John Singer Sargent: Ritrattista dell'Anima di un'Epoca

Alla fine del XIX secolo, un certo bagliore magnetico sembrava seguire John Singer Sargent ovunque posizionasse il suo cavalletto. La sua pittura rapida e precisa e il suo occhio incisivo per i dettagli sarebbero diventati il simbolo di un momento culturale che ora ricordiamo come l'Età Dorata, catturando l'ambizione, l'eleganza e le tensioni nascoste di un mondo in movimento.

I critici lo definirono un maestro ritrattista, ma i suoi talenti andavano ben oltre i salotti dell'aristocrazia. Vagabondando per l'Europa da giovane, immergendosi nel dinamismo del flamenco spagnolo o nel trambusto dei bazar nordafricani, Sargent acquisì una visione ampia che si riversò su ogni tela che toccava.

Dai saloni regali di Londra alle strade irrequiete di Parigi e New York, ha distillato lo spirito di un'epoca—un'epoca intrisa di opulenza ma tormentata da un sussurro di fragilità.

Questo talento travolgente ha plasmato un'eredità che risuona fino ad oggi, e comprendere Sargent significa tracciare l'arco irrequieto di un pittore che rifiutava di rimanere in un solo luogo—artisticamente, culturalmente o geograficamente.

Nonostante l'eleganza dei suoi ritratti formali, era, in molti modi, un nomade americano: un viaggiatore della società, sempre in bilico tra il vecchio mondo e il nuovo.

Punti Chiave

• Scopri come John Singer Sargent è diventato il ritrattista per eccellenza del suo tempo.
• Scopri l'integrazione unica delle tecniche Impressioniste nei ritratti di Sargent.
• Apprezza l'ampiezza dell'opera di Sargent, inclusi i suoi paesaggi e murales oltre ai ritratti di società.
• Scopri le profondità personali e culturali rivelate nei dipinti di Sargent.
• Esamina l'influenza duratura di Sargent sull'arte americana e la sua continua rilevanza nei tempi moderni.
• Esplora la ricchezza dell'arte di  Sargent e la sua cattura dello spirito di un'epoca in dettagli vividi.

La Creazione di un Maestro: John Singer Sargent come Espatriato Americano

Il viaggio di John Singer Sargent iniziò tra la bellezza carica d'arte di Firenze, Italia, dove i suoi primi anni furono vividi e non convenzionali come i tratti di pennello che avrebbero poi definito la sua arte. Nato in una famiglia cosmopolita di espatriati, la giovinezza di Sargent fu segnata da uno stile di vita itinerante—i suoi genitori lo portarono attraverso i centri culturali d'Europa, offrendogli un'educazione immersa nelle grandi tradizioni dell'arte occidentale.

I ricchi tessuti della Toscana formarono lo sfondo dei suoi anni formativi, pieni di visite ai musei e lezioni sulla grandiosità dell'arte rinascimentale. La madre di Sargent, Mary, un'ereditiera di Filadelfia e pittrice dilettante di acquerelli, coltivò in lui un amore perpetuo per il mondo visivo, nonostante le pressioni sociali che scoraggiavano le donne dal perseguire tali passioni. La ricerca incessante di bellezza e cultura di Mary portò la famiglia attraverso la Svizzera, Parigi, Salisburgo, Milano, Genova e Roma, nutrendo il talento artistico nascente di suo figlio.

L'educazione di Sargent fu non convenzionale. Come itineranti permanenti, la sua famiglia raramente aveva le risorse per un'istruzione tradizionale, quindi suo padre fornì una versione del XIX secolo dell'istruzione domestica, concentrandosi su qualunque opportunità i loro viaggi presentassero. Musei, biblioteche, giardini e antiche rovine divennero le aule di Sargent, offrendogli un'educazione unica e immersiva che incise una curiosità e versatilità nella sua pratica artistica.

Carolus-Duran e l'Influenza dei Maestri Antichi

Il padre di Sargent sperava che potesse diventare un ufficiale di marina, ma divenne presto chiaro che la passione di John era per l'arte​. Nel 1874, all'età di 18 anni, si trasferì a Parigi, allora il centro del mondo dell'arte, per formarsi formalmente come pittore​. Si iscrisse alla prestigiosa École des Beaux-Arts e, cosa cruciale, entrò nell'atelier indipendente di Charles Auguste Émile Durand, meglio conosciuto come Carolus-Duran, un ritrattista alla moda famoso per la sua tecnica moderna​. Sotto la guida di Carolus-Duran, Sargent fu spinto ad abbandonare la timida pennellata accademica a favore di una pittura audace e diretta.

Carolus-Duran insisteva che i suoi studenti dipingessero au premier coup, o “al primo tocco” – una forma di tecnica alla prima che coinvolgeva l'applicazione della pittura bagnato su bagnato con colpi di pennello sicuri​. Questo metodo incoraggiava uno stile ampio e pittorico e richiedeva precisione tecnica e coraggio in egual misura​. Sargent abbracciò questo approccio radicale, padroneggiando rapidamente l'arte di catturare una scena o un soggetto in un'unica, vivace pennellata. La sua capacità di “disegnare con un pennello,” rendendo le forme con tratti fluidi ma precisi, sarebbe diventata un tratto distintivo del suo lavoro​.

Mentre affinava il suo mestiere a Parigi, Sargent si immerse anche nell'eredità dei Maestri Antichi. Carolus-Duran, che ammirava il pittore spagnolo del XVII secolo Velázquez, indirizzò Sargent a studiare i grandi maestri europei come Diego Velázquez, Rembrandt, e Tiziano​.

