Поп -искусство: зеркало для общества и катализатор перемен
Поп -арт всегда был одним из того, чтобы раздвигать границы и разбить предвзятые представления. Его непримиримое исследование политики потребительства и идентичности оказало глубокое влияние на мир искусства. Эта статья будет углубляться в происхождение и развитие подрывных действий и мятежства поп -арта. Кроме того, его фундаментальные связи с странным сообществом и постоянная массовая привлекательность искусства, которая играет с самим понятием самого искусства ...
Происхождение и развитие поп -арта
Лондонская сцена
Поп -арт появился в Великобритания и Соединенные Штаты во время середины до Конец 1950-х годов Как вызов традиционному изобразительному искусству. В Лондон, поп -арт развивался почти одновременно с его появлением в Соединенных Штатах1.
Движение было вдохновлено популярной и коммерческой культурой, и художники стремились включить повседневные объекты и изображения в свою работу2Полем Поп -арт характеризовался использованием ярких цветов, смелых линий и графических изображений, и он часто включал элементы рекламы, комиксов и популярной культуры3.
В Лондоне Независимая группа, который включал художников, писателей и архитекторов, сыграли решающую роль в развитии поп -арта. Группа провела серию выставок в Институт современного искусства в Лондоне, в котором продемонстрировали работу таких художников, как Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, и Питер Блейк1Полем Эти художники были заинтересованы в отношениях между искусством и массовой культурой, и они стремились бросить вызов традиционным представлениям о изобразительном искусстве, включив повседневные объекты и изображения в свою работу4.
Поп -искусство в Лондоне также находилась под влиянием развивающейся молодежной культуры 1950 -х и 1960 -х годов, которая характеризовалась отказом от традиционных ценностей и празднованием популярной культуры5.
Поп -искусство в Соединенных Штатах
Поп -арт появился в Соединенные Штаты во время середины до Конец 1950-х годов как ответ на изменение культурного ландшафта Послевоенная Америка. В Соединенных Штатах поп -арт получил свой самый большой импульс в 1960 -х годах, и термин «поп -арт» был официально введен в декабре 1962 года на симпозиуме, организованном музей современного искусства2.
Американское поп-арт характеризовался его использованием популярных потребительских символов, таких как домашние объекты и знаковые знаменитости, и часто включали методы и материалы из коммерческого мира, такие как печать экрана35Полем Поп -искусство в Соединенных Штатах также находилась под влиянием развивающейся молодежной культуры 1950 -х и 1960 -х годов, которая характеризовалась отказом от традиционных ценностей и празднованием популярной культуры4.
Расширение во Франции, Западной Германии и Советского Союза
Во Франции поп -арт характеризовался его использованием ярких цветов и жирных линий, и он часто включал элементы рекламы и популярной культуры1Полем Французские поп -артисты, такие как Ив Кляйн и Даниэль Споерри были заинтересованы в отношениях между искусством и повседневной жизнью, и они стремились бросить вызов традиционным представлениям о изобразительном искусстве, включив повседневные объекты и изображения в свою работу1.
В Западной Германии на поп -искусство повлияла появляющаяся молодежная культура 1950 -х и 1960 -х годов, и это часто включало элементы политической сатиры и социальных комментариев2Полем Немецкие поп -артисты, такие как Сигмар Полке и Герхард Рихтер Заинтересованы в отношениях между искусством и обществом, и они стремились оспорить традиционные представления о изобразительном искусстве, включив повседневные объекты и изображения в свою работу2.
В Советском Союзе поп -арт появился позже, чем на Западе, и на него сильно повлияло политический и социальный климат того времени. Советское поп-арт характеризовался его использованием советских изображений и его внимания на социальных и политических комментариях3.
Художественная дилемма и странная необходимость подтекста
Потребительство против подрывной деятельности
Одним из ключевых вопросов, с которыми сталкиваются художники -поп -арт, заключался в том, следует ли использовать распространенную потребительскую культуру или поднять ее.
