Influences culturelles sur le collage dans l’histoire de l’art

L’art du collage culturel a toujours été bien plus qu’un assemblage de bouts de papier : c’est un miroir tendu à son époque, qui renvoie ses valeurs, ses angoisses et ses rêves. Des artisans de l’Antiquité qui superposaient des matériaux précieux aux natifs du numérique qui remixent des mèmes, les collages de chaque époque racontent une chronique de l’expérience humaine.

Pense à Mary Delany, veuve déjà âgée, qui en 1772 a composé avec des morceaux de papier coloré le portrait d’un géranium, en écrivant : « J’ai inventé une nouvelle façon d’imiter les fleurs ». Dans ce geste d’artisanat tout simple, elle prolongeait sans le savoir une pratique vieille de plusieurs siècles et répandue sur tous les continents : assembler le monde en images.

Le collage, du verbe français coller, lie l’éphémère pour en faire du sens, au propre comme au figuré. Il permet à des images et à des matériaux très différents de dialoguer sur la toile, et de former une syntaxe en couches, à la fois poétique et incisive. Au fil du temps, les artistes s’en sont servis pour documenter l’histoire, défier l’autorité et tisser des identités personnelles et collectives.

Aujourd’hui, quand nous faisons défiler des collages numériques sur les réseaux sociaux ou que nous découvrons dans les musées des installations immersives inspirées du collage, nous prolongeons une lignée qui court des rouleaux chinois de l’Antiquité aux photomontages dadaïstes, des fanzines punk à tout ce qui vient ensuite.

Dans cet article, nous suivrons la transformation du collage, de ses origines antiques à l’ère numérique, en regardant comment les forces culturelles ont façonné son évolution aux moments clés. Nous verrons comment chaque couche de collage – chaque fragment déchiré puis collé – porte l’empreinte d’une époque et d’un lieu. C’est l’histoire d’une créativité née de la complexité, d’une forme d’art qui renaît sans cesse pour dire de nouvelles réalités.

L’essentiel à retenir

• Le collage offre un regard unique sur la complexité des contextes culturels et historiques.
• Ce médium n’a cessé d’évoluer et reflète les changements de valeurs et d’idéologies de la société.
• De grands mouvements artistiques, dont le dadaïsme et le surréalisme, ont utilisé le collage pour porter un commentaire sociopolitique.
• Le collage est une chronique de l’histoire humaine, imprégnée de symboles et de motifs venus de cultures très différentes.
• Avec le collage, les artistes préservent les identités culturelles tout en les remettant en question.
• L’adaptabilité de la technique lui permet de rester d’actualité dans un monde qui change à toute vitesse.

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Bien avant que le « collage » devienne un terme artistique défini, les humains assemblaient déjà des fragments pour raconter leurs histoires. À la préhistoire, nos ancêtres combinaient des matériaux naturels – pétales de fleurs, coquillages, plumes, ailes de papillon – pour orner des objets ou composer des mises en scène rituelles.

Ces gestes précoces n’étaient pas de l’art pour l’art, mais ils révèlent un instinct fondamental : collecter et composer du sens à partir du monde qui nous entoure. En fixant un élément à un autre, les hommes et les femmes de la préhistoire faisaient en somme les premiers collages, avec la matière du quotidien pour exprimer des idées ou une spiritualité.

Une innovation décisive a donné un formidable élan à cette impulsion : l’invention du papier en Chine vers 200 av. J.-C. Avec le papier est née une surface souple et nouvelle, et les artisans ont vite découvert qu’ils pouvaient la découper et la coller de mille façons ingénieuses. Selon les sources historiques, dès la dynastie Tang, des moines bouddhistes collaient ensemble des sûtras (textes sacrés) et des images sur papier pour en faire un art de dévotion.

Le collage était alors un outil de piété et de conservation : des fragments de prières imprimées assemblés en un tout plus grand. Il posait ainsi un précédent pour le collage comme pratique qui fabrique du sens, en intégrant des valeurs culturelles (ici, la dévotion religieuse) à la matière même de l’œuvre.

Le Japon a adopté cette pratique peu de temps après. Dès le Xe siècle, à l’époque de Heian, poètes et calligraphes japonais étaient connus pour coller des poèmes sur des fonds de papier décorés, dans l’art du tsugimono, et créaient ainsi des rouleaux de poésie aux multiples couches visuelles. Ils pouvaient fixer de délicats papiers découpés, de la feuille d’or ou d’argent et des caractères à l’encre pour composer un ensemble harmonieux – en fait, un des premiers collages de papier mariant texte et image.