Nel 1879, Sargent viaggiò a Madrid per copiare i dipinti di Velázquez al Prado, e l'anno successivo in Olanda per studiare la pennellata espressiva di Frans Hals​. Queste influenze hanno profondamente plasmato l'identità artistica di Sargent. Da Velázquez ha assorbito un senso di composizione e tonalità, da Hals una scioltezza e vitalità nella pennellata, e da Rembrandt un'intuizione penetrante nel carattere.

Nei suoi primi vent'anni, Sargent stava sintetizzando queste influenze dei Maestri Antichi con tecniche moderne, raggiungendo ciò che un critico avrebbe chiamato une simplicité savante – una “semplicità sapiente” che rendeva il suo lavoro al contempo classicamente informato e sorprendentemente fresco​.

Ritratti Alla Prima e il Potere del Realismo

Sotto la guida di Carolus-Duran, Sargent sbocciò in un prodigio tecnico. Sorprese istruttori e colleghi vincendo onorificenze al Salon di Parigi mentre era ancora nei suoi primi vent'anni: una Menzione d'Onore nel 1879 per il suo ritratto di Carolus-Duran stesso, e una medaglia di Seconda Classe nel 1881 per un ritratto di Madame Ramón Subercaseaux​.

I critici commentarono sulla bravura pennellata del giovane americano e sulle composizioni non convenzionali che sfidavano le norme accademiche senza completamente sovvertirle​.

L'influenza di Carolus-Duran è evidente nell'approccio audace di Sargent: l'uso di ombre profonde e non modulate e di luci tremolanti, e un enfasi sull'immediatezza rispetto a una stratificazione laboriosa. Sargent dipingeva “wet-into-wet” – mescolando e modellando le forme sulla tela con pennellate spontanee – che conferivano ai suoi migliori ritratti un senso di presenza viva e pulsante​.

Alla fine degli anni '70 dell'Ottocento, la nascente maestria alla prima di Sargent brillava sia nei ritratti che nelle scene di genere. Uno dei primi trionfi fu Le figlie di Edward Darley Boit (1882), un ritratto di quattro giovani sorelle a Parigi che Sargent compose in modo non convenzionale ed enigmatico – con le ragazze disposte informalmente in una stanza oscura e spaziosa. Il dipinto, ormai famoso per la sua atmosfera inquietante, mostrava il debito di Sargent verso il Las Meninas di Velázquez nella sua audace composizione e nell'interazione di luce e ombra​.

Un'altra opera fu El Jaleo (1882), una rappresentazione a grandezza naturale di una ballerina di flamenco che si esibisce con musicisti, ispirata dai viaggi di Sargent in Spagna. Quando El Jaleo debuttò, gli spettatori furono sbalorditi dalla sua illuminazione teatrale e dalla pennellata dinamica: la ballerina vortica in gonne bianche al centro mentre chitarristi e spettatori svaniscono nell'oscurità fumosa ai margini, un effetto di movimento e mistero che un contemporaneo descrisse come rendere la tela "una cosa vivente". Queste opere annunciarono che Sargent poteva gestire non solo ritratti di società raffinati ma anche scene drammatiche e innovative pulsanti di energia.

La tecnica di pittura ritrattistica di Sargent a questo punto era audace e fluente. Lavorando principalmente da sedute dal vivo, schizzava rapidamente la posa a carboncino, poi attaccava la tela con pennelli larghi, spesso completando un ritratto in molte meno sessioni rispetto ad altri ritrattisti dell'epoca. Il suo rapido e infallibile tratto di pennello metteva in risalto il lucido degli abiti di raso, il luccichio dei gioielli, la morbidezza della pelle e lo scintillio negli occhi con un'economia di mezzi sorprendente.

“Un ritratto è un dipinto con qualcosa che non va nella bocca,” scherzava una volta Sargent, riconoscendo la notoria difficoltà di accontentare i suoi soggetti. Infatti, era un perfezionista che a volte raschiava via e ridipingeva un volto più volte per farlo bene. Ma quando tutto andava per il meglio, il risultato era un ritratto che pulsava di vita, catturando non solo l'aspetto fisico di un soggetto ma anche un'impressione della loro personalità e umore.

Un esempio iconico è Lady Agnew of Lochnaw (1892), un ritratto a mezza figura di una giovane aristocratica scozzese. La rappresentazione rilassata ma regale di Lady Agnew da parte di Sargent – seduta su una sedia imbottita, guardando direttamente lo spettatore con un leggero sorriso – combinava delicatezza e forza tranquilla in ugual misura. L'armonia cromatica sfumata del dipinto di lavanda, avorio e grigi morbidi e le sue pennellate sicure e fluide lo resero un successo immediato, migliorando la reputazione di Sargent come virtuoso del ritratto dell'epoca.

Scandali e Trionfi: Madame X e Sfida alla Società

Al Salon di Parigi del 1884, Sargent svelò un ritratto che sperava avrebbe consolidato la sua posizione tra i ritrattisti d'élite della Francia – un dipinto ufficialmente intitolato Ritratto di Madame Pierre Gautreau ma ora famoso come “Madame X.” Il soggetto, Virginie Amélie Gautreau, era una giovane socialite parigina nata in America, celebrata per la sua bellezza e stile eccentrico.

Sargent la ritrasse in un elegante abito nero con spalline gioiello, una spallina originariamente dipinta scivolando provocatoriamente dalla spalla – una posa che sentiva catturasse la sua personalità. La reazione fu esplosiva. Mentre Sargent aveva inteso il ritratto come una rappresentazione audace ma di buon gusto dell'eleganza moderna, molti spettatori del Salon lo trovarono scioccante e indecente, leggendo la spallina caduta e la pelle pallida e incipriata di Virginie come suggestive e "sconvenienti."

