, la poésie, la photographie, la sculpture, la peinture et le collage. L'esthétique de Dada était marquée par sa moquerie des attitudes matérialistes et nationalistes.

Tout au long de sa vie, Schwitters a créé plus de 8 000 œuvres, avec environ 2 500 à jouer aujourd'hui. Son approche innovante de l'art, fusion du collage et de l'abstraction, ont influencé des artistes tels que Robert Rauschenberg. Schwitters était un étranger et un individualiste, Choisir de ne pas déménager dans les principaux centres artistiques comme Berlin ou Paris après avoir terminé ses études à l'Académie de Dresde.

7

Eduardo paolozzi

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Eduardo Paolozzi (1924-2005) était un Artiste écossais connu pour ses œuvres de collage innovantes qui a incorporé un mélange d'images de la culture et de la technologie populaires. Né dans Leith près Édimbourg aux parents italiens, Paolozzi a étudié à Édimbourg et Londres avant de passer deux ans Paris. Il est largement considéré comme l'un des pionniers du pop art.

Paolozzi fonctionne souvent les notions traditionnelles contestées d'art et de beauté En combinant des éléments de surréalisme avec la culture populaire, les machines modernes et la technologie. Son amour précoce pour la culture américaine l'a amené à créer des collages à l'aide d'images à partir de publicités, représentant les modes de vie plus brillants et plus heureux qui émergeaient Amérique d'après-guerre. Mais il a également joué avec cette forme et ce style - transmutant sa sensibilité supérieure à ses mosaïques et sculptures, notamment à Station de tubes routiers de Tottenham Court.

Ses œuvres étaient de nature surréaliste, comme il Publicités de magazines combinées, caricatures et pièces de machine dans son art, anticipant les préoccupations du pop art. Paolozzi était particulièrement intéressé par les médias de masse et les sciences et la technologie, ce qui a influencé son art tout au long de sa carrière. En plus de ses œuvres de collage, Paolozzi a également produit des sculptures figuratives à grande échelle, des imprimés et peintures murales en mosaïque - leur appel dynamique à prêter "Une sorte de focalisation pour le chaos".

8

Martha Rosler

Martha Rosler, Culte de fret, du corps de la série beau, ou la beauté ne connaît aucune douleur, 1966-1972. PHotomontage imprimé en photographie. 39 1/2 x 30 1/4 po.

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Martha Rosler, née en 1943 Brooklyn, New York, est un Artiste conceptuel américain Connue pour ses collages féministes et ses photomontages. Elle travaille dans divers médiums, y compris la photographie, le texte photo, la vidéo, l'installation, la sculpture et la performance, ainsi que l'écriture sur l'art et la culture. Le travail de Rosler intègre souvent des images de la culture populaire et de la publicité à remettre en question le rôle des femmes dans la société et défier les rôles de genre traditionnels.

Le travail de Martha Rosler a considérablement influencé le mouvement artistique féministe en remettant en question la représentation des femmes dans la société. Elle a également utilisé de nouvelles technologies, telles que la vidéo, pour se différencier des artistes masculins et des médiums les plus traditionnels du monde de l'art. Au milieu des années 1960, elle a commencé à créer des photomontages explorant le matériel et l'assujettissement psychiques des femmes, manipulant les publicités populaires pour exposer leurs idéologies sous-jacentes. Son travail, comme le "corps beau, ou Beauty connaît No Pain "Series (1966-1972), combinée diverses pratiques d'art conceptuelles à l'écoute de la politique féministe.

Une de ses œuvres largement connues, "Sémiotique de la cuisine"(1975), est une parodie vidéo de la cuisine qui aborde avec humour les implications des rôles féminins traditionnels. En s'appropriant des éléments de la culture pop, tels que la publicité à la télévision et au magazine, le travail de Rosler critique les normes sociétales et les attentes entourant les femmes.