Поп -художники использовали образы потребительской культуры, чтобы создать работы, которые были праздничные и критичные по отношению к потребительству1. Поп -арт был способом подрывать доминирующую культуру, используя свои собственные образы против него, и это был способ отпраздновать повседневные объекты и изображения, которые часто упускали из виду традиционное изобразительное искусство4. Некоторые художники, такие как Уорхол, решили сделать все это, а затем и некоторые. Размывая границы между искусством и коммерцией и бросая вызов зрителям, чтобы они ставили за сомнение их предположения о мире искусства в целом.
Некоторые из самых известных произведений поп -арта, которые критикуют потребительский центр, включают в себя:
• Энди Уорхолs "Campbell's Soup Cans" и "Мэрилин Монро«Серия, в которой использовались образы потребительской культуры для создания работ, которые были праздничные и критические по отношению к потребительству1. Искусство Уорхола также характеризовалось использованием повторения и серийности, что бросало вызов традиционным представлениям об уникальности и оригинальности в искусстве3.
• Рой ЛихтенштейнS "Whaam!" и "Утопляющая девушка«Используемые образы комиксов для критики объективации женщин в популярной культуре2.
• Claes Oldenburgs "Гигантский гамбургер" и "Гигантский мягкий туалет"Используются повседневные объекты для критики излишек потребительской культуры3.
• Ричард Гамильтон«Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» использовал коллаж для критики потребительской культуры 1950 -х годов4.
Энди Уорхол и фабрика
Уорхол, эта загадочная фигура, которая вырисовывалась в движении поп -арт, классно назвал свою студию фабрикой. При этом он признал деловую сторону искусства и размыл границы между искусством и торговлей. Тем не менее, под поверхностью работы Уорхола, были подрывные элементы, которые бросали вызов легкой категоризации. Фабрика была тигером противоречий, где повседневные и необычные столкнулись, и где искусство было как товаром, так и средством оспаривания статус -кво.
Влияние искусства и экзистенциализма Дада
Поп -арт также был глубоко влиял Дада, более раннее художественное движение, которое процветало на хаосе и абсурде. Художники Дады, такие как Марсель Дюшан, издевались над традиционным миром искусства, создав произведения, которые ставили под сомнение саму природу самого искусства. Аналогичным образом, экзистенциалистские философы того времени, такие как Жан-Паул Сартр и Альберт Камю, сталкивались с вопросами о значении и цели человеческого существования. Эти двойные токи мышления обеспечивали плодородную почву для развития поп -арта и его подрывных основ.
Лагеря эстетическая и идентичность политика
Записки Сьюзен Сонтаг в лагере
В 1964 году культурный критик Сьюзен Сонтаг опубликовал свое влиятельное эссе, примечания в лагере. В нем она описала новую авангардную чувствительность, которая была как подрывной, так и непочтительной. Лагерь, как это определил Сонтаг, был эстетикой, которая отмечала искусственную, преувеличенную и театральную. Это был способ просмотра мира через призму иронии и отрешения.
Эссе было впервые опубликовано в 1964 году и был первым вкладом Сонтага в Партизанский обзор1Полем Эссе рассматривает значения и коннотации слова «лагерь» и то, как оно используется в популярной культуре2.
Сонтаг утверждал, что лагерь-это чувствительность, а не идея, и что он характеризуется любовью к преувеличенным, «выключенным» и вещам-что-то-то, что нет.3Полем Она также утверждала, что лагерь - это способ нейтрализации морального негодования, способствуя игривому подходу к тому, что другие воспринимают серьезно4.
Эссе Sontag оказало глубокое влияние на развитие эстетики лагеря и его отношения с политикой идентичности. Эстетику лагеря была принята ЛГБТ Сообщество как способ содействия игривому подходу к идентичности и сексуальности4.
Эссе Sontag также помогло установить эстетику лагеря как главную силу в популярной культуре, и оно оказало глубокое влияние на развитие современного искусства и моды3.
