Imaginez tenir un simple morceau de papier qui appartenait autrefois à la lettre d'un soldat, ou une plume délicate qui ornait une robe cérémonielle il y a des siècles. Chaque fragment porte un monde secret—des traces de langue, de croyance et de rituel. Lorsqu'un artiste colle de tels fragments ensemble, il ne fait pas que superposer des matériaux; il empile des histoires entières.
Le collage n'est pas simplement une question de découpage et de collage de morceaux de papier au hasard; il s'agit de tisser des cultures, des voix et des époques lointaines en une nouvelle tapisserie cohérente. C'est une forme d'art d'ouverture radicale, accueillant tout, des cartes postales usées aux fleurs pressées, en glanant la mémoire et le sens qu'elles portent.
À travers le monde, des communautés ont, pendant des siècles, assemblé des coquillages, des perles et des éclats de papier peint dans des actes qui parlent à la fois du sacré et du quotidien. Bien avant que le mot “collage” ne soit inventé, des artisans en Asie, en Afrique et dans les Amériques superposaient et fusionnaient déjà des matériaux pour raconter des histoires de dieux, de royauté ou d'ancêtres bien-aimés. À l'époque moderne, cet élan ancien de fusionner le multiple en un seul est devenu une déclaration audacieuse de conversation culturelle—un témoignage continu que le monde lui-même est un patchwork désordonné et exquis.
Le voyage que nous allons entreprendre va des mosaïques de plumes aztèques scintillant sous le soleil mésoaméricain aux photomontages subversifs des dadaïstes défiant le statu quo européen. Nous verrons comment les manuscrits islamiques, avec leurs pages somptueuses en patchwork, murmurent des empires qui prospéraient grâce à des influences diverses, et comment les artistes de collage numérique d'aujourd'hui remixent l'iconographie du monde entier en une seule image virale.
Comme vous le découvrirez, le collage est un récit d'un devenir sans fin, une invitation universelle à assembler des vérités cachées et des expériences personnelles. Entrez dans ce royaume de fragments exquis et voyez comment chaque éclat d'histoire peut être réassemblé en quelque chose non seulement de beau, mais profondément humain.
Traditions anciennes et pré-modernes du collage
Les premières formes de collage sont apparues bien avant que le terme ne soit inventé. Dans différents coins du monde, des artisans ont trouvé des moyens ingénieux de combiner des matériaux et des images, créant des œuvres d'art composites qui parlaient à leurs cultures. Ces précédents – des arts du papier d'Asie de l'Est aux masques africains et aux œuvres en plumes mésoaméricaines – ont préparé le terrain pour le collage en tant que médium transculturel.
Asie : Papier, poésie et fragments
L'invention du papier en Chine a ouvert la voie à certaines des premières techniques semblables au collage. Dès les ères Tang et Song, associer des peintures à des poèmes inscrits était devenu une pratique estimée – monter essentiellement texte et image ensemble pour former un tout harmonieux. Cette union de mots et d'images est un exemple précoce du principe du collage : des éléments disparates collés en une composition pour enrichir le sens.
Le Japon a développé davantage ces pratiques. Au cours de la période Heian (8e–12e siècles), les femmes nobles et les moines ont célèbrement superposé des papiers et des textes pour créer des rouleaux poétiques. Dès le 10e siècle, les calligraphes japonais collaient des poèmes sur des fonds de papier décoré.
Une forme d'art connue sous le nom de chigiri-e a émergé autour du 11e siècle, impliquant de déchirer du papier fait main coloré en formes et de les coller pour créer des images. Ces collages de papier délicats – souvent de fleurs, de paysages ou de scènes littéraires – ressemblaient à des peintures à l'aquarelle dans leur subtilité.
En essence, les artistes d'Asie de l'Est expérimentaient l'art multimédia bien avant qu'il n'acquière ce nom, intégrant des esthétiques culturelles (poésie, calligraphie, motifs naturels) dans des couches physiques de papier.