Le denunce dei critici francesi furono feroci: Gautreau fu mortificata e Sargent, sgomento per lo scandalo che aveva involontariamente causato, ridipinse la spallina al suo posto corretto sulla spalla per placare il tumulto​. Era troppo tardi – Parigi si era fatta un'idea. "Un ritratto [di una signora] dovrebbe mostrare una donna di moda, non una donna caduta," sniffarono le matrone della società. La clientela di Sargent a Parigi svanì da un giorno all'altro; l'artista in seguito scherzò dicendo che ogni volta che dipingeva un ritratto, perdeva un amico. Affrontando l'imbarazzo e una perdita improvvisa di commissioni, il pittore ventottenne si ritirò a Londra per ricostruire la sua carriera​.

Ironia della sorte, Madame X è ora considerato il capolavoro di Sargent e una delle immagini che definiscono l'Età dell'Oro. Con il suo contrasto netto tra la pelle alabastrina di Madame Gautreau e uno sfondo bronzo piatto, e il suo profilo altezzoso girato in perfetta silhouette, il dipinto possiede un'attrattiva senza tempo.

La sfida alla società insita nel ritratto di Sargent – mostrando una donna con disinvolta compostezza e sensualità – segnò un punto di svolta nella ritrattistica​. Non più semplicemente decorazioni lusinghiere, i ritratti potevano essere dichiarazioni di personalità e persino provocazione. Come nota lo storico dell'arte Trevor Fairbrother, Sargent "non era un grande pittore della società, era un grande pittore che dipingeva la società" – infondendo i suoi ritratti di società con profondità psicologica e stile moderno​. 

Madame X oggi è appeso al Metropolitan Museum of Art di New York, emblematico di come Sargent abbia catturato il glamour e la tensione dell'Età dell'Oro. Nell'abito nero corvino di Virginie Gautreau e nella posa aristocratica, si vede sia l'opulenza della moda haute monde che un accenno all'indipendenza trasgressiva a cui tali donne aspiravano, prefigurando i cambiamenti nei ruoli delle donne nel nuovo secolo​.

Londra alla fine offrì a Sargent una seconda opportunità. Con l'aiuto di amici come lo scrittore Henry James , che descrisse Sargent come “civilizzato fino alla punta delle dita” e lo introdusse con entusiasmo all'alta società britannica, Sargent lentamente acquisì nuovi mecenati.

Entro la fine degli anni 1880 e 1890, divenne il ritrattista di scelta per l'élite benestante su entrambi i lati dell'Atlantico. Il suo studio in Tite Street a Chelsea (precedentemente occupato da James McNeill Whistler) divenne una vera e propria parata di nobiltà, industriali, artisti e celebrità che posavano per i loro ritratti.

Tra i ritratti dell'alta società dell'età dorata di Sargent c'erano ritratti di donne aristocratiche come Lady Gertrude Agnew, Mrs. Isabella Stewart Gardner (1888) – l'influente mecenate d'arte di Boston che Sargent dipinse come una figura imponente in un abito bianco – e le Sorelle Wyndham (1899), un triplo ritratto di tre eleganti sorelle soprannominate “Le Tre Grazie” dalla stampa.

Ha dipinto reali e uomini d'affari, da Mrs. George Swinton (una grande padrona di casa della società londinese) al magnate dell'acciaio Charles Schwab. Ogni ritratto Sargent lo adattava al soggetto e al contesto: come notò un osservatore, i suoi soggetti inglesi apparivano maestosi, mentre i suoi soggetti americani emanavano un vigore democratico​.

L'acuto occhio di Sargent per le sfumature sociali significava che spesso suggeriva la posa o l'abbigliamento perfetto per trasmettere lo status e il carattere di una persona. Questo istinto è evidente in ritratti come Lady Agnew, la cui posa languida e lo sguardo diretto proiettano una moderna sicurezza, o il Presidente Theodore Roosevelt (1903), che Sargent raffigurò in piedi con assertività, mano sul fianco, incarnando l'autorità esecutiva.

Nel catturare lo spirito dell'età dorata, i ritratti di Sargent vanno oltre l'opulenza superficiale. Dipinse i nouveau riche e la vecchia aristocrazia con uguale intuizione, dalle socialite ingioiellate di New York ai bostoniani patrizi “con responsabilità ancestrali sulle spalle”​. Le sue opere riflettono le contraddizioni dell'epoca: enorme ricchezza e raffinatezza accoppiati con tensioni sociali sottostanti.

Nei setosi sontuosi e perle delle sue sedute femminili, si percepisce sia il potere che la trappola decorativa dei loro ruoli. Alcuni critici al tempo di Sargent e successivamente lo accusarono di essere un mero “ritrattista mondano,” lusingando i ricchi e belli per laute parcelle​. È vero che entro il 1900 Sargent comandava prezzi elevati ed era corteggiato dall'alta società (un critico francese scherzò nei primi anni 1880 che “tutte le belle donne sognano di essere dipinte da lui”​). Eppure i migliori ritratti mondani di Sargent hanno un sottotesto narrativo e realistico che li distingue.

In Madame X, scandalo a parte, c'è uno studio quasi clinico di un personaggio - lei è sia affascinante che isolata contro quel vuoto sfondo. In Le figlie di Edward D. Boit, i figli di una ricca famiglia americana a Parigi sono resi non come bambole cherubiche ma come figure misteriose e introspettive sparse in uno spazio ombroso, simbolizzando forse la solitudine dell'infanzia. I ritratti di società di Sargent, nei loro momenti migliori, divennero fette di vita dell'età dorata: catturando il luccichio superficiale di un'epoca mentre accennano alle complessità personali e culturali sottostanti.

Oltre la società: opere notevoli al di fuori del mondo dorato

Sebbene fosse meglio conosciuto in vita per i ritratti dell'alta società, l'appetito artistico di Sargent era molto più cattolico e insaziabile di quanto molti avessero realizzato. Ha perseguito una varietà di generi con uguale maestria, spesso durante le pause dalle commissioni di ritratti.