Связь между лагерем и поп -артом
Связи между поп -артом и эстетикой лагеря заключаются в их общем праздновании популярной культуры, китча и размытия границ между «высоким» и «низким» искусством12.
Как поп -арт, и эстетика лагеря стали реакцией на доминирующие модернистские художественные движения, которые приоритеты в абстракции и традиционных художественных ценностях34. Поп-арт включил объекты массовой культуры и звезда СМИ в свои работы, в то время как эстетика лагеря наслаждалась самосознательно прославлением популярной культуры и китча12.
Реконтекстуализируя «низкое» искусство в «высокий» контекст искусства, поп -артисты параллели в праздновании лагеря и приверженность маргинальному2. Связь между поп -артом и эстетикой лагеря подчеркивает влияние маргинализированных сообществ на мир искусства и общий вызов для традиционных художественных иерархий2.
Роль идентичности и производительности
Кэмп также предоставил основу для изучения вопросов идентичности, пола и сексуальности. Для таких артистов, как Уорхол, которые управляли сложностями того, чтобы быть молодым, геев в Нью -Йорке, Кэмп предложил возможность выразить свою личность и взаимодействовать с миром на их собственных условиях. Это был способ выполнения идентичности, как как личность, так и художник.
Навязчики и откровения Энди Уорхола
Супермен как повторяющийся мотив
В работе Уорхола культовый супергерой Супермен появляется как повторяющийся мотив. На первый взгляд, это может показаться еще одним намеком на популярную культуру, но более тщательное изучение показывает более глубокую, более личную связь. Супермен, инопланетный иммигрант, который трансформируется в большом городе, отражает собственное путешествие Уорхола, когда молодой гей -мужчина, создающий свою личность в городском ландшафте.
Кроме того, как популярный персонаж супергероя в американских комиксах, культурная икона Супермена, которая, естественно, вписывалась бы в исследование Уорхола культуры знаменитостей и средств массовой информации2. Мотив Супермена, с его смелыми цветами и узнаваемой эмблемой, также соответствует художественному стилю Уорхола и может рассматриваться как естественный выбор для его визуального языка1.
Период панк -поп -музыки Уорхола
В течение 1970 -х годов Уорхол вошел в период художественного экспериментов, известного как его фаза панк -поп. В течение этого времени он углубился в более темные уголки сексуальности и желания, создавая такие работы, как его печально известные «мочи». Благодаря этим провокационным произведениям Уорхол продолжал оспаривать границы художественного выражения и исследовать сложности идентичности и сексуальности.
Конечно, есть панк -поп -связь с его прошлым ... в некотором смысле. Музыка Velvet Underground, которой управлял и продюсировал Уорхол, характеризовалась восстанием рабочего класса против буржуазных вкусов и коррумпированных систем потребления1. Уорхол Взрыв пластика неизбежна, мультимедийное событие с участием группы, было описано как «Electronic: Intermedia: Total Scale» и окутал Бархаты В темном, туманном, поджигающем цирке1Полем В то время как эта связь с панк -роком предшествует 1970 -м годам, она демонстрирует влияние Уорхола на движение. Экспериментальный и мятежный ... Что более панка, чем это?
Commodore Amiga 1000 и цифровая производительность
В 1985 году, Энди Уорхол приблизился Commodore International Чтобы продемонстрировать расширенные графические возможности своего нового персонального компьютера, Амига 10001.
Уорхол с энтузиазмом воспользовался этой возможностью и создал серию цифровых работ, используя современные инструменты программной визуализации Amiga 1000, такие как «заполнение наводнений», «паллетизированный цвет» и «коллаж из вставки» и «коллаж из вставки».1.
Эти цифровые работы долгое время считались потерянными, но были заново открыты в 2014 году в архивах Музей Энди Уорхола1.Для запуска Amiga 1000 Commodore запланировал театральное представление на Линкольн Центр в Нью-Йорк, где Уорхол написал компьютерный портрет Дебби Гарри23.