Monde islamique : Manuscrits en patchwork et albums impériaux
Le collage a également des racines profondes dans le monde islamique, en particulier dans les cultures persanes du Moyen-Orient et de l'Asie du Sud. Ici, le médium du livre – manuscrits enluminés et albums – a fourni la toile pour un assemblage de type collage.
Au 16ème siècle, l'art de compiler des albums muraqqa' a prospéré en Inde moghole, en Perse safavide et en Turquie ottomane. Ces somptueux albums impériaux étaient littéralement des collections “assemblées” de peintures, calligraphies et bordures décoratives. Une seule page réunissait la calligraphie d'un maître, une peinture miniature d'un autre, et des marges ornées de papier découpé ou de textile.
Un exemple célèbre est celui des albums de l'empereur moghol Jahangir (vers 1600), qui combinaient des panneaux calligraphiques persans avec des portraits moghols et même des gravures européennes collectées à la cour. Certains folios étaient de véritables collages d'œuvres européennes, persanes et mogholes arrangées dans des bordures richement peintes.
Le terme même muraqqa' reflète cette nature composite – dérivé de l'arabe pour “assemblé,” il évoque un quilt textile. Dans ces albums, chaque page est un exercice de curation et de connaisseur : diverses œuvres découpées et artistiquement collées sur de nouvelles feuilles, souvent enrichies d'enluminures dorées.
De telles pratiques révèlent une qualité de type collage dans l'art islamique : une compréhension que la beauté pouvait être créée en assemblant des fragments de sources diverses, que ce soit pour préserver des images chéries ou pour créer un sens nouveau à travers leur interaction.
Afrique : Perles, coquillages et assemblage ancestral
Dans l'art africain, l'assemblage de type collage est présent depuis longtemps dans l'ornementation des objets rituels et des regalia. Les artistes africains traditionnels combinaient souvent plusieurs matériaux pour créer une seule œuvre, valorisant la richesse texturale et symbolique que cela apportait. Un exemple frappant est les masques africains, qui incorporent fréquemment la sculpture sur bois avec des médias supplémentaires.
De nombreux masques d'Afrique de l'Ouest et centrale ne sont pas seulement en bois sculpté; ils sont embellis avec des perles, des coquillages, du métal, des fibres et des pigments dans un design composite. Les historiens de l'art notent qu'un artiste pourrait sculpter la forme de base en bois puis l'orner en privé de couches de signification – attachant des coquillages et des perles de verre colorées pour signifier la richesse et le pouvoir sacré, fixant du raphia ou des plumes touffues pour invoquer une connexion spirituelle, ou ajoutant du tissu et de la peinture pour la couleur.
Les Kuba d'Afrique centrale créent des masques royaux couverts d'une mosaïque de coquillages et de perles. Un masque kuba du 19ème siècle présente un visage en bois incrusté de centaines de minuscules coquillages formant des motifs géométriques, avec des couches supplémentaires de tissu et d'appliqué de plumes – effectivement un collage de matériaux ethnographiques qui transmettent la richesse du roi et la cosmologie de la communauté.
Les masques illustrent comment les artistes africains assemblaient des médias pour transmettre un sens bien avant que les modernistes européens ne vantent le “mixed media.” En Afrique, l'impulsion de combiner était liée à des fins spirituelles et sociales : les matériaux provenaient du commerce lointain et de la nature locale, unissant symboliquement la communauté avec le monde extérieur en un seul objet.
Amériques indigènes : Mosaïques de plumes et plus
Les cultures autochtones des Amériques ont également développé des arts ressemblant à des collages, souvent en utilisant des matériaux naturels. L'un des plus célèbres est le travail de plumes aztèque et maya. En Mésoamérique, des artisans connus sous le nom de amanteca se spécialisaient dans la création de mosaïques époustouflantes à partir de plumes d'oiseaux aux couleurs vives. Ces œuvres, qui précèdent le contact européen, consistaient à arranger méticuleusement des milliers de minuscules fragments de plumes sur un substrat pour former des images de dieux, d'animaux et d'emblèmes royaux.