La pratique artistique de Rosler s'est étendue au-delà du sujet, car elle croyait que l'art pouvait véritablement occuper un rôle social et provoquer l'empathie et la désidentification chez le spectateur. Sa vidéo fonctionne des années 1970 et 1980 a examiné les opérations des médias de masse pour révéler comment ils ont cultivé un public complaisant. Influencé par la vague de performance féministe émergeant des espaces d'art alternatifs La Californie, le travail de Rosler a contribué au développement de l'art conceptuel féministe et a laissé une marque indélébile sur la scène artistique contemporaine.

9

John Heartfield

John Heartfield, Cover Art pour Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über alles, 1929 © The Heartfield Community of Heirs / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlin.

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John Heartfield (né Helmut Herzfeld; 1891-1968) était un artiste visuel allemand qui pionnier l'utilisation de l'art comme arme politique, en particulier à travers ses photomontages anti-nazis et antifascistes. Les œuvres de Heartfield utilisaient souvent des images satiriques et des slogans pour critiquer le climat politique de son temps, en particulier contre la montée de Adolf Hitler et le Troisième Reich.

Les photomontages de Heartfield sont crédités pour la création Certaines des affiches politiques les plus emblématiques du 20e siècle En raison de leur puissant impact visuel et de leur capacité à transmettre des messages politiques solides. De 1930 à 1938, il a conçu 240 pièces d'art anti-nazi, qui ont été publiées dans le Aiz Magazine. Ces œuvres ont été introduites en contrebande Allemagne de Tchécoslovaquie, Autriche, Suisse, et Oriental de la France après le Les nationals-socialistes ont pris le contrôle.

Le courage artistique de Heartfield était égal à son courage physique, alors qu'il continuait à créer des collages anti-fascistes avec véhémence tout en vivant à Berlin jusqu'en 1933. Ses photomontages préfigurant les horreurs du régime nazi et a servi de puissante forme de protestation politique, ce qui en fait un Figure importante dans l'histoire de l'art politique.

Le travail de John Heartfield a influencé de nombreux artistes, graphistes, typographes, annonceurs, cinéastes, écrivains et autres qui ont trouvé l'inspiration dans son héritage. Artistes de l'autre Bloc oriental, soviétique Russie, et le Les États-Unis ont trouvé l'inspiration dans les photomontages de Heartfield à la fin des années 1960 et 1970. Pour des artistes comme Klaus Staeck, László Lakner, et Martha Rosler, entre autres, son travail les a aidés à affronter les idéologies de gauche usées avec un nouveau langage visuel.

L'utilisation innovante de Heartfield de Transporté photomontage en une forme puissante de communication de massen. Sa méthode unique de l'appropriation et de réutilisation des photographies pour effet politique a inspiré les artistes contemporains à utiliser des techniques similaires pour lutter contre le fanatisme, l'ignorance, la violence et la guerre insensée pour le profit. L'exposition John Heartfield présente des travaux d'artistes de collage tels que Winston Smith, Thomas Young, et David King, qui continue et se développe sur le travail révolutionnaire de Heartfield.

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Pablo Picasso

Pablo Picasso, La bouteille de Vieux Marc, 1913. Fonds d'écran imprimés coupés et moulés, journaux, charbon de bois, gouache et épingles sur du papier ponte, 24 13/16 × 19 5/16 po (63 × 49 cm).

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Pablo Picasso, avec Georges Braque, a joué un rôle crucial dans l'évolution de l'art du collage. Ils ont développé la technique de Papier collé (papier collé) en 1912, qui a marqué un Changement révolutionnaire dans le monde de l'art. L'approche innovante de Picasso pour le collage a inspiré d'autres artistes et est devenu Un catalyseur pour les mouvements artistiques comme le cubisme, le dada et le surréalisme.

L'un des Picasso travail de collage précoce, "Guitare et verre à vin, "démontre sa capacité à créer des ombres et une structure en collant et en superposant du papier. Ses œuvres d'art de 1912"Nature morte avec chaise chaise"est un autre exemple significatif de son travail de collage. Dans cette pièce, Picasso a incorporé un morceau de gilet à huile avec un motif de canotage de chaise et une corde Pour encadrer la composition. Cette œuvre a remis en question les idées traditionnelles de l'art en combinant des matériaux quotidiens avec des éléments peints, brouillant les frontières entre la haute et la basse culture.

