Pop Art: Zrcadlo pro společnost a katalyzátor pro změnu
Pop Art bylo vždy jedním, kdo posunul hranice a rozbila předsudky. Jeho neapologetické zkoumání konzumerismu a politiky identity zanechalo hluboký dopad na umělecký svět. Tento článek se ponoří do původu a rozvoje podvratek Pop Art a vzpurnosti. Plus jeho základní vazby na queer komunitu a trvalá masová přitažlivost umělecké formy, která hraje se samotným pojmem samotného umění ...
Původ a rozvoj popového umění
Londýnská scéna
Popové umění se objevilo v Spojené království a Spojené státy Během poloviny koncem 50. let Jako výzva pro tradiční výtvarné umění. v LondýnPopové umění se vyvinulo téměř současně s jeho vznikem ve Spojených státech1.
Hnutí bylo inspirováno populární a komerční kulturou a umělci se snažili začlenit do své práce každodenní předměty a obrázky2. Pop Art bylo charakterizováno jeho používáním jasných barev, odvážných linií a grafických snímků a často začleňovalo prvky reklamy, komiksů a populární kultury3.
V Londýně, Nezávislá skupina, mezi něž patřili umělci, spisovatelé a architekti, hráli klíčovou roli ve vývoji Pop Art. Skupina uspořádala řadu výstav na Ústav současného umění v Londýně, který předváděl dílo umělců, jako je Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, a Peter Blake1. Tito umělci se zajímali o vztah mezi uměním a masovou kulturou a snažili se zpochybnit tradiční představy o výtvarném umění začleněním každodenních předmětů a obrázků do své práce4.
Popové umění v Londýně bylo také ovlivněno rozvíjející se kulturou mládeže padesátých a šedesátých let, která byla charakterizována odmítnutím tradičních hodnot a oslavou populární kultury5.
Popové umění ve Spojených státech
Popové umění se objevilo v Spojené státy Během poloviny koncem 50. let jako reakce na měnící se kulturní krajinu Poválečná Amerika. Ve Spojených státech dostal popový umění svůj největší impuls během šedesátých let a termín „Pop Art“ byl oficiálně představen v prosinci 1962 na sympoziu pořádaném Muzeum moderního umění2.
Americké popové umění bylo charakterizováno jeho používáním populárních symbolů spotřebitelů, jako jsou předměty domácnosti a ikonické celebrity, a často začleňovalo techniky a materiály z komerčního světa, jako je tisk obrazovky35. Popové umění ve Spojených státech bylo také ovlivněno rozvíjející se kulturou mládeže 50. a šedesátých let, která byla charakterizována odmítnutím tradičních hodnot a oslavou populární kultury4.
Expanze do Francie, západního Německa a Sovětského svazu
Ve Francii bylo popové umění charakterizováno použitím jasných barev a odvážných linií a často začleňovalo prvky reklamy a populární kultury1. Francouzští popoví umělci, jako jsou Yves Klein a Daniel Spoerri zajímali se o vztah mezi uměním a každodenním životem a snažili se zpochybnit tradiční představy o výtvarném umění začleněním každodenních předmětů a obrázků do své práce1.
V západním Německu bylo popové umění ovlivněno rozvíjející se kulturou mládeže 50. a šedesátých let a často zahrnovalo prvky politické satiry a sociálního komentáře2. Němečtí popoví umělci jako Sigmar Polke a Gerhard Richter zajímali se o vztah mezi uměním a společností a snažili se zpochybnit tradiční představy o výtvarném umění začleněním každodenních předmětů a obrázků do své práce2.
V Sovětském svazu se popové umění objevilo později než na Západě a bylo silně ovlivněno politickým a sociálním klimatem té doby. Sovětské popové umění bylo charakterizováno používáním sovětského snímku a zaměření na sociální a politický komentář3.
Umělecké dilema a queer nutnost podtextu
Konzumerismus vs. Subversion
Jednou z klíčových otázek, kterým čelí umělci pop art, bylo, zda přijmout všudypřítomnou spotřebitelskou kulturu nebo ji podnítit.
