Pop Art: A Mirror to Society and Catalyst for Change
Pop sztuka zawsze była przesuwającą granice i zniszczy z góry przyjęte pojęcia. Jego nieapologiczne badanie polityki konsumpcjonizmu i tożsamości spowodowało głęboki wpływ na świat sztuki. Ten artykuł zagłębi się w pochodzenie i rozwój wywrotności i buntowniczej sztuki pop. Plus jego fundamentalne powiązania ze społecznością queer i trwałym masowym urokiem formy sztuki, która gra z samym pojęciem samej sztuki ...
Pochodzenie i rozwój pop
Londyńska scena
Pop sztuka pojawiła się w Zjednoczone Królestwo i Stany Zjednoczone w połowie Pod koniec lat 50. XX wieku Jako wyzwanie dla tradycyjnej sztuki. W Londyn, Pop Art rozwijał się prawie jednocześnie ze swoim pojawieniem się w Stanach Zjednoczonych1.
Ruch został zainspirowany kulturą popularną i komercyjną, a artyści starali się włączyć codzienne przedmioty i obrazy do swojej pracy2. Pop Art charakteryzował się wykorzystaniem jasnych kolorów, odważnych linii i obrazów graficznych i często zawierała elementy reklamy, komiksów i kultury popularnej3.
W Londynie, Niezależna grupa, który obejmował artystów, pisarzy i architektów, odegrały kluczową rolę w rozwoju pop sztuki. Grupa odbyła serię wystaw w Institute of Contemporary Arts w Londynie, który pokazał dzieło artystów takich jak Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, I Peter Blake1. Ci artyści byli zainteresowani relacjami między sztuką a kulturą masową i starali się zakwestionować tradycyjne pojęcia sztuki, włączając codzienne przedmioty i obrazy do swojej pracy4.
Na sztukę pop w Londynie wpłynęła także wschodząca kultura młodzieżowa lat 50. i 60. XX wieku, która charakteryzowała się odrzuceniem tradycyjnych wartości i świętowaniem kultury popularnej5.
Pop Art w Stanach Zjednoczonych
Pop sztuka pojawiła się w Stany Zjednoczone w połowie Pod koniec lat 50. XX wieku w odpowiedzi na zmieniający się krajobraz kulturowy Ameryka powojenna. W Stanach Zjednoczonych Art pop otrzymał największy impuls w latach 60. XX wieku, a termin „pop sztuka” został oficjalnie wprowadzony w grudniu 1962 r. Na sympozjum zorganizowanym przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej2.
American Pop Art charakteryzuje się wykorzystaniem popularnych symboli konsumenckich, takich jak przedmioty gospodarstwa domowego i kultowe celebryty, i często włączała techniki i materiały ze świata komercyjnego, takie jak drukowanie ekranu35. Na sztukę pop w Stanach Zjednoczonych wpłynęła także wschodząca kultura młodzieżowa lat 50. i 60. XX wieku, która charakteryzowała się odrzuceniem tradycyjnych wartości i świętowaniem kultury popularnej4.
Ekspansja do Francji, Niemiec Zachodnich i Związku Radzieckiego
We Francji Pop Art charakteryzował się wykorzystaniem jasnych kolorów i odważnych linii i często zawierał elementy reklamy i kultury popularnej1. Francuscy artyści popu, tacy jak Yves Klein I Daniel Spoerri byli zainteresowani relacjami między sztuką a życiem codziennym i starali się zakwestionować tradycyjne pojęcia sztuki, wprowadzając codzienne przedmioty i obrazy do swojej pracy1.
W Niemczech Zachodnich na sztukę popową wpłynęła wschodząca kultura młodzieżowa lat 50. i 60. XX wieku i często włączała elementy satyry politycznej i komentarzy społecznych2. Niemieccy artyści pop, tacy jak Sigmar Polke I Gerhard Richter byli zainteresowani relacjami między sztuką a społeczeństwem i starali się zakwestionować tradycyjne pojęcia sztuki, włączając codzienne przedmioty i obrazy do swojej pracy2.
