In una sala d'aste affollata di New York nell'ottobre 2018, un curioso ritratto con tratti sfocati era appeso in una cornice dorata. L'opera, “Portrait of Edmond de Belamy,” portava una firma insolita - non il nome di un pittore, ma una formula matematica. Quando il martelletto cadde, il ritratto generato dall'IA fu venduto per l'incredibile cifra di $432.500, circa 45 volte la sua stima massima.
Un mormorio di stupore attraversò la folla. Non era solo il prezzo; era la consapevolezza nascente che l'arte dell'intelligenza artificiale era arrivata sul palcoscenico più prestigioso del mondo dell'arte. Questa vendita storica da Christie’s, la prima asta di un'opera d'arte creata al computer, segnò un nuovo capitolo nella storia dell'arte. Il successo del dipinto proclamava ad alta voce ciò che molti avevano iniziato a sospettare: l'arte dell'IA è qui per restare.
Eppure il viaggio dell'arte generata dall'IA non iniziò né finì con quella vendita. Il mondo affascinante della creatività algoritmica si era evoluto silenziosamente per decenni, molto prima che gli algoritmi potessero dipingere ritratti che rivaleggiano con i Grandi Maestri.
Oggi, ci troviamo a un bivio dove le creazioni guidate dal codice suscitano fascino e controversia in egual misura. Nelle gallerie e nei forum online, gli osservatori si meravigliano dei paesaggi onirici surreali evocati dal codice, mentre altri si chiedono se queste opere digitali abbiano un “anima” o paternità dietro di esse.
Questa è la storia di come l'arte del machine learning ha superato la novità per diventare un tratto permanente sulla grande tela dell'arte. È una storia di ingegno umano e calcolo meccanico intrecciati – un rinascimento digitale che si svolge in tempo reale.
Attraverso svolte storiche, dilemmi etici, approfondimenti di esperti e cambiamenti culturali, esploreremo perché l'arte dell'IA non solo è esplosa sulla scena, ma perché è destinata a ridefinire la creatività per le generazioni a venire.
Punti Chiave
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Emerge un Nuovo Rinascimento: L'arte generata dall'IA è esplosa sul grande palcoscenico, simboleggiata dalla vendita da parte di Christie's nel 2018 di "Portrait of Edmond de Belamy", segnando un cambiamento sismico nella storia dell'arte mentre umani e algoritmi si fondono in un'armonia creativa senza precedenti.
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Echi di Controversie Passate: La tensione intorno alla creatività dell'IA rispecchia le ansie storiche scatenate dall'avvento della fotografia, ricordandoci che ogni rivoluzione artistica suscita sia stupore che interrogativi esistenziali sull'ingegno umano e l'autorialità.
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Collaborazione o Competizione?: L'evoluzione artistica dell'IA—dai primi esperimenti algoritmici degli anni '60 alle straordinarie capacità generative degli attuali GAN—ci costringe a ridefinire la stessa nozione di artista, sollevando domande emozionanti ma inquietanti su originalità, intenzionalità e autenticità.
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Realtà Etiche ed Economiche: Mentre l'arte dell'IA democratizza la creatività, si sviluppano intensi dibattiti sulla proprietà intellettuale, la legalità dell'addestramento degli algoritmi su opere d'arte umane e le conseguenze economiche molto reali per gli artisti umani che navigano in un mondo sempre più plasmato da creazioni guidate dal codice.
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Umanità Riflessa nell'Algoritmo: Paradossalmente, l'ascesa dell'arte dell'IA invita a una profonda riesamina di ciò che rende l'arte umana intrinsecamente preziosa—emozione, esperienza vissuta e intenzionalità—sfidandoci ad abbracciare la tecnologia non come una minaccia, ma come uno specchio che riflette il nostro stesso spirito creativo.
L'Evoluzione dell'Arte dell'IA: Contesto Storico
L'emergere dell'IA come forza artistica ha sconvolto le nozioni tradizionali di creatività, riportando alla luce dibattiti antichi su cosa sia l'arte è e chi merita il merito per la sua creazione. Mentre ci immergiamo nella storia dell'arte AI – dalle sue umili origini alla sua ascesa meteoritica – troviamo una narrazione complessa e avvincente come qualsiasi capolavoro.
Le ansie riguardo all'arte realizzata con mezzi non umani non sono nuove. L'interazione tra arte e algoritmi risale a molto tempo fa. Quando la fotografia fu introdotta nel XIX secolo, ad esempio, minacciava di sconvolgere lo status quo del mondo dell'arte.
Il poeta e critico Charles Baudelaire avvertì nel 1859 che se la fotografia fosse stata autorizzata a invadere il regno della creazione di immagini, avrebbe “presto soppiantato o corrotto [l'arte] del tutto,” definendo il nuovo mezzo una “stupidità” che le masse avrebbero potuto abbracciare a scapito dell'arte raffinata.
Baudelaire non era solo – si dice che il pittore J.M.W. Turner, vedendo una delle prime fotografie, abbia mormorato, “Questa è la fine dell'arte. Sono felice di aver avuto il mio giorno.”
La storia, naturalmente, ha dimostrato che tali paure erano infondate: la fotografia è diventata una forma d'arte a sé stante, e la pittura si è reinventata piuttosto che perire. Ma l'eco di quei dibattiti precedenti può essere sentita oggi ogni volta che gli scettici denunciano le immagini generate dall'AI come “semplice produzione di macchine.”
Gli anni '60
Decenni prima che “AI art” diventasse una parola d'ordine, i primi pionieri stavano già estraendo creatività dai computer.
Nel 1965, il matematico tedesco Frieder Nake espose alcuni dei primi disegni generati al computer al mondo, stupendo il pubblico in una galleria a Stoccarda. Quello stesso anno, esposizioni di arte algoritmica di Nake e altri – tra cui Georg Nees e A. Michael Noll – introdussero il pubblico a immagini tracciate da macchine grandi quanto una stanza piuttosto che dipinte a mano.
Queste prime incursioni erano sconcertanti e provocatorie. I critici dell'epoca faticavano a comprendere questi strani risultati; una mostra d'arte informatica fu descritta come “sconcertante e inquietante,” la sua importanza appena riconosciuta dall'establishment artistico tradizionale.
Gli anni '70
Negli anni '70, alcuni visionari avevano iniziato a fondere attivamente l'arte con l'intelligenza artificiale. Nel 1973, l'artista e programmatore britannico Harold Cohen creò AARON, un innovativo programma informatico capace di disegnare e dipingere autonomamente. Cohen, un pittore molto rispettato, trascorse anni ad insegnare ad AARON i rudimenti della forma e del colore.
La scena è ambientata: un austero laboratorio informatico nei primi anni '70, dove questo solitario pittore-programmatore digitava codice che avrebbe fatto disegnare una macchina. La macchina, riempiendo linee su carta con bracci robotici, produceva forme astratte che Cohen a volte esponeva come arte.
Questo primo AI creativo sistema era rudimentale secondo gli standard moderni – AARON seguiva regole esplicite impostate da Cohen – eppure sollevava domande profonde: una macchina poteva davvero creare arte, o stava solo seguendo il codice?
Cohen stesso arrivò a considerare AARON come una sorta di collaboratore, suggerendo una volta che se l'output di un computer mostrava una riconoscibile “firma” creativa – qualcosa che chiamava “entitalità” – allora forse la macchina poteva essere considerata un artista a pieno titolo. Il suo lavoro ha aperto la strada a ciò che sarebbe stato successivamente definito arte algoritmica, piantando il seme che gli algoritmi potrebbero un giorno essere partner nel processo artistico.
Inizio del XXI secolo
Per decenni, l'arte algoritmica e generata dal computer è rimasta un'attività di nicchia - praticata da un piccolo gruppo di artisti, esposta occasionalmente in mostre d'avanguardia e spesso accolta con confusione o indifferenza. Il mondo dell'arte più ampio l'ha trattata in gran parte come una curiosità. Ma dietro le quinte, la tecnologia stava avanzando rapidamente.
All'inizio del XXI secolo si è assistito a un'esplosione della potenza di calcolo e delle tecniche di arte digitale. Entro il 2010, l'emergere dell'arte di apprendimento profondo - dove i programmi apprendono schemi da vasti set di dati - ha trasformato le capacità dell'AI nella creazione di immagini.
Un momento cruciale è arrivato nel 2014, quando il ricercatore Ian Goodfellow e i suoi colleghi hanno sviluppato le Reti Generative Avversarie (GANs). Questo tipo di algoritmo AI ha creato un "duello" creativo tra due reti neurali - una che genera immagini, l'altra che le giudica - spingendo il generatore a migliorare attraverso la competizione.
