Il Collage come Specchio Culturale: Un Viaggio Lirico attraverso la Storia

L'arte del collage è sempre stata più di un assemblaggio di ritagli – è uno specchio culturale, tenuto per riflettere i valori, le ansie e i sogni del suo tempo. Dai artigiani antichi che stratificavano materiali preziosi ai nativi digitali che remixano meme, i collage di ogni era rivelano un cronaca dell'esperienza umana.

Considera una vedova anziana nel 1772, Mary Delany, che premette pezzi di carta colorata nella somiglianza di un geranio e scrisse, “Ho inventato un nuovo modo di imitare i fiori”​. In quell'umile atto di artigianato, ha inconsapevolmente fatto eco a una pratica che si estende per secoli e continenti – assemblare il mondo in forma visiva.

Il collage, dal francese coller (incollare), lega letteralmente e metaforicamente l'effimero nel significato. Permette a immagini e materiali disparati di conversare sulla tela, creando una sintassi stratificata che è al contempo poetica e incisiva. Nel tempo, gli artisti hanno usato questa sintassi per documentare la storia, sfidare l'autorità e intrecciare identità personali e collettive.

Oggi, mentre scorriamo attraverso collage digitali sui social media o incontriamo installazioni immersive ispirate al collage nei musei, partecipiamo a una linea di discendenza che abbraccia antichi rotoli cinesi, fotomontaggi dadaisti, fanzine punk e oltre.

Il viaggio di questo articolo traccerà la trasformazione del collage dalle sue origini antiche all'era digitale, esaminando come le forze culturali abbiano plasmato la sua evoluzione in momenti chiave. Vedremo come ogni strato di collage – ogni frammento strappato e incollato – porti l'impronta di un tempo e di un luogo. Una storia di creatività nata dalla complessità, una forma d'arte continuamente rinata per parlare a nuove realtà.

Punti Chiave

• L'arte del collage fornisce una lente unica nelle complessità dei contesti culturali e storici.
• Il mezzo si è continuamente evoluto, riflettendo i valori e le ideologie sociali in cambiamento.
• Movimenti artistici significativi, tra cui il Dadaismo e il Surrealismo, hanno utilizzato il collage per commenti socio-politici.
• Il collage serve come cronaca della storia umana, intrisa di simboli e motivi di varie culture.
• Attraverso il collage, gli artisti offrono sia una preservazione che una sfida alle identità culturali.
• L'adattabilità della tecnica le ha permesso di mantenere la rilevanza di fronte a un mondo in rapida evoluzione.

Origini Antiche: Frammenti di una Tradizione Culturale

Molto prima che "collage" fosse un termine artistico definito, gli esseri umani assemblavano frammenti per raccontare le loro storie. Nei tempi preistorici, i nostri antenati combinavano materiali naturali – petali di fiori, conchiglie, piume, ali di farfalla – per adornare oggetti o creare esposizioni rituali.

Questi atti primordiali, sebbene non fossero arte per il gusto dell'arte, rivelano un istinto fondamentale di collezionare e comporre significato dal mondo che ci circonda. Attaccando un elemento a un altro, le persone preistoriche stavano essenzialmente creando i primi collage, usando il materiale della vita quotidiana per trasmettere idee o spiritualità.

Un'innovazione cruciale ha potenziato questo impulso: l'invenzione della carta in Cina intorno al 200 a.C.. Con la carta, nacque una nuova superficie flessibile, e presto gli artigiani scoprirono che potevano tagliarla e incollarla in modi inventivi. I documenti storici suggeriscono che al tempo della dinastia Tang, i monaci buddisti incollavano insieme sutra (scritture) e immagini come arte devozionale.

Il collage, in questo contesto, era uno strumento di pietà e conservazione – pezzi di preghiere stampate assemblati in un tutto più grande. Questo ha stabilito un precedente per il collage come pratica di creazione di significato, incorporando valori culturali (in questo caso, la devozione religiosa) nei materiali stessi dell'opera d'arte.