W Związku Radzieckim Pop Art pojawił się później niż na Zachodzie, a miał na nią duży wpływ klimat polityczny i społeczny tamtych czasów. Radziecka sztuka popu charakteryzowała się wykorzystaniem obrazów o tematyce radzieckiej oraz skupieniem się na komentarzach społecznych i politycznych3.
Dylemat artystyczny i dziwna konieczność podtekstu
Konsumpcjonizm vs. subwersja
Jednym z kluczowych pytań, przed którymi stoi artystów popowych, było to, czy przyjąć wszechobecną kulturę konsumpcyjną, czy ją obalić.
Pop artyści wykorzystali obrazy kultury konsumenckiej do tworzenia dzieł, które były zarówno uroczyste, jak i krytyczne wobec konsumpcjonizmu1. Pop Art był sposobem na obalenie dominującej kultury za pomocą własnych obrazów przeciwko niej, i był sposobem na świętowanie codziennych przedmiotów i obrazów, które często były pomijane przez tradycyjną sztukę piękną4. Niektórzy artyści, jak Warhol, postanowili to wszystko zrobić, a potem niektórzy. Rozmycie linii między sztuką a handlem i rzucając wyzwanie widzowi, aby zakwestionować ich założenia dotyczące całego świata sztuki.
Niektóre z najbardziej znanych dzieł sztuki pop, które krytykowały konsumpcjonizm, obejmują:
• Andy Warhol'S "Campbell's zup puszki" I "Marilyn Monroe„Seria, która wykorzystywała obrazy kultury konsumenckiej do tworzenia dzieł, które były zarówno uroczyste, jak i krytyczne w zakresie konsumpcjonizmu1. Sztuka Warhola charakteryzowała się również wykorzystaniem powtórzeń i serialności, które zakwestionowały tradycyjne pojęcia wyjątkowości i oryginalności w sztuce3.
• Roy Lichtenstein„Whaam!” I "Utonienniająca dziewczyna„Używał zdjęć komiksowych, aby krytykować uprzedmiotowienie kobiet w kulturze popularnej2.
• Claes Oldenburg'S "Giant Hamburger" I "Gigantyczna miękka toaleta„Używane codzienne przedmioty do krytyki ekscesów kultury konsumenckiej3.
• Richard Hamilton„Po prostu co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne?” użył kolażu, aby krytykować kulturę konsumpcyjną lat 50. XX wieku4.
Andy Warhol i fabryka
Warhol, ta enigmatyczna postać, która pojawiła się w ruchu popowym, słynie z jego studia. W ten sposób potwierdził biznesową stronę sztuki i zamazał granice między sztuką a handlem. Jednak pod powierzchnią pracy Warhola istniały wywrotowe elementy, które przeciwstawiły się łatwej kategoryzacji. Fabryka była tyglem sprzeczności, w której zderzyły się codzienne i niezwykłe, a sztuka była zarówno towarem, jak i środkiem kwestionowania status quo.
Wpływ sztuki Dada i egzystencjalizmu
Pop popowy był również pod wpływem Dada, wcześniejszego ruchu artystycznego, który prosperował na chaosie i absurdalności. Artyści Dada, podobnie jak Marcel Duchamp, wyśmiewali tradycyjny świat sztuki, tworząc dzieła, które kwestionowały samą naturę sztuki. Podobnie egzystencjalistyczni filozofowie tamtych czasów, tacy jak Jean-Paul Sartre i Albert Camus, zmagali się z pytaniami o znaczenie i cel ludzkiej egzystencji. Te bliźniacze prądy myślenia stanowiły żyzny grunt dla rozwoju pop sztuki i jej wywrotowych podstaw.