Après la conquête espagnole, cette tradition de collage de plumes a été réutilisée au service de la colonisation – et est devenue simultanément un point d'échange transculturel. Vers le milieu du XVIe siècle, des frères franciscains à Mexico faisaient réaliser par des artisans indigènes des mosaïques de plumes représentant des scènes chrétiennes à envoyer en Europe en tant que merveilles du Nouveau Monde.
Une pièce célèbre appelée La Messe de Saint Grégoire présente une scène catholique entière rendue en plumes irisées et touches d'or, fusionnant la technique indigène avec l'iconographie européenne. Ces collages de plumes scintillants – images de saints chrétiens composées de plumes de quetzal et de perroquet – ont étonné les publics européens et ont incité les artistes locaux à l'étranger à explorer de nouveaux matériaux.
Au-delà du travail de plumes, les Amérindiens et d'autres peuples autochtones ont également combiné des matériaux dans des objets d'art portables et rituels. Les guerriers des Plaines, par exemple, créaient des chemises de guerre collagées et des dessins sur registre incorporant des tissus, des perles et des récits peints pour enregistrer leurs exploits.
Dans l'Arctique, les artisans inuits du XXe siècle ont commencé à incorporer du tissu et du papier dans leurs gravures et dessins sur pierre, superposant efficacement des médias mixtes pour représenter le choc de la tradition et de la modernité. Que ce soit en utilisant des plumes, des perles, du tissu ou du papier, les artistes autochtones considéraient leurs œuvres comme des palimpsestes culturels – des sites physiques où différentes histoires et matériaux se rencontrent.
Ces premiers exemples soulignent que le collage est véritablement d'origine mondiale : un concept d'assemblage de sens à partir de fragments, présent dans les pratiques cérémonielles et artistiques à travers le monde bien avant l'ère moderne.
Le collage comme protestation politique dans le monde
Des années 1930 à la fin du XXe siècle, le collage est devenu fermement établi comme un outil d'expression politique à travers le monde. La facilité de combiner photographies, textes et symboles a fait du collage un médium naturel pour la propagande, l'art de protestation et le commentaire social.
La photocopieuse est devenue un outil d'artiste dans les années 1980 pour des collagistes comme Barbara Kruger, qui superposait texte et photos trouvées pour déconstruire le consumérisme et les rôles de genre. À l'époque de l'apartheid au Cap, Jane Alexander a créé des collages sculpturaux pour protester contre l'oppression. Et aux Philippines, Brenda Fajardo a réalisé des gravures semblables à des collages pour commenter l'histoire populaire sous le régime de Marcos. Chaque instance réaffirme le collage comme un art global de résistance : accessible, visuellement frappant et intrinsèquement dialogique.
À la fin du XXe siècle, le collage était véritablement un langage visuel universel. Des affiches de propagande des artistes graphiques cubains après la révolution de 1959 aux fanzines subversifs et collages photocopiés du mouvement punk en Grande-Bretagne et aux États-Unis, le collage a permis à ceux en dehors du courant dominant de couper, mélanger et remixer l'imagerie qui les entoure.
Europe
En Europe, les artistes antifascistes ont poursuivi la tradition du photomontage pendant la Seconde Guerre mondiale. Aux États-Unis, durant les années 1960, l'époque de la guerre du Vietnam et des luttes pour les droits civiques, les techniques de collage et de montage ont été largement utilisées dans les journaux clandestins, les affiches de protestation et le pop art.
Amérique
Romare Bearden, un artiste afro-américain, a créé des collages à partir de coupures de magazines qui représentaient la vie des Noirs en Amérique, abordant des questions d'identité et de changement social. Sa série de 1964, “Projections”, superposait des photographies découpées de masques africains sur des scènes de Harlem, collant littéralement l'héritage africain à l'expérience contemporaine des Noirs.