Au XIIe siècle, les artistes japonais collaient aussi du papier sur de la soie pour embellir des paravents et des rouleaux, un ancêtre du collage dans les beaux-arts. Ces usages raffinés d’Asie de l’Est avaient leur pendant dans l’art populaire d’ailleurs : en Europe centrale dès le XIIIe siècle, on utilisait des techniques proches du collage comme un artisanat pour décorer la maison – par exemple en combinant tissu, photos et souvenirs dans ce qu’on pourrait appeler des proto-scrapbooks ou des tableaux de souvenirs.

La préhistoire du collage est donc une tapisserie mondiale. Dans de nombreuses traditions autochtones et populaires, on retrouve des techniques semblables pour assembler des morceaux :

• Les molas, textiles des femmes guna du Panama, superposent des tissus colorés en appliqué inversé (un collage textile) pour raconter des histoires locales
• Les traditions de quilting d’Afrique et de la diaspora africaine cousent ensemble des chutes de tissu disparates pour en faire des récits unifiés
• Les mandalas de sable du bouddhisme tibétain assemblent des millions de grains de sable colorés en diagrammes cosmiques, pour ensuite les balayer – un rituel poignant de création et de dispersion, proche de l’esprit du collage fait d’impermanence et de recomposition.

Toutes ces pratiques reposent sur un principe de collage : réunir des fragments pour créer un sens qui dépasse chaque morceau pris isolément.

À la Renaissance et à l’époque baroque en Europe, des éléments de collage apparaissent dans l’art religieux et les arts d’apparat. Des religieuses de couvents médiévaux réalisaient de superbes reliquaires et images de dévotion incrustés de parchemin découpé, de tissu et de bijoux – un collage spirituel de matériaux.

Dans les cabinets de curiosités baroques, les collectionneurs fixaient des papillons, des pièces et des gravures dans des arrangements élaborés, faisant en quelque sorte un collage de la nature et de l’art pour cataloguer les merveilles du monde.

Ces premiers collages étaient des miroirs culturels de leur temps : les collages de papier chinois reflétaient une société attachée au savoir et à la foi, les collages sur rouleaux japonais une culture de cour éprise de poésie et d’élégance, et les collages populaires européens parlaient de la vie domestique et de la mémoire intime.

Au XVIIIe siècle, le collage tel que nous le connaissons se dessine plus nettement. L’œuvre de Mary Delany en est un exemple parfait : entre 1772 et 1783, à la cour d’Angleterre, cette grand-mère distinguée a réalisé à la main 985 collages botaniques d’une telle exactitude scientifique que des botanistes s’émerveillaient de pouvoir, en les regardant, « décrire botaniquement n’importe quelle plante… sans crainte de se tromper ».

Delany appelait ses fleurs des « paper mosaicks », une expression bien trouvée, puisque chacune était composée d’une multitude de petits morceaux de papier. Ce renouveau artistique en fin de vie – nourri à la fois par la curiosité et le deuil – souligne un thème essentiel : le collage s’épanouit souvent dans les périodes de bouleversement personnel ou collectif, en donnant forme à ce qui ne peut pas se dire autrement.

À la même époque, le collage victorien devient un passe-temps très populaire. Aristocrates comme familles de la classe moyenne tenaient des scrapbooks et des albums de collages. Même le romancier Charles Dickens s’y est laissé prendre : vers 1850, il a recouvert avec son ami, l’acteur William Macready, un paravent à quatre feuilles de centaines de gravures et d’estampes découpées.

Les collages domestiques victoriens, faits pour le plaisir, n’en étaient pas moins des objets culturels : ils rassemblaient la culture visuelle du moment (coupures de presse, images imprimées) en nouveaux récits, un peu comme nous pourrions faire aujourd’hui un collage numérique de photos d’actualité pour commenter les événements.

Avec ces premiers exemples, le collage s’est vu confier deux rôles durables : préserver le passé (réunir des fragments précieux en un nouveau tout) et subvertir ou jouer, en recomposant le monde avec fantaisie ou esprit critique. Ces rôles se sont encore affirmés quand le collage est entré dans l’art moderne.