Les œuvres de collage de Picasso avaient un Impact profond sur le monde de l'art, Inspirant des artistes à travers divers mouvements, médiums et styles pour explorer la pratique de l'art des collage. Son approche inventive et innovante de l'art a attiré des artistes en raison de son processus esthétique et assemblé unique. En conséquence, l'influence de Picasso sur l'évolution de l'art du collage est évident dans les œuvres de nombreux artistes qui ont suivi, comme David Hockney, Jasper Johns et Martin Kippenberger.

11

Georges Braque

Georges Braque, Plat de fruits et verre, 1912. Charcoal, papier peint, gouache, papier, carton.

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Georges Braque, avec Pablo Picasso, a joué un Rôle significatif dans l'évolution de l'art du collage. Ils ont inventé la technique de Papier collé (papier collé) en 1912, qui a marqué un changement révolutionnaire dans le monde de l'art. Braque a poussé Collage un peu plus loin par Couler des publicités de découpe dans ses toiles. Il a également des lettres au pochoir sur des peintures, des pigments mélangés avec du sable et a copié le grain de bois et le marbre pour atteindre de grands niveaux de dimension dans ses peintures. Bien sûr, Le collage existait bien avant là sous d'autres formes ...

Les œuvres de collage de Braque, comme le sien 1912 Oeuf "Plat et verre aux fruits", morceaux combinés de papier peint en faux bois avec son Représentations cubistes d'objets. Cette technique a remis en question les idées formelles de perspective et d'espace au sein de l'art, car elle a créé des zones croisées des éléments de collage et des dessins dans son travail. Son approche innovante de l'art du collage a influencé de nombreux artistes contemporains et a contribué à la croissance et à l'expansion de la forme d'art des collage.

Pendant la phase de collage du cubisme de 1912-1414, les objets inanimés ont dominé l'imagerie de Picasso, Braque et Juan Gris. Les vies de Braque possédait un sous-jacent du drame humain, merci à l'ingénieuse combinaison de choses et de texte. L'utilisation de matériaux et de textures réels dans leurs compositions de collage a introduit une nouvelle dimension à la peinture occidentale, dont les répercussions se font encore sentir aujourd'hui.

Le travail de Braque avec Collage a eu un impact durable sur le monde de l'art, inspirant les artistes à travers divers mouvements, médiums et styles pour Explorez la pratique de l'art du collage. L'approche inventive et innovante de l'art a attiré les artistes en raison de son processus esthétique unique et unique et assemblé. En conséquence, l'influence de Braque sur l'évolution de l'art du collage est évidente dans les œuvres de nombreux artistes qui ont suivi, comme Jessica Stopholder, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters et John Stezaker.

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Collage Art est un support unique et polyvalent qui permet des possibilités créatives sans fin. Les célèbres œuvres d'art de collage mentionnées dans cet article ont toutes apporté des contributions importantes au monde de l'art à travers leurs styles et techniques innovants. Chaque artiste a sa propre perspective unique, et leur impact sur le monde de l'art a résonné avec d'autres artistes et a influencé son travail.

Imymi

Quel artiste a fait du concept de collage en une forme d'art en 1912?

En 1912, l'artiste pionnier qui a transformé le concept de collage dans une forme d'art distincte n'était autre que Pablo Picasso. Au cours de cette année, Picasso a dévoilé «Nature morte avec chaise», une œuvre remarquable qui a marqué l'avènement du collage comme une expression artistique significative et a marqué l'initiation d'une nouvelle phase dans le mouvement cubiste.

"Still Life with Chair Caning" a présenté une combinaison non conventionnelle de matériaux et de techniques. Picasso a incorporé une bande de barre de pétrole imprimée avec un motif de chaise sur une toile de forme ovale. La peinture était en outre encadrée d'une corde. Cette fusion innovante de divers éléments, ainsi que l'incorporation de matériaux non traditionnels, comme la garement, ont contesté les normes artistiques conventionnelles et ont introduit une approche avant-gardiste de la création artistique. Cette œuvre révolutionnaire a ouvert la voie à l'exploration de nouvelles possibilités dans la représentation visuelle et a considérablement élargi les limites de l'expression artistique.