Un exemple saisissant de collage en tant que protestation peut être vu dans le travail de Carolee Schneemann, une artiste américaine qui en 1967 a mis en scène “Body Collage”, une performance contre la guerre du Vietnam. Schneemann a couvert son corps presque nu de colle et de papier, devenant littéralement une toile humaine sur laquelle elle a collé et collé des lambeaux de journaux – dont beaucoup étaient des gros titres de guerre – tout en se tordant au rythme de la musique. Le résultat était un collage de protestation vivant, le corps de l'artiste fusionnant avec des fragments médiatiques représentant les horreurs de la guerre. Cette pièce illustre comment, à la fin du 20ème siècle, le collage a quitté la page pour entrer dans la performance et l'installation, le tout au service d'un commentaire politique urgent.
Art postcolonial
Le collage a également croisé la montée de l'art postcolonial. Dans les nations africaines et asiatiques nouvellement indépendantes au milieu du siècle, les artistes ont adapté le collage pour refléter l'impact stratifié du colonialisme et la création de nouvelles identités.
En Inde, certains ont expérimenté la gravure en collage pour critiquer le développement industriel et la corruption politique. Et en Amérique latine, les politiques turbulentes des années 1970-1980 ont trouvé une expression dans le collage et le montage par des artistes comme León Ferrari d'Argentine, qui a collé des coupures de presse et des images religieuses pour protester contre la violence de l'État.
Collage à l'ère numérique et contemporaine
Alors que nous entrions dans le 21ème siècle – une ère d'images numériques, de connectivité mondiale et de conversations intensifiées sur l'identité – le collage non seulement est resté pertinent; il est sans doute devenu la forme d'art définissante de notre temps.
Les artistes d'aujourd'hui héritent d'un monde saturé d'images et d'influences de tous les coins du globe, un monde qui est lui-même collé ensemble par les forces de la mondialisation. En réponse, le collage contemporain (à la fois analogique et numérique) s'engage avec des thèmes d'hybridité culturelle, d'identités fragmentées et de brouillage des frontières entre art majeur et mineur, local et global.
Évolution numérique et mondialisation du collage
La révolution numérique a profondément élargi l'outil et la portée des artistes de collage. Avec l'avènement des logiciels de retouche d'image à la fin du 20ème siècle, les collagistes ont acquis la capacité de couper, coller, superposer et manipuler des images d'un simple clic de souris. Cela a conduit à une explosion de collages numériques et de photomontages, où des scans ou des photos numériques peuvent être mélangés de manière transparente.
Les artistes d'aujourd'hui peuvent échantillonner des images provenant d'archives, de mèmes Internet, de nouvelles mondiales et de photos personnelles, le tout sur une seule toile numérique – une pratique qui reflète le vaste réservoir d'images mondiales désormais accessible en ligne.
Ironiquement, même si ces outils prolifèrent, de nombreux artistes de collage choisissent encore de travailler à la main, valorisant le processus tactile d'assemblage des matériaux. Mais qu'il soit numérique ou analogique, le collage contemporain est indéniablement influencé par la facilité d'accès à des sources visuelles diversifiées à l'ère d'Internet.
La mondialisation a également permis un échange accru parmi les artistes de collage du monde entier. Grâce aux plateformes en ligne et aux expositions internationales, une communauté mondiale de collage s'est formée, avec des événements tels que la Journée mondiale du collage et des festivals de collage dans des villes allant de Lima à La Nouvelle-Orléans. Ces forums soulignent comment les artistes de différentes cultures empruntent des motifs et des méthodes les uns aux autres.
Les artistes peuvent créer des œuvres qui exemplifient leur culture locale avec la mondialisation du marché de l'art, l'accès en ligne aux matériaux et un réseau international. Le collage multimédia de l'ère contemporaine mélange souvent littéralement des sources mondiales, reflétant un monde où les frontières sont poreuses.