Le GANs hanno cambiato le carte in tavola: invece di programmatori che codificano manualmente le regole artistiche, la macchina poteva apprendere l'estetica per esempio. Con le GANs, l'AI poteva ora produrre immagini di complessità sorprendente, estrapolando da ciò che aveva appreso in modi che nemmeno i suoi programmatori potevano prevedere.
Quasi da un giorno all'altro, ciò che era stato faticoso (l'AARON di Cohen si è evoluto in anni di codifica) è diventato relativamente accessibile. Artisti e sperimentatori hanno iniziato ad addestrare le GANs su tutti i tipi di immagini - dai dipinti classici ai video di YouTube - osservando stupiti mentre l'AI generava arte che andava dall'astratto inquietante al sorprendentemente realistico.
Nel 2015, l'algoritmo DeepDream di Google, rilasciato pubblicamente, ha trasformato foto ordinarie in visioni allucinatorie con pochi clic, suggerendo il potenziale immaginativo dell'AI. Entro la fine degli anni 2010, la gamma estetica dell'arte AI si era ampliata notevolmente.
Questi sistemi potevano produrre creazioni AI astratte che riecheggiava le esplorazioni libere di un pittore espressionista, o tentava figurazione stilizzata emulando le tecniche di artisti famosi. Sputando fuori costrutti surreali – scene oniriche, daliesche dove volti e forme si fondono l'uno nell'altro – ma altrettanto facilmente rende digitali iperreali così nitidi che, a prima vista, potrebbero essere scambiati per fotografie ad alta risoluzione.
L'arte AI non era più uno stile o un genere; era una cassetta degli attrezzi capace di stili infiniti, limitata solo dai dati da cui aveva appreso.
Giorni Nostri
Una rivoluzione testo-immagine è arrivata nei primi anni 2020. Nel 2021 e 2022, una nuova generazione di strumenti di arte AI è diventata disponibile al grande pubblico. Modelli come DALL·E 2 di OpenAI, Midjourney, e Stable Diffusion hanno permesso a chiunque di inserire un suggerimento scritto – poche parole che descrivono una scena immaginata – e ricevere un'immagine appena generata in pochi secondi. Non era richiesta alcuna competenza tecnica oltre a un po' di creatività e una connessione internet. Questa democratizzazione dell'arte AI ha creato un'esplosione di interesse pubblico.
Entro la metà del 2022, milioni di persone stavano sperimentando con generatori di immagini AI, e i social media erano invasi da opere d'arte inquietanti prodotte sia da dilettanti che da professionisti. Un giornalista ha notato giustamente che questi sviluppi erano avvenuti a una velocità "vertiginosa", con DALL·E, Midjourney e altri rilasciati per l'uso pubblico nel giro di un anno.
L'impatto è stato immediato e diffuso: la creatività digitale è entrata in una nuova era in cui la linea tra artista e pubblico si è sfumata, e dove il ruolo dell'umano si è spostato più verso il dare idee che eseguire pennellate.
Questioni Etiche e Filosofiche dell'Arte Generata dall'AI
Ogni innovazione dirompente nell'arte porta con sé una serie di dilemmi filosofici, e l'arte AI non fa eccezione. Man mano che le creazioni algoritmiche proliferano, artisti, critici e pubblico si trovano a confrontarsi con domande fondamentali:
- Cosa significa essere un artista?
- Una macchina può essere creativa, o è solo un'estensione del suo programmatore umano?
- Chi possiede l'arte – la persona che ha scritto il codice, quella che ha fornito il prompt, o l'algoritmo stesso?
Questi dibattiti riecheggiano le argomentazioni del XIX secolo sulla fotografia e l'arte, ma con nuove sfumature. Quando un'AI può produrre un dipinto convincente in pochi secondi, la questione non è solo la minaccia al lavoro umano – è una sfida alla stessa nozione di autorialità umana e intento artistico.
Autorialità e Creatività
Una delle principali controversie è quanto credito creativo assegnare agli algoritmi. I creatori del ritratto "Belamy" lo hanno firmato con la funzione di perdita del GAN (una formula), accreditando implicitamente la macchina. Ma l'AI è davvero l'artista? I detrattori spesso sostengono che i risultati dell'AI siano per natura derivativi – il software sta estraendo e remixando immagini esistenti – e quindi manca dell'intenzionalità e originalità che ci aspettiamo dall'arte.
Nel caso di “Belamy,” alcuni hanno sottolineato che il collettivo dietro l'opera aveva costruito il loro GAN utilizzando un codice open-source di un giovane artista-programmatore, Robbie Barrat, e inizialmente non lo avevano accreditato. Questo ha scatenato un dibattito sul fatto che utilizzare l'algoritmo AI di qualcun altro fosse simile a un artista che usa il pennello di un altro - o più simile al plagio.
Più filosoficamente, se un dipinto è generato da un processo autonomo, le persone si chiedono: Chi è il vero creatore? È l'umano che ha scritto il codice, quello che ha curato le immagini di addestramento, la persona che ha premuto “Esegui,” o l'algoritmo stesso che segue il suo corso quasi indipendente?
Definire il Creatore
Un'impresa complicata. L'esistenza stessa dell'arte AI costringe a una rivalutazione delle nostre idee di paternità. "Se l'opera è stata veramente creata da questa stringa di numeri e lettere, importa chi ha costruito e addestrato l'AI?" si è chiesto un giornalista durante la vendita di Christie’s. Non ci sono risposte facili – i confini tra AI, artisti e arte prodotta dall'AI sono ancora amorfi.
Artisti e osservatori sono divisi. Alcuni puristi sostengono che senza una guida umana in ogni fase, il risultato non può essere considerato “art” nel senso significativo. Sostengono che la creatività richiede coscienza, intenzione ed esperienza vissuta - qualità che una macchina non possiede. Come prova, notano che quando un GAN produce, ad esempio, una serie di volti distorti, non ha idea perché lo sta facendo.
Il pittore figurativo britannico Francis Bacon deformava deliberatamente i volti nei suoi dipinti per provocare emozione; un GAN spesso lo fa semplicemente perché non ha imparato a rappresentare i volti perfettamente. La differenza è l'intenzione. Infatti, gli stessi ricercatori di AI riconoscono questo divario.
Ahmed Elgammal, un esperto di arte AI, ha osservato che mentre i ritratti mutanti generati da GAN possono evocare lo stile di Bacon nella loro novità e stranezza, c'è “qualcosa che manca” - cioè la mancanza di intenzione artistica dietro quelle deformità. L'output dell'algoritmo può sembrare arte, ma ha significato qualsiasi cosa da esso? Se l'arte è definita dall'intento e dall'auto-espressione dell'artista, le creazioni di una macchina presentano un enigma ontologico.
D'altra parte, i sostenitori dell'arte AI sostengono che la creatività può assumere molte forme, e lo strumento utilizzato non nega il merito artistico. Sottolineano che gli artisti si sono sempre affidati a strumenti e processi esterni – dalle fotocamere ai pennelli alle reazioni chimiche in camera oscura – e che gli algoritmi sono solo uno strumento più complesso. In questa visione, l'umano è ancora molto presente nell'arte AI, solo in una capacità diversa. Invece di impugnare un pennello, l'artista cura un set di dati e affina i parametri.
L'atto di scegliere cosa l'AI imparerà e quali output esporre è di per sé un atto artistico espressivo. “La mano dell'artista è coinvolta nella selezione delle immagini di input, nella modifica dell'algoritmo e poi nella scelta tra quelle che sono state generate,” spiega Elgammal, descrivendo un flusso di lavoro di “pre-curation” e “post-curation” attorno al processo generativo dell'algoritmo. In altre parole, un'opera d'arte AI può avere più autori – il programmatore, l'utente finale e l'algoritmo – ciascuno contribuendo in modo diverso al pezzo finale.
Alcuni artisti che lavorano con l'AI lo paragonano a dirigere un processo naturale: preparano il palcoscenico e lasciano che l'algoritmo si esibisca, intervenendo nei momenti critici. Chi, allora, è il creatore? Forse è una partnership tra uomo e macchina.
Come suggerì una volta Harold Cohen, se l'output della macchina ha un carattere distintivo (uno che potrebbe persino essere riconoscibile come lo “stile” della macchina), allora forse possiamo iniziare a considerare l'algoritmo stesso un'entità artistica – sebbene una iniziata dagli umani.