Цифровые работы Уорхола, созданные на Amiga 1000, включали вариации его знаковых Campbell's Soup Cans, цветы и портреты3Полем Заново открытое цифровое искусство было позже выставлено в музее Уорхола2.
Другие подрывные поп -артисты
Марисоль, Никки де Сен -Фалле и Дороти Гребенак
Многие художники используют / использовали поп -арт в качестве средства изучения и оспаривания традиционных идей. Об искусстве, политике, полу, сексуальности и многом другом. Такие художники, как Марисоль, Никки де Сен -Фалле и Дороти Гребенак, каждый из них вырезал свои уникальные ниши в движении, создавая мощные тела работы, которые заслуживают большего признания и оценки.
Марисоль
Марисол Эскобар, известный просто как Марисоль, был венесуэльско-американским скульптором, родившимся в Париж Кто получил известность в 1960 -х годах за ее уникальные собрания и скульптуры1Полем Ее работа часто объединяла образы поп -арт с элементами народного искусства, размывая границы между двумя стилями1.
Искусство Марисоля часто использовалось на найденных предметах и вдохновении на фотографиях или личных воспоминаниях2. Скульптуры Марисоля часто показывали ее собственное лицо, как видно из групповой установки фигур в Музей искусств Толедо1. Одна из ее заметных работ, Семья"(1962), была вдохновлена фотографией семьи, которую она нашла в своей нью -йоркской студии4. Ее скульптуры часто действовали как сатирическая критика современной жизни, в том числе представления об обществе высшего среднего класса2.
Художественное обучение Марисоля была нерегулярной и эклектичной, когда она училась на Beaux-Arts в Париже в 1949 году, прежде чем переехать в Нью-Йорк3. Ее работа была отличена от других поп -художников того времени из -за народных и детских качеств в ее скульптурах2Полем KНедавно за ее коробные фигуративные работы, объединяющие древесину и другие материалы, часто сгруппированные как таблица3. Ее инновационный подход к искусству и ее способность оспаривать социальные нормы делают ее убедительной фигурой по сей день1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle (1930-2002) был французско-американским скульптором, художником, режиссером и автором, известным своими красочными и инновационными работами1Полем Рожденный Кэтрин-Мари-Агнес Fal de Saint Phalle, sУ него не было официального обучения искусству, но связано со многими современными художниками, развитие уникального стиля, часто называемого «посторонним искусством»2.
Де Сен -ФаллеРабота подрывала традиционные художественные нормы и ожидания. В начале 1960 -х она привлекла внимание к своим "TIRS" или "Съемка картин, «Где она стреляла в подготовленные белые собрания, создавая чувство насилия и разрушения в своем искусстве3Полем Позже она сместила свое внимание на скульптуры, создав серию «Нанас», в которой были представлены беззаботные, причудливые и красочные крупномасштабные скульптуры животных, монстров и женских фигур2.
Ее самая полная работа, сад Таро, был большой скульптурным садом, содержащим многочисленные работы, начиная с творений размером с дома, вдохновленными Антони ГаудиS. Парк Гюэлл и Parco Dei Mostri в Бомарзо, Италия4.
На протяжении всей своей карьеры де Сен -Фалле использовала свое искусство для активизма, решения социальных и политических вопросов, а также содействие радости и позитивности3.
Дороти Гребенак
Дороти Гребенак (1913-1990) была американской поп-художницей, известной своими большими шерстяными ковриками с ручной подготовкой с участием знакомых предметов, таких как бейсбольные торговые карты, Прилив коробки и долларовые счета12.
В значительной степени самоучка, работа Гребенака подорвала нормы, принимая ежедневные коммерческие образы и переводя их в традиционную ремесленную среду, которая часто считалась лампами, а не подрывным2.
