Esplorare l'impatto di famosi artisti di collage che hanno definito la forma d'arte: dada al femminismo, al rinascimento di Harlem, ai "disegni con le forbici" di Matisse e la lista continua ...

Il collage arte è più che un assemblaggio di ritagli. È una reimmaginazione radicale di forma, narrativa e significato. Emergendo dalle ombre della pittura e della scultura tradizionali - molto tempo fa nel Giappone del X secolo - ma WikipediaSono coperti tutti quegli angoli. Se fatti dritti sono la tua cosa, che Wikipedia non è sempre. Affatto. È deliziosamente strano e ti incoraggio a distrarti più tardi. O ora. Torna però forse? Non so se lo farei neanche io. Aspetta ... collage. SÌ. Fatto. Torna con te.

Ognuno degli 11 artisti in questo elenco ha utilizzato il collage per sfidare le convenzioni, ridefinire la bellezza e invitare lo spettatore a vedere il mondo in modo diverso. Essi Non ho semplicemente definito il collage: lo hanno evoluto. Ma dobbiamo parlare rapidamente della definizione della definizione nel titolo di questo blog. A proposito, non era un errore di battitura. Ho qualcosa da dirti sulla "definizione" del collage moderno.

Il collage moderno era, immagino che noi Avere Per dire, "definito" da un coraggioso Pablo Picasso e Georges Braque negli anni '10. Almeno, questo è ciò che Tate e Guggenheim hanno deciso. E poiché penso che il tempo come lo conosciamo come costrutto, non sono troppo esigente. Tutto quello che so è Me ne sono innamorato. Usando i ritagli da tutta Internet mescolati con pezzi della mia anima. Come ogni altro collagista che tu abbia mai incontrato.

Ecco cosa devo davvero parlarti della definizione di collage moderno: non è il miglior lavoro di Picasso e Braque. Affatto. Non penso nemmeno che i loro fantasmi lo vogliano là fuori. Ma Internet esiste, sono famosi e il loro lavoro è sopravvissuto mentre altri no.

Inoltre, non è così triste per noi di provare un po 'di piacere nel loro lavoro non così grande. La sperimentazione del fallimento con un altro nome e il fallimento è l'unico modo per realizzare un sogno. Prova, riprova. Inoltre, Picasso e Braque sono, sai, loro. Allora, cos'è uno o due collage pessimi o due? Con la loro opera nelle sale della storia. Non è niente, Nada, Zilch. Eppure, arriva al cuore del collage e della creazione di arte. La natura effimera di tutto ciò. Realizzare e rifare i mondi nei mondi. Anche se Picasso e Braque non avrebbero messo questi mondi particolari nei mondi nelle proprie retrospettive ... se avessero una scelta. Scusa non scusa.

Condivisione segreta della vergogna: COME Anch'io un artista di collage, Sono stato sorpreso di come pochi di questi 11 artisti che conoscevo prima di scrivere questo. HOw di te?

 

Famosi artisti di collage che hanno definito la forma d'arte

1

Hannah Höch

Hannah Höch, Taglia con il coltello da cucina Dada Attraverso l'ultima epoca culturale di Weimar Berly Belly in Germania, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.

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Hannah Höch (nata il 1 novembre 1889, in Gotha, Germania, e morì il 31 maggio 1978, in Berlino) era a tedesco L'artista della Dada è meglio noto per i suoi fotomontaggi politici realizzati da ritagli di giornale e oggetti trovati. Ha partecipato al Berlin College of Arts e Crafts and the School of the Royal Museum of Applied Arts. Il lavoro di Höch spesso si impegnava con l'ideale dei primi del XX secolo di "Nuova donna ", sfidando i ruoli domestici tradizionali delle femmine.

Era associata al movimento di Berlin Dada e collaborato con artisti come Raoul Hausmann. Durante il Weimar Republic, Höch prosperava nell'atmosfera liberalizzata, producendo fotomontaggi spiritosi e sottili ha commentato i principali numeri della giornata. Le sue opere sono state innovative nel loro uso di materiali raccolti dalla cultura popolare ed è considerata una delle origine del fotomontaggio.