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La riche histoire de l’art du collage baigne dans un mélange de dynamiques culturelles et forme un lexique visuel foisonnant de commentaires et d’idées révolutionnaires. Cette partie retrace la chronologie des influences en art et repère la métamorphose du collage, de ses débuts jusqu’au puissant moyen d’expression qu’il est aujourd’hui.

En explorant les influences culturelles, nous ne comprenons pas seulement mieux ce médium en transformation : nous mesurons aussi le rôle décisif joué par une constellation d’artistes et de mouvements dans son parcours.

1. Les premiers pas du collage remontent à l’invention du papier en Chine, qui a mené aux premiers cas connus de collages de papier utilisés par des moines pour des textes religieux, le plus ancien contexte historique de l’art du collage.
2. Avançons jusqu’au début du XXe siècle, quand le cubisme a provoqué un tournant : des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque ont commencé à intégrer des techniques mixtes à leur travail, une étape importante dans la chronologie des influences en art.
3. Les sentiments antiguerre et la critique sociale du mouvement Dada ont donné à des artistes, dont Hannah Höch et Kurt Schwitters, l’élan d’utiliser le collage comme forme de rébellion – en critiquant les constructions culturelles et en fixant de nouveaux repères dans l’histoire de l’art du collage.
4. Plus tard, les surréalistes ont insufflé au collage le rêve et la fantaisie : des artistes comme Max Ernst en ont fait une toile d’exploration de l’inconscient, et ont reflété des influences culturelles par des juxtapositions où réalité et rêve se confondent.
5. Le milieu du XXe siècle a vu naître le pop art, où le collage tend un miroir à la culture de consommation, avec des artistes comme Richard Hamilton et Andy Warhol qui décortiquaient et réassemblaient l’imagerie populaire pour commenter la marchandisation de la culture.
6. De la fin du XXe siècle au XXIe, l’art du collage a continué d’évoluer, avec les technologies numériques et la connexion mondiale qui ouvraient une nouvelle ère. Des artistes s’en sont servis pour le commentaire social et l’activisme numérique, élargissant encore sa portée historique et culturelle.

En regardant ce riche passé, on voit que le collage a toujours été le médium de choix des artistes désireux d’explorer les influences culturelles. Son adaptabilité et son goût pour les mélanges éclectiques en ont fait une toile en perpétuelle mutation, qui reflète le visage changeant de la culture humaine.

Le contexte historique de l’art du collage n’est pas qu’un passé à étudier : c’est une conversation qui se poursuit, ponctuée de couches de sens qui disent la fluidité du temps et des cultures.

• Les expérimentations du cubisme reflètent le regard d’un monde qui se modernise et la superposition de points de vue différents dans le collage.
• L’usage du collage par Dada soutient la critique culturelle et le démantèlement des valeurs d’avant-guerre.
• Les collages oniriques du surréalisme explorent les interstices entre la réalité tangible et l’esprit débridé.
• Les tableaux vibrants du pop art montrent l’influence grandissante des médias de masse et de la culture de consommation sur les identités individuelles et collectives.
• La culture du remix et les mèmes d’internet à l’ère numérique ouvrent une nouvelle frontière où l’histoire de l’art du collage continue de s’écrire.

Dans cette riche tapisserie se cache un réseau complexe d’époques, d’idéologies et de méthodes, qui contribuent toutes à l’essence solide et multiple de l’art du collage. C’est l’histoire non seulement d’artistes et de leurs œuvres, mais aussi de la façon dont ces œuvres reflètent et remettent en question les époques dont elles sont issues, en apportant un contexte culturel et en influençant les générations de créateurs et créatrices suivantes.

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Au début du XXe siècle, le collage a fait irruption sur la scène artistique d’avant-garde et changé à jamais le cours de l’art moderne. Le déclencheur, c’est le cubisme, ce mouvement radical mené à Paris par Pablo Picasso et Georges Braque.

En 1912, Picasso en avait assez de peindre simplement une nature morte. D’un geste audacieux, il a collé directement sur sa toile Still Life with Chair Caning (1912) un morceau de toile cirée imprimée industriellement, au motif de cannage de chaise. Le geste était scandaleux – « l’incongruité choquante d’introduire un procédé d’art populaire dans l’art “sérieux” ».

En glissant un matériau du monde réel dans l’illusion peinte, Picasso a fait tomber la frontière entre l’art et la vie. Comme le note un commentaire du Metropolitan Museum, c’était un « acte radical – insérer un fragment de réalité dans le royaume fictif de la peinture », une imitation pleine d’esprit de la réalité, qui moquait et honorait à la fois la tradition.