Les musées et les galeries ont adopté ce zeitgeist global du collage. Le Centre international du collage et les expositions itinérantes ont présenté le collage contemporain de tous les continents. Des expositions comme “Cut and Paste: 400 Years of Collage” à Édimbourg (2019) juxtaposaient des collages japonais en papier du 16e siècle avec des exemples européens du 20e siècle et des œuvres numériques du 21e siècle, soulignant une lignée continue.
À mesure que les marchés de l'art s'ouvrent, les artistes de régions traditionnellement marginalisées trouvent une reconnaissance grâce au collage. Ainsi, l'ère numérique a amplifié la qualité inhérente du collage en tant qu'art transnational. Il permet une superposition plus complexe (tant en contenu qu'en technique) que jamais auparavant, faisant écho aux identités superposées et intersectionnelles des artistes et des publics contemporains.
Le collage comme identité et commentaire culturel
Une grande partie du design graphique politique d'aujourd'hui – pensez aux pancartes de protestation des grands mouvements sociaux – utilise l'esthétique du collage pour transmettre des messages hybrides urgents. Le fil conducteur est que le collage reste, comme il l'a toujours été, un art de la combinaison avec une intention. Dans le contexte contemporain, l'intention est souvent de mettre en évidence la nature mosaïque de l'identité et de la culture.
En fragmentant et en réassemblant la culture visuelle, les artistes peuvent questionner qui “possède” une image ou un récit. Ils créent ce que le chercheur Homi Bhabha pourrait appeler des images de “troisième espace” – des collages qui existent entre les cultures, générant de nouvelles significations.
Peut-être que la tendance la plus puissante du collage contemporain est son utilisation comme outil pour explorer et affirmer l'identité – qu'elle soit personnelle, culturelle, raciale ou de genre. Partout dans le monde, les artistes de couleur, les artistes femmes, les artistes LGBTQ+ et d'autres se sont tournés vers le langage fragmentaire du collage pour reconstruire des images d'eux-mêmes et de leurs communautés, souvent en défiant les stéréotypes. En découpant et en réassemblant des images (surtout des images des médias de masse), ils peuvent littéralement déconstruire les représentations dominantes et créer de nouvelles visions composites qui reflètent leur propre expérience.
Le collage aujourd'hui est autant une question de conversation (entre passé et présent, soi et société, une culture et une autre) qu'une question d'esthétique. Chaque fragment dans un collage porte une histoire, et en rassemblant les fragments, les artistes suscitent un dialogue sur la façon dont ces histoires s'entrecroisent.
Wangechi Mutu
Un exemple brillant est Wangechi Mutu, une artiste née au Kenya dont le travail illustre la fusion mondiale au cœur de nombreux collages contemporains. Mutu, désormais basée à New York, crée des collages à grande échelle qui combinent des coupures de magazines de mode, des manuels d'anatomie, des images d'art traditionnel africain et des dessins personnels.
Les figures de Mutu sont des femmes hybrides fantastiques – en partie humaines, en partie machines, en partie animales, parées à la fois des attributs de la culture de consommation et de références au mythe africain. En rassemblant des images des médias populaires et des diagrammes médicaux, elle reconstitue des corps féminins qui à la fois enchantent et dérangent.
Le travail de Mutu, selon ses propres mots, “prend le contrôle” de la représentation féminine en découpant littéralement la forme féminine telle que représentée dans les imageries coloniales et pornographiques, puis en la réassemblant selon ses propres termes. À travers le collage, elle navigue son identité africaine dans un contexte occidental, créant un dialogue visuel sur la race, le genre et le pouvoir qui résonne à l'échelle mondiale.
Rashid Rana
En Asie du Sud, Rashid Rana du Pakistan s'est fait connaître pour ses collages photographiques qui critiquent les stéréotypes culturels. Sa célèbre série Veil présente ce qui semble de loin être une image d'une femme en burqa. À y regarder de plus près, le portrait se révèle être composé de milliers de minuscules photographies en forme de carreaux, qui sont en fait des images pornographiques floues de femmes.