Popoví umělci použili snímky spotřebitelské kultury k vytvoření děl, která byla vůči konzumu slavnostní a kritická1. Pop Art byl způsob, jak podvratit dominantní kulturu pomocí vlastních snímků proti ní a byl to způsob oslavy každodenních předmětů a obrazů, které byly často přehlíženy tradičním výtvarem4. Někteří umělci, jako Warhol, se rozhodli udělat všechno a pak někteří. Rozmazání hranic mezi uměním a obchodem a vyzývání diváka, aby zpochybnil jejich předpoklady o uměleckém světě obecně.
Některé z nejslavnějších kusů popového umění, které kritizovaly konzumerismus, zahrnují:
• Andy Warhol'S "CAMPBELLOVÉ KURS" a "Marilyn Monroe„Série, která použila snímky spotřebitelské kultury k vytvoření děl, která byla jak slavnostní, tak kritická pro konzumu.1. Warholovo umění bylo také charakterizováno jeho používáním opakování a seriátu, což zpochybňovalo tradiční představy o jedinečnosti a originalitě v umění3.
• Roy Lichtenstein"S" whaam! " a "Drowning Girl„Použité snímky komiksů k kritice objektivizace žen v populární kultuře2.
• Claes Oldenburg'S "Obří hamburger" a "Obří měkká toaleta„Používá každodenní objekty k kritice excesů spotřebitelské kultury3.
• Richard Hamilton'S "Co je to, díky čemuž jsou dnešní domovy tak odlišné, tak přitažlivé?" Používá koláž k kritice spotřebitelské kultury 50. let4.
Andy Warhol a továrna
Warhol, ta záhadná postava, která se objevila nad hnutím pop art, skvěle jmenovala jeho studio The Factory. Přitom uznal obchodní stránku umění a rozmazal hranice mezi uměním a obchodem. Přesto, pod povrchem Warholovy práce, existovaly podvratné prvky, které vzdorovaly snadné kategorizaci. Továrna byla kelímkem rozporů, kde se každý den a mimořádné srazily a kde umění bylo komoditou a prostředkem pro zpochybnění současného stavu.
Vliv umění a existencialismu Dada
Pop Art byl také hluboce ovlivněn Dada, dřívějším uměleckým hnutím, které prosperovalo na chaosu a absurditě. Umělci Dada, stejně jako Marcel Duchamp, vytvořili výsměch tradičního uměleckého světa a vytvářeli díla, která zpochybňovala samotnou povahu umění. Stejně tak existencialističtí filozofové té doby, jako jsou Jean-Paul Sartre a Albert Camus, se potýkali s otázkami o významu a účelu lidské existence. Tyto dvojčata myšlení poskytovaly úrodnou půdu pro rozvoj pop art a jeho podvratných základů.
Estetická a identita v táboře
Poznámky Susan Sontagové o táboře
V roce 1964 kulturní kritik Susan Sontag vydala svou vlivnou esej, poznámky o táboře. V něm popsala novou avantgardní citlivost, která byla jak podvratná, tak neuvěřitelná. Tábor, jak to definoval Sontag, byla estetika, která oslavovala umělou, přehnanou a divadelní. Byl to způsob, jak prohlížet svět skrze čočku ironie a oddělení.
Esej byla poprvé vydána v roce 1964 a byla prvním příspěvkem Sontag k Partizánský recenze1. Esej zvažuje významy a konotace slova „tábor“ a jak se používá v populární kultuře2.
Sontag tvrdil, že tábor je citlivost, nikoli nápad, a že je charakterizován láskou k přehnanému, „vypnutým“ a věcí, které-co-nejsou-nejsou3. Tvrdila také, že tábor je způsob, jak neutralizovat morální rozhořčení podporou hravého přístupu k tomu, co ostatní berou vážně4.
Esej Sontag měla hluboký dopad na vývoj estetiky tábora a její vztah k politice identity. Estetika tábora přijala LGBTQ komunita jako způsob podpory hravého přístupu k identitě a sexualitě4.