Il Giappone riprese la pratica non molto tempo dopo. Nel X secolo, durante il periodo Heian, i poeti e calligrafi giapponesi erano noti per incollare poesie su sfondi di carta decorati come parte dell'arte del tsugimono, creando rotoli di poesia visivamente stratificati. Potevano attaccare delicate carte ritagliate con foglia d'oro o d'argento e caratteri inchiostrati per assemblare un design armonizzato – essenzialmente un primo collage di carta che univa testo e immagine.

Nel XII secolo, gli artisti giapponesi incollavano anche carta su seta per abbellire schermi e rotoli, un precursore precoce del collage nelle belle arti. Questi usi raffinati in Asia orientale furono paralleli a pratiche popolari altrove: in Europa centrale nel XIII secolo, le persone usavano tecniche simili al collage come artigianato per decorare le loro case – ad esempio, combinando tessuti, foto e ricordi in quelli che potremmo chiamare proto-album o bacheche di memoria.

La preistoria del collage è quindi un arazzo globale. In molte tradizioni indigene e popolari, troviamo tecniche analoghe di assemblaggio di pezzi:

• I tessuti Mola realizzati dalle donne Guna a Panama sovrappongono tessuti colorati in un'applicazione inversa (un collage tessile) per rappresentare storie locali
• Le tradizioni del quilting in Africa e nella diaspora africana uniscono diversi pezzi di stoffa in narrazioni unificate
• I mandala di sabbia buddisti tibetani assemblano milioni di granelli di sabbia colorata in diagrammi cosmici, solo per spazzarli via – un rito toccante di creazione e dispersione simile all'etica del collage di impermanenza e ricombinazione.

Ciascuna di queste pratiche utilizza un principio di collage: unire frammenti per creare un significato che trascende qualsiasi singolo pezzo.

Durante le epoche Rinascimentale e Barocca in Europa, elementi di collage apparivano nell'arte religiosa e nei mestieri di corte. Le suore nei conventi medievali creavano squisiti reliquiari e immagini devozionali tempestati di pergamena tagliata, tessuto e gioielli – un collage spirituale di materiali.

Nel barocco gabinetto delle curiosità, i collezionisti montavano farfalle, monete e stampe in arrangiamenti elaborati, collagendo efficacemente natura e arte come un modo per catalogare le meraviglie del mondo.

Questi primi collage servivano come specchi culturali del loro tempo: i collage di carta cinesi riflettevano una società che apprezzava la cultura e la fede, i collage di rotoli giapponesi rispecchiavano una cultura di corte che valorizzava la poesia e l'eleganza, e i collage popolari europei parlavano della vita domestica e della memoria personale.

Nel XVIII secolo, il collage come lo conosciamo iniziò a emergere più chiaramente. Il lavoro di Mary Delany è un esempio primario: tra il 1772 e il 1783, alla corte d'Inghilterra, questa gentile nonna creò a mano 985 collage botanici così scientificamente accurati che i botanici si meravigliavano che si potesse “descrivere botanicamente qualsiasi pianta... senza timore di errore” guardandoli.

Delany chiamava i suoi fiori “mosaici di carta,” un termine appropriato che evidenzia come ciascuno fosse un composito di molti ritagli di carta. La sua rinascita artistica in tarda età – stimolata dalla curiosità e dal dolore – sottolinea un tema chiave: il collage spesso fiorisce in tempi di sconvolgimento personale o sociale, dando forma a ciò che altrimenti è inesprimibile. 

Intorno alla stessa epoca, il collage vittoriano divenne un passatempo popolare. Gli aristocratici e le famiglie della classe media conservavano album di ritagli e collage. Anche il romanziere Charles Dickens si dilettava, collaborando con un amico per coprire un paravento pieghevole con centinaia di incisioni ritagliate.