В то время как ее мужские сверстники в движении поп -арт, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, получив известность за использование коммерческих изображений, работа Гребенака была в значительной степени игнорирована и обесценилась в ее время2Полем Тем не менее, ее художественная практика поделилась аналогичной центральной предпосылкой со своими современниками, вытащила текст и образы из коммерческих средств массовой информации и переводит ее в другой среду2.
Несмотря на ее скромный критический и коммерческий успех в середине века, Гребенак почти исчез из мира искусства вскоре после этого2Полем Многие из ее ковров со временем исчезли или развалились2Полем После смерти ее мужа в 1971 году она переехала в Лондон, где она умерла в 1990 году2.
Работа Гребенака можно рассматривать как комментарий к потребительской культуре и ценность повседневных объектов, используя юмор и уникальную среду для бросания художественных норм2Полем Работы Гребенака часто упоминаются как упускаемое из виду в движении поп -арт, а причины ухода из мира искусства остаются обсуждаемыми.2.
Сестра Корита Кент, Марта Рослер и Идель Вебер
Точно так же сестра Корита Кент, Марта Рослер и Идлле Вебер использовали свое искусство, чтобы опросить окружающий мир, ставя под сомнение социальные нормы и ожидания, которые управляли их жизнью как женщин и художников. Их работа стала свидетельством преобразующей силы искусства и ее способности изменить то, как мы видим мир.
Сестра Корита Кент
Сестра Корита Кент (1918-1986), родившаяся Фрэнсис Элизабет Кент, был американским художником, дизайнером, педагогом и бывшей религиозной сестрой, известной своим ярким и социально сознательным поп -искусством1.
Она присоединилась к Сестры безупречного сердца из Мэри в возрасте 18 лет и взяла имя сестру Мэри Корита Кент1Полем Она изучала искусство в Художественный институт Chouinard (сейчас Калипы) и получил степень от Лос-АнджелесS. Колледж Непорочного Сердца2.
Работа Кента объединила цитаты из Библия, современная поэзия и популярные песни с религиозными или светскими изображениями3Полем Ее смелые и красочные отпечатки шелковидных экранов отстаивали причины социальной справедливости, решающие такие проблемы, как бедность, голод и мир4Полем Она получила известность в начале 1960 -х годов и продолжала создавать искусство даже после того, как покинул свой монастырь4.
Работа Кориты Кент отмечалась своими мощными посланиями надежды, любви и социальной осведомленности4.
Марта Рослер
Марта Рослер Американская художница, родившаяся в 1943 году, известна своей работой в области фотографии, фото текстового, видео, инсталляции и исполнительского искусства1Полем Она базируется в Бруклин, Нью-Йорк2Полем Искусство Рослера часто решает социальные и политические проблемы, такие как война, пол и потребительская культура3.
Одна из ее заметных сериалов - коллажи «Дом красивый: принести военные дома», которые сопоставляют образы война во Вьетнаме С фотографиями из журналов домашнего декора3Полем Эта серия подчеркивает контраст между насилием войны и комфортом домашней жизни, выступая в качестве критики американского империализма3.
На протяжении всей своей карьеры Рослер была признана за ее заставляющее задуматься и социально сознательное искусство2.
Idelle Weber
Idelle Weber (1932-2020) была американской художницей, известной своей работой в области поп-арта и фотореализма1Полем Она получила признание за свои ранние силуэты с 1960 -х и 70 -х годов, в которых были смиренные черно -белые контуки в корпоративных и домашних условиях1Полем Эти работы часто подрывали визуальный язык рекламы и потребительской культуры, критикуя корпоративный мир и его влияние на общество21.
Искусство Вебера было показано на новаторской выставке 2010 года »Соблазнительная подрывная деятельность: женщины -поп -артисты, 1958–1968"2Полем Ее более поздняя работа расширилась до фотореализма, сосредоточившись на таких предметах, как мусор и городские ландшафты3.
Поскольку вклады послевоенных женщин-артистов были повторно рассмотрены, работа Вебера приобрела новое признание за его инновационный подход и критический комментарий о потребительстве и социальных нормах1.