Esej Sontag také pomohla založit estetiku tábora jako hlavní síla v populární kultuře a měla hluboký dopad na rozvoj současného umění a módy3.
Spojení mezi táborem a popovým uměním
Propojení mezi uměním a estetikou tábora spočívá v jejich sdílené oslavě populární kultury, kýče a rozmazání hranic mezi „vysokým“ a „nízkým“ uměním12.
Popová umění i estetika tábora se objevily jako reakce na dominantní modernistická umělecká hnutí, která upřednostňovala abstrakci a tradiční umělecké hodnoty34. Pop Art začlenil do svých děl objekty masové kultury a hvězdy médií, zatímco estetika tábora se vzbudila v sebevědomě oslavování populární kultury a kitsch12.
Rekontextualizací „nízkého“ umění do „vysokého“ uměleckého kontextu, popoví umělci paralelní oslavy tábora a odhodlání k okraji2. Spojení mezi popovým uměním a estetikou tábora zdůrazňuje vliv marginalizovaných komunit na umělecký svět a sdílenou výzvu pro tradiční umělecké hierarchie2.
Role identity a výkonu
Tábor také poskytoval rámec pro zkoumání otázek identity, pohlaví a sexuality. Pro umělce jako Warhol, kteří navigovali složitost toho, že jsou mladým, homosexuálem v padesátých letech v New Yorku, nabídl tábor prostředky, jak vyjádřit svou identitu a zabývat se světem podle svých vlastních podmínek. Byl to způsob, jak provádět identitu, a to jak jako jednotlivec, tak jako umělec.
Posedlost a zjevení Andyho Warhola
Superman jako opakující se motiv
V Warholově práci se ikonický superhrdina Superman jeví jako opakující se motiv. Na povrchu se to může zdát jen jako další přikývnutí k populární kultuře, ale bližší vyšetření odhaluje hlubší a více osobní spojení. Superman, mimozemský přistěhovalec, který se transformuje ve velkém městě, odráží Warholovu vlastní cestu jako mladý homosexuální muž, který vytváří svou identitu v městské krajině.
Také jako populární superhrdinový charakter v amerických komiksech je Superman a kulturní ikona, která by se přirozeně zapadala do Warholova zkoumání kultury celebrit a hromadných sdělovacích prostředků2. Motiv Superman se svými odvážnými barvami a rozpoznatelným znakem také v souladu s Warholovým uměleckým stylem a může být považován za přirozenou volbu pro jeho vizuální jazyk1.
Warhol's Punk Pop období
Během sedmdesátých let vstoupil Warhol do období uměleckých experimentů známých jako jeho punková popová fáze. Během této doby se ponořil do temnějších rohů sexuality a touhy a vyráběl díla jako jeho neslavné „piss“ obrazy. Prostřednictvím těchto provokativních kusů Warhol nadále zpochybňoval hranice uměleckého vyjádření a zkoumal složitost identity a sexuality.
Samozřejmě existuje punkové popové spojení s jeho minulostí ... svým způsobem. Hudba Velvet Underground, kterou Warhol zvládl a produkoval, byla charakterizována vzpourou dělnické třídy proti buržoaznímu vkusu a zkorumpovaným systémům konzumace1. Warhol je Explodující plast nevyhnutelný, multimediální událost s kapelou, byla popsána jako „Electronic: Intermedia: Total Scale“ a obklopena Velvets v temném, mlhavém, strobově osvětleném cirkusu1. Zatímco toto spojení s punkovým rockem předchází sedmdesátými léty, ukazuje Warhonův vliv na hnutí. Experimentální a vzpurné ... co je více punk?
Commodore Amiga 1000 a digitální výkon
V roce 1985, Andy Warhol byl osloven Commodore International předvést pokročilé grafické schopnosti svého nového osobního počítače, Amiga 10001.
Warhol nadšeně využil této příležitosti a vytvořil řadu digitálních děl pomocí nejmodernějších nástrojů pro zobrazování softwaru Amiga 1000, jako jsou „Vzorové povodňové výplně“, „Paletizovaná barva“ a „Copy-Paste Collage“1.