Braque, qui ne voulait pas être en reste, a bientôt collé des morceaux de papier peint et de journal dans ses œuvres. Ainsi est né le cubisme synthétique, et avec lui l’entrée officielle de la technique du collage dans les beaux-arts.

Pourquoi en 1912 ? Sur le plan culturel, le monde changeait à une vitesse folle : la modernité battait son plein, avec ses téléphones, ses automobiles et ses quotidiens. Le collage cubiste reflétait une vision moderne du monde : faite de fragments, de simultanéité et de points de vue multiples.

En découpant et en réassemblant des bribes du quotidien (coupures de journaux, emballages de tabac, papier peint), Picasso et Braque voulaient saisir les réalités qui se chevauchent dans la vie moderne. Le collage était le médium parfait pour cela. Il permettait de juxtaposer des textures et des points de vue différents sur une même surface, un peu comme une ville offre un collage de visions et de sons. Ainsi, l’expérimentation cubiste du collage est devenue l’un des fondements d’une grande partie de l’art du XXe siècle. Le mot « collage » lui-même est entré dans le vocabulaire de l’art grâce à ces expériences.

D’autres artistes se sont vite emparés des ciseaux (et de la colle). En Italie, les futuristes ont collé mots et images dans leurs manifestes et leurs mises en page typographiques tapageuses, pour traduire le chaos de l’ère des machines. En Russie, les constructivistes ont assemblé des collages abstraits de papier et d’imprimés pour porter des idéaux révolutionnaires. Mais c’est en pleine Première Guerre mondiale que le collage a pris un rôle culturel plus combatif encore : la naissance de Dada.

Dada : la colle comme arme de contestation

En 1916, alors que la guerre faisait rage en Europe, un groupe d’artistes et de poètes exilés à Zurich, dont Hugo Ball, Emmy Hennings, Tristan Tzara et Jean Arp, s’est dressé contre tout ce que la société défendait. Ils ont baptisé leur anti-mouvement Dada, un mot dépourvu de sens, à l’image de leur indignation face à la violence absurde de la Première Guerre mondiale. Le collage et son cousin photographique, le photomontage, sont devenus les armes les plus explosives de Dada.

Pourquoi le collage ? Pour les dadaïstes, la technique du découpé-collé était une métaphore du monde brisé qui les entourait. En découpant des journaux, des publicités et des photos – la trame même de la culture visuelle de la société bourgeoise – puis en les réassemblant de façon absurde ou abrupte, ils voulaient littéralement trancher dans les illusions du nationalisme, de la propagande et de l’art traditionnel.

Hannah Höch, dadaïste berlinoise, a été une pionnière du photomontage comme critique des rôles de genre et de la politique. Dans son collage de 1919, Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany, elle a découpé des images de responsables politiques allemands et de médias de masse pour les réassembler en une satire chaotique et mordante de la société de Weimar. Le titre lui-même évoque un ustensile domestique (un couteau de cuisine) servant à trancher une autorité boursouflée (le « ventre de buveur de bière » de l’establishment). Comme beaucoup de collages dada, l’œuvre de Höch était une critique polyphonique – plusieurs voix et plusieurs sens surgissant des fragments juxtaposés, une protestation visuelle contre un récit unique et rationnel.

Le collage dada a donné naissance à plusieurs tactiques culturelles qui résonnent encore dans l’art aujourd’hui :

• Le photomontage comme critique sociale : des artistes comme Höch et John Heartfield combinaient et retouchaient des photos pour en faire des messages politiques cinglants (Heartfield s’est rendu célèbre en ridiculisant Hitler, en montant dans le ventre du portrait du Führer une pile de pièces d’or – une allusion à l’avidité qui alimente le fascisme). Cette technique est l’ancêtre direct des mèmes politiques et de la satire sur Photoshop d’aujourd’hui.

• Le hasard et l’irrationnel : les collagistes dada misaient souvent sur des agencements aléatoires de fragments (Jean Arp, par exemple, laissait tomber des morceaux de papier et les collait là où ils atterrissaient) pour rejeter l’idée d’un ordre prémédité. Cette libre association d’images reflétait le sentiment de déracinement de l’époque et annonçait aussi les méthodes des surréalistes.

