Togli il colore e il corpo discute le sue ragioni: il contorno nervoso incontra la disciplina di gelatina d'argento di un fotografo, uno sguardo troppo consapevole per guardare oltre.

Scegli tra disegni di nudo in bianco e nero che mantengono il tremore espressionista della mano, ritratti nudi costruiti dall'immobilità fotografica, o schizzi a carboncino e incisioni seppia per l'accusa di qualcosa di crudo e audace.

Appendi una stampa di nudo in bianco e nero per pareti che favoriscono la suggestione, o invita un dipinto di nudo a casa dove il chiaroscuro fa ciò che il colore non potrebbe mai fare: il desiderio spogliato delle sue ossa strutturali, che guarda indietro.

Le radici della fotografia di nudo affondano nelle "accademie" create per pittori e scultori nel 19esimo secolo, e l'immagine in scala di grigi portò avanti quel peso accademico nella fotografia artistica vera e propria quando il mezzo trovò la sua base mentre la fotografia si affermava sempre più come mezzo artistico intorno al 1900. Spogliato di colore, il nudo si legge innanzitutto come linea, tono e forma - una riduzione che riecheggia ancora la disciplina del disegno da un modello dal vivo.

Lo storico dell'arte Kenneth Clark ha sostenuto che essere nudi significa semplicemente essere privati ​​dei vestiti, mentre "nudo" non comporta tale disagio nell'uso educato, poiché descrive un corpo che un artista ha idealizzato piuttosto che uno semplicemente riprodotto dalla vita. Il critico John Berger si è opposto, sostenendo che un corpo nudo deve essere visto come un oggetto per poter diventare un nudo – una distinzione che ancora modella il modo in cui curatori e collezionisti parlano del genere oggi.

Molto prima che l’identità gay potesse essere dichiarata apertamente, i fotografi che lavoravano nel Mediterraneo – Wilhelm von Gloeden e Guglielmo Plüschow tra loro – mettevano in scena visioni di nudo di un’Arcadia idealizzata sotto la copertura dello studio accademico classico. Verso la metà del XX secolo quella codifica lasciò il posto a qualcosa di più diretto: fotografi come Will McBride e Herbert Roettgen posero il nudo maschile al centro del loro lavoro come espressione aperta della propria omosessualità e coming out.

Il filo è lungo e ininterrotto: la nudità maschile nell'arte è stata letta come eroica fin dall'antica Grecia, e chiare sfumature omoerotiche emergono nel lavoro di artisti che vanno da Michelangelo a Henry Scott Tuke. La fotografia in scala di grigi ha acquisito la stessa carica nel XX secolo, dando al vocabolario classico dei pittori una casa moderna, basata sugli obiettivi.

Non comodamente. Fotografi come F. Holland Day hanno prodotto lavori sfruttando soggetti nudi maschili neri, ammirandone i fisici e allo stesso tempo estraendoli dal loro tempo, luogo e identità: un'eredità di studiosi contemporanei ora lavora attivamente per nominare e correggere, ricentrando i fotografi queer neri che rivendicano la stessa tradizione della scala di grigi alle loro condizioni.

La fotografia di nudo ha sempre funzionato come una negoziazione tra rivelare e nascondere, e il bianco e nero ha accentuato quella tensione invece di ammorbidirla. Un nudo del 1927 di George Spencer Watson una volta fece temere ai consiglieri locali che avrebbe corrotto la morale pubblica: la stessa immagine oggi non suscita alcun commento. Ciò che contava come indecente in un nudo raramente era il corpo stesso; era il contesto: un cappello moderno invece di un'ambientazione mitologica, la vera identità di un soggetto, una stanza riconoscibile. La fotografia in scala di grigi ha ereditato lo stesso argomento e lo ha affinato, togliendo il conforto del colore e lasciando solo la forma, lo sguardo e l'esposizione su cui combattere.