Originalità e Dataset
Un altro dilemma etico riguarda il modo in cui l'IA impara a creare. La maggior parte delle IA che generano arte sono addestrate su grandi dataset di immagini esistenti, spesso raccolte da internet o musei. Questo solleva la questione della proprietà intellettuale e del consenso. Un'opera d'arte creata dall'IA è veramente "originale" se deriva da migliaia di opere preesistenti?
Quando un GAN produce una nuova immagine, non copia nessuna immagine sorgente in modo diretto, ma si basa su schemi nei suoi dati di addestramento. Questo ha portato alcuni critici a definire l'arte generata dall'IA una forma di "collage glorificato" o "pastiche automatizzato." Più concretamente, artisti e fotografi hanno iniziato a chiedersi: Che dire dei milioni di opere d'arte umane che i sistemi IA ingeriscono senza permesso?
Affrontare l'uso di materiali protetti da copyright nei dataset di machine learning senza consenso è diventato un problema urgente. All'inizio del 2023, Getty Images – una grande agenzia di foto stock – ha intentato una causa di alto profilo contro Stability AI, la società dietro Stable Diffusion, accusandola di violare il copyright su 12 milioni di fotografie utilizzate per addestrare l'IA senza una licenza. In modo significativo, alcune immagini generate dall'IA hanno persino mantenuto resti distorti del watermark di Getty, chiara evidenza della provenienza dei loro dati di addestramento.
La causa di Getty sostiene che la raccolta indiscriminata di contenuti protetti da copyright per alimentare un prodotto commerciale di IA è illegale, e stanno cercando danni ingenti nell'ordine di miliardi.
In un'azione parallela, un gruppo di artisti ha intentato una causa collettiva in California contro diverse aziende di IA, sostenendo che queste società hanno violato i diritti dei creatori utilizzando la loro arte per addestrare l'IA senza compenso.
Questo è un nuovo territorio legale. La legge sul copyright non ha mai previsto uno scenario in cui un'entità non umana potrebbe generare opere derivate in massa. I tribunali e i regolatori stanno ora cercando di recuperare il ritardo. L'Ufficio del Copyright degli Stati Uniti si è espresso, affermando recentemente che le opere create interamente dall'IA – con "materiale generato puramente dall'IA" e senza revisione umana – non possono essere protette da copyright, perché la legge riconosce solo la paternità umana.
In una decisione del 2023, i funzionari hanno sottolineato la necessità di una “espressione umana” in un'opera d'arte affinché possa essere considerata originale e protetta. Hanno chiarito che se un'IA viene utilizzata come strumento nella creazione (ad esempio, un artista modifica o guida significativamente l'output dell'IA), allora le parti create dall'uomo possono essere coperte da copyright – ma un'immagine che un algoritmo genera da solo a partire da un prompt testuale non è idonea. Questa posizione essenzialmente colloca l'arte generata dall'IA nel dominio pubblico a meno che non sia chiaramente evidente l'apporto creativo umano.
La sentenza ha importanti implicazioni: un illustratore che semplicemente presenta immagini generate dall'IA a un cliente potrebbe non avere affatto la proprietà legale di quelle immagini, mentre un artista che dipinge sopra o realizza collage con output dell'IA sì.
Man mano che la tecnologia supera la legislazione, stiamo assistendo a una rapida evoluzione di come viene definita la proprietà intellettuale. Cause legali come quella di Getty probabilmente stabiliranno importanti precedenti su come viene gestito il copyright nell'arte generata dall'IA, e se nuove regolamentazioni richiederanno di chiarire come la legge sul copyright possa proteggere le espressioni uniche dell'IA rispettando i diritti degli artisti umani in futuro.
Impatto sugli Artisti e sulla Società
I dibattiti etici si estendono anche al regno culturale ed economico. L'arte generata dall'IA minaccerà i mezzi di sussistenza degli artisti? Questa domanda tormenta molti nei settori creativi. Illustratori, artisti concettuali, grafici – queste sono professioni che già vedono una certa discontinuità.
Nel 2022, un'opera d'arte generata con Midjourney (uno strumento di IA) ha vinto il primo premio in una competizione di arte digitale a una fiera statale in Colorado, battendo artisti umani e suscitando indignazione tra alcuni concorrenti. Per loro, sembrava un presagio che gli artisti umani sarebbero stati sottovalutati da macchine in grado di produrre arte accettabile con la semplice pressione di un pulsante.
Ci sono parallelismi nella storia che offrono sia avvertimenti che conforto. Nel XIX secolo, i ritrattisti videro effettivamente un forte calo della domanda una volta che la fotografia divenne diffusa – negli anni 1850, gli studi fotografici di ritratti avevano ampiamente sostituito i ritratti dipinti in miniatura e le silhouette per la classe media, un cambiamento che fu ampiamente accettato con poco rimpianto.
La pittura non è morta dopo l'arrivo della fotografia. Gli artisti hanno continuato a esplorare ambiti che la fotografia non poteva raggiungere (Impressionismo, astrazione, ecc.). Allo stesso modo, nel XX secolo, sintetizzatori e drum machine minacciavano di sostituire i musicisti; alcuni temevano "la fine della musica", ma col tempo questi strumenti sono diventati solo un'altra parte della tavolozza dell'artista. L'IA nell'industria creativa seguirà lo stesso modello.
Molti artisti contemporanei credono che, piuttosto che rendere obsoleti i creativi umani, l'IA stimolerà una rinascita creativa liberando gli artisti da compiti banali. Creatività aumentata è un termine spesso usato – l'idea che l'IA possa gestire aspetti laboriosi (come iterare variazioni o riempire dettagli), permettendo agli artisti di concentrarsi su decisioni creative di livello superiore.
In questa visione ottimistica, una stilista potrebbe usare l'IA per generare decine di idee di pattern, poi selezionare e affinare le migliori – finendo con disegni che potrebbe non aver mai immaginato da sola. Un architetto potrebbe visualizzare rapidamente concetti usando l'IA, poi usare il giudizio umano per sviluppare le forme più ispiratrici. Il ruolo dell'artista si sposta da artigiano a direttore o curatore di IA creativa, come alcuni hanno suggerito.
Molti artisti insistono sul fatto che creativi sufficientemente talentuosi vorranno collaborare con l'IA piuttosto che competere con essa. Proprio come i fotografi hanno padroneggiato la macchina fotografica e i designer grafici hanno padroneggiato Photoshop, gli artisti di domani potrebbero dover padroneggiare il lavoro con algoritmi generativi. Coloro che lo faranno potrebbero ottenere risultati più rapidamente ed esplorare idee più ampiamente che mai.
Tuttavia, l'ansia è reale. L'efficienza di un'IA mette in pericolo i mezzi di sussistenza dei professionisti creativi? Se un editore di libri può commissionare una dozzina di concetti di copertina da un'IA in pochi minuti piuttosto che pagare un illustratore, alcuni lo faranno - almeno per progetti più semplici. Se uno studio di giochi può far generare a un'IA arte di sfondo o schizzi concettuali, ciò potrebbe ridurre il numero di artisti principianti che assumono. Col tempo, la dipendenza dall'IA potrebbe erodere lo sviluppo delle abilità umane?
I detrattori si preoccupano di un futuro in cui visivi prodotti in massa dall'IA inondano il mercato, portando a un eccesso di arte che è superficialmente attraente ma concettualmente superficiale - e rendendo più difficile per gli artisti umani competere per l'attenzione o il reddito.
C'è anche una preoccupazione culturale: l'arte è una delle espressioni distintive dell'umanità. Se sempre più arte è generata dalle macchine, perdiamo un po' di ciò che rende l'arte speciale? C'è qualcosa di insostituibile nel tocco umano, nella presenza della mano e della mente di un artista, che un'IA, per quanto sofisticata, non potrà mai replicare?
I dibattiti etici sull'arte dell'IA sono quindi profondamente intrecciati con domande filosofiche sulla creatività e preoccupazioni pratiche sull'economia e la legge. Dietro ogni angolo ci sono più domande:
- L'arte dell'IA dovrebbe essere chiaramente etichettata come tale?
- Usare lo stile di un artista in un algoritmo è una forma di furto o un omaggio creativo?
- Come possiamo garantire diversità ed equità nei dataset affinché l'arte AI non rinforzi involontariamente i pregiudizi (un problema noto quando gli algoritmi sono addestrati su dati sbilanciati)?
Queste conversazioni in corso indicano che la società è ancora nel processo di decidere come integrare l'AI nel contesto creativo. Ciò che è abbondantemente chiaro è che l'AI ha costretto tutti a riflettere su cosa significhi autenticità artistica. Paradossalmente, sfidando il ruolo dell'artista, l'AI potrebbe aiutare a chiarire ciò che conta veramente nella creatività umana – quegli aspetti di emozione, contesto e intento che gli algoritmi, per ora, faticano a emulare.