Obóz estetyczny i tożsamości polityki
Notatki Susan Sontag na obozie
W 1964 r. Krytyka kulturowego Susan Sontag opublikowała swój wpływowy esej, Notes on Camp. Opisała w nim nową awangardową wrażliwość, która była zarówno wywrotowa, jak i lekceważąca. Obóz, jak to zdefiniował Sontag, był estetyką, która świętowała sztuczne, przesadzone i teatralne. Był to sposób na oglądanie świata poprzez soczewkę ironii i oderwie.
Esej został opublikowany po raz pierwszy w 1964 roku i był pierwszym wkładem Sontag w Recenzja partyzanta1. Esej rozważa znaczenia i konotacje słowa „obóz” i sposób, w jaki jest ono używane w kulturze popularnej2.
Sontag argumentował, że obóz jest wrażliwością, a nie pomysłem i że charakteryzuje się miłością przesadnego, „off” i rzeczy, co-co nie jest, nie są3. Argumentowała również, że obóz jest sposobem neutralizowania oburzenia moralnego poprzez promowanie zabawnego podejścia do tego, co inni traktują poważnie4.
Esej Sontaga miał głęboki wpływ na rozwój estetyki obozu i jego związek z polityką tożsamości. Estetyka obozu została przyjęta przez LGBTQ Społeczność jako sposób promowania zabawnego podejścia do tożsamości i seksualności4.
Esej Sontaga pomógł również ustalić estetykę obozu jako główną siłę kultury popularnej i miał głęboki wpływ na rozwój sztuki współczesnej i mody3.
Związek między obozem a pop
Połączenia między sztuką popem a estetyką obozu leżą w ich wspólnym świętowaniu kultury popularnej, kiczu i rozmycia granic między „wysoką” i „niską” sztuką12.
Zarówno estetyka popu, jak i estetyka obozu pojawiła się jako reakcje na dominujące modernistyczne ruchy sztuki, które priorytetowo traktowały abstrakcję i tradycyjne wartości artystyczne34. Pop Art włączyła obiekty kultury masowej i gwiazdy mediów do swoich dzieł, podczas gdy estetyka obozów rozkoszowała się samoświadomą kulturą popularną i kiczami12.
Odtworzyli „niską” sztukę w „wysoki” kontekst sztuki, popowe artyści równolegle obozowi i zaangażowanie w marginalne2. Związek między artystyką popową a estetyką obozu podkreśla wpływ zmarginalizowanych społeczności na świat sztuki i wspólne wyzwanie dla tradycyjnych hierarchii artystycznych2.
Rola tożsamości i wydajności
Obóz zapewnił również ramy do badań problemów tożsamości, płci i seksualności. Dla artystów takich jak Warhol, którzy poruszali się po złożoności bycia młodym, homoseksualnym w Nowym Jorku, obóz oferował sposób wyrażania swojej tożsamości i angażowania się ze światem na własnych warunkach. Był to sposób wykonywania tożsamości, zarówno jako jednostki, jak i jako artysty.
Obsesje i objawienia Andy'ego Warhola
Superman jako powtarzający się motyw
W pracy Warhola kultowy superbohater Superman pojawia się jako powtarzający się motyw. Na powierzchni może to wydawać się kolejnym ukłonem w stronę kultury popularnej, ale bliższe badanie ujawnia głębsze, bardziej osobiste połączenie. Superman, obcy imigrant, który zmienia się w wielkim mieście, odzwierciedla własną podróż Warhola jako młody homoseksualny mężczyzna, który wyznaczył swoją tożsamość w krajobrazie miejskim.
Ponadto, jako popularna postać superbohatera w amerykańskich komiksach, ikona kultury Superman, która naturalnie pasowałaby do eksploracji kultury celebrytów i środków masowego przekazu przez Warhola2. Motyw Supermana, z odważnymi kolorami i rozpoznawalnym emblematem, jest również zgodna z artystycznym stylem Warhola i może być postrzegany jako naturalny wybór dla jego języka wizualnego1.