I collage domestici vittoriani, creati per divertimento, erano comunque manufatti culturali: raccoglievano la cultura visiva dell'epoca (ritagli di giornale, immagini stampate) in nuove narrazioni, proprio come potremmo fare un collage digitale di foto di notizie per commentare gli eventi attuali.

Attraverso questi primi esempi, l'arte del collage ha stabilito due ruoli duraturi: come mezzo per preservare il passato (premendo pezzi preziosi in un nuovo insieme) e come mezzo di sovversione o gioco , ricombinando il mondo con fantasia o critica. Questi ruoli diventerebbero ancora più pronunciati quando il collage entrò nel regno dell'arte moderna.

Il Contesto Storico dell'Arte del Collage: Una Cronologia di Influenze

La ricca storia dell'arte del collage è immersa in una mescolanza di dinamiche culturali, servendo come un lessico visivo ricco di commenti e idee rivoluzionarie. Questa sezione intraprende un viaggio per cronologizzare la cronologia delle influenze nell'arte, individuando la metamorfosi del collage dalla sua nascita al potenziale espressivo che è oggi.

Esplorando le influenze culturali, non solo acquisiamo una comprensione di questo mezzo trasformativo, ma apprezziamo anche i ruoli fondamentali svolti da una costellazione di artisti e movimenti nel plasmare la sua traiettoria.

1. Le fasi nascenti del collage possono essere ricondotte all'invenzione della carta in Cina, che alla fine portò ai primi esempi registrati di collage di carta usati dai monaci per testi religiosi, simboleggiando il più antico contesto storico dell'arte del collage.
2. Passando rapidamente all'inizio del XX secolo, quando il cubismo scatenò un cambiamento cruciale poiché artisti come Pablo Picasso e Georges Braque iniziarono a incorporare media misti nelle loro opere, segnando uno sviluppo significativo nella cronologia delle influenze nell'arte.
3. I sentimenti anti-guerra e la critica sociale del movimento Dada hanno dato potere agli artisti, tra cui Hannah Höch e Kurt Schwitters, di usare il collage come forma di ribellione, criticando i costrutti culturali e stabilendo nuovi precedenti nella storia dell'arte del collage.
4. I surrealisti, successivamente, hanno infuso il collage con elementi di sogno e fantasia, con artisti come Max Ernst che lo utilizzavano come tela per esplorazioni del subconscio, riflettendo le influenze culturali attraverso giustapposizioni che sfumavano realtà e sogno.
5. La metà del XX secolo ha portato alla ribalta la Pop Art, dove il collage ha messo uno specchio sulla cultura del consumo, con artisti come Richard Hamilton e Andy Warhol che hanno dissezionato e riassemblato immagini popolari per commentare la mercificazione della cultura.
6. La fine del XX secolo fino al XXI secolo ha visto l'arte del collage continuare a evolversi, con le tecnologie digitali e la connettività globale che hanno inaugurato una nuova era. Questo periodo ha visto gli artisti sfruttare il collage per il commento sociale e l'attivismo digitale, ampliando infine il suo significato storico e culturale.

Esaminando questo passato ricco di storia, è evidente che il collage è stato continuamente un mezzo di scelta per artisti desiderosi di esplorare le influenze culturali. La sua adattabilità e propensione per amalgamazioni eclettiche lo hanno reso una tela in continua evoluzione, riflettendo il volto in continua trasformazione della cultura umana.

Il contesto storico dell'arte del collage non è semplicemente un passato da studiare, ma una conversazione in corso, punteggiata da strati di significato che parlano della fluidità del tempo e della cultura.

• L'esperimento del cubismo riflette la visione del mondo in modernizzazione e la sovrapposizione di prospettive diverse attraverso il collage.
• L'utilizzo del collage da parte del Dada sottolinea la critica culturale e la decostruzione dei valori pre-bellici.
• I collage onirici del surrealismo dissezionano le crepe tra la realtà tangibile e la mente senza freni.
• I vivaci tableau della Pop Art rappresentano l'influenza crescente dei mass media e della cultura del consumo sulle identità individuali e sociali.
• La cultura del remix dell'era digitale e i meme su internet presentano una nuova frontiera in cui la narrativa storica dell'arte del collage continua a svilupparsi.