Розалин Дрекслер, Дэвид Хокни и Рэй Джонсон
Другие странные артисты, такие как Розалин Дрекслер, Дэвид Хокни и Рэй Джонсон, приняли более прямой подход, используя свое искусство, чтобы противостоять вопросам пола, сексуальности и личности. Благодаря своей работе они озвучивали маргинализованную и бросили вызов мейнстриму, чтобы противостоять своими собственными предрассудками и предположениями.
Розалин Дрекслер
Розалин Дрекслер (родился в 1926 году) - американский визуальный художник, писатель, романист, Оби, удостоенный награды драматург, Премия Эмми-Виндирующий сценарист и бывший профессиональный борец1Полем Она считается ключевым феминистским голосом в движении поп -арт2.
Дрекслер начал использовать образы из популярной культуры в 1961 году, в том же году, что и Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн3Полем Ее произведения искусства часто повторяют изображения СМИ, такие как сцены из фильмов, в коллажном виде, сочетая их с смелыми цветами и поразительными композициями2.
Работа Дрекслера исследует темы близости, насилия и мужественности, предлагая личный, а иногда и темный вращение при присвоении POP3Полем Ее опыт работы как матери, женщины -борца и писателя повлияли на эти темы3.
В дополнение к своему визуальному искусству, Дрекслер известна своими удостоенными наградами пьес и романов, которые часто отражают сходные темы и опыт3Полем Ее междисциплинарная художественная практика способствовала ее уникальному подходу к подрывной деятельности и символике в ее художественных работах2.
Дэвид Хокни
Дэвид Хокни (Родился 1937 г.) - английский художник, чертежник, печатник, сценический дизайнер и фотограф, который считается одним из самых влиятельных британских художников 20 -го века и важным участником движения поп -арта1.
Работа Хокни часто подрывала нормы, сочетая различные средства массовой информации, такие как живопись, рисунок, печатное производство, фотография и цифровое искусство, чтобы создать инновационные и отличительные произведения1.
Одна из самых известных сериалов Хокни, его картины для бассейна, продемонстрировал свое увлечение влиянием света на воду и яркие цвета Калифорния пейзаж2Полем Эти работы часто показывают чувство изоляции и самоанализа, бросая вызов традиционному представлению досуга и американской мечты2.
Дэвид Хокнигомосексуальность оказал значительное влияние на его искусство, поскольку он открыто исследовал темы геев и желания в своей работе, даже до того, как гомосексуальность была декриминализирована в 1967 году.1Полем Ранние работы Хокни часто показывают изображения моделей из Телосложение, Fitness Magazine Sublimally продается по отношению к геям1Полем Он стремился «пропагандировать гомосексуальность» через свое искусство, с некоторыми из его самых ранних картин, содержащих сильно кодифицированные ссылки на его стремление к певцу Клифф Ричард2.
Восхищение Хокни поэтом C.P. Кавафи побудил его создать серию принтов, вдохновленных стихами Кавафи о обреченной гомосексуальной любви2Полем Его искусство часто изображало интимные отношения и личный опыт, отражая его жизнь молодого геев в то время, когда гомосексуальность все еще был табу -субъектом2.
Открытость Хокни в отношении его сексуальности и его готовности обратиться к нему в его искусстве сделала его первопроходцем и образец для подражания для сообщества ЛГБТК+2.
Роберт Индиана, Дуэйн Микелс и Кит Харинг
Роберт Индиана, Дуэйн Мишельс и Кит Хэринг каждый сделал свой след в движении поп -арт, используя свои отличительные стили, чтобы исследовать жизнь на культурных полях. Благодаря своему искусству они праздновали богатство и разнообразие человеческого опыта и раздвинули границы того, что искусство может быть и делать.