Alla fine degli anni 1870 e all'inizio degli anni 1880, dipinse paesaggi e scene di genere ispirati dai suoi viaggi: Raccoglitrici di ostriche di Cancale (1878) raffigurava ragazze contadine su una spiaggia francese nella luce costiera perlata, mentre Una caprese (1878) mostrava un modello italiano sdraiato su un ulivo, riflettendo l'interesse di Sargent per le pose naturali e spontanee​.

Durante un viaggio in Nord Africa nel 1880, Sargent dipinse Fumée d'ambre gris (Fumo di ambra grigia), una scena evocativa di una donna velata che inala fumi di profumo - un soggetto intriso di fascinazione e mistero orientalista​. A Venezia, vagabondava con taccuino e pennelli, catturando vedute atmosferiche dei canali e dell'architettura veneziana non come grand vedute ma come studi intimi e punteggiati di luce della vita quotidiana - radicalmente diversi dalle scene veneziane più teatrali di altri artisti del suo tempo​.

Queste opere meno conosciute rivelano la costante sperimentazione di Sargent. El Jaleo, menzionato in precedenza, è un esempio di lui che esce dai ritratti educati per esplorare musica, danza e la vie bohème.

Ha anche dipinto i suoi amici e colleghi artisti in ambienti informali: il suo amico Robert Louis Stevenson appare magro e irrequieto, camminando su un tappeto in un ritratto del 1885 che rompe le regole convenzionali tagliando parte del corpo del soggetto e posizionandolo fuori centro. Tali rischi creativi mostrano Sargent impegnarsi con le correnti impressioniste e realiste del suo tempo.

Era anche a conoscenza degli Impressionisti – visitò Monet a Giverny e acquistò persino opere di Monet. La pennellata e l'illuminazione di Sargent in scene all'aperto come Carnation, Lily, Lily, Rose riflettono questa influenza​. Eppure Sargent non abbandonò mai completamente l'enfasi sulla forma e sul disegno che aveva appreso; come nota la biografia del MFA, non arrivò mai a dissolvere la forma in semplici macchie di colore puro come fece Monet​. In effetti, bilanciò la tecnica accademica con la luce e il colore impressionisti, il che conferì alle sue opere non commissionate una vitalità unica.

Alcuni degli studi intimi e schizzi di Sargent rimasero privati durante la sua vita, per emergere solo decenni dopo. Riempiva quaderni di schizzi con disegni a carboncino e matita di amici, scene di viaggi e studi della figura.

Particolarmente intriganti sono i numerosi studi di nudi maschili che disegnò – spesso resi con tratti rapidi e sensibili – che tenne per sé, probabilmente consapevole che esporre tali opere avrebbe suscitato incomprensioni nell'epoca vittoriana. Questi disegni, insieme a schizzi informali a olio di amici, rivelano un Sargent più introspettivo al lavoro, affascinato dalla forma e dall'anatomia umana al di là dei confini dell'arte educata.

Sargent una volta si lamentò con un amico che la pittura di ritratti lo stava confinando, definendola "una professione da pappone" a causa dei giochi sociali coinvolti nelle commissioni​. Nel suo tempo personale, cercava di evadere attraverso la pittura di paesaggi en plein air, sperimentando con l'acquerello e dipingendo le persone a lui più vicine senza filtri.

Commissioni di Murali: Il Trionfo della Religione negli Spazi Pubblici

Un altro ambito in cui Sargent incanalò il suo talento prodigioso fu la pittura murale, su una scala che andava ben oltre il cavalletto. Alla fine del XIX secolo, Sargent intraprese una prestigiosa commissione pubblica che lo avrebbe assorbito a intermittenza per quasi trent'anni: i murali per la Biblioteca Pubblica di Boston.

Intitolato “Il Trionfo della Religione,” questo progetto era un ciclo ambizioso destinato a decorare la grande scalinata e la sala di lettura della biblioteca con pannelli tematici che mescolavano mitologia classica, religioni mondiali e allegoria​.

Sargent, sempre desideroso di dimostrare la sua gamma, si immerse nel compito, studiando mosaici bizantini e affreschi rinascimentali per ispirazione sulla composizione su larga scala. A partire dal 1890, progettò ed eseguì una serie di vasti dipinti nel suo studio di Londra e li installò a Boston in fasi successive nei decenni successivi.

I murali di Boston rivelano un'altra sfaccettatura delle abilità di Sargent. Sono simbolicamente complessi e densamente popolati di figure – profeti, angeli, divinità e diavoli – niente come i ritratti diretti per cui era noto. In un pannello, Frieze of the Prophets, una schiera di antichi profeti ebrei è rappresentata in uno stile di rilievo scultoreo quasi monocromo, trasmettendo gravità e unità.

In un altro, The Pagan Gods, figure colorate della mitologia pagana si distendono tra nuvole vorticose. Il pezzo centrale, Dogma of the Redemption, presentava una figura luminosa di Cristo ed era così controverso per la sua rappresentazione degli ebrei (oggetto di critica e persino di sfregio) che parti della serie furono infine rimosse o ricollocate​.

Sargent affrontò temi di fede, dubbio e modernità in queste opere, se non del tutto con successo, almeno con un sincero sforzo intellettuale. Tecnicamente, i murali uniscono la sua precisione accademica – disegnando sul modello, pianificazione accurata delle pose – con uno spirito più sperimentale, includendo alcuni tocchi modernisti nei motivi astratti e nel colore. Lo costrinsero a pensare su una scala narrativa epica, sincronizzando più figure e gesti in un design coerente attraverso lo spazio architettonico​.