All'interno di questo ricco arazzo si trova una rete intricata di epoche, ideologie e metodologie, tutte contribuenti all'essenza robusta e multifaccettata dell'arte del collage. È una storia non solo di artisti e delle loro opere, ma di come quegli elementi riflettano e sfidino le epoche da cui sono emersi, fornendo un contesto culturale e influenzando le successive generazioni creative.

Rivoluzione del Taglia e Incolla: Il Collage nell'Avanguardia

All'inizio del XX secolo, il collage esplose sulla scena artistica d'avanguardia, cambiando per sempre il corso dell'arte moderna. Il catalizzatore fu il Cubismo, il movimento artistico radicale guidato da Pablo Picasso e Georges Braque a Parigi.

Nel 1912, Picasso era diventato impaziente di limitarsi a dipingere una natura morta. In un gesto audace, incollò un pezzo di tela cerata stampata commercialmente con un motivo di sedia a canne direttamente sulla sua tela Natura Morta con Sedia Impagliata (1912). Fu un gesto scandaloso – “l'incongruenza scioccante di introdurre un dispositivo di arte popolare nell'arte ‘seria’”.

Inserendo un materiale del mondo reale nell'illusione dipinta, Picasso abbatté il confine tra arte e vita. Come osserva un commento del Metropolitan Museum, questo fu un “atto radicale – inserire un frammento di realtà nel regno fittizio della pittura,” un'imitazione arguta della realtà che sia derideva che onorava la tradizione.

Braque, per non essere da meno, presto incollò pezzi di carta da parati e stampa di giornali nelle sue opere. Così nacque il Cubismo Sintetico, e con esso l'introduzione formale della tecnica del collage nelle belle arti.

Perché ciò accadde nel 1912? Culturalmente, il mondo stava cambiando a velocità vertiginosa – la modernità era in pieno svolgimento con i suoi telefoni, automobili e giornali quotidiani. Il collage cubista rifletteva una visione del mondo moderna: fatta di frammenti, simultaneità e prospettive multiple.

Tagliando e riassemblando pezzi della quotidianità (ritagli di giornale, involucri di tabacco, carta da parati), Picasso e Braque miravano a catturare le realtà sovrapposte della vita moderna. Il collage era il mezzo perfetto per questo. Permetteva agli artisti di giustapporre diverse texture e punti di vista su un unico piano, proprio come una città presenta un collage di viste e suoni. Di conseguenza, l'esperimento del Cubismo con il collage divenne una base per gran parte dell'arte del XX secolo. La stessa parola “collage” entrò nel vocabolario artistico attraverso questi esperimenti.

Altri artisti presero rapidamente le forbici (e la colla). In Italia, i Futuristi incollavano parole e immagini nei loro manifesti e nei loro stravaganti design tipografici, cercando di trasmettere il caos dell'era delle macchine. In Russia, i Costruttivisti assemblavano collage astratti da carta e stampa per promuovere ideali rivoluzionari. Ma fu nel mezzo della Prima Guerra Mondiale che il collage assunse un ruolo culturale ancora più combattivo: la nascita del Dada.

Dada: La colla come arma di dissenso

Nel 1916, mentre la guerra infuriava in Europa, un gruppo di artisti e poeti espatriati a Zurigo - Hugo Ball, Hannah Höch, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Raoul Hausmann tra loro - si ribellò contro tutto ciò che la società rappresentava. Chiamarono il loro anti-movimento Dada, una parola senza senso adatta alla loro indignazione per la violenza insensata della Prima Guerra Mondiale. Il collage e il suo cugino fotografico fotomontaggio divennero le armi più esplosive del Dada.