Voci dal Mondo dell'Arte: Approfondimenti e Prospettive degli Esperti
In mezzo al vortice di polemiche, voci da tutto il mondo dell'arte – dagli artisti d'avanguardia ai critici e curatori – stanno offrendo le loro prospettive su questa trasformazione guidata dall'AI. Questi approfondimenti forniscono una comprensione sfumata di come l'AI stia rimodellando la creatività. Alcuni esperti sono entusiasti evangelisti della nuova tecnologia, altri sono scettici cauti, e molti si collocano da qualche parte nel mezzo, riconoscendo sia le straordinarie opportunità che le tensioni irrisolte che l'arte AI presenta.
I Pionieri – Abbracciare la Musa Algoritmica
Un certo numero di artisti contemporanei ha costruito la propria pratica attorno all'AI, trattando l'algoritmo come un collaboratore o addirittura una musa. Un esempio di rilievo è Mario Klingemann , un artista tedesco spesso lodato come un pioniere dell'arte AI. Klingemann ha ottimizzato con cura il processo di creazione artistica con le reti neurali, e ne parla come una nuova forma di espressione artistica che chiama “neurografia”.
Nel 2018, ha debuttato con Memories of Passersby I, un'installazione guidata dall'AI composta da due schermi che mostrano incessantemente un flusso in evoluzione di ritratti – volti di persone che non sono mai esistite, generati continuamente da un GAN. Per creare questo pezzo, Klingemann ha addestrato la rete neurale su migliaia di ritratti storici dal XVII al XIX secolo e ha trascorso mesi a perfezionare il sistema. Ha persino implementato un meccanismo di feedback simile a scorrere a sinistra o a destra – effettivamente una curation in stile Tinder – per insegnare all'AI quali output si allineavano con il suo gusto artistico personale.
Il risultato è un'opera d'arte autonoma che “sogna” nuovi volti in tempo reale, ogni immagine effimera appare per un momento prima di trasformarsi nella successiva. “È come guardare un' immaginazione infinita prendere forma nella mente di una macchina,” ha scritto Sotheby’s del pezzo, notando che il soggetto umano (i volti) aggiunge un tocco di commozione all'idea di un computer che sogna persone.
Il lavoro di Klingemann, che mescola input umano con generazione algoritmica, esemplifica il potenziale collaborativo dell'AI: ha impostato i vincoli creativi e ha trasmesso le sue sensibilità estetiche alla macchina, e la macchina a sua volta produce sorprese che alimentano l'esplorazione artistica di Klingemann. Quando Memories of Passersby I è stato messo all'asta da Sotheby’s nel 2019, ha raggiunto circa $51.000, segnalando che il mercato dell'arte stava iniziando a prendere sul serio questa nuova forma d'arte.
Klingemann ha commentato che la vendita ha convalidato l'arte AI non solo come un espediente ma come un movimento artistico in crescita. Come qualcuno che ha trascorso anni a scrivere codice e curare output, sottolinea spesso che lavorare con l'AI non riguarda il premere un pulsante – è un processo creativo iterativo che richiede visione e discernimento a ogni passo.
Un'altra voce influente è Anna Ridler , un'artista britannica che lavora ampiamente con i GAN ma con un tocco particolare – genera i suoi dataset di addestramento a mano. Nel suo acclamato progetto The Fall of the House of Usher (2017), Ridler ha creato un'animazione video di 12 minuti utilizzando un GAN addestrato esclusivamente sui suoi disegni a inchiostro. Ha disegnato oltre duecento immagini ispirate all'adattamento cinematografico muto del 1929 del racconto di Edgar Allan Poe, poi ha inserito quei disegni in un GAN per produrre i fotogrammi dell'animazioneannaridler.com.
Il pezzo risultante sfarfalla e si decompone, con forme che appaiono e scompaiono in un'astrazione inquietante in bianco e nero. Ridler stava esplorando intenzionalmente gli “aspetti fuggitivi della memoria” e il modo in cui le immagini si degradano – tematicamente appropriato per il racconto di decadenza di Poe.
Fondamentalmente, Ridler ha parlato del perché ha scelto l'IA per questo progetto: il processo di apprendimento automatico ha introdotto un'imprevedibilità controllata che ha servito il suo concetto artistico. “È un pezzo che avrebbe potuto essere animato a mano,” scrive, “ma scegliendo l'apprendimento automatico sono stata in grado di esaltare e aumentare questi temi attorno al ruolo del creatore, alla reciprocità tra arte e tecnologia, e agli aspetti della memoria in un modo che non sarebbe stato disponibile per me altrimenti.”
In altre parole, l'uso dell'IA ha permesso a Ridler di spingere l'opera d'arte in un nuovo territorio concettuale – la tendenza dell'algoritmo a “dimenticare” o distorcere i disegni nel tempo è diventata una caratteristica dell'arte stessa, simboleggiando lo sbiadire della memoria. Sottolinea anche qualcosa di profondo: il ruolo del creatore cambia quando si utilizza l'IA.
Curando il dataset (i suoi disegni) e lasciando che il GAN li interpreti, Ridler sta esplorando una paternità ibrida. Nota un interesse per come il processo “illustra le dinamiche tra il creatore umano e la macchina”, e abbraccia l'imprevedibilità del risultato. La pratica di Ridler dimostra che l'arte generata dall'IA può essere profondamente personale e guidata dal concetto – lontano dal premere “randomize,” può coinvolgere una pianificazione attenta e un dialogo tra artista e algoritmo.
Il suo lavoro è stato esposto in musei e gallerie di tutto il mondo, e rappresenta un esempio di un'artista che vede gli algoritmi creativi non come una minaccia, ma come un mezzo per arricchire l'espressione artistica.
Gli Entusiasti – Professionisti dell'Arte e Tecnologi
Non sono solo gli artisti; molti curatori e tecnologi sono diventati anche sostenitori del potenziale dell'arte dell'IA. Nel 2019, il Barbican Centre di Londra ha allestito una mostra di grande successo intitolata “AI: More Than Human.” Questa mostra è stata un'indagine senza precedenti sugli aspetti creativi e scientifici dell'intelligenza artificiale, presentando numerose opere d'arte guidate dall'IA. Ha invitato i visitatori a interagire direttamente con le installazioni – dalle macchine da disegno alle opere d'arte interattive che rispondevano alla loro presenza.
La risposta del pubblico è stata eloquente: nei pochi mesi della sua durata, la mostra ha attirato più di 88.000 visitatori, rendendola una delle mostre di maggior successo del Barbican. Chiaramente, c'è una fame di sperimentare e comprendere questa nuova forma d'arte.
I curatori della mostra hanno sottolineato che l'IA non è stata presentata solo come una novità tecnologica, ma come parte di una storia continua di arte e innovazione – tracciando le radici dagli automi antichi e dai primi calcolatori fino all'IA creativa di oggi. Tale abbraccio istituzionale conferisce credibilità all'arte dell'IA.
Grandi musei come lo Smithsonian hanno anche tenuto pannelli e mostre sulla creatività dell'IA, e le case d'asta (Christie's, Sotheby's) hanno pubblicato saggi ponderati sulle implicazioni dell'IA per l'arte e la valutazione.
Gli accademici di storia dell'arte e cultura digitale stanno sempre più considerando l'arte dell'IA come un'area di studio legittima, paragonandola a movimenti artistici precedenti che una volta erano controversi (ad esempio, Dada, arte concettuale).
Le figure dell'industria tecnologica, da parte loro, spesso esprimono una sorta di stupore per ciò che i loro algoritmi sono diventati capaci di fare - uno stupore che a volte sfocia in un'advocacy per l'IA come partner creativo.
Goodfellow, l'inventore dei GAN, ha concepito l'idea immaginando come due reti neurali potessero "combattere" tra loro; quella dinamica avversaria si è rivelata una ricetta per una creatività sorprendente.
Altri ricercatori di IA come Douglas Eck (che guida il progetto Magenta di Google sull'IA per musica e arte) hanno parlato di "democratizzazione della creazione artistica" - prevedono un futuro in cui tutti possono essere creatori con l'aiuto dell'IA, proprio come gli smartphone hanno trasformato tutti in fotografi.
Questo entusiasmo si basa sulla convinzione che l'IA possa espandere i confini dell'arte. Gli algoritmi di apprendimento automatico possono rilevare schemi e combinazioni che gli esseri umani potrebbero non pensare, generando stili e forme nuove.