Anche se inizialmente accolti con recensioni contrastanti, i murali di Boston oggi sono un testamento della dedizione di Sargent all'espansione dei suoi orizzonti artistici. Non contento di essere etichettato come ritrattista, essenzialmente si insegnò l'arte della pittura murale in età matura, producendo opere che ancora adornano la biblioteca e ispirano i visitatori a guardare in alto con stupore.

I murali del Triumph of Religion sono stati recentemente rivalutati, con studiosi che trovano in essi strati di significato e un'intuizione nelle contemplazioni spirituali di Sargent​. Esplorano lo scontro e la convergenza delle culture – adatti per un espatriato che attraversava mondi – e forse commentano sottilmente il declino della fede tradizionale in un'epoca moderna e scientifica.

Sargent completò anche un secondo importante progetto di murale a Boston: la rotonda del Museo delle Belle Arti, per la quale dipinse divinità e muse classiche (e dove il corpo di Thomas McKeller servì da modello per molte figure)​. Queste opere pubbliche cementarono ulteriormente l'eredità di Sargent nella città dei suoi antenati, collegando il suo nome al movimento del Rinascimento Americano che cercava di elevare gli spazi pubblici con l'arte alta.

Viaggi Artistici: Dal Medio Oriente a Venezia

Inquieto nel cuore, Sargent era un viaggiatore per i secoli, e i suoi viaggi estesi hanno svolto un ruolo essenziale nel plasmare la sua evoluzione stilistica. Una volta ha osservato che non poteva “mai essere legato a un solo luogo – devo continuare a muovermi.” Infatti, quando non era legato al suo studio per commissioni, cercava nuovi orizzonti quasi compulsivamente.

Negli anni 1880 e ‘90, attraversò l'Europa e si avventurò in Medio Oriente, spesso in compagnia di amici artisti. Questi viaggi hanno prodotto un ricco raccolto di acquerelli e oli che rivelano il piacere di Sargent per altre culture e paesaggi.

Nel 1890, Sargent viaggiò in Medio Oriente e Nord Africa, visitando luoghi come Il Cairo, Gerusalemme, Damasco e Tangeri. Piuttosto che creare ampie fantasie orientaliste come facevano alcuni contemporanei, i dipinti di Sargent da questi viaggi sono caratterizzati da un'attenta osservazione e rispetto per i dettagli.

Il suo acquerello Bedouins (1905–06) presenta due uomini beduini in abiti tradizionali con un occhio diretto e non sentimentale – le texture dei loro indumenti e il gioco della luce del deserto catturati con lavaggi vibranti di colore. Le sue scene di strada e schizzi di mercato mediorientali mostrano una fascinazione per la vita quotidiana: il trambusto di un bazar, la silhouette di una moschea al tramonto, la postura di un cammelliere che riposa all'ombra.

La prospettiva transnazionale di Sargent era avanti rispetto ai suoi tempi, resistendo al riduttivo esotismo. Come nota un critico, le sue rappresentazioni de “l'altro” spesso evitavano stereotipi, puntando invece all'autenticità nel ritrarre luoghi stranieri.

Venezia era un altro amore duraturo di Sargent. La visitò ripetutamente, non per dipingere i visti del Canal Grande cliché ma per catturare angoli intimi della vita veneziana: un cortile ombreggiato con biancheria stesa, un riflesso di sole in un canale stretto, uomini locali che chiacchierano in un caffè. Lavorò in acquerello e olio, producendo dozzine di scene veneziane che vanno dal lirico al malinconico.

Queste opere veneziane, spesso realizzate en plein air, hanno una qualità quasi da istantanea – come se l'occhio vagante di Sargent e la sua mano rapida stessero prendendo appunti visivi di impressioni fugaci. Gli permisero anche di giocare con elementi visivi puri come i riflessi sull'acqua, le texture sgretolate di mattoni e pietra, e la luce mediterranea in continuo cambiamento. In dipinti come The Steps of the Palazzo Foscari o Street in Venice (entrambi c. 1882), i colpi di pennello colorati e impressionistici di Sargent celebrano la bellezza dei momenti ordinari in una città storica, collegando realismo e impressionismo.

I viaggi di Sargent non si limitarono all'Europa e al Vicino Oriente. Fece anche più viaggi negli Stati Uniti, in particolare dopo il 1900. Nelle Montagne Rocciose del Montana, nei soleggiati aranceti della Florida e nelle foreste del Maine, trovò nuova ispirazione. Dipinse pescatori sulla riva in Florida, laghi alpini scintillanti nelle Montagne Rocciose Canadesi e la grandezza aspra delle frontiere occidentali. Queste esperienze ampliarono ulteriormente il suo repertorio visivo, confermandolo come un artista globale la cui opera mappava un mondo in rapido cambiamento​.

Forse la spedizione artistica più significativa intrapresa da Sargent fu un viaggio di mesi in Spagna e Nord Africa nel 1912, specificamente per studiare l'arte e l'architettura del mondo islamico. Questo viaggio culminò in una delle sue ultime grandi serie di oli, i dipinti Arabi o Siriani, dove Sargent raffigurava campi beduini, donne arabe e studi architettonici di moschee. Queste opere rimasero per lo più in suo possesso, non ampiamente esposte – erano esercizi personali di osservazione e registrazione.

Quando viste insieme, le pitture di viaggio di Sargent formano un ritratto caleidoscopico di un mondo in movimento: dai canali languidi di Venezia alle brillanti nevi delle Alpi, dalle sale da ballo spagnole ai deserti del Medio Oriente. Attraverso questi, intravediamo Sargent l'avventuriero e osservatore, l'artista-vagabondo che trovava rinnovamento in ogni nuovo orizzonte.