Perché il collage? I dadaisti trovarono nella tecnica del taglia e incolla una metafora per il mondo frammentato che li circondava. Tagliando fisicamente giornali, pubblicità e fotografie - il tessuto stesso della cultura visiva borghese - e riassemblandoli in modi assurdi o sconvolgenti, miravano a tagliare letteralmente le illusioni del nazionalismo, della propaganda e dell'arte tradizionale.

Hannah Höch, una dadaista berlinese, fu pioniera del fotomontaggio per criticare i ruoli di genere e la politica. Nel suo collage del 1919 Tagliato con il coltello da cucina Dada attraverso l'ultima epoca culturale della pancia di birra di Weimar in Germania, tagliò immagini di figure politiche tedesche e immagini dei mass media, riassemblandole in una satira caotica e pungente della società di Weimar. Il titolo stesso suggerisce strumenti domestici (un coltello da cucina) usati per ritagliare l'autorità gonfia (la “pancia di birra” dell'establishment)​. Il lavoro di Höch, come molti collage dadaisti, era una critica polifonica - voci e significati multipli emergenti dai frammenti giustapposti, una protesta visiva contro una narrazione singolare e razionale.

Il collage Dada introdusse diverse tattiche culturali chiave che riecheggiano nell'arte fino ad oggi:

• Fotomontaggio come Critica Sociale: Artisti come Höch e John Heartfield combinavano e ritoccavano fotografie per creare messaggi politici pungenti (Heartfield famosamente derise Hitler collaggiando il ritratto del Führer per rivelare una scorta di monete d'oro nel suo stomaco - implicando l'avidità che alimenta il fascismo). Questa tecnica è un diretto antenato dei meme politici e della satira con Photoshop di oggi.

• Caso e Irrazionalità: I collagisti Dada spesso abbracciavano arrangiamenti casuali di frammenti (Jean Arp, per esempio, lasciava cadere pezzi di carta strappata e li incollava dove cadevano) per rifiutare l'idea di ordine premeditato. Questa libera associazione di immagini imitava il senso di dislocazione dell'epoca e prefigurava anche i metodi surrealisti.

• Tipografia e Grafica nell'Arte: Il Dada sfumava l'arte e l'editoria. Parole ritagliate, caratteri tipografici e loghi commerciali trovavano il loro posto nei collage, erodendo la barriera tra arte alta e mass media. Facendo ciò, i collage Dada riconoscevano che la cultura stessa era un collage di alto e basso, serio e assurdo - una nozione che sarebbe cresciuta solo più forte nell'arte postmoderna.

Negli anni '20, molti artisti Dada si evolsero (o si involsero) in Surrealisti, portando con sé le tecniche del collage in nuovi ambiti concettuali. Il movimento surrealista, affascinato dalle teorie di Freud sui sogni e il subconscio, vedeva il collage come un mezzo per accedere a immagini bizzarre e inquietanti che potevano emergere apparentemente per caso.

Max Ernst creò collage da incisioni del XIX secolo per formare scene fantastiche (il suo libro del 1934 Une Semaine de Bonté è un romanzo in collage, remixando illustrazioni vittoriane in vignette assurde e oniriche). I surrealisti apprezzavano come il collage potesse rendere strane le immagini familiari strappandole fuori contesto.

Come osservò uno storico dell'arte, l'atto di unire immagini disparate rispecchiava le credenze surrealiste secondo cui il significato è generato dal subconscio attraverso salti illogici. Una testa d'uomo su un corpo di pesce, o una bambola incollata in una foresta - tali combinazioni irrazionali erano finestre nella mente inconscia.

Eppure, anche nelle sue applicazioni più oniriche, il collage nelle mani dei surrealisti rimaneva un barometro culturale. Catturava il disincanto di un mondo dopo la guerra, dove vecchie certezze (politiche, sociali, religiose) erano smembrate, e nuove e inquietanti realtà erano assemblate dai loro pezzi.