L'opera più famosa di Hannah Höch è il fotomontaggio del 1919 intitolato "Cut with the Kitchen Knife Dada attraverso l'ultima epoca culturale della Germania di Weimar Beer Belly della Germania ". Questo pezzo è un commento satirico sulle questioni politiche e sociali della Repubblica di Weimar, mettendo in mostra il suo uso innovativo dei materiali e la sua capacità di Crea arte stimolante. Il fotomontaggio presenta un file collage di immagini da giornali, riviste e altre fonti di media, ricontestualizzandole per creare una rappresentazione visivamente sorprendente e critica del periodo. Questo lavoro è un ottimo esempio dei contributi pionieristici di Höch al movimento DADA e della sua abilità nell'uso del fotomontaggio come potente mezzo artistico.

L'arte di Höch fu considerata degenerata dal regime nazista e visse in relativa oscurità durante la seconda guerra mondiale. Nonostante ciò, la sua influenza può essere vista nelle opere di artisti successivi come Cindy Sherman e Hannah Wilke. L'arte di Höch è attualmente tenuta nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art e del Museum of Modern Art di New York e della Galerie di Berlinische.

2

Romare Bearden

Romare Bearden, Imperatrice del blues, 1974, acrilico e matita su carta e carta stampata su cartone, 36 X 48 In. (91.4 X 121.9 cm.)

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Romare Bearden (1911-1988) era un africano americano Artista noto per le sue potenti opere d'arte di collage che raffiguravano l'esperienza afroamericana durante la sua vita. Nato in Charlotte, Carolina del Nord, Bearden è cresciuta a New York City e Pittsburghe studiato al Lega degli studenti d'arte a New York City con George Grosz e a Columbia University. Ha lavorato con vari media, tra cui cartoni animati, oli e collage.

Le opere d'arte di Bearden raffiguravano costantemente la cultura e l'esperienza afroamericana, coprendo temi rurali basati sui suoi ricordi del Sud, oltre che Vita urbana e jazz. La sua opera di collage spesso rifletteva elementi del jazz, con interazione tra personaggi e Improvvisazione dei materiali. Negli anni '80, ha prodotto un grande corpus di lavori con immagini convincenti di donne.

Durante il Harlem Renaissance, La casa di famiglia di Romare Bearden in New York City è diventata un luogo di ritrovo per importanti intellettuali e artisti, come W. E. B. Du Bois, Paul Robeson, e Contee Cullen. Crescendo in questo ambiente, Bearden è stato esposto a varie forme d'arte, tra cui la musica, e ha incontrato molte famose leggende della musica dell'epoca.

Nonostante sia prolifico, Bearden ha affrontato sfide per ottenere il riconoscimento come un grande artista americano a causa di pregiudizi e segregazione nel mondo dell'arte americana. Tuttavia, le sue mostre hanno ricevuto risposte entusiaste e nel 1987 gli è stata assegnata la medaglia nazionale. Bearden ha anche contribuito come cantautore, illustratore di libri e scenografo per l'Alvin Ailey American Dance Company. Nel 1990 è stata fondata la Romare Bearden Foundation per supportare artisti e studiosi giovani o emergenti.

Nel 1964, Bearden fu nominato primo direttore artistico del Harlem Cultural Council, un importante gruppo di difesa afroamericano. È stato coinvolto nella fondazione di diverse importanti luoghi d'arte, come il Museo dello studio di Harlem e il Cinque Gallery. Il contributo di Bearden al Rinascimento di Harlem si estendeva oltre le sue opere d'arte, mentre sosteneva attivamente giovani artisti emergenti e sosteneva la cultura e le esperienze afroamericane.

Sebbene Bearden sia noto per la sua arte visiva, era anche un appassionato studente di musica, paroliere e costume e scenografo. La sua opera d'arte spesso raffigurava la cultura e le esperienze afroamericane, trarre ispirazione dalla sua vita ad Harlem e Pittsburgh.

3

Henri Matisse

Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache su carta. 108 x 60 pollici.

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Gli ritagli di Henri Matisse, creati Durante l'ultimo decennio della sua vita, ha avuto un impatto significativo sulla nostra comprensione contemporanea dell'arte del collage. Alla fine degli anni '40, Matisse spostò la sua metodologia artistica e si è rivolto a tagliare la carta come mezzo principale, usando le forbici come strumento. I suoi ritagli, spesso ispirati al mondo naturale o alle forme astratte, erano disposti in vivaci composizioni che trascendevano i confini della pittura di cavalletto e gli permettevano di lavorare con un nuovo tipo di regno libero. Molti considerano questo periodo "Una seconda vita" per l'artista. Non puoi semplicemente vedere l'aspetto della contentezza sul suo viso in questo filmati rari che fa un taglio di carta?