Un Cambio verso la Libertà: La Carriera Tardiva di Sargent negli Acquerelli

All'inizio del XX secolo, Sargent era stanco della continua parata di commissioni di ritratti. Le pressioni di soddisfare ricchi mecenati e i rituali sociali formulati cominciarono a irritare il suo spirito creativo.

Nel 1907, all'apice della sua fama, Sargent prese la decisione audace di smettere di dipingere ritratti a olio su commissione​. “No più paughtraits,” dichiarò agli amici nel suo spiritoso inglese con accento francese. Sebbene non abbandonasse completamente la ritrattistica, da quel momento in poi accettò i soggetti principalmente su base di amicizia e concentrò il suo interesse principale su altri soggetti – in particolare paesaggi ad acquerello.

Questo segnò una liberazione della carriera tardiva per Sargent. L'acquerello, un mezzo in cui sua madre lo aveva istruito da bambino, divenne la sua nuova passione. Tra il 1900 e la sua morte nel 1925, Sargent produsse centinaia di acquerelli, viaggiando con carta e scatola di colori per catturare impressioni spontanee della natura. Lavorando all'aperto, spesso in compagnia di sua sorella Emily e amici, dipinse scene bagnate dal sole che sono tra le più gioiose e senza restrizioni delle sue opere​.

I suoi acquerelli raffigurano tutto, dalle valanghe alpine di rocce a delicati primi piani floreali. In montagna, ha dipinto ruscelli scintillanti, facce granitiche frastagliate e i suoi compagni che si rilassano nei prati di fiori selvatici. Nei luoghi mediterranei, ha dipinto statue di marmo nei giardini, vele bianche su mari turchesi e alberi di arance carichi di frutti.

La tavolozza vibrante e l'esecuzione rapida di questi pezzi mostrano Sargent che si diverte con la spontaneità che il mezzo permetteva. A differenza dei suoi ritratti in studio messi in scena, l'acquerello en plein air richiedeva una risposta immediata alla luce e alle condizioni mutevoli - una sfida che Sargent ha abbracciato.

I critici furono stupiti dal vigore degli acquerelli di Sargent quando furono esposti per la prima volta. Una mostra del 1909 dei suoi acquerelli a New York fu venduta quasi immediatamente, con il Brooklyn Museum che acquistò un grande gruppo nella sua interezza​. I recensori lodarono come queste opere sembrassero “respirare” con aria fresca e libertà pittorica. Uno notò che “Sargent getta colore sulla carta con il piacere sfrenato di un bambino che schizza nelle pozzanghere di fango, eppure i risultati sono magistrali” - un'indicazione di come il suo controllo tecnico non sia mai venuto meno anche quando il suo stile si è allentato.

In acquerelli come Simplon Pass: The Green Parasol (c. 1911), che raffigura donne che disegnano sotto un vivace ombrello verde nelle Alpi, il pennello di Sargent danza sulla carta, bilanciando ampie lavature traslucide con dettagli fini ottenuti attraverso la resistenza alla cera e il pennello asciutto.

Il mezzo gli ha permesso di essere intimo e sperimentale, catturando effetti fugaci di luce screziata e riflessi che potrebbero essere difficili in olio. Uscendo dai confini formali delle commissioni di ritratti, Sargent si è riconnesso con il semplice piacere di dipingere per se stesso.

Sargent non poteva completamente sfuggire all'attrazione del ritratto. Continuò a creare schizzi di ritratti a carboncino, spesso in una sola seduta, come compromesso per soddisfare le richieste occasionali​. Questi carboncini, di figure come il diplomatico Otto von Bismarck o il critico d'arte Roger Fry, sono oggi considerati capolavori del disegno - immagini monocromatiche audaci ed eleganti che distillano il carattere in poche linee e sfumature ampie.

Su richiesta speciale, Sargent ha dipinto alcuni oli in più di amici in questi ultimi anni, come il suo commovente ritratto del 1913 della sua amica Sybil Sassoon di profilo, o il suo tenero ritratto del 1916 di Henry James verso la fine della vita del romanziere. Ma in gran parte, dopo il 1907, Sargent si dedicò agli studi di paesaggio e figura che amava, trovando nella natura e nel viaggio il rinnovamento che la ritrattistica sociale non forniva più.

Narrative Nascoste: Sessualità e una Vita Enigmatica

Dietro l'immagine professionale lucida di Sargent come ritrattista della società si celava una vita privata che ha intrigato - e sfuggito - i biografi. Sargent non si è mai sposato e ha lasciato dietro di sé scarsa corrispondenza personale, quindi gli indizi sul suo mondo interiore emergono in gran parte da aneddoti e, in modo più affascinante, dalla sua arte. Nel corso degli anni, gli studiosi hanno esplorato sempre più temi di genere e sessualità nel lavoro di Sargent, scoprendo narrazioni nascoste che contrastano con la convenzionalità della sua opera di ritratti pubblici.

Una grande rivelazione è arrivata negli anni '80, quando un tesoro di disegni inediti di modelli maschili nudi di Sargent è stato esposto per la prima volta​. Questi disegni - molti dei quali francamente sensuali, mostrando figure maschili in pose reclinate o vulnerabili - hanno innescato una rivalutazione di Sargent non solo come pittore della società gentile ma come uomo con desideri e amicizie non convenzionali.

Le voci sulla sessualità di Sargent erano circolate prima - si muoveva in circoli artistici che includevano figure gay come Oscar Wilde, e i suoi amici più intimi per tutta la vita erano principalmente uomini. Ma ora c'erano prove tangibili che Sargent trovava la forma maschile profondamente affascinante e degna di studio in un contesto privato ed espressivo​.