• La typographie et le graphisme dans l’art : Dada a fait se rejoindre l’art et la publicité. Mots découpés, polices de caractères et logos commerciaux se sont glissés dans les collages, abattant la barrière entre les beaux-arts et les médias de masse. Ce faisant, les collages dada reconnaissaient que la culture elle-même est un collage de haut et de bas, de sérieux et d’absurde – une intuition qui allait devenir encore plus importante dans l’art postmoderne.

Dans les années 1920, nombre d’artistes dada sont devenus surréalistes (ou ont évolué vers le surréalisme), emportant leurs techniques de collage dans de nouveaux univers conceptuels. Le mouvement surréaliste, fasciné par les théories de Freud sur les rêves et l’inconscient, voyait dans le collage un moyen d’accéder à des images bizarres, troublantes, qui semblent surgir par hasard.

Max Ernst a créé des collages de scènes fantastiques à partir de gravures du XIXe siècle (son livre de 1934, Une Semaine de Bonté, est un roman-collage qui remixe des illustrations victoriennes en vignettes absurdes et oniriques). Les surréalistes appréciaient la façon dont le collage pouvait rendre étrange ce qui est familier en l’arrachant à son contexte.

Comme l’a remarqué une historienne de l’art, assembler des images disparates reflétait la conviction surréaliste que le sens est produit par l’inconscient en sauts illogiques. La tête d’un homme sur le corps d’un poisson, une poupée collée dans une forêt – ces combinaisons irrationnelles étaient autant de fenêtres sur l’inconscient.

Pourtant, même dans ses usages les plus oniriques entre les mains des surréalistes, le collage restait un baromètre culturel. Il saisissait le désenchantement d’un monde d’après-guerre où les anciennes certitudes (politiques, sociales, religieuses) étaient découpées en morceaux, et où de leurs fragments naissaient de nouvelles réalités inquiétantes.

Le collage offrait aussi un moyen de digérer l’avalanche d’images des médias modernes. À mesure que journaux, magazines et publicités se multipliaient dans les années 1920, les artistes disposaient littéralement de plus de matière première à découper que jamais. Les surréalistes ont exploité ce déluge d’images pour sonder la psyché collective : chaque collage était comme une interprétation freudienne des rêves de la culture moderne, assemblant les rebuts des médias de masse en révélations ou en cauchemars.

À la fin des années 1920 et dans les années 1930, le collage s’était imposé comme une technique centrale de l’avant-garde, non seulement en Europe mais dans le monde entier. Des modernistes latino-américains comme José Orozco ont expérimenté le collage dans leurs peintures murales et leurs estampes ; au Japon, la revue d’avant-garde Mavo présentait des collages ; et aux États-Unis, le jeune Joseph Cornell commençait à fabriquer ses ravissantes boîtes d’assemblage proches du collage, remplies de bibelots victoriens disposés de façon surréaliste.

Chronologie : les moments clés de l’histoire du collage (1900-1940) – un aperçu rapide des grandes percées du collage et de leur contexte culturel :

• 1907-1911 : Picasso et Braque développent le cubisme analytique (la décomposition de la forme). À partir de 1912, ils passent au cubisme synthétique et créent les premiers collages des beaux-arts (par exemple Still Life with Chair Caning de Picasso), en introduisant papier peint, papier journal et corde dans la peinture. Importance : le collage entre dans l’art savant et reflète une réalité moderne où l’art et le quotidien fusionnent.
• 1916-1920 : Dada naît (Zurich, Berlin, Paris, New York). Les photomontages de Hannah Höch et les collages Merz de Kurt Schwitters utilisent tickets de bus, journaux, tissu et images pour s’en prendre à la culture bourgeoise et à la propagande de guerre. Importance : le collage devient un outil de protestation, de parodie et de critique culturelle.
• 1924 : le Manifeste du surréalisme paraît à Paris. Les romans-collages de Max Ernst (1921-1934) et d’autres utilisent le collage pour évoquer des scènes oniriques. Importance : le collage sert à explorer l’inconscient et l’irrationnel et à commenter la psyché brisée de l’après-Première Guerre mondiale.
• 1938 : l’Exposition internationale du surréalisme à Paris présente collages et objets. Joseph Cornell commence à New York, dans les années 1930, à construire des boîtes d’assemblage, une extension en trois dimensions des principes du collage. Importance : le collage est reconnu au niveau international comme art plastique ; l’esthétique du collage gagne l’Amérique et inspire de jeunes artistes.