En plus de son impact sur les arts visuels, l'utilisation innovante du collage par Picasso a eu des implications plus larges pour la philosophie artistique et la pensée créative. L'introduction du collage comme une forme d'art viable a contesté des idées établies sur la nature des matériaux artistiques, de la composition et de la représentation. Cette approche a encouragé les artistes à explorer des matériaux, des textures et des formes non conventionnels, favorisant un esprit d'expérimentation et de redéfinition au sein de la communauté artistique.

L'œuvre d'Hannah Höch est considérée comme faisant partie de quel style artistique?

Le style artistique de Hannah Höch est fermement associé au dadaïsme, un mouvement d'avant-garde qui visait à défier les notions traditionnelles de l'art et de la société par son adoption de l'absurdité, de l'anti-conformité et de l'expérimentation.

Höch est surtout connue pour ses travaux de photomontage, une technique où elle a habilement combiné et juxtaposé des images découpées de magazines et de journaux pour créer des collages complexes et stimulants. Ses photomontages présentaient souvent un commentaire satirique et critique sur les questions sociales et politiques, reflétant le rejet dadaïste des normes et valeurs établies.

La participation de Höch au dadaïsme et sa maîtrise des techniques de photomontage ont joué un rôle important dans l'élargissement des possibilités artistiques du mouvement. Son travail a contesté les notions dominantes de paternité et d'originalité en s'appropriant et en recontextualisant l'imagerie existante, qui résonnait avec l'éthique de la subversion et de l'iconoclasme de Dada.

Prévisions futures

Pourquoi le mouvement artistique Dada était-il important pour les futurs artistes?

Le mouvement artistique de Dada a une importance profonde pour les futurs artistes en raison de son départ radical par rapport aux normes artistiques conventionnelles, à sa subversion des institutions établies et à son rôle dans les formes d'art avant-garde et d'art expérimentales. Émergeant pendant la Première Guerre mondiale comme réaction contre les horreurs de la guerre et les normes sociétales qui semblaient y avoir conduit, le dadaïsme était une force qui a brisé les frontières artistiques traditionnelles. D'innombrables artistes ont été inspirés par les bouffonneries sauvages et la nature anti-autoritaire audacieuse de Dada, les motivant à étendre les horizons du monde de l'art.

L'une des figures les plus emblématiques du dadaïsme a été Marcel Duchamp, connue pour son travail révolutionnaire "Fountain", un urinoir en porcelaine signé avec le pseudonyme "R. Mutt". La création de Duchamp incarnait l'éthique anti-art de Dada, remettant en question les notions traditionnelles d'esthétique et obligeant les téléspectateurs à remettre en question l'essence même de l'art. Cet acte audacieux a eu un impact profond sur les futurs artistes en les poussant à repenser la définition même et les limites de l'expression artistique.

Le mouvement DADA a joué un rôle central dans le changement de la perception de l'art et enfreint les règles établies. Il a perturbé les médiums artistiques traditionnels en incorporant des objets trouvés, techniques de collageet l'art de la performance, créant un précédent pour que les artistes expérimentent des matériaux et des méthodes non conventionnels. Le rejet du dadaïsme de la logique et son adoption de l'absurdité et de l'irrationalité ont influencé les mouvements ultérieurs tels que Surréalisme, qui visait également à exploiter l'inconscient et à défier la rationalité de l'art.

L'influence du mouvement s'est étendue au-delà des pratiques artistiques pour remettre en question les normes et l'autorité sociétales. En ridiculisant et en rejetant les conventions, les dadaïstes ont affronté le statu quo, inspirant les générations futures d'artistes à utiliser leurs expressions créatives comme un moyen de critique sociale et de changement. La position contestataire de Dada et son exploration du hasard, du hasard et de la spontanéité ont également contribué au développement de l'art conceptuel et de l'art de la performance, qui donnent tous deux la priorité aux idées et aux processus plutôt qu'aux résultats esthétiques traditionnels.

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