Sebbene Sargent non si identificasse apertamente come nulla (il termine "gay" come orientamento non era usato al suo tempo), molti interpretano queste opere come indicative del fatto che fosse probabilmente omosessuale o bisessuale​. Tuttavia, poiché era estremamente discreto - forse per necessità in un'epoca in cui l'omosessualità era criminalizzata - la questione della vita romantica di Sargent rimane in parte speculativa. Sargent era gay, bisessuale, o semplicemente un uomo le cui relazioni più strette erano con uomini? La verità potrebbe non essere mai completamente conosciuta​.

Quello che è documentato è che Sargent aveva relazioni intense e significative con diversi uomini che spesso servivano come sue muse o modelli. Uno era il modello italiano Nicola d'Inverno, che ha lavorato come assistente di studio di Sargent per anni e appare in alcuni dei suoi schizzi e dipinti. Un altro era l'artista britannico Albert de Belleroche, che Sargent ha dipinto e con cui ha viaggiato; erano così vicini che i contemporanei scherzosamente si riferivano a Belleroche come "Mrs. Sargent." E forse più toccante, c'era Thomas McKeller, un giovane ascensorista nero che Sargent incontrò a Boston intorno al 1916 e assunse come modello.

McKeller posò nudo per molte delle figure (sia maschili che allegorie femminili) nei grandiosi murali di Sargent per la Boston Public Library e il Museum of Fine Arts​. Sargent dipinse persino un ritratto nudo a figura intera di McKeller , un'immagine sorprendente del modello seduto su un cuscino verde con ali spettrali bluastre dietro di lui, come un angelo caduto. Questo dipinto, mai esposto durante la vita di Sargent, fu essenzialmente nascosto - Sargent donò la tela a Isabella Stewart Gardner, forse per assicurarsi che fosse conservata ma tenuta discretamente nel suo museo​.

Non fino a decenni dopo la morte di Sargent fu riconosciuto il ruolo di McKeller; per anni, l'uomo nero la cui forma divenne la base per gli dei e gli eroi dipinti di Sargent rimase senza nome nelle opere d'arte, un silenzio che parla delle dinamiche razziali e sociali dell'epoca​. La mostra Boston's Apollo: Thomas McKeller and John Singer Sargent (2020) finalmente ha fatto luce sulla loro collaborazione, sollevando domande su potere, visibilità e la connessione personale tra l'artista patrizio e il suo modello della classe lavoratrice.

Anche la stretta amicizia di Sargent con Henry James merita di essere notata come parte della sua narrazione privata. I due uomini, entrambi espatriati americani di quasi la stessa età, condividevano una profonda comprensione. James scrisse spesso del lavoro di Sargent, lodandone la sofisticatezza, e Sargent a sua volta dipinse il ritratto di James con un'acutezza psicologica che suggerisce un vero affetto. Alcuni studiosi si sono chiesti se il loro legame contenesse un'intimità emotiva non detta.

Quando Henry James morì nel 1916, Sargent era sconvolto; progettò la targa commemorativa di James per l'Abbazia di Westminster, riversando il suo dolore in un ultimo tributo artistico. Che Sargent abbia o meno sperimentato l'amore romantico convenzionale, chiaramente formò profonde connessioni emotive che alimentarono la sua creatività.

I numerosi ritratti di Sargent di donne forti e carismatiche - dalla diva Elizabeth “Bessie” Marbury all'intellettuale Vernon Lee (Violet Paget) - riflettono anche un'agio con la compagnia femminile indipendente. In un'epoca in cui i ruoli di genere erano rigidi, Sargent sembrava navigare il suo percorso, circondandosi di un circolo cosmopolita che abbracciava l'identità artistica oltre la conformità.

In definitiva, il Sargent nascosto che emerge da questi aspetti è una figura molto più complessa rispetto allo stereotipo del pittore elegante della società. Era un individuo privato che custodiva la sua vita interiore, eppure la sua arte lascia indizi: la bellezza androgina di alcuni dei suoi schizzi di nudo, l'empatia nei suoi ritratti di outsider e creativi, la sua avversione di lunga data per il matrimonio e la domesticità convenzionale. 

Oggi, gli storici LGBTQ celebrano Sargent come parte di una linea artistica queer, notando che i suoi interessi omosessuali e la non conformità di genere nell'arte erano silenziosamente radicali per il suo tempo​ . Nel frattempo, la storia di Thomas McKeller ha suscitato discussioni su come il contributo di un modello nero all'arte americana possa essere rimasto cancellato per così tanto tempo - e su come l'eredità di Sargent sia intrecciata con questioni di razza e rappresentazione che solo ora vengono pienamente esplorate.

Gli strati di segretezza e rivelazione nella vita di Sargent aggiungono una dimensione toccante alla nostra comprensione dei suoi dipinti, ricordandoci che l'arte spesso porta storie non dette sotto la sua superficie.

Rivalutare Sargent: Eredità e Prospettive Moderne

John Singer Sargent morì nell'aprile del 1925 a Londra, poco prima del suo 70º compleanno, lasciando dietro di sé un'enorme quantità di opere - circa 900 dipinti a olio e oltre 2.000 acquerelli oltre a innumerevoli schizzi​. La sua scomparsa fu segnata da importanti mostre commemorative a Boston, New York e Londra​. Tuttavia, per una parte sostanziale del 20º secolo, la reputazione di Sargent cadde in una particolare eclissi.

L'ascesa del Modernismo nell'arte - con la sua astrazione e il rifiuto del realismo tradizionale - rese i ritratti lussureggianti di Sargent fuori moda per molti critici. Negli anni '50, alcuni lo liquidarono come un semplice decoratore di società, tecnicamente abile ma privo di significato più profondo. Lo stile di ritratto grandioso in cui eccelleva era considerato anacronistico in un'epoca che celebrava Picasso e Pollock.