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Si, au début du XXe siècle, le collage servait à démonter les anciens ordres du monde, au milieu du siècle on l’a utilisé pour percer à jour le nouveau monde des médias de masse et de la culture de consommation. L’après-Seconde Guerre mondiale a été marqué par une explosion de publicités, de télévision, d’images imprimées et de biens de consommation – un déluge de stimuli visuels qui s’abattait sur les sens comme un immense collage. Sans surprise, les artistes des années 1950 et 1960 se sont (re)tournés vers le collage pour comprendre ou critiquer cette nouvelle réalité.

Proto-pop : la capsule temporelle de Hamilton, 1956

En 1956, un collage révolutionnaire de l’artiste britannique Richard Hamilton posait une question (et y répondait avec insolence) : « Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing ? » Le collage montre un salon moderne débordant de biens de consommation et d’icônes de la culture pop : un culturiste brandit fièrement une énorme sucette marquée « POP », une boîte de jambon trône sur la table basse, une couverture de bande dessinée et un magnétophone ornent les murs.

Hamilton a découpé ces images dans des magazines américains et les a assemblées en un instantané satirique de la société de consommation naissante. Cette œuvre est souvent considérée comme la première œuvre de pop art, avec le collage en son cœur. Le message était clair : la vie moderne est un collage, un bombardement d’images et de produits sans rapport, tous en concurrence pour notre attention et notre désir.

Le collage de Hamilton annonçait un tournant. Dans le mouvement pop art de la fin des années 1950 et des années 1960, les artistes se sont emparés avec gourmandise du collage et de l’assemblage pour célébrer, critiquer ou simplement refléter la nouvelle culture saturée de médias.

Andy Warhol, surtout connu pour ses peintures en sérigraphie, a aussi utilisé des techniques de collage dans ses premières œuvres (par exemple ses expériences de photocollage des années 1960, où il disposait des images répétées de célébrités et de produits).

Robert Rauschenberg a construit des Combines monumentaux – mi-peinture, mi-assemblage –, en plaquant journaux et photographies sur des toiles et en intégrant même de vrais objets, comme une chèvre empaillée ou un pneu.

C’étaient des collages en trois dimensions, des amas chaotiques qui captaient la vie américaine dans sa texture brute. Rauschenberg disait volontiers qu’il travaillait « dans l’espace entre l’art et la vie », et ses Combines, nés du collage, sont exactement cela : ni de l’art purement illusoire, ni de la réalité brute, mais un hybride.

De l’autre côté de l’océan, les artistes du pop art européen et du Nouveau Réalisme faisaient à peu près la même chose. Dès le début des années 1950, l’artiste italien Mimmo Rotella arrachait des affiches sur les murs des rues et assemblait leurs fragments en nouvelles compositions (il appelait cela le décollage, au sens propre « détacher », puisqu’il enlevait et réorganisait au lieu d’ajouter). Les Nouveaux Réalistes en France (comme Jacques Villeglé) arrachaient de la même façon des affiches couvertes de graffitis et les exposaient comme des collages de la culture visuelle urbaine de la « vie réelle ».

Ces approches de l’ère pop ont en commun l’idée que l’art devait refléter le bombardement d’images que les gens vivaient chaque jour – les publicités de magazines, les stars de cinéma, les bandes dessinées et les emballages de produits qui façonnaient les rêves et les désirs de la société d’après-guerre.

Le collage avait alors souvent un côté ludique et ironique. Contrairement aux dadaïstes en colère ou aux surréalistes sérieux, les artistes pop abordaient les images culturelles avec un mélange de fascination et d’ironie. Il y avait pourtant de la critique dans beaucoup de ces œuvres. Le collage de Hamilton est presque clinique dans sa façon de disséquer un intérieur de consommation ; les répétitions de Warhol – Marilyn Monroe ou une boîte de soupe Campbell’s – sont festives en surface, mais nous invitent aussi à réfléchir à la manière dont la reproduction de masse et les médias façonnent nos désirs.

Le collage était le format idéal pour les questions du pop art, parce qu’il est par essence un art de l’appropriation : il prend des images existantes (souvent commerciales) et les place dans un nouveau contexte. Ainsi, l’art du collage peut mettre à nu les mécanismes des images médiatiques : comment elles persuadent, glorifient ou trompent.

Comme l’a noté le critique d’art Donald Kuspit, une grande force du collage tient à sa capacité à bousculer nos idées reçues sur le monde et à nier le caractère absolu de la réalité consensuelle. Dans les années 1960, la « réalité consensuelle » était : consommation = bonheur ; les collages pop y ont joyeusement fait des trous, en recombinant les signes mêmes de la consommation en un art ambigu.