Роберт Индиана
Роберт Индиана была центральной фигурой в движении поп -арт. Его искусство часто критиковала тенденции потребителей и политические излишки в американской культуре, отражая более темную сторону американской мечты2Полем Но он наиболее известен своим знаковым ЛЮБОВЬ ряд1.
Использование символики в Индиане в его произведении искусства было очевидно в его серии любви, которая стала одним из самых узнаваемых произведений искусства 20 -го века3Полем Простое, но мощное расположение слова «любовь» жирным шрифтом, заглавленные буквы с наклоненными «о» стали символом мира и единства, превзойдя свой первоначальный контекст и резонируя с широкой аудиторией1.
Роберт Индиана эффективно заклеймил любовь. С его произведением использовался различными способами в популярной культуре с момента ее создания в 1960 -х годах. Знаменитый дизайн был воспроизведен в форматах, начиная от крупных общественных скульптур до почтовых маркеров1Полем Во всем мире установлены 50 скульптур любви2Полем Изображение также было показано на бесчисленных товарах товаров, таких как ковры и скейтборды3.
Дуэйн Михалс
Дуэйн Михалс Является ли американский фотограф, известный своим инновационным рассказыванием историй с помощью последовательных фотографий, которые часто исследуют метафизические темы1Полем Его работа подорвала социальные нормы, раздвинув границы фотографии как среду, захватывая идеи и эмоции, а не просто документируя реальность2.
Михалс считал себя режиссером, работающим в кадре, постановки и фотографировал истории, которые он представлял1.
Работа Михалса часто занималась темами жизненной странности и несоответствий, отражая его точку зрения как геев в то время, когда гомосексуальность была менее принята3Полем Он был открыт в отношении своей сексуальности и включил ее в свое искусство, обращаясь к сложностям человеческих отношений и эмоций3.
В дополнение к его новаторским последовательным фотографиям, коммерческая работа Михалса в качестве фотографа журнала также использовала другой подход, снимая портреты людей в их среде, а не в студийной обстановке1.
Жан-Мишель Баскиат
Жан-Мишель Баскиат (1960-1988) был пуэрториканским/гаитянским американским художником, известным своими неоэкспрессионистскими картинами и граффити искусство1Полем Он подрывал социальные нормы благодаря своему сырому, непримиримому стилю, который часто включал текст и образы, которые касались вопросов расы, класса, власти и идентичности2Полем Искусство Баскиата сосредоточено на дихотомиях, таких как богатство против бедности, интеграция против сегрегации и внутренний и внешний опыт3.
Баскиат использовал социальные комментарии в своих картинах в качестве инструмента для самоанализа и для идентификации с его опытом в черном сообществе своего времени, а также атаки на структуры власти и системы расизма3Полем Его визуальная поэтика была остро политической и прямой в их критике колониализма и поддержки классовой борьбы4.
Будучи молодым чернокожим художником, работа Баскиата бросила вызов преимущественно миру белого искусства и привлекла внимание к опыту маргинальных сообществ1Полем Его новаторский подход к искусству и его неповиновение в традиционных художественных нормах сделали его значительной фигурой в неоэкспрессионном движении2.
Устойчивая привлекательность поп -арта и его радикальное наследие
Поп-арт, с его иронической сложностью и застенчивой игривостью, продолжает очаровывать и бросить вызов зрителям и по сей день. Способность движения разговаривать со многими разными людьми и его готовность противостоять и подрывать статус -кво, являются частью его устойчивой привлекательности. И, когда мы оглядываемся назад на его историю, становится ясно, что поп -искусство во всей ее радикальной и подрывной славе сыграло важную роль в формировании нашего современного мира.
...
Как мы видели, поп -арт был гораздо больше, чем просто яркое, поверхностное движение. Это было сложное и многогранное исследование потребительства, политики идентичности и пределов художественного выражения. Наследие поп Искусство и его странные пионеры, как и Энди Уорхол, продолжает отражаться через мир искусства, напоминая нам о трансформирующей силе искусства и важности оспаривания наших предположений и предрассудков.
...