Alcuni paragonano l'uso dell'IA all'avvento di nuovi mezzi artistici: proprio come il sintetizzatore ha aggiunto nuovi suoni alla musica, l'IA offre nuove immagini e persino nuovi concetti di cosa possa essere un'immagine (ad esempio, trasformandosi continuamente o visualizzando dati in modi artistici).
In interviste, questi tecnologi spesso sottolineano la collaborazione: l'IA non sostituirà gli artisti; darà loro superpoteri. Può generare "magia" in pochi secondi, ma spetta all'umano decidere quale tipo di magia conta.
Gli Scettici – Avvertimenti e Critiche
D'altro canto, molte figure prominenti nel mondo dell'arte rimangono scettiche o critiche nei confronti dell'arte dell'IA. Forse i più vocali sono alcuni critici d'arte e certi artisti tradizionali. Jerry Saltz, il critico d'arte vincitore del Pulitzer per New York magazine, ha dato un'opinione pungente sul celebrato ritratto Belamy.
Liquidandolo come “100 percento generico”, Saltz ha sostenuto che il ritratto fosse essenzialmente un miscuglio sfocato che non offriva nulla di veramente nuovo o significativo. Per lui, era un pastiche insipido che cavalcava la novità di essere fatto dall'IA – un'opera "vuota" sostenuta da un espediente.
La critica di Saltz riecheggia un sentimento comune: che molta dell'arte dell'IA, almeno finora, sembra derivativa o appare concettualmente superficiale. I detrattori sottolineano che un'IA può imitare stili ma non decide di, per esempio, sovvertire uno stile per una ragione; non ha un messaggio da comunicare.
Quando si confrontano con opere dell'IA, gli scettici spesso chiedono, “Dov'è la voce dell'artista in questo? Cosa sta dicendo?” Se quelle domande non possono essere risposte, sono inclini a liquidare l'opera come semplice produzione piuttosto che arte.
Alcuni curatori di musei hanno anche espresso riserve. Nelle recensioni di “AI: More Than Human,” per esempio, un critico del Guardian ha ammirato l'interattività ma ha notato “poco segno di creatività in mezzo allo spettacolo tecnologico,” concludendo che lo spettacolo ha lanciato molto al pubblico ma ha sollevato dubbi sul fatto che l'IA possa davvero essere autocosciente o creativa nel senso umano.
In sostanza, lo scetticismo non riguarda se le IA possano produrre immagini sorprendenti - chiaramente possono - ma se quelle immagini abbiano la profondità, il contesto e il potere comunicativo che associamo alla grande arte.
C'è anche una critica ideologica proveniente da alcuni artisti e studiosi: la preoccupazione che l'arte dell'IA possa valorizzare i valori sbagliati. Se il mondo dell'arte abbraccia le opere generate dall'IA, stiamo celebrando la creatività o stiamo celebrando la tecnologia per il suo stesso scopo?
Alcuni temono una china scivolosa verso la valorizzazione di algoritmi intelligenti rispetto al contenuto umanistico. Inoltre, viene sollevata la questione del bias: se un'IA è addestrata sulla storia dell'arte occidentale, rispecchierà in modo sproporzionato l'estetica occidentale e ignorerà altre prospettive culturali, rafforzando così una visione ristretta dell'arte? Inoltre, c'è il rischio che l'arte generata dalla domanda popolare (tramite prompt) possa tendere verso il cliché?
Gli scettici esortano a un impegno cauto e critico con l'arte dell'IA piuttosto che a un clamore acritico. Ricordano che l'arte è sempre stata un'esperienza umana - vedere il mondo attraverso gli occhi di un altro - e si chiedono se un'IA, che non ha esperienza di vita, possa offrire un vero insight o prospettiva. Questo gruppo non rifiuta necessariamente l'IA come strumento (molti accettano che abbia i suoi usi), ma rimangono non convinti che l'output di una macchina possa commuoverci nel modo in cui può farlo l'arte umana.
Come ha affermato uno studio dell'Università di Oxford sull'IA e l'arte, “Gli artisti non possono essere sostituiti dalle macchine... Non si può - per ora - trasferire l'esperienza di vita nei dati”. La clausola “per ora” svolge un ruolo importante in quella dichiarazione, racchiudendo sia il dubbio che il riconoscimento che non dovremmo mai dire mai.
La Visione Bilanciata
Molti esperti adottano una posizione intermedia, riconoscendo i notevoli successi dell'arte dell'IA pur sottolineando il valore duraturo della creatività umana. Ad esempio, i curatori di musei che hanno acquisito opere d'arte dell'IA spesso le contestualizzano come parte di un dialogo in corso. Potrebbero dire: Questo pezzo è interessante non solo perché è stato creato dall'IA, ma per come interagisce con la storia dell'arte o con le questioni sociali attuali.
I migliori artisti dell'IA spesso infondono i loro progetti con strutture concettuali o commenti – ad esempio, utilizzando l'IA per fare un punto sulla sorveglianza, o sulla natura della memoria (come ha fatto Ridler). I curatori tendono a rispondere a quella stratificazione.
La storica dell'arte e studiosa dei media Christiane Paul, che ha curato arte digitale per decenni, osserva che l'arte dell'IA è solo l'ultima di una linea di forme d'arte computazionali e dovrebbe essere valutata come qualsiasi altra arte – per il suo contenuto, contesto ed esecuzione, non solo per la novità del suo mezzo. Lei e altri sottolineano che l'arte è più della somma delle sue parti: inserire dipinti famosi in un modello e ottenere qualcosa che assomiglia a un van Gogh non lo rende automaticamente arte in un senso profondo.
Ciò che conta è come l'artista (umano) inquadra e utilizza la capacità dell'IA. Questa posizione sfumata dice fondamentalmente: Sì, l'IA è un nuovo potente strumento che può produrre output visivi; no, non ogni output è automaticamente grande arte; la creatività e il discernimento umano rimangono fondamentali. L'IA può essere vista come un nuovo tipo di pennello o una nuova fotocamera – uno che può fare cose incredibilmente sofisticate, ma sempre sotto la guida (e il controllo) della visione umana.
Dal punto di vista di alcuni filosofi dell'arte, l'arte dell'IA ha persino riacceso vecchi dibattiti in estetica: ci costringe a chiederci, Il valore dell'arte sta nel processo di creazione o nel prodotto finale?
Se si crede che sia in gran parte nella capacità del prodotto finale di emozionare un pubblico, allora forse un'opera d'arte dell'IA che stupisce o commuove le persone è intrinsecamente preziosa, indipendentemente da chi/cosa l'ha creata.
Se si crede che il processo e l'intenzione dell'artista siano critici, allora i pezzi generati dall'IA potrebbero sembrare vuoti. La discussione richiama i dibattiti sul fatto che possiamo separare l'arte dall'artista – qui, l'"artista" potrebbe non esistere affatto come persona.
Riassumendo il coro di opinioni degli esperti, sembra chiaro che l'arte dell'IA sta provocando un discorso sano, seppur intenso. Ha galvanizzato i tecnologi che la vedono come un trionfo dell'innovazione, ha entusiasmato molti artisti che trovano in essa nuove possibilità, e ha allarmato o disincantato altri che si preoccupano di ciò che si perde quando la creazione è esternalizzata al codice. Questo dialogo stesso è prezioso; sta spingendo la comunità artistica a articolare ciò che apprezziamo dell'arte fatta dall'uomo, aprendo al contempo i nostri occhi a modalità alternative di creazione.
Come con qualsiasi tecnologia dirompente nell'arte – dalla fotografia al montaggio digitale – lo shock iniziale e l'hype gradualmente lasciano il posto a una comprensione più misurata dei punti di forza e dei limiti del mezzo. Siamo nel mezzo di quel processo ora con l'arte dell'IA, e le intuizioni degli esperti raccolte finora aiuteranno a formare una visione più matura di questo fenomeno negli anni a venire.
Nel frattempo, le reazioni del pubblico generale coprono l'intero spettro. C'è un'autentica fascinazione per le potenziali nuove forme di espressione che l'arte AI introduce, e una vasta ammirazione per la maestria tecnologica e l'innovazione dietro queste opere – non si può fare a meno di essere impressionati quando un computer evoca un'immagine che sembra un dipinto rinascimentale o un paesaggio fantastico mai visto prima. Allo stesso tempo, c'è scetticismo sul fatto che l'AI possa essere veramente “creativa.”
Molti spettatori si chiedono: se l'arte è generata da dati preesistenti e algoritmi, sta davvero creando qualcosa o solo remixando? Insieme a quello scetticismo arriva un rifiuto totale dell'idea che le opere generate dall'AI debbano essere considerate arte fine in generale; una parte del pubblico sente che l'arte senza un'anima umana dietro è intrinsecamente priva di autenticità.