En collant des images “interdites” dans la forme d'une autre image culturellement chargée, Rana confronte le spectateur à l'intersection des objectifications Est/Ouest des femmes. Il nous force efficacement à “voir au-delà” du stéréotype et à critiquer la machinerie de la vérité derrière les représentations médiatiques. Sa méthode de collage – utilisant un logiciel numérique pour mosaïquer des milliers de photos – parle aussi de vivre à une époque saturée de médias et mondialisée où les identités sont de plus en plus des images médiatisées.
Alberto Pereira
De l'autre côté de l'Atlantique, au Brésil, les artistes ont utilisé le collage pour récupérer l'identité noire dans une société marquée par l'imagerie coloniale. Alberto Pereira, par exemple, a lancé une série intitulée Noble Negro en 2014, insérant numériquement des portraits d'icônes culturelles brésiliennes noires dans des reproductions de peintures royales européennes des 15e-18e siècles. En collant littéralement des visages noirs sur des toiles de maîtres anciens, il propose un nouveau récit pour des images produites à une époque où l'homme noir n'était jamais représenté.
Une des œuvres de Pereira, Jesus Pretinho (Black Jesus), dépeint le Christ comme un homme noir et remet ainsi en question des siècles d'imagerie religieuse eurocentrique. Pereira explique qu'à travers le collage, il a réalisé qu'il pouvait “offrir d'autres perspectives, raconter des histoires différemment, inverser la logique et redéfinir” les symboles dans la société. C'est le cœur du collage identitaire : démonter des images existantes (souvent des icônes d'oppression ou d'exclusion) et les remixer pour visualiser une réalité alternative.
Deborah Roberts
De même, les femmes artistes de communautés marginalisées ont adopté le collage pour affirmer leurs perspectives. Aux États-Unis, Deborah Roberts crée des portraits collés de jeunes filles noires à partir de bouts de magazines, donnant forme à leur beauté et à leur complexité dans une culture qui tente souvent de les caricaturer ou de les effacer.
Destiny Deacon
En Australie, Destiny Deacon utilise le collage et l'assemblage en photographie pour aborder l'identité aborigène et l'expérience de la colonisation, insérant souvent des photographies de famille dans des images kitsch trouvées pour perturber les récits coloniaux. Et parmi les artistes queer, le mélange de signes du collage a été un choix naturel pour explorer les identités fluides.
Le Dialogue Culturel en Évolution Constante du Collage
De ses incarnations anciennes à sa renaissance numérique, le collage s'est avéré être une forme d'expression artistique durable et infiniment adaptable. Ce qui a commencé avec de modestes morceaux de papier en Asie de l'Est ou des plumes scintillantes en Mésoamérique s'est épanoui en un langage visuel mondial – un langage qui transcende les frontières et les périodes.
L'histoire du collage n'est pas une progression linéaire appartenant à une seule culture, mais plutôt une tapisserie riche tissée de nombreux fils : le patchwork dévotionnel d'une page d'album moghol ; l'assemblage cérémoniel d'un masque africain ; le choc moderniste d'un extrait de journal cubiste ; le photomontage agitprop d'un pamphlet dadaïste ; le remixage personnel et politique des artistes numériques d'aujourd'hui.
Chaque itération, à sa manière, parle de l'impulsion humaine fondamentale à donner du sens en connectant des pièces, en reconnaissant qu'aucune image ou perspective unique ne raconte toute l'histoire.
Tout au long du 20e siècle, le collage est devenu un moyen de défier les conventions artistiques et les injustices sociales, un véritable médium d'avant-garde précisément parce qu'il a amené la réalité dans l'art et l'art dans la réalité. Au 21e siècle, ce rôle continue avec encore plus de résonance. Nous vivons dans un monde de collage – bombardés par des images, naviguant entre des identités multiculturelles, assemblant nos histoires et nos futurs à partir de fragments.