Tuttavia, a partire dalla fine del 20º secolo, una rinascita di interesse per Sargent ha guadagnato slancio​. Storici dell'arte e pubblico hanno iniziato a rivalutare il suo contributo, riconoscendo l'eccezionale brillantezza tecnica e la complessità sottile delle sue opere. Grandi retrospettive negli anni '80 e '90 (come una mostra di successo del 1986 che viaggiò dalla Tate al Metropolitan Museum) reintrodussero Sargent a nuove generazioni.

I critici arrivarono ad apprezzare che sotto l'eleganza superficiale dei suoi dipinti, Sargent stava silenziosamente spingendo i confini - nei ruoli di genere, nella prospettiva culturale e nel linguaggio della pittura. Le sue rappresentazioni di donne come Lady Agnew o Mrs. Gardner furono ora viste come una celebrazione dell'autosufficienza e dell'intelligenza femminile, non solo della bellezza. La sua inclusione di figure emarginate - i ballerini gitani spagnoli di El Jaleo, i soggetti beduini, il modello nero McKeller - fu evidenziata come prova di un umanismo più ampio nella sua arte di quanto gli fosse stato riconosciuto​.

La scoperta e l'esposizione tardiva dei disegni di nudi maschili di Sargent (come discusso) aggiunse anche significativamente a questa rivalutazione​. Alla luce di questi, il lavoro di Sargent è stato esaminato attraverso la lente della storia LGBTQ e della critica postcoloniale.

Studiosi come Trevor Fairbrother e Richard Ormond hanno pubblicato studi che rivelano i livelli di significato nell'opera di Sargent – dal modo in cui i suoi dipinti affrontano questioni di razza ed impero, ad esempio, le dinamiche di potere nell'usare un modello nero per figure divine bianche, a come la sua amicizia con Henry James e altri suggerisca una rete di creatività queer che è stata spesso taciuta.

Come ha detto un biografo, la vita e l'arte di Sargent comprendevano “spettro completo dell'esperienza umana – dall'opulenza dell'aristocrazia alla bellezza grezza e non filtrata della vita ordinaria”. Tale portata è ora celebrata come avanti rispetto ai suoi tempi, colmando il divario tra arte tradizionale e temi moderni.

Oggi, John Singer Sargent è saldamente radicato nel pantheon dei grandi artisti. I suoi dipinti sono pezzi centrali nelle collezioni dei musei di tutto il mondo, ammirati sia dai visitatori occasionali che dai conoscitori. È spesso citato come “il principale ritrattista della sua generazione”, un'etichetta originariamente conferita per le sue evocazioni del lusso dell'era edoardiana nei ritratti​.

È apprezzato come un virtuoso che ha padroneggiato la luce e la tecnica del pennello come pochi altri nella storia – un Monet americano con le abilità di disegno di un Vecchio Maestro, come lo ha descritto un critico. I ritrattisti contemporanei guardano a Sargent per lezioni su come catturare l'essenza vivente di un soggetto, mentre gli acquerellisti studiano la sua tecnica per la sua audacia e fluidità.

Importante, le conversazioni intorno a Sargent sono diventate più sfumate. C'è una comprensione che lo stesso artista che ha dipinto Madame X – icona di eleganza – ha anche dipinto Gassed – accusa della brutalità della guerra – e ha disegnato amorevoli schizzi di nudi maschili, e ha dipinto austeri profeti su un soffitto. Ognuno di questi informa l'altro, componendo un ritratto di Sargent stesso che è sfaccettato e ricco come l'epoca in cui ha vissuto.

Alla fine, l'eredità di Sargent può essere meglio riassunta dalla sua capacità di catturare lo spirito di un'epoca in dettagli vividi mentre lo trascendeva simultaneamente. Era sia dell'età dorata che oltre essa. Come americano espatriato in Europa, aveva l'occhio acuto di un outsider per il fasto della società; come un'anima sensibile con segreti, ha infuso la sua arte di empatia e intrigo.

La sua vita di voglia di viaggiare e curiosità ha impedito alla sua arte di stagnare – ha continuato a esplorare nuovi soggetti, nuovi luoghi, nuovi metodi. E attraverso tutto ciò, ha mantenuto uno standard di artigianato che suscita timore. Più di un secolo dopo la sua morte, gli spettatori si trovano ancora attratti dall'interplay sfumato di opulenza e fragilità nell'opera di Sargent​– sia esso il raso scintillante di un abito che non può nascondere la malinconia di un soggetto, o il bagliore dorato di una lanterna che illumina il viso di un bambino al crepuscolo.

Sargent ci invita a guardare più da vicino e a vedere oltre la superficie. Facendo ciò, ha lasciato un'impronta indelebile sulla tela della storia dell'arte, una che continua a ispirare e affascinare con la sua profondità narrativa e la poesia visiva.

Lista di Lettura

1. Beduini - Brooklyn Museum
2. El Jaleo - Wikipedia
3. Come la Famiglia di Henry James ha Cercato di Tenerlo Nascosto - Colm Tóibín in  The Guardian
4. John Singer Sargent - The Metropolitan Museum
5. Lady Agnew di Lochnaw - Wikipedia
6. Madame X - Lumen Learning
7. Nuove Interpretazioni dei Murales di Sargent - Biblioteca Pubblica di Boston
8. Maschi Nudi nei Disegni - Wikipedia
9. Ritratto di Madame X - Wikipedia
10. Sargent e Spagna - National Gallery of Art
11. Sargent, Anima Gemella di Henry James - Deborah Wiesgall nel [New York Times
12. Il Sargent Nascosto  - Patricia Failing in  ARTnews
13. Chi è Chi nella Storia Gay e Lesbica - Michael J. Murphy
14. Perché Madame X Scandalizzò il Mondo dell'Arte - Alina Cohen su Artsy