Tato digitální díla byla dlouho považována za ztraceno, ale v roce 2014 byla znovu objevena v archivech Muzeum Andy Warhol1.Pro uvedení společnosti Amiga 1000 plánoval Commodore divadelní výkon na Lincoln Center v New York, kde Warhol složil počítačový portrét Debbie Harry23.
Digitální díla Warhola vytvořená na Amiga 1000 zahrnovala variace jeho ikonických CAMPBELLOVÉ KURS, květiny a portréty3. Znovuobjevené digitální umění bylo později vystaveno v Warhol Museum2.
Ostatní podvratné popové umělci
Marisol, Nikki de Saint Phalle a Dorothy Grebenak
Mnoho umělců používá / používá popové umění jako prostředek pro zkoumání a zpochybňování konvenčních nápadů. O umění, politice, pohlaví, sexualitě a dalších. Umělci jako Marisol, Nikki de Saint Phalle a Dorothy Grebenakové, z nichž každý v hnutí vyřezal své vlastní jedinečné výklenky a vytvořili mocná těla práce, která si zaslouží větší uznání a uznání.
Marisol
Marisol Escobar, známý jednoduše jako Marisol, byl venezuelským americkým sochařem Paříž která získala slávu v 60. letech za její jedinečné shromáždění a sochy1. Její práce často kombinovala snímky pop art s prvky lidového umění, rozmazává hranice mezi těmito dvěma styly1.
Marisolovo umění často používané objekty a inspiraci z fotografií nebo osobních vzpomínek2. Sochy Marisol často představovaly její vlastní tvář, jak je vidět ve skupinové instalaci postav na Toledo Museum of Art1. Jedno z jejích pozoruhodných děl, „ Rodina„(1962), byl inspirován fotografií rodiny, kterou našla ve svém studiu v New Yorku4. Její sochy často fungovaly jako satirická kritika současného života, včetně reprezentací společnosti vyšší střední třídy2.
Marisolovo umělecké školení bylo nepravidelné a eklektické, jak studovala na Beaux-Arts v Paříži v roce 1949 před přesunem New York3. Její práce byla odlišena od ostatních popových umělců té doby kvůli lidovým a dětským vlastnostem v jejích sochách2. KNepodavače pro její figurativní díla podobná krabici, kombinující dřevo a další materiály, často seskupené jako tableaux3. Její inovativní přístup k umění a její schopnost zpochybnit společenské normy z ní činí přesvědčivou postavu dodnes1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle (1930-2002) byl francouzsko-americký sochař, malíř, filmař a autor známý pro její barevné a inovativní práce1. narozený Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle, sNeměl žádné formální výcvik v umění, ale spojoval se s mnoha současnými umělci, vyvíjel idiosynkratický styl často označovaný jako „outsiderské umění“2.
De Saint PhallePráce podřídila tradiční umělecké normy a očekávání. Na začátku šedesátých let získala pozornost za své „tirs“ nebo „Storací obrazy, „kde střílela na připravené bílé shromáždění a ve svém umění vytvořila pocit násilí a ničení3. Později přesunula své zaměření na sochy a vytvořila sérii „Nanas“, která představovala lehké, rozmarné a barevné rozsáhlé sochy zvířat, příšer a ženských postav2.
Její nejkomplexnější dílo, Tarotova zahrada, byla velká sochařská zahrada obsahující řada děl v rozmezí až po výtvory velikosti domu, inspirované do Antoni Gaudí's Parc Güell a Parco Dei Mostri Bomarzo, Itálie4.
Během své kariéry De Saint Phalle využila své umění pro aktivismus, řešení sociálních a politických otázek a propagaci radosti a pozitivity3.
Dorothy Grebenak
Dorothy Grebenak (1913-1990) byl americký popový umělec známý pro její velké, ručně hovělé vlněné koberečky s známými předměty, jako jsou karet baseballu, karty baseball, Slapy krabice a dolarové bankovky12.