Le collage pour la protestation et l’identité (années 1960 et 1970)

Les années 1960 et 1970 ont été une période agitée – mouvements pour les droits civiques, mouvements féministes, manifestations contre la guerre du Vietnam – et le collage est redevenu une tactique privilégiée des militantes, des militants et des artistes qui voulaient dire leurs vérités au pouvoir.

Le collage est démocratique par nature : pas besoin d’une formation artistique officielle pour découper et coller, et on peut utiliser des matériaux bon marché et faciles à trouver, comme des magazines, des tracts et des photos. C’est pourquoi il s’est si naturellement associé à la contre-culture.

Pense aux affiches politiques et aux fanzines underground de l’époque. Le mouvement antiguerre utilisait souvent des photos en collage pour un effet choc (par exemple des images d’enfants vietnamiens superposées à un drapeau américain). En 1967, Carolee Schneemann, artiste de performance d’avant-garde, a créé « Body Collage », une œuvre où elle se roulait nue dans de la colle et des lambeaux de papier. C’était une déclaration féministe viscérale – la femme qui devient elle-même collage – qui remettait en cause l’objectivation du corps féminin en le reprenant dans un chaos de matériaux collés.

Des artistes féministes comme Hannah Wilke et Martha Rosler ont utilisé le photomontage dans les années 1970 pour critiquer les rôles de genre, comme Höch l’avait fait avant elles, mais cette fois en visant l’univers domestique des années 1960 et l’industrie de la beauté. La série de Rosler, House Beautiful : Bringing the War Home (vers 1967-1972), collait de terribles images de la guerre du Vietnam dans des intérieurs de magazines glacés, faisant s’effondrer la distance entre les salons confortables de l’Amérique et la guerre outre-mer – un puissant collage politique qui circulait dans les journaux underground plutôt que dans les galeries d’art.

Pendant ce temps, dans la musique et le graphisme, l’esthétique du collage incarnait la rébellion. Le mouvement punk rock a adopté un look DIY de découpé-collé pour les affiches de concerts et les pochettes d’albums – sans doute l’influence d’un Dada renaissant.

Le flyer délibérément anarchique du single des Sex Pistols « God Save the Queen » (1977), signé Jamie Reid, montre le portrait de la reine défiguré par des lettres façon lettre de rançon, un descendant direct du photomontage dada. Pour ce texte de lettre de rançon, Reid découpait littéralement des lettres dans des titres de journaux. Ce style de collage « lettre de rançon » est devenu synonyme de l’attitude antiautoritaire du punk. Au fond, chaque collage était une petite révolution, qui réorganisait les symboles du pouvoir en rébellion visuelle.

Le collage est aussi devenu un moyen, pour les voix marginalisées, d’affirmer leur identité. Dans les années 1960 et 1970, des artistes afro-américains comme Romare Bearden ont utilisé le collage pour représenter la vie des Noirs en Amérique. Bearden découpait des photos de magazines, des papiers à motifs et ses propres dessins, et les assemblait en scènes vivantes et improvisées de l’histoire et du quotidien afro-américains – musiciens de jazz, baptêmes, vie de rue à Harlem.

L’esthétique « patchwork » de Romare Bearden s’inscrivait dans les traditions du quilting et l’improvisation du blues, et reliait le collage à un héritage culturel de créativité noire, née de l’assemblage de ce qu’on a sous la main. Elle permettait aussi à Bearden d’insérer littéralement des visages et des corps noirs dans le récit de l’histoire de l’art, et de briser un canon qui les avait longtemps exclus. Il a ainsi inspiré les générations suivantes à se servir du collage pour raconter des histoires personnelles et politiques.

À la fin des années 1970, le collage avait infusé presque toutes les formes d’art et tous les recoins de la société – de l’art savant (expositions de musée consacrées à Schwitters ou à Cornell) à la culture pop (fanzines musicaux, bandes dessinées), jusqu’à l’activisme politique (art de protestation).

L’idée que tout peut être de l’art, pourvu qu’on l’assemble avec réflexion, était désormais largement admise. Le collage, autrefois controversé, était devenu un langage visuel courant. Mais son voyage était loin d’être terminé ; la révolution numérique allait justement le propulser dans une dimension entièrement nouvelle.