Le discussioni sui social media sull'arte AI spesso oscillano tra stupore (“Questo è incredibile – un computer ha fatto questo!”) e rabbia (“Questa immagine è bella, ma non è arte, il computer non sa cosa sta facendo.”).
Importante, man mano che l'arte AI diventa più comune, la meraviglia iniziale potrebbe svanire, e le persone probabilmente giudicheranno le opere AI con standard più elevati rispetto alla novità. Questa percezione pubblica in maturazione richiederà che l'arte AI si dimostri su basi artistiche, non solo tecnologiche – una sfida che i seri praticanti dell'arte AI sembrano desiderosi di affrontare.
AI nell'Industria dell'Arte: Impatto sul Mercato e Traiettoria Futura
Oltre alle questioni di creatività ed etica, l'ascesa dell'arte AI sta risuonando attraverso l'industria e il mercato dell'arte. Da come l'arte è fatta e venduta, a come è esposta e vissuta, il mondo dell'arte si sta adattando a questa nuova realtà. AI nell'industria dell'arte si trova all'intersezione di commercio, tecnologia e cultura, portando sia disgregazione che opportunità.
Il mercato dell'arte abbraccia l'IA (con cautela)
La vendita all'asta di successo di Edmond de Belamy nel 2018 è stata l'introduzione del mercato dell'arte all'arte generata dall'IA che ha catturato l'attenzione, ma non è stata un caso isolato. Negli anni successivi, ci sono state una serie di vendite notevoli e l'emergere di mercati specializzati per opere generate dall'IA.
Nel marzo 2019, pochi mesi dopo l'evento di Christie’s, Sotheby’s a Londra ha offerto Memories of Passersby I di Mario Klingemann in una vendita di arte contemporanea. L'opera è stata venduta per £40,000 (circa $51,000). Sebbene modesta rispetto al prezzo di Belamy, ha dimostrato che diverse grandi case d'asta vedevano valore in questo nuovo mezzo. Sotheby’s ha persino collocato l'opera di Klingemann accanto a opere di artisti contemporanei noti nella vendita, segnalando che la consideravano parte del dialogo dell'arte contemporanea, non solo una curiosità tecnologica.
Da allora, le gallerie hanno iniziato a rappresentare artisti dell'IA (ad esempio, la Gazelli Art House di Londra ha preso in carico l'eredità di Harold Cohen ed ha esposto i disegni di AARON). Anche le piattaforme online, come Art Blocks per l'arte generativa algoritmica e vari mercati NFT, sono diventate luoghi dove l'arte dell'IA viene scambiata – a volte raggiungendo somme significative, specialmente durante il boom dell'arte cripto del 2021.
I collezionisti stanno gradualmente accettando l'arte dell'IA, anche se il mercato è ancora giovane. I primi acquirenti tendono spesso ad essere esperti di tecnologia o incuriositi dall'incrocio tra arte e scienza. Alcuni sono attratti dal significato storico – possedere "il primo di qualcosa" (come il primo ritratto dell'IA messo all'asta). Altri apprezzano sinceramente i visual o i concetti delle opere, indipendentemente dal mezzo.
Interessante è l'emergere di una nuova tipologia di collezionista che cerca specificamente arte digitale e dell'IA, analoga a coloro che collezionavano video arte o arte luminosa nei decenni precedenti. Le case d'asta hanno iniziato a includere l'arte dell'IA in vendite tematiche sull'arte digitale o anche in vendite contemporanee mainstream quando l'opera lo giustifica.
I prezzi, a parte la vendita di Belamy che ha fatto notizia (che alcuni sostengono sia stata un'eccezione guidata dalla novità e dalla pubblicità), sono stati generalmente in linea con ciò che ci si potrebbe aspettare per stampe o edizioni di artisti emergenti. Detto ciò, man mano che artisti più famosi incorporano l'IA, le dinamiche di mercato potrebbero cambiare. Se, per esempio, un artista contemporaneo affermato come Damien Hirst o Jeff Koons producesse una serie di opere generate dall'IA, i collezionisti potrebbero affrettarsi ad acquisirle a causa del riconoscimento del nome, convalidando ulteriormente l'IA come mezzo.
Per ora, le vendite di arte generata dall'IA rappresentano una piccola frazione del mercato globale dell'arte da miliardi di dollari. Ma il loro impatto simbolico è sproporzionato. Hanno costretto le case d'asta e le gallerie a confrontarsi con domande su come catalogare tali opere (chi è elencato come artista? come descrivere il mezzo e la provenienza?).
Nella maggior parte dei casi, l'umano che ha concepito o diretto il progetto è elencato come l'artista, spesso con una spiegazione come “con l'assistenza dell'intelligenza artificiale” o una descrizione dell'algoritmo utilizzato. La provenienza potrebbe includere il nome dell'algoritmo o del codice, che è una nuova complicazione per i registri d'arte.
Assicurazione e conservazione sono un altro ambito: come si “conserva” un'opera che esiste come codice o modello che potrebbe richiedere hardware specifico per funzionare tra decenni? Collezionisti e musei lungimiranti stanno già considerando le sfide di preservare l'arte digitale, comprese le opere di IA, affinché rimangano accessibili in futuro nonostante i rapidi cambiamenti tecnologici.
Democratizzazione e l'Economia Creativa
Uno degli impatti più significativi dell'industria dell'arte IA è la democratizzazione della creazione di contenuti . Proprio come il desktop publishing e Photoshop una volta hanno messo gli strumenti di design grafico nelle mani di persone che non erano designer professionisti, i generatori di arte AI stanno permettendo a persone senza formazione artistica tradizionale di creare immagini accattivanti. Questo potrebbe portare a un eccesso di contenuti visivi online - infatti, stiamo già assistendo a un'esplosione di immagini generate dall'AI sui social media, blog e materiali di marketing. Per l'industria, questo significa che le barriere d'ingresso per produrre immagini "simili all'arte" sono più basse che mai. Un individuo o una piccola impresa può generare illustrazioni personalizzate senza assumere un artista, nel bene e nel male.
Questa democratizzazione è una lama a doppio taglio. Da un lato, significa un fiorire di creatività da nuove voci. Si sono formate comunità di nicchia intorno alla creazione di arte con l'AI, condividendo suggerimenti per ottenere i migliori risultati dai prompt e curando i risultati in collezioni. C'è un senso di empowerment - qualcuno che "non sa disegnare" può ora realizzare le proprie idee visive usando uno strumento AI.
Dall'altro lato, alza l'asticella per ciò che conta come vera arte originale. Quando chiunque può evocare un bel paesaggio o un ritratto fantasy in pochi minuti, gli artisti professionisti potrebbero dover enfatizzare quelle qualità dell'arte che l'AI da sola non può fornire: profondità narrativa, risonanza emotiva, uno stile personale distintivo o simbolismo a più livelli. In un certo senso, sfida gli artisti umani a scavare più a fondo in ciò che rende unica la loro prospettiva.
Cambiamento dei Flussi di Lavoro Creativi
Nelle industrie creative come la pubblicità, il cinema e il design, gli strumenti AI vengono sempre più integrati nei flussi di lavoro. Gli artisti concettuali nel cinema e nei giochi, ad esempio, hanno iniziato a utilizzare generatori di immagini AI per ottenere schizzi concettuali rapidi che poi dipingono o affinano. Questo metodo ibrido può ridurre drasticamente il tempo necessario per iterare idee.
I designer grafici potrebbero usare l'AI per generare pattern, sfondi o layout grezzi che vengono poi finalizzati a mano. I fotografi possono usare l'AI per migliorare o alterare le immagini (anche se questo sfocia nell'area controversa dei deepfake se non si è attenti). Nell'architettura e nel design di prodotto, gli algoritmi generativi (un aspetto dell'AI) sono stati usati per anni per ottimizzare le forme - ora strumenti AI più user-friendly possono generare visualizzazioni che ispirano nuove soluzioni di design.
Il termine “coding creativo” esiste da un po' di tempo, riferendosi alla scrittura di codice per produrre arte e design; l'IA aggiunge uno strato di intelligenza appresa al coding creativo, rendendolo più accessibile a coloro che non sono programmatori tradizionali ma possono lavorare con modelli di IA o interfacce di scripting.
Ciò che sta emergendo è un quadro di artisti aumentati: creativi che abbinano le proprie competenze con l'assistenza dell'IA. Proprio come i fotografi hanno imparato a usare Photoshop, ora gli artisti stanno imparando a usare l'IA. Coloro che abbracciano la tecnologia spesso riferiscono che essa estende le loro capacità. Può suggerire palette di colori o composizioni che potrebbero non aver provato, o mostrare rapidamente come un'idea apparirebbe in vari stili.