Punkowy popowy okres Warhola
W latach siedemdziesiątych Warhol wszedł w okres eksperymentów artystycznych znany jako jego punkowa faza pop. W tym czasie zagłębił się w ciemniejsze zakątki seksualności i pragnienia, tworząc dzieła takie jak jego niesławne obrazy „sikania”. Dzięki tym prowokującym utworom Warhol nadal kwestionował granice ekspresji artystycznej i badał złożoność tożsamości i seksualności.
Oczywiście istnieje punktowy związek z jego przeszłością ... w pewnym sensie. Muzyka Velvet Underground, którą Warhol zarządzał i wyprodukował, charakteryzowała się buntem klasy robotniczej przeciwko burżuazyjnym smakowi i skorumpowanym systemom konsumpcji1. Warhol Eksplodujący plastik nieunikniony, wydarzenie multimedialne z zespołem, zostało opisane jako „Electronic: Intermedia: Total Scale” i otoczyło Aksamity w ciemnym, mglistym cyrku z stroboskopiem1. Podczas gdy to połączenie z Punk Rock poprzedza lata 70. XX wieku, pokazuje wpływ Warhola na ruch. Eksperymentalne i zbuntowane ... co jest bardziej punkowe?
Commodore Amiga 1000 i wydajność cyfrowa
W 1985 roku, Andy Warhol zbliżył się Commodore International Aby zaprezentować zaawansowane możliwości graficzne nowego komputera osobistego, Amiga 10001.
Warhol entuzjastycznie przyjął okazję i stworzył serię dzieł cyfrowych z wykorzystaniem najnowocześniejszych narzędzi do obrazowania oprogramowania Amiga 1000, takich jak „Folls Flood”, „Kolor paletyzowany” i „kolaż kopii-pasty”1.
Te dzieła cyfrowe od dawna uważano za utracone, ale zostały odkryte w 2014 roku w archiwach Andy Warhol Museum1.W przypadku premiery Amiga 1000 Commodore zaplanował występ teatralny Lincoln Center W Nowy Jork, gdzie Warhol skomponował portret komputerowy Debbie Harry23.
Cyfrowe prace Warhola stworzone na Amiga 1000 zawierały odmiany jego kultowych Campbell's zup puszki, kwiaty i portrety3. Odkryta sztuka cyfrowa została później wystawiona w Warhol Museum2.
Inni wywrotowi artyści popu
Marisol, Nikki de Saint Phalle i Dorothy Grebenak
Wielu artystów używa / używało pop sztuki jako środka do odkrywania i kwestionowania konwencjonalnych pomysłów. O sztuce, polityce, płci, seksualności i innych. Artyści tacy jak Marisol, Nikki de Saint Phalle i Dorothy Grebenak wyrzeźbili swoje unikalne nisze w ruchu, tworząc potężne ciała pracy, które zasługują na większe uznanie i uznanie.
Marisol
Marisol Escobar, znany po prostu jako Marisol, był wenezuelsko-amerykańskim rzeźbiarzem urodzonym w Paryż która zyskała sławę w latach 60. za swoje unikalne zespoły i rzeźby1. Jej praca często łączyła obrazy pop z elementami sztuki ludowej, rozmywając granice między dwoma stylami1.
Często używana sztuka Marisola znalezione przedmioty i inspiracje ze zdjęć lub osobistych wspomnień2. Rzeźby Marisolu często zawierały własną twarz, jak widać w instalacji grupowej figur w Toledo Museum of Art1. Jedna z jej godnych uwagi dzieł ”, Rodzina„(1962), została zainspirowana zdjęciem rodziny, którą znalazła w swoim nowojorskim studio4. Jej rzeźby często działały jako satyryczna krytyka współczesnego życia, w tym przedstawienia społeczeństwa wyższej klasy średniej2.
