Qui, l'eccesso teatrale del barocco gay diventa un vocabolario per nascondere e rivelare nella stessa pennellata. Ogni torso illuminato da una candela, ogni mascella serrata colta nel mezzo dell'estasi, si legge in due modi. Uno per l'altare, uno per l'uomo che lo ha dipinto, sapendo esattamente cosa significasse. Questa è l'arte barocca spogliata dei suoi alibi.

Riprodotte come stampe d'arte, tele o quadri barocchi incorniciati, queste immagini portano quella doppia lettura in stanze costruite per guardarle due volte. Laddove l’arte e la pittura neobarocca fanno rivivere il dramma oggi, persiste la metafora dell’armadio: il chiaroscuro come la più antica tecnologia posseduta dagli uomini queer per essere visti senza essere scoperti.

L'arte barocca gay si riferisce all'arte barocca del XVII secolo che porta con sé desiderio omosessuale, ambiguità di genere o desiderio queer codificato all'interno del suo soggetto, il più delle volte attraverso il mito, il martirio o la ritrattistica cortese piuttosto che la rappresentazione diretta. L'etichetta viene applicata retrospettivamente: "queer" non era un termine d'epoca, ma gli studiosi ora leggono dipinti e sculture del periodo dell'arte barocca come contenenti genuini contenuti omoerotici, sia attraverso le relazioni documentate degli artisti (Caravaggio e i suoi modelli), la copertura mitologica (Ganimede, Bacco, Antinoo) o corpi ambigui come i castrati. Oggi il termine comprende anche l’arte neobarocca e la pittura neobarocca che fa rivivere questo linguaggio visivo – luce drammatica, figurazione muscolare, eccesso teatrale – per rappresentare soggetti queer apertamente piuttosto che sotto mentite spoglie.

I modelli di Caravaggio erano spesso tratti dalle strade di Roma piuttosto che da prototipi classici, e molti - tra cui Mario Minniti, il suo amante documentato - appaiono ripetutamente nella sua arte barocca del XVII secolo in pose che gli studiosi ora leggono come apertamente cariche. Uno studioso le ha definite tra le opere più apertamente omoerotiche dell'arte occidentale prima del XX secolo. Il suo mecenate, il cardinale Francesco Maria del Monte, era noto per coltivare circoli intellettuali omoerotici, che plasmarono direttamente la produzione pittorica del primo barocco dell'artista.

Michelangelo lavorò alla fine del Rinascimento, poco prima del Barocco vero e proprio, ma la sua influenza sul linguaggio visivo omoerotico del periodo è profonda. I suoi disegni di presentazione per Tommaso de' Cavalieri e le sue interpretazioni di Ganimede e Fetonte sono spesso citati come alcune delle più chiare dichiarazioni di sentimenti omosessuali della storia dell'arte: una grammatica visiva che i successivi pittori barocchi portarono avanti nell'arte barocca pienamente realizzata del XVII secolo.

Il Bacco di Caravaggio, dipinto sotto il patrocinio di Del Monte, si allontana dalla posizione di dio mentore della tradizione precedente e si siede invece mezzo nudo su un divano, offrendo vino direttamente allo spettatore. Letto in contrasto con il mondo omosociale della corte di Del Monte, la figura funziona meno come un mito e più come una controfigura intenzionalmente queer, vestita in modo moderno - un dispositivo ricorrente nelle stampe d'arte barocche che raffigurano il dio.

Il fratello di Luigi XIV, Filippo, duca d'Orléans, manteneva apertamente amanti maschi e veniva spesso dipinto o inciso come Ganimede o Bacco, un'inquadratura mitologica che consentiva ai pittori di corte di avvicinarsi all'argomento senza scandalo diretto. Gli storici descrivono come la sodomia a corte fosse spesso tollerata se avvolta in raffinatezza estetica e lignaggio. I cantanti castrati come Farinelli, che occupano un corpo né pienamente maschile né femminile, furono dipinti con lo stesso trattamento ambiguo e idealizzato.

Laddove l'arte barocca del 1600 spesso nascondeva il desiderio omosessuale all'interno del mito o del martirio, l'opera neobarocca tende a dichiarare apertamente il suo soggetto, pur prendendo in prestito l'illuminazione teatrale, la figurazione muscolare e l'eccesso emotivo del periodo originale. Non si tratta tanto di una rottura con il periodo dell'arte barocca quanto di una sua continuazione sotto differenti permessi sociali.