Il collage forniva anche un modo per elaborare l'assalto delle immagini dei media moderni . Man mano che giornali, riviste e pubblicità proliferavano negli anni '20, gli artisti avevano letteralmente più materiale grezzo che mai da tagliare. I surrealisti approfittarono di questo flusso di immagini per sondare la psiche collettiva: ogni collage era come un'interpretazione freudiana del sogno della cultura moderna, mettendo insieme i residui dei mass media in rivelazioni o incubi.

Entro la fine degli anni '20 e '30, il collage si era affermato come una tecnica fondamentale dell'avanguardia, utilizzata non solo in Europa ma a livello globale. I modernisti latinoamericani come José Orozco sperimentarono il collage in murales e stampe; in Giappone, la rivista d'avanguardia Mavo presentava opere di collage; e negli Stati Uniti, il giovane Joseph Cornell iniziò a creare le sue affascinanti scatole assemblate simili a collage, piene di cianfrusaglie vittoriane disposte in modi surreali.

Cronologia Indicizzata: Momenti Chiave nella Storia del Collage (1900–1940) – un rapido riferimento delle svolte fondamentali del collage e del loro contesto culturale:

• 1907–1911: Picasso e Braque sviluppano il Cubismo Analitico (frammentazione della forma). Entro il 1912 passano al Cubismo Sintetico e realizzano i primi collage di belle arti (ad esempio, il Natura Morta con Sedia Impagliata di Picasso), introducendo carta da parati, giornali e corda nella pittura. Significato: Il collage entra nell'arte alta, riflettendo una realtà moderna in cui arte e vita quotidiana si fondono.
• 1916–1920: Dada emerge (Zurigo, Berlino, Parigi, New York). I fotomontaggi di Hannah Höch e i collage Merz di Kurt Schwitters usano biglietti dell'autobus, giornali, tessuti e immagini per attaccare la cultura borghese e la propaganda di guerra. Significato: Il collage diventa uno strumento di protesta, parodia e critica culturale.
• 1924: Il Manifesto Surrealista viene pubblicato a Parigi. I romanzi collage di Max Ernst (1921–34) e altri usano il collage per evocare scene oniriche. Significato: Il collage viene usato per esplorare il subconscio e l'irrazionale, commentando la psiche frammentata post-PRIMA GUERRA MONDIALE.
• 1931: Exposition Internationale du Surréalisme espone collage e oggetti (Parigi). Joseph Cornell inizia a creare scatole di assemblaggio a New York negli anni '30, un'estensione tridimensionale dei principi del collage. Significato: Convalida il collage come arte fine a livello internazionale; l'estetica del collage si diffonde in America, influenzando artisti emergenti.

Pop Art Collage e la Cultura dei Mass Media

Se l'inizio del XX secolo ha visto l'uso del collage per smantellare i vecchi ordini mondiali, la metà del XX secolo lo ha visto impiegato per navigare nel nuovo mondo dei mass media e della cultura dei consumi. Il periodo dopo la Seconda Guerra Mondiale è stato caratterizzato da un'esplosione di pubblicità, televisione, immagini stampate e merci - un eccesso di stimoli visivi che sembrava esso stesso un gigantesco collage che assaliva i sensi. Non sorprende che gli artisti degli anni '50 e '60 si siano rivolti (di nuovo) al collage per dare un senso a, o criticare, questa nuova realtà.

Proto-Pop: La Capsula del Tempo di Hamilton del 1956

Nel 1956, un collage seminale dell'artista britannico Richard Hamilton pose (e rispose ironicamente) alla domanda: “Cosa rende le case di oggi così diverse, così attraenti?” Il collage raffigura un salotto moderno traboccante di beni di consumo e icone della cultura pop: un culturista tiene orgogliosamente un gigantesco lecca-lecca etichettato “POP”, una scatola di prosciutto si trova su un tavolino da caffè, una copertina di fumetto e un registratore a nastro adornano le pareti.