Szkolenie artystyczne Marisolu było nieregularne i eklektyczne, gdy studiowała w Beaux-Arts w Paryżu w 1949 roku, zanim przeprowadzi się do Nowy Jork3. Jej praca odróżniała się od innych popowych artystów z powodu ludowych i dziecięcych cech w jej rzeźbach2. KNown za jej figuratywne prace, łączące drewno i inne materiały, często grupowane jako table3. Jej innowacyjne podejście do sztuki i jej zdolność do kwestionowania norm społecznych sprawiają, że do dziś jest przekonującą postacią1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle (1930-2002) była francusko-amerykańskim rzeźbiarzem, malarzem, filmowcem i autorką znanej z kolorowych i innowacyjnych dzieł1. Urodzić się Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle, sNie miał formalnego szkolenia w dziedzinie sztuki, ale związany z wieloma współczesnymi artystami, rozwijając idiosynkratyczny styl często określany jako „sztuka outsidera”2.
De Saint PhallePrace obaliły tradycyjne normy artystyczne i oczekiwania. Na początku lat sześćdziesiątych zwróciła uwagę na swoje „tir” lub „Shouring Malown, „gdzie zastrzeliła przygotowane białe zespoły, tworząc poczucie przemocy i zniszczenia w jej sztuce3. Później skupiła się na rzeźbach, tworząc serię „Nanas”, która zawierała lekką, kapryśną i kolorowe na dużą skalę rzeźby zwierząt, potworów i postaci żeńskich2.
Jej najbardziej wszechstronna praca, Tarot Garden, był dużym ogrodem rzeźby zawierającym liczne prace od kreacji wielkości domów, zainspirowane przez Antoni Gaudí'S Parc Güell i parco dei mostri w Bomarzo, Włochy4.
Przez całą karierę De Saint Phalle wykorzystała swoją sztukę do aktywizmu, zajmując się kwestiami społecznymi i politycznymi oraz promując radość i pozytywność3.
Dorothy Grebenak
Dorothy Grebenak (1913-1990) była amerykańską artystką popową znaną ze swoich dużych, ręcznie zaciągniętych dywanów wełnianych z znanymi tematami, takimi jak karty giełdowe baseballowe, Fala pudełka i rachunki dolara12.
W dużej mierze samouk, praca Grebenaka obaliła normy, biorąc codzienne obrazy komercyjne i tłumacząc je na tradycyjne medium rzemieślnicze, które często uważano za kampowe niż wywrotowe2.
Podczas gdy jej męski rówieśnicy w popowym ruchu, jak Andy Warhol I Roy Lichtenstein, zyskała sławę za korzystanie z komercyjnych obrazów, praca Grebenaka została w dużej mierze przeoczona i zdewaluowana w jej czasie2. Jednak jej praktyka artystyczna podzieliła podobną centralną przesłankę ze swoimi współczesnymi, wyciągając tekst i obrazy z mediów komercyjnych i tłumacząc je na inne medium2.
Pomimo skromnego sukcesu krytycznego i komercyjnego w połowie wieku, Grebenak prawie zniknął ze świata sztuki wkrótce2. Wiele jej dywanów albo zniknęło lub rozpadło się2. Po śmierci męża w 1971 roku przeniosła się Londyn, gdzie zmarła w 1990 roku2.
Prace Grebenaka można postrzegać jako komentarz do kultury konsumenckiej i wartości codziennych przedmiotów, wykorzystując humor i unikalne medium do kwestionowania norm artystycznych2. Praca Grebenaka jest często cytowana jako pomijana w ruchu popowym, a jej powody opuszczenia świata sztuki pozostają dyskutowane2.
Siostra Corita Kent, Martha Rosler i Idelle Weber
Podobnie siostra Corita Kent, Martha Rosler i Idelle Weber wykorzystali swoją sztukę do przesłuchania otaczającego ich świata, kwestionując normy społeczne i oczekiwania, które rządzą ich życiem jako kobiet i artystów. Ich praca była świadectwem transformacyjnej siły sztuki i jej zdolności do zmiany sposobu, w jaki postrzegamy świat.