Převážně se samouk, Grebenakovo práce podnotil normy tím2.
Zatímco její mužský vrstevníci v hnutí Pop Art, jako je Andy Warhol a Roy Lichtenstein, získala slávu za jejich používání komerčních snímků, Grebenakova práce byla do značné míry přehlížena a devalvována v její době2. Její umělecká praxe však sdílela podobný ústřední předpoklad se svými současníky, vytáhl text a snímky z komerčních médií a přeložil ji do jiného média2.
Přes její skromný kritický a komerční úspěch v polovině století, Grebenak všichni zmizeli z uměleckého světa brzy poté2. Mnoho z jejích koberců postupem času zmizelo nebo se rozpadlo2. Po smrti jejího manžela v roce 1971 se přestěhovala Londýn, kde zemřela v roce 19902.
Grebenakovu práci lze považovat za komentář k kultuře spotřebitelů a hodnotu každodenních objektů, používající humor a jedinečné médium na zpochybnění uměleckých norem2. Grebenakovo dílo je často citováno tak, jak je přehlíženo v hnutí Pop Art, a její důvody pro opuštění uměleckého světa zůstávají diskutovány2.
Sestra Corita Kent, Martha Rosler a Idelle Weber
Podobně sestra Corita Kent, Martha Rosler a Idelle Weber použila své umění k výslechu světa kolem sebe, zpochybňovala společenské normy a očekávání, která řídila jejich život jako ženy a umělce. Jejich práce byla důkazem transformační síly umění a její schopnosti změnit způsob, jakým vidíme svět.
Sestra Corita Kent
Sestra Corita Kent (1918-1986), Born Frances Elizabeth Kent, byl americký umělec, designér, pedagog a bývalá náboženská sestra známá pro její pulzující a společensky vědomé popové umění1.
Připojila se k Sestry Neposkvrněného srdce z Mary Ve věku 18 let a vzal jméno sestra Mary Corita Kent1. Studovala umění na Chouinard Art Institute (Nyní Calarts) a získal titul z Los Angeles's Neposkvrněná srdeční vysoká škola2.
Kentova umělecká díla kombinovala citace z bible, moderní poezie a populární texty písní s náboženskými nebo sekulárními obrazy3. Její odvážné a barevné výtisky na hedvábí prosazovaly příčiny sociální spravedlnosti a řešily problémy, jako je chudoba, hlad a mír4. Začátkem šedesátých let získala slávu a pokračovala v vytváření umění i po opuštění svého konventu4.
Práce Corita Kentové se oslavovala pro její silné poselství naděje, lásky a sociálního vědomí4.
Martha Rosler
Martha Rosler je americký umělec narozený v roce 1943, známý pro svou práci ve fotografii, fotografii, textu, videu, instalaci a výkonu umění1. Sídlí v Brooklyn, New York2. Roslerovo umění se často zabývá sociálními a politickými otázkami, jako je válka, pohlaví a spotřebitelská kultura3.
Jednou z jejích pozoruhodných sérií je koláže „House Beautiful: Bringing the War Home“, které juxtapose obrazy vietnamská válka s obrázky z časopisů Home Décor3. Tato série zdůrazňuje kontrast mezi násilím války a pohodlí domácího života a slouží jako kritika amerického imperialismu3.
Během své kariéry byla Rosler uznána za své a sociálně vědomé umění2.
Idelle Weber
Idelle Weber (1932-2020) byl americký umělec známý pro její práci v pop art a fotorealismu1. Získala uznání za své rané siluety díla z 60. a 70. let, která představovala bez tváře černobílých tvarovaných postav v podnikovém a domácím prostředí1. Tato díla často podvratila vizuální jazyk reklamy a spotřebitelské kultury, kritizovaly firemní svět a jeho dopad na společnost21.
Weberovo umění bylo uvedeno na průkopnické výstavě 2010 “Svůdná podvracení: Ženy popové umělce, 1958–1968"2. Její pozdější práce se rozšířila na fotorealismus a zaměřila se na předměty, jako jsou odpadky a městská krajina3.