Hamilton ha ritagliato queste immagini da riviste americane e le ha assemblate in un istantanea satirica della società dei consumi emergente. Quest'opera è spesso citata come la prima opera di Pop Art, con il collage al suo centro. Il messaggio era chiaro - la vita moderna è collage, un bombardamento di immagini e prodotti disparati che competono tutti per la nostra attenzione e desiderio.

Il collage di Hamilton annunciò un cambiamento. Nel movimento Pop Art della fine degli anni '50 e '60, gli artisti abbracciarono con gioia il collage e l'assemblaggio per celebrare, criticare o semplicemente riflettere la nuova cultura saturata dai media.

Andy Warhol, sebbene noto per la pittura serigrafica, utilizzò anche tecniche di collage nelle sue prime opere (come i suoi esperimenti di foto-collage degli anni '60 che disponevano immagini ripetute di celebrità e prodotti).

Robert Rauschenberg costruì monumentali combine - metà pittura, metà assemblaggio - incollando giornali e fotografie su tele e persino incorporando oggetti reali come una capra imbalsamata o un pneumatico.

Questi erano collage in tre dimensioni, accumulazioni caotiche che catturavano la trama grezza della vita americana. Rauschenberg ha detto famosamente che lavorava “nello spazio tra arte e vita,” e i suoi combine basati su collage sono esattamente questo: né arte completamente illusoria né realtà grezza, ma un ibrido.

Oltre l'oceano, gli artisti del Pop europeo e del Nouveau Réalisme stavano facendo molto lo stesso. Nel 1960, l'artista francese Mimmo Rotella strappava manifesti stradali e ricollageva i loro frammenti in nuove composizioni (chiamava questo décollage, letteralmente scollare, poiché sottraeva e riorganizzava piuttosto che aggiungere). I Nouveau Réalistes in Francia (come Jacques Villeglé) sollevavano similmente manifesti coperti di graffiti e li esponevano come collage della cultura visiva urbana della “vita reale”.

Ciò che unisce questi approcci dell'era Pop è un senso che l'arte dovrebbe riflettere il bombardamento di immagini che le persone stavano sperimentando quotidianamente – le pubblicità delle riviste, le star del cinema, le strisce comiche e gli imballaggi commerciali che erano diventati la definizione dei sogni e delle aspirazioni della società del dopoguerra.

Il collage in quest'era spesso aveva un bordo giocoso e ironico. A differenza dei dadaisti arrabbiati o dei surrealisti seri, gli artisti Pop affrontavano l'immaginario culturale con un mix di fascino e ironia. Eppure c'era una critica incorporata in molte di queste opere. Il collage di Hamilton è quasi clinico nel modo in cui disseziona un interno consumistico; le ripetizioni di Warhol di Marilyn Monroe o di una lattina di zuppa Campbell, pur celebrative in superficie, ci chiedono anche di considerare come la riproduzione di massa e i media plasmino i nostri desideri.

Il collage era il formato ideale per le domande dell'arte Pop perché è fondamentalmente un'arte di appropriazione – prende immagini esistenti (spesso commerciali) e le ricontestualizza. Facendo così, l'arte del collage può esporre i meccanismi delle immagini mediatiche: come persuadono, glorificano o ingannano.

Come ha osservato il critico d'arte Donald Kuspit, una grande forza del collage è il suo potenziale di minare le idee date sul mondo, di negare l'assolutezza della realtà consensuale. Negli anni '60, la “realtà consensuale” era che il consumo = felicità; i collage Pop giocavano a perforare questo combinando i segni stessi del consumo in un'arte ambigua.

Collage per Protesta e Identità (anni '60–1970)

Gli anni '60 e '70 furono tempi turbolenti – movimenti per i diritti civili, movimenti femministi, proteste contro la guerra del Vietnam – e il collage divenne ancora una volta una tattica favorita per attivisti e artisti che parlavano la verità al potere.