L'artista, a sua volta, applica il giudizio per selezionare e perfezionare i risultati. In molti casi, questo accelera la produzione - che potrebbe essere visto come una minaccia economica (meno ore fatturabili) o come un'opportunità per affrontare più progetti e sperimentare più liberamente. Alcuni illustratori temono, ad esempio, che i clienti si aspettino tempi di consegna più rapidi se è coinvolta l'IA, potenzialmente comprimendo le tempistiche. Altri trovano che possono aumentare la loro produzione o esplorare progetti collaterali con il tempo risparmiato.
Arte Interattiva ed Esperienziale
L'IA sta anche trasformando non solo come viene creata l'arte, ma come viene vissuta. Con i progressi nell'arte della visione artificiale e nell'elaborazione in tempo reale, stiamo assistendo a installazioni multimediali interattive dove l'opera d'arte può rispondere allo spettatore. Ad esempio, un'installazione potrebbe utilizzare l'IA per “vedere” le persone in uno spazio espositivo e cambiare i suoi elementi visivi o sonori di conseguenza - una sorta di specchio digitale che evolve con l'interazione del pubblico.
Le installazioni artistiche immersive trasformano gli spettatori in partecipanti; l'arte non è un oggetto statico ma un'esperienza dinamica co-creata nel momento dalla macchina e dallo spettatore. Un esempio potrebbe essere una proiezione in una piazza pubblica che visualizza dati in tempo reale (come il movimento dei passanti o dati ambientali) in modi artistici, essenzialmente un'installazione digitale per spazi pubblici che è in continua evoluzione e specifica per il sito.
L'ascesa della VR (realtà virtuale) e AR (realtà aumentata) si interseca anche con l'IA. Nelle mostre d'arte in VR, i “ curatori virtuali ” alimentati dall'IA potrebbero guidare i visitatori o addirittura generare layout di mostre al volo. Mostre virtuali interattive online permettono alle persone di tutto il mondo di sperimentare l'arte in gallerie simulate, a volte con elementi guidati dall'IA che personalizzano il tour.
Una galleria online potrebbe riorganizzare o raccomandare opere d'arte in base alle preferenze di un visitatore utilizzando l'IA, rendendo ogni visita virtuale unica. Nell'arte performativa, stiamo assistendo a performance generative in tempo reale – immagina un pezzo di danza o teatro dal vivo in cui i visual (e persino la musica) vengono generati da un'IA in sincronia con i movimenti o le emozioni dei performer.
In un recente esperimento, un musicista jazz ha improvvisato con un'IA che generava visual e melodie di accompagnamento dal vivo, suonando insieme in un duetto cross-domain. Questo tipo di performance sfuma la linea tra creatività umana e macchina sul palco, entusiasmando il pubblico con qualcosa che sembra spontaneo e vivo.
Istruzione e Sviluppo delle Competenze
L'industria dell'arte comprende anche l'educazione – formando la prossima generazione di artisti. Le scuole d'arte e i programmi di scrittura creativa stanno iniziando a integrare l'alfabetizzazione AI nei loro curricula. I professori stanno introducendo generatori di arte AI come strumenti educativi per l'apprendimento artistico, permettendo agli studenti di sperimentare con questi sistemi e valutare criticamente i risultati. L'obiettivo è preparare i giovani artisti a interagire con l'AI in modo ponderato – sia usandola che mettendola in discussione.
Imparando come usare un generatore di arte AI o come addestrare un modello semplice, gli studenti acquisiscono una comprensione della tecnologia che sta sempre più plasmando il loro campo. Alcune istituzioni hanno persino organizzato mostre studentesche di arte assistita dall'AI, stimolando discussioni su paternità e originalità in classe.
L'inclusione dell'AI nei curricula è un riconoscimento che gli studenti d'arte di oggi probabilmente incontreranno questi strumenti nelle loro vite professionali, e essere abili con essi (o almeno comprendere le loro capacità e limitazioni) farà parte dell'essere un artista o designer competente nel 21° secolo.
Vediamo anche nuovi corsi interdisciplinari emergere, spesso collaborazioni tra dipartimenti di arte e dipartimenti di informatica o ingegneria, dove gli studenti possono apprendere sia gli aspetti tecnici che creativi dell'arte AI. Tali programmi trattano l'AI non solo come uno strumento da utilizzare, ma come un soggetto da interrogare – esplorando la sua storia, i suoi pregiudizi, le sue implicazioni filosofiche. Questa tendenza educativa assicura che l'industria dell'arte futura avrà professionisti che non solo sono abili nell'usare l'AI, ma sono anche attrezzati per plasmare il suo sviluppo in modo etico e artistico.
La Strada da Percorrere
Guardando al futuro, come potrebbe l'IA plasmare ulteriormente l'industria dell'arte? Una traiettoria probabile è la continua crescita delle piattaforme di contenuti curati dall'IA. Man mano che il volume di arte (umana e generata dall'IA) online diventa travolgente, potremmo fare affidamento sull'IA per curare feed artistici personalizzati per i consumatori.
Immagina un'app che apprende le tue preferenze estetiche e ti mostra quotidianamente arte da tutto il mondo, alcune delle quali potrebbero essere generate dall'IA appositamente per te. Questo solleva possibilità intriganti per mercati artistici di nicchia e arte su commissione: invece di acquistare una stampa che migliaia di altri possiedono, potresti avere un'IA che genera un'opera d'arte personalizzata nello stile che ami, solo per te, essenzialmente un'edizione unica.
La personalizzazione di massa potrebbe diventare un servizio – una sorta di Pandora/Spotify per l'arte visiva, ma con capacità generative. Sfida il modello tradizionale di vendita di edizioni limitate o opere uniche attraverso gallerie, ma potrebbe aprire nuovi modelli di business (arte basata su abbonamento, per esempio).
Il ruolo delle gallerie e degli agenti potrebbe anche evolversi. Potremmo vedere agenti IA come intermediari artistici, analizzando le tendenze di mercato e consigliando i collezionisti sugli acquisti, o persino negoziando vendite in modo autonomo (anche se questo è forse più lontano nel futuro e richiederebbe fiducia nel giudizio dell'IA).
Non è inverosimile che un'IA possa prevedere quale artista emergente (umano o IA) è probabile che aumenti di valore, analizzando modelli sui social media, recensioni di mostre e vendite passate – essenzialmente facendo un'analisi dei big data per informare gli investimenti artistici. Mentre il mercato dell'arte è sempre stato in qualche modo imprevedibile e guidato dai gusti umani, l'afflusso di dati potrebbe consentire approcci più analitici.
Al contrario, l'elemento umano potrebbe diventare ancora più prezioso. In un futuro saturo di immagini generate dall'IA, l'arte veramente fatta a mano o l'arte con una storia umana coinvolgente potrebbe diventare più apprezzata come una sorta di lusso. Potremmo immaginare uno scenario in cui l'IA gestisce così tanta produzione creativa che l'arte fatta dall'uomo è vista come simile ai beni artigianali – apprezzata per la sua scarsità e il tocco diretto di un creatore umano. L'industria potrebbe biforcarsi in arte umana di alta gamma e arte AI su misura per l'uso quotidiano, ciascuna con il proprio mercato.
L'IA si sta intrecciando nell'industria dell'arte in modi multifaccettati: sta alterando la creazione, la distribuzione, l'esposizione e l'educazione. Il paesaggio artistico si sta espandendo, non contraendo – stiamo ottenendo nuovi generi (come l'arte concettuale generata dall'IA), nuovi strumenti per gli artisti e nuove esperienze per il pubblico. Proprio come l'arte digitale ha trovato infine il suo posto accanto alla pittura e alla scultura, possiamo aspettarci che l'arte AI si integri nel tessuto del mondo dell'arte.
Non passerà molto tempo prima che smettiamo di parlare di “AI art” come una novità e iniziamo a parlare di opere d'arte individuali, alcune delle quali sono realizzate con l'IA, giudicate per i loro meriti. Il percorso verso quel punto comporterà aggiustamenti e probabilmente qualche altra controversia che farà notizia, ma se la storia è una guida, la fusione di IA e arte continuerà a maturare e sorprenderci in egual misura.
Una Nuova Sintesi di Arte e Intelligenza
Mentre ci troviamo sulla soglia di questa nuova era nelle arti, una cosa è evidente – l'arte AI non è una moda passeggera, ma una forza trasformativa che è qui per restare. In poco più di un decennio, abbiamo assistito al passaggio dell'IA dai margini dei nuovi media sperimentali al centro stesso del discorso artistico.