Il n'est peut-être pas surprenant que l'art du collage fleurisse à nouveau, comme en témoignent les nombreuses expositions mondiales, les communautés en ligne et les études académiques qui lui sont consacrées. Le conservateur Pavel Zoubok a qualifié le collage de "la plus démocratique des formes d'art" car ses matériaux sont accessibles à tous et son message peut être instantanément saisi dans le choc et l'harmonie des éléments reconnaissables.
Le collage invite à la participation : le spectateur essaie instinctivement de décoder les pièces et leurs relations, recréant effectivement le collage dans son propre esprit.
Importamment, le collage invite également au dialogue. Un collage n'est jamais qu'une seule voix ; ce sont de nombreuses voix en conversation – parfois en conflit, parfois en chœur. Dans un monde de plus en plus conscient de la valeur des voix diverses, cet aspect du collage est profondément pertinent.
Alors que des artistes de Lagos à Londres, de São Paulo à Séoul continuent de couper, déchirer, superposer et fusionner des morceaux de notre culture visuelle mondiale, ils poursuivent un dialogue qui a commencé il y a des siècles lorsque le premier artisan a décidé de coller une chose sur une autre et de voir ce qu'elle pourrait dire. Chaque collage est un petit acte de création du monde – une affirmation que de pièces disparates une nouvelle cohérence peut émerger.
En conclusion, le parcours de l'art du collage à travers l'histoire illustre comment les influences culturelles circulent et inspirent. Le collage est à la fois un miroir et une mosaïque de la culture mondiale : il reflète les collisions et les mélanges qui définissent l'expérience humaine, et il assemble ces fragments en des formes qui nous défient et nous enchantent.
Tant que les artistes ressentiront l'envie de combiner des images et des matériaux pour raconter une histoire – qu'elle soit personnelle, politique ou poétique – le collage continuera d'évoluer. Il reste une conversation ouverte, un art de nombreuses langues parlées toutes à la fois.
Dans ce chœur dynamique et superposé, nous pouvons percevoir la forme de notre patrimoine artistique partagé : se réarrangeant sans cesse, cherchant de nouvelles significations, à l'image d'un collage en cours.
Liste de lecture
- Cai Lun. Histoire du Collage. Photosynthesis Magazine.
- Muraqqa’ : Albums impériaux moghols de la Chester Beatty Library, Dublin. Smithsonian Institution, Musée national d'art asiatique.
- Elliott, Patrick. “Cut and Paste: 400 Years of Collage.” Collage Research Network, 13 juin 2019.
- Minneapolis Institute of Art. “Masques et mascarades africains – Idée Quatre.” Enseigner les Arts : Cinq Idées.
- Russo, Alessandra, et al., éd. Images Take Flight: Feather Art in Mexico and Europe 1400–1700. Hirmer, 2015.
- Wolfe, Shira. “L'histoire du collage dans l'art.” Artland Magazine.
- Art in Context. “Collage Dada.”
- Saatchi Gallery. Profil d'artiste : Rashid Rana.
- Encyclopædia Britannica. “Wangechi Mutu.” Par Debra N. Mancoff. Mis à jour en 2022.
- Buttini, Madelaine. “L'influence de la diversité culturelle dans l'art du collage.” Madbutt Blog, 26 février 2024.
- Sybaris Collection. “La place de l'art du collage dans le développement de l'art du 21ème siècle.” 2020.
- Contemporary And (C& América Latina). “Le collage comme réaffirmation des identités.” Nov 2021.
- National Galleries Scotland. Cut and Paste: 400 Years of Collage (Catalogue d'exposition). Édimbourg, 2019.
- Hyperallergic. “Le plumage des saints : l'art de la plume aztèque à l'époque du colonialisme.” 5 février 2016.