Il collage è intrinsecamente democratico : non è necessaria un'educazione formale in arte per tagliare e incollare, e si possono usare materiali economici e accessibili come riviste, volantini e fotografie. Pertanto, ha naturalmente servito la controcultura.

Considera i manifesti politici e le fanzine sotterranee dell'epoca. Il movimento contro la guerra spesso utilizzava fotografie collage per un effetto scioccante (ad esempio, immagini di bambini vietnamiti sovrapposte a una bandiera americana). Nel 1967, Carolee Schneemann, un'artista performativa d'avanguardia, creò “Body Collage”, un'opera in cui si rotolava nuda in colla e brandelli di carta. Era una dichiarazione femminista viscerale - la donna che diventa collage - sfidando l'oggettivazione del corpo femminile rivendicandolo in un caos di materiali incollati.

Artiste femministe come Hannah Wilke e Martha Rosler negli anni '70 usarono il fotomontaggio per criticare i ruoli di genere, proprio come aveva fatto Höch ma ora affrontando la domesticità degli anni '60 e l'industria della bellezza. La serie di Rosler House Beautiful: Bringing the War Home (c. 1967-72) incollava immagini raccapriccianti della guerra del Vietnam in interni di riviste patinate, riducendo la distanza tra le confortevoli case americane e la guerra oltreoceano - un potente collage politico che circolava nei giornali sotterranei piuttosto che nelle gallerie d'arte.

Nel frattempo, nella musica e nel design grafico, l'estetica del collage segnalava ribellione. Il movimento punk rock adottò un aspetto fai-da-te di taglia e incolla per i poster dei concerti e le copertine degli album - probabilmente l'influenza del Dada rivisitata.

Il famoso volantino anarchico per il singolo dei Sex Pistols “God Save the Queen” (1977) di Jamie Reid presenta il ritratto della Regina deturpato con lettere in stile nota di riscatto, un diretto discendente del fotomontaggio Dada. Per produrre quel testo in stile nota di riscatto, Reid tagliò letteralmente lettere dai titoli dei giornali. Questo stile di collage “nota di riscatto” divenne sinonimo della posizione antiautoritaria del punk. In sostanza, ogni collage era una piccola rivoluzione, riorganizzando i simboli del potere in una ribellione visiva.

Il collage divenne anche un mezzo per le voci emarginate di affermare la loro identità. Artisti afroamericani degli anni '60 e '70 come Romare Bearden abbracciarono il collage per rappresentare la vita dei neri in America. Bearden tagliava fotografie di riviste, carta stampata e i suoi disegni, assemblandoli in scene vibranti e improvvisate della storia afroamericana e dell'esperienza quotidiana - musicisti jazz, battesimi, vita di strada ad Harlem.

L'estetica “patchwork” di Romare Bearden risuonava con le tradizioni del quilt-making e l'improvvisazione del Blues, collegando il collage a un patrimonio culturale di creatività nera nata dall'assemblare ciò che si ha a disposizione. Permise anche a Bearden di inserire letteralmente volti e corpi neri nella narrativa storica dell'arte , sovvertendo un canone che li aveva a lungo esclusi. Facendo così, ha influenzato le generazioni successive a usare il collage per raccontare storie personali e politiche.

Alla fine degli anni '70, il collage aveva permeato quasi ogni forma d'arte e angolo della società – dall'arte alta (mostre museali di Schwitters o Cornell) alla cultura pop (fanzine musicali, fumetti) all'attivismo politico (arte di protesta).

L'idea che qualsiasi cosa potesse essere arte una volta combinata con attenzione era ormai ampiamente accettata. Il collage, una volta controverso, era ormai un linguaggio visivo comune. Tuttavia, il suo viaggio era tutt'altro che finito; infatti, la rivoluzione digitale stava per spingere il collage in una dimensione completamente nuova.