Siostra Corita Kent
Siostra Corita Kent (1918–1986), urodzony Frances Elizabeth Kent, była amerykańską artystką, projektantką, pedagogiem i byłą siostrą religijną znaną ze swojej tętniącej życiem i świadomej społecznie1.
Dołączyła do Siostry nieskazitelnego serca z Mary W wieku 18 Mary Corita Kent1. Studiowała sztukę w Chouinard Art Institute (Teraz Calarts) i uzyskał dyplom Los Angeles'S Niepokalany Heart College2.
Dzieła sztuki Kent połączone z cytatów z Biblia, współczesna poezja i popularne teksty piosenek z obrazami religijnymi lub świecką3. Jej odważne i kolorowe nadruki z jedwabiu popierały sprawiedliwość społeczną, zajmując się takimi kwestiami, jak ubóstwo, głód i pokój4. Zyskała sławę na początku lat 60. XX wieku i nadal tworzyła sztukę, nawet po opuszczeniu swojego klasztoru4.
Praca Cority Kent była obchodzona za potężne przesłanie nadziei, miłości i świadomości społecznej4.
Martha Rosler
Martha Rosler jest amerykańską artystką urodzoną w 1943 roku, znaną ze swojej pracy w fotografii, tekstu, wideo, instalacji i sztuce performance1. Ona ma siedzibę Brooklyn, Nowy Jork2. Sztuka Roslera często zajmuje się kwestiami społecznymi i politycznymi, takimi jak wojna, płeć i kultura konsumencka3.
Jedną z jej godnych uwagi serii jest kolaże „House Beautiful: Bringing the War Home”, które zestawiają obrazy wojna wietnamska Z zdjęciami z magazynów Décor Home3. Ta seria podkreśla kontrast między przemocą wojny a komfortem życia domowego, służąc jako krytyka amerykańskiego imperializmu3.
W trakcie swojej kariery Rosler była rozpoznawana za sztukę prowokującej do myślenia i świadomej społecznie2.
Bieżnik Weber
Bieżnik Weber (1932-2020) była amerykańską artystką znaną ze swojej pracy w popowej sztuce i fotorealizmie1. Uznała swoje wczesne prace sylwetki z lat 60. i 70. XX wieku, które zawierały bez twarzy czarno -białe wyprofilowane postacie w warunkach korporacyjnych i krajowych1. Prace te często podważały wizualny język reklamy i kultury konsumenckiej, krytykując świat korporacyjny i jego wpływ na społeczeństwo21.
Sztuka Webera pojawiła się na przełomowej wystawie 2010 ”Uwodzicielska subwersja: artyści pop pop, 1958–1968"2. Jej późniejsze prace rozszerzyły się na fotorealizm, koncentrując się na takich tematach, jak śmieci i krajobrazy miejskie3.
Ponieważ wkład powojennych kobiet został ponownie zbadany, prace Weber zyskały ponowne uznanie za innowacyjne podejście i krytyczne komentarze na temat konsumpcjonizmu i norm społecznych1.
Rosalyn Drexler, David Hockney i Ray Johnson
Inni queer artyści, jak Rosalyn Drexler, David Hockney i Ray Johnson, przyjęli bardziej bezpośrednie podejście, wykorzystując swoją sztukę do konfrontacji z problemami płci, seksualności i tożsamości. Poprzez swoją pracę oddali głos marginalizowanym i rzucili wyzwanie głównym nurcie, aby stawić czoła własnym uprzedzeniom i założeniom.
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler (ur. 1926) to amerykański artysta wizualny, pisarz, Nagradzany OBIE dramaturg, Nagroda Emmy-Winujący scenarzysta i były profesjonalny zapaśnik1. Jest uważana za kluczowy głos feministyczny w popowym ruchu2.