Vzhledem k tomu, že příspěvky poválečných ženských umělců byly znovu přezkoumány, Weberova práce získala obnovené uznání za svůj inovativní přístup a kritický komentář k konzumerismu a společenským normám1.
Rosalyn Drexler, David Hockney a Ray Johnson
Jiní queer umělci, jako Rosalyn Drexler, David Hockney a Ray Johnson, zaujali přímější přístup a využívali své umění čelit otázkám genderu, sexuality a identity čelní. Prostřednictvím své práce dali hlas marginalizovanému a vyzvali mainstream, aby čelil svým vlastním předsudkům a předpokladům.
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler (Born 1926) je americký vizuální umělec, spisovatel, OBIE Ocenění dramatik, Emmy Award-Scénář a bývalý profesionální zápasník1. Je považována za klíčový feministický hlas v hnutí Pop Art2.
Drexler začal používat snímky z populární kultury v roce 1961, ve stejném roce jako Andy Warhol a Roy Lichtenstein3. Její umělecká díla často repektuje mediální obrázky, jako jsou scény z filmů, koláž, kombinující je s výraznými barvami a výraznými kompozicemi2.
Drexlerova práce zkoumá témata intimity, násilí a maskulinity a nabízí osobní a někdy tmavší rotaci na popové přivlastňování3. Její zkušenosti jako matka, ženský zápasník a spisovatelka ovlivnila tato témata3.
Kromě svého vizuálního umění je Drexler známá svými oceněnými hrami a romány, které často odrážejí podobná témata a zážitky3. Její multidisciplinární umělecká praxe přispěla k jejímu jedinečnému přístupu k podvracení a symbologii v jejích uměleckých dílech2.
David Hockney
David Hockney (Born 1937) je anglický malíř, navrhovatel, grafik, scénografický designér a fotograf, považován za jednoho z nejvlivnějších britských umělců 20. století a důležitým přispěvatelem k hnutí pop art1.
Hockneyova práce často ponořená normy kombinováním různých médií, jako je malba, kresba, grafika, fotografie a digitální umění, aby vytvořila inovativní a výrazné kousky1.
Jedna z nejslavnějších sérií Hockney, jeho malby bazénu, předvedla jeho fascinaci účinky světla na vodu a zářivé barvy Kalifornie krajina2. Tato díla často představovala pocit izolace a introspekce, zpochybňoval tradiční reprezentaci volného času a amerického snu2.
David HockneyHomosexualita byla na jeho umění významným vlivem, protože ve své práci otevřeně prozkoumal témata homosexuální lásky a touhy, ještě předtím, než byla homosexualita dekriminalizována v roce 19671. Hockneyovy rané díla často představovaly obrázky modelů z Postava, fitness časopis podprahovaně prodávaný vůči homosexuálním mužům1. Zaměřil se na „propagandizaci homosexuality“ prostřednictvím svého umění, s některými z jeho nejranějších obrazů obsahujících silně kodifikované odkazy na jeho touhu po zpěváku Cliff Richard2.
Hockneyho obdiv pro básníka C.P. Cavafy vedl ho k vytvoření řady výtisků inspirovaných Cavafyho básními o odsouzené homosexuální lásce2. Jeho umění často zobrazovalo intimní vztahy a osobní zkušenosti, odrážející jeho život mladého homosexuála v době, kdy byla homosexualita stále tabuovým předmětem2.
Hockneyova otevřenost ohledně jeho sexuality a jeho ochoty to řešit ve svém umění z něj učinila průkopník a vzor pro komunitu LGBTQ+2.
Robert Indiana, Duane Michels a Keith Haring
Robert Indiana, Duane Michels a Keith Haringové se stali značkou hnutí Pop Art a pomocí svých výrazných stylů prozkoumali život na kulturních okrajích. Prostřednictvím svého umění oslavovali bohatost a rozmanitost lidské zkušenosti a posunuli hranice toho, co by umění mohlo být a dělat.