Ciò che è iniziato nei laboratori di ricerca e nelle installazioni di gallerie oscure è esploso nelle case d'asta, nei musei e in milioni di case tramite piattaforme online. Questa rapida ascesa sottolinea una verità importante: il potenziale illimitato della collaborazione tra uomo e macchina sta rimodellando la creatività in modi che stiamo solo iniziando a comprendere.
La storia dell'arte AI è, in molti modi, una storia di innovazione e adattabilità umana. Ogni volta che la tecnologia ha sfidato la definizione di arte – sia attraverso l'invenzione della fotografia, del cinema, dell'imaging digitale, o ora dell'intelligenza artificiale – gli artisti hanno risposto non arrendendosi, ma evolvendosi.
L'IA, lungi dal sostituire la creatività umana, è diventata un catalizzatore per espanderla. Gli artisti hanno scoperto che gli algoritmi possono essere partner che ampliano la loro immaginazione, aiutandoli a esplorare forme e idee oltre la loro portata solitaria. A loro volta, gli artisti umani infondono quei processi algoritmici con narrazione, contesto ed emozione – qualità che una macchina da sola non può comprendere. Il risultato è una simbiosi di IA e arte umana, un nuovo tipo di duetto creativo in cui i punti di forza di ciascuno compensano le limitazioni dell'altro.
Attraverso paralleli storici , abbiamo visto che le paure iniziali della "fine dell'arte" tendono a cedere il passo a un paesaggio più ricco dove il vecchio e il nuovo coesistono. Proprio come l'emergere della fotografia ha spinto la pittura verso nuovi orizzonti invece di annientarla, l'ascesa dell'arte generata dall'IA sta spingendo gli artisti umani a enfatizzare ciò che è unicamente umano nel loro lavoro, anche mentre adottano i nuovi strumenti.
È significativo che molti artisti che lavorano con l'IA descrivano il processo come rivelatore: li costringe a riflettere sul proprio stile e processo decisionale, a guidare la macchina con chiarezza e a curare il diluvio di possibilità che essa offre. Facendo ciò, spesso arrivano a una comprensione più profonda della propria arte.
Il significato culturale dell'arte IA risiede quindi non solo nelle immagini o installazioni nuove che produce, ma in come ci spinge a riflettere sulla creatività stessa – a chiederci cosa valorizziamo nell'arte, quale sia il ruolo dell'artista e come la tecnologia possa migliorare (piuttosto che diminuire) il nostro spirito creativo.
Sì, ci sono preoccupazioni genuine e dibattiti in corso – su paternità, autenticità, etica ed economia – e questi continueranno a evolversi man mano che la tecnologia e i suoi casi d'uso si sviluppano. Le controversie, dalle battaglie sul copyright alle dispute filosofiche sul fatto che un'IA possa essere "creativa", sono un segno di un coinvolgimento sano con le sfide poste da una nuova potente capacità.
La società sta collettivamente negoziando nuove norme e comprensioni. Probabilmente ci aspettano più precedenti legali (tribunali che decidono chi possiede i contenuti creati dall'IA), più scoperte artistiche (forse il primo film generato dall'IA a vincere un premio, o un pezzo di musica IA in cima alle classifiche), e indubbiamente alcune reazioni negative (comunità o movimenti che rifiutano intenzionalmente l'IA nell'arte per preservare la purezza umana nella creazione).
Tutti questi fili fanno parte dell'arazzo del progresso. La narrazione dell'arte IA non è una semplice traiettoria di trionfo, ma un dialogo – tra passato e futuro, tra umano e macchina, tra eccitazione e cautela.
Fondamentalmente, il genio è uscito dalla bottiglia. L'integrazione dell'IA nell'arte è destinata solo ad approfondirsi man mano che gli algoritmi migliorano e più artisti sono nativi digitali. Le generazioni future potrebbero trovare del tutto normale che un artista consulti un sistema IA per l'ideazione, proprio come oggi assumiamo che un architetto utilizzi software CAD.
Col tempo, la novità dell'IA svanirà, e ciò che rimarrà sarà l'arte – che dovrà reggersi da sola. Il meglio dell'arte prodotta dall'IA troverà probabilmente un posto duraturo nei musei e nei libri di storia, non perché sia stata creata da un'IA, ma perché risuona, sfida o ispira nel modo in cui fa la grande arte. E quelle opere saranno ricordate come emblematiche della nostra era – un tempo in cui l'umanità ha imparato a creare con qualcosa di diverso da se stessa.
In uno dei passaggi più poetici di questo viaggio, emerge un'osservazione: insegnando alle macchine a creare, abbiamo tenuto uno specchio verso noi stessi. Abbiamo dovuto definire cosa significa "creatività", cosa significa "arte", per programmare qualcosa che tenti di farlo.
Abbiamo visto un algoritmo produrre un dipinto e ci siamo chiesti, Perché questo mi commuove? È il colore, la forma o l'idea dietro di esso? Abbiamo esaminato le limitazioni dell'IA – non conosce l'amore, la sofferenza o la gioia – e quindi ci siamo ricordati perché creiamo arte in primo luogo: per catturare quelle esperienze molto umane. Spingendo il confine con reti neurali e codice, ci siamo imbattuti di nuovo in domande estetiche ed esistenziali antiche. In questo senso, l'arte dell'IA ha già avuto successo – ha fatto parlare il mondo di arte e creatività con nuovo vigore.
Alla fine, l'industria artistica in evoluzione troverà un equilibrio in cui l'IA non sarà né un espediente né una minaccia, ma un altro strumento nella grande orchestra dei media artistici. I pittori dipingeranno, ma alcuni programmeranno anche; gli scultori potrebbero addestrare un braccio robotico a scolpire basandosi su progetti di IA; i musicisti comporranno insieme a reti neurali.
Nuove forme d'arte continueranno ad emergere, così come una nuova apprezzamento per quelle tradizionali. Il pubblico – l'umanità in generale – trarrà beneficio da un'abbondanza di creatività e una cultura artistica più partecipativa.
Immagina di commissionare un pezzo musicale personalizzato da un'IA in collaborazione con il tuo compositore preferito, o di visitare un museo virtuale curato al volo per adattarsi ai tuoi gusti, o di partecipare a una performance dal vivo dove le tue reazioni influenzano l'arte generata in tempo reale. Queste esperienze sarebbero sembrate fantascienza non molto tempo fa; ora sono all'orizzonte.
Come sintesi finale, non si può fare a meno di provare un senso di ottimismo. Lo spirito creativo umano ha sempre trovato modi per trascendere le sfide, per appropriarsi di strumenti per l'espressione e per comunicare l'ineffabile.
L'IA è uno strumento profondo – forse uno dei più complessi che abbiamo mai creato – e usarlo nell'arte è una testimonianza della nostra infinita ingegnosità. Invece di temere che l'IA renderà gli artisti obsoleti, potremmo abbracciare l'idea che espande ciò che l'arte può essere.
La narrativa dell'arte dell'IA è ancora in fase di scrittura, con ogni mostra, ogni esperimento, ogni dibattito che contribuisce a una linea. Siamo i protagonisti di questa storia, negoziando il nostro rapporto con i nostri protégé artificiali.
E infine, torniamo alla nozione che l'arte dell'IA è qui per restare. Il genio non tornerà nella bottiglia, né lo vorremmo – le scoperte e le creazioni sono state troppo intriganti. I pennelli sono cambiati, ma l'impulso di creare, di interpretare, di trovare significato attraverso immagini e storie, rimane unicamente umano. Finché quel dialogo tra creatività umana e innovazione tecnologica continua, la tela dell'arte diventerà solo più ricca.
L'eredità dell'arte dell'IA sarà come un catalizzatore che ci ha sfidato a ridefinire la creatività e ci ha ispirato a collaborare in modi nuovi. Nella grande cronologia della storia dell'arte, questo momento – il nostro momento – brillerà come uno di audace sperimentazione e crescita trasformativa. E quando le generazioni future guarderanno indietro all'inizio del XXI secolo, potrebbero vedere la fioritura dell'arte dell'IA come noi vediamo la nascita della fotografia o dell'arte astratta: un'espansione rivoluzionaria dell'orizzonte artistico, dimostrando ancora una volta che l'arte non conosce confini, solo nuovi confini da esplorare.
Lista di lettura
-
Jo Lawson-Tancred, “Le Profezie di AARON.” Outland (4 novembre 2022)
outland.art. -
Mark Amerika, “Un'intervista con Frieder Nake.” Right Click Save (2022)
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