Drexler zaczął używać zdjęć z kultury popularnej w 1961 roku, w tym samym roku Andy Warhol I Roy Lichtenstein3. Jej grafika często przetwarza obrazy medialne, takie jak sceny z filmów, w sposób kolażowy, łącząc je z odważnymi kolorami i uderzającymi kompozycjami2.
Praca Drexlera bada tematy intymności, przemocy i męskości, oferując osobiste i czasem ciemniejsze spin na popu3. Jej doświadczenia jako matki, zapaśniczka i pisarz wpłynęły na te tematy3.
Oprócz swojej sztuki wizualnej, Drexler znana jest ze swoich wielokrotnie nagradzanych sztuk i powieści, które często odzwierciedlają podobne tematy i doświadczenia3. Jej multidyscyplinarna praktyka artystyczna przyczyniła się do jej unikalnego podejścia do wywrotu i symboliki w jej dziełach2.
David Hockney
David Hockney (Urodzony w 1937 r.) To angielski malarz, rysownik, grafik, projektant sceny i fotograf, uważany za jednego z najbardziej wpływowych brytyjskich artystów XX wieku i ważnego przyczynia się do ruchu pop -art1.
Praca Hockneya często podważała normy, łącząc różne media, takie jak malowanie, rysunek, grafika, fotografia i sztuka cyfrowa, w celu tworzenia innowacyjnych i charakterystycznych dzieł1.
Jedna z najsłynniejszych serii Hockneya, jego obrazy basenowe, pokazał jego fascynację wpływem światła na wodę i żywych kolorów Kalifornia krajobraz2. Te prace często zawierały poczucie izolacji i introspekcji, kwestionując tradycyjną reprezentację wypoczynku i amerykański snów2.
David HockneyHomoseksualizm miał znaczący wpływ na jego sztukę, ponieważ otwarcie badał tematy gejowskiej miłości i pragnienia w swojej pracy, nawet zanim homoseksualizm został dekryminalizowany w 1967 roku1. Wczesne prace Hockneya często zawierały obrazy modeli z Budowa ciała, magazyn fitness supernko sprzedawany w kierunku gejów1. Starał się „propagować homoseksualizm” poprzez swoją sztukę, z niektórymi z jego najwcześniejszych obrazów zawierających mocno skodyfikowane odniesienia do jego pragnienia piosenkarza Cliff Richard2.
Podziwia Hockneya dla poety C.P. Cavafy Doprowadził go do stworzenia serii wydruków inspirowanych wierszami Cavafy'ego o skazanej na homoseksualną miłość2. Jego sztuka często przedstawiała intymne relacje i osobiste doświadczenia, odzwierciedlając jego życie jako młodego geja w czasach, gdy homoseksualizm był nadal przedmiotem tabu2.
Otwartość Hockneya na temat jego seksualności i chęci zajęcia się tym w jego sztuce sprawiły, że stał się Trailblazerem i wzorem do naśladowania dla społeczności LGBTQ+2.
Robert Indiana, Duane Michels i Keith Haring
Robert Indiana, Duane Michels i Keith Haring odcisnęli swoje piętno na ruchu sztuki pop, wykorzystując swoje charakterystyczne style do eksploracji życia na marginesach kulturowych. Dzięki swojej sztuce świętowali bogactwo i różnorodność ludzkiego doświadczenia i przekraczali granice sztuki.
Robert Indiana
Robert Indiana była centralną postacią w popowym ruchu. Jego sztuka często krytykowała tendencje konsumenckie i polityczne ekscess w kulturze amerykańskiej, odzwierciedlając ciemniejszą stronę amerykańskiego snu2. Ale najbardziej znany jest ze swojego kultowego MIŁOŚĆ seria1.