Robert Indiana
Robert Indiana byla ústřední postavou v hnutí Pop Art. Jeho umění často kritizovalo tendence spotřebitelů a politické excesy v americké kultuře, odrážející temnější stránku amerického snu2. Ale je nejlépe známý pro svou ikoniku MILOVAT série1.
Indiana používání symbologie v jeho uměleckém díle bylo zřejmé v jeho sérii lásky, která se stala jednou z nejznámějších uměleckých děl 20. století3. Jednoduché, ale silné uspořádání slova „láska“ odvážné, kapitalizované dopisy s nakloněným „O“ se staly symbolem míru a jednoty, přesahovaly svůj původní kontext a rezonovaly s širokým publikem1.
Robert Indiana účinně označil lásku. S jeho uměleckým dílem Od jejího vytvoření v 60. letech byl v populární kultuře používán různými způsoby. Kultovní design byl reprodukován ve formátech od velkých veřejných soch po poštovní známky1. Po celém světě je nainstalováno 50 milostných soch2. Obrázek byl také uveden na bezpočtu zboží, jako jsou koberce a skateboardy3.
Duane Michals
Duane Michals je americký fotograf známý pro jeho inovativní vyprávění prostřednictvím sekvenčních fotografií, které často zkoumají metafyzická témata1. Jeho práce podvratila společenské normy tím, že posunula hranice fotografie jako médium, spíše zachycovala myšlenky a emoce než jen dokumentováním reality2.
Michals se považoval za režiséra, který pracuje v Stills, představuje a fotografuje příběhy, které si představoval1.
Michalsova práce se často zabývala tématy podivnosti a nesrovnalostí života, odrážela jeho perspektivu jako homosexuála v době, kdy byla homosexualita méně přijata3. Byl otevřený o své sexualitě a začlenil ji do svého umění, oslovoval složitost lidských vztahů a emocí3.
Kromě svých průkopnických sekvenčních fotografií zaujala Michalsova komerční práce jako fotograf z časopisu jiný přístup a zachytila portréty lidí ve svém prostředí spíše než ve studiu1.
Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) byl portorikánský/haitský americký umělec známý pro své neo-expresionistické obrazy a Graffiti umění1. Podnotil společenské normy prostřednictvím svého syrového neaplikovaného stylu, který často začlenil text a snímky, které se zabývaly otázkami rasy, třídy, moci a identity2. Umění Basquiat se zaměřilo na dichotomie, jako je bohatství versus chudoba, integrace versus segregace a vnitřní versus vnější zkušenost3.
Basquiat použil ve svých obrazech sociální komentář jako nástroj pro introspekci a pro identifikaci se svými zkušenostmi v černé komunitě své doby, jakož i útoky na mocenské struktury a systémy rasismu3. Jeho vizuální poetika byla akutně politická a přímá v jejich kritice kolonialismu a podpory třídního boje4.
Jako mladý černý umělec napadl Basquiatova práce převážně svět bílého umění a upozornil na zkušenosti marginalizovaných komunit1. Jeho průkopnický přístup k umění a jeho vzdor tradičních uměleckých norem z něj učinil významnou postavu v neexpresistickém hnutí2.
Trvalá přitažlivost pop art a jeho radikální dědictví
Pop Art s jeho ironickou složitostí a sebevědomou hravostí nadále zaujme a zpochybňuje publikum dodnes. Schopnost hnutí hovořit s tolika různými lidmi a jeho ochota konfrontovat a podvracet se status quo je součástí jeho trvalého přitažlivosti. A když se ohlédneme zpět na její historii, je jasné, že popové umění v celé své radikální a podvratné slávě hrálo významnou roli při utváření našeho moderního světa.
...
Jak jsme viděli, Pop Art bylo mnohem víc než jen honosné, povrchní hnutí. Bylo to složité a mnohostranné zkoumání konzumerismu, politiky identity a limitů uměleckého projevu. Dědictví pop Umění a jeho průkopníci queer, stejně jako Andy Warhol, i nadále odráží uměleckým světem a připomíná nám transformační sílu umění a důležitost zpochybňování našich předpokladů a předsudků.
...