Użycie Symbologii w Indianie w jego dziełach było widoczne w jego serii miłosnych, która stała się jedną z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki XX wieku3. Prosta, ale potężna aranżacja słowa „miłość” odważnymi, skapitalizowanymi literami z przechylonym „O” stał się symbolem pokoju i jedności, przekraczając jego oryginalny kontekst i rezonując z szeroką publicznością1.
Robert Indiana skutecznie nazywał miłość. Z jego grafiką był używany na różne sposoby w kulturze popularnej od jej stworzenia w latach 60. XX wieku. Kultowy projekt został odtworzony w formatach, od dużych publicznych rzeźb po znaczki pocztowe1. Na całym świecie zainstalowanych jest 50 rzeźb miłosnych2. Obraz został również przedstawiony na niezliczonych produktach towarów, takich jak dywany i deskorolki3.
Duane Michals
Duane Michals jest amerykańskim fotografem znanym ze swojej innowacyjnej historii poprzez sekwencyjne zdjęcia, które często badają tematy metafizyczne1. Jego praca obaliła normy społeczne, przekraczając granice fotografii jako medium, uchwycając pomysły i emocje, a nie tylko dokumentowanie rzeczywistości2.
Michals uważał się za reżysera pracującego w Stills, wystawiając i fotografując historie, które sobie wyobrażał1.
Praca Michalsa często dotyczyła tematów dziwności i niezgodności życia, odzwierciedlając jego perspektywę jako geja w czasach, gdy homoseksualizm był mniej zaakceptowany3. Był otwarty na swoją seksualność i włączył ją do swojej sztuki, zajmując się złożonością relacji międzyludzkich i emocji3.
Oprócz przełomowych sekwencyjnych zdjęć, praca komercyjna Michalsa jako fotografa magazynu również przyjęła inne podejście, rejestrując portrety ludzi w ich środowisku, a nie w scenerii studyjnej1.
Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960–1988) był portorykańskim/haitańskim artystą znanym z neo-ekspresjonistycznych obrazów i Graffiti sztuka1. Obalił normy społeczne poprzez swój surowy, nieapologiczny styl, który często zawierał tekst i obrazy, które zajmowały się kwestiami rasy, klasy, mocy i tożsamości2. Sztuka Basquiat koncentruje się na dychotomiach, takich jak bogactwo kontra ubóstwo, integracja kontra segregacja i wewnętrzne kontra zewnętrzne doświadczenie3.
Basquiat użył komentarzy społecznych w swoich obrazach jako narzędzie do introspekcji i do identyfikacji ze swoimi doświadczeniami w czarnej społeczności swoich czasów, a także ataków na struktury władzy i systemy rasizmu3. Jego poetyka wizualna była bardzo polityczna i bezpośrednio w krytyce kolonializmu i poparcia walki klasowej4.
Jako młody czarny artyst1. Jego przełomowe podejście do sztuki i jego bunt tradycyjnych norm artystycznych uczyniło go znaczącą postacią w ruchu neo-ekspresji2.
Trwałe urok sztuki pop i jej radykalne dziedzictwo
Pop Art, z ironiczną złożonością i samoświadomą zabawą, do dziś urzeka publiczność. Zdolność ruchu do rozmowy z tak wieloma różnymi ludźmi i jego gotowość do konfrontacji i obalenia status quo są częścią jego trwałego uroku. I, patrząc wstecz na jego historię, jasne jest, że pop, w całej swojej radykalnej i wywrotowej chwale, odegrała znaczącą rolę w kształtowaniu naszego współczesnego świata.
...
Jak widzieliśmy, pop sztuka była czymś więcej niż tylko krzykliwym, powierzchownym ruchem. Było to złożone i wieloaspektowe badanie konsumpcjonizmu, polityki tożsamości i granic ekspresji artystycznej. Dziedzictwo popu Sztuka i jej queer pionierów, podobnie jak Andy Warhol, nadal rozbrzmiewa w świecie sztuki, przypominając nam o transformacyjnej sile sztuki i znaczeniu kwestionowania naszych założeń i uprzedzeń.
...