I ritagli di Matisse ha mostrato la sua incredibile creatività e vitalità, anche in circostanze difficili. Hanno rappresentato l'apice della sua carriera, segnando la transizione definitiva a un vocabolario completamente astratto. La sua padronanza dello stile ritagliato ha avuto un profondo impatto sul suo viaggio artistico. I ritagli hanno anche introdotto una nuova operazione nell'arte, che è diventata nota come "disegnare con le forbici"Che presentano le proprie sfide di conservazione, come puoi vedere in Questo scrupoloso processo di restauro.

I ritagli di Matisse hanno influenzato molti artisti astratti moderni e Continua a ispirare artisti e curatori. La semplicità dei suoi ritagli era inaspettata nel mondo dell'arte e sono stati considerati totalmente unico e radicale al momento venivano fatti. I suoi ritagli spogliati al colore e alla forma di base, assumendo una natura quasi grafica, che potrebbe spiegare la rinascita dell'estetica nell'illustrazione e nel design grafico.

4

Barbara Kruger

Barbara Kruger, Untitled (il tuo corpo è un campo di battaglia), 1989. Silkscreen fotografico su vinile. 112 x 112 in. (284,48 x 284,48 cm).

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Barbara Kruger (nata il 26 gennaio 1945) è una Artista concettuale americano e collagista associato a Generazione delle immagini. È conosciuta per le sue opere d'arte di collage audaci e provocatorie che mettono in discussione il ruolo delle donne nella società, usando fotografie in bianco e nero sovrapposte a didascalie dichiarative in futura buld obliquo o obliquo Testo di Helvetica Ultra condensato. Il lavoro di Kruger spesso include il testo su larga scala sovrapposti alle immagini da sfidare ipotesi culturali e spingere gli spettatori a Domanda messaggi sui media mainstream e il loro impatto sull'identità e sulla società.

Lo stile firma di Kruger era influenzato dalla sua formazione classica nel design e la sua esperienza nel settore della moda, in particolare come capo designer della rivista Mademoiselle. Il suo lavoro è stato modellato dalla critica cinematografica femminista e dalla teoria letteraria strutturalista, che ha incontrato attraverso la sua partecipazione all'incontro degli artisti per il gruppo di cambiamento sociale.

L'arte di Kruger affronta questioni come il consumismo, la sessualità, la politica e il rapporto tra potere e società, Sfruttando i confini tra arte e commercialità. È considerata una delle più importanti artisti femministe del 20 ° secolo a causa della sua capacità di sfidare e mettere in discussione le nozioni di identità e strutture di potere attraverso le sue opere stimolanti e visivamente sorprendenti.

Ascolta Kruger parlare della sua arte con le sue stesse parole.

Alcune delle opere più importanti di Kruger includono:

"Untitled (il tuo corpo è un campo di battaglia)"(1989): questo lavoro presenta una fotografia in bianco e nero del viso di una donna, divisa a metà, con il testo" Il tuo corpo è un campo di battaglia "sovrapposto. È stato creato in risposta al dibattito politico che circonda i diritti riproduttivi delle donne e Serve come un potente commento sulla lotta per il controllo sui corpi delle donne.

"Untitled (faccio shopping quindi sono)"(1987): questo pezzo presenta la frase" Shop quindi sono "sovrapposto a una mano con una carta di credito. Critica il consumismo e il modo in cui modella le nostre identità e valori.

5

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Inchiostro olio e seta su tela
96 x 72 in. (243,8 x 183,8 cm.).

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Robert Rauschenberg (1925-2008) era un American Painter and Graphic Artist Conosciuto per le sue opere "combina", che hanno offuscato le distinzioni tra pittura e scultura incorporando gli oggetti di tutti i giorni come materiali artistici. Ha studiato arte al Kansas City Art Institute, Academie Julian in Parigi, e Black Mountain College in Carolina del Nord prima trasferirsi a New York City nel 1949.

Rauschenberg combina oggetti scartati integrati che ha raccolto dalle strade di New York City, come ritagli di giornale, fotografie e oggetti trovati. Credeva che l'uso di materiali del mondo reale avesse reso più la sua arte affini e riflettente della realtà. Alcuni dei suoi primi lavori hanno anticipato il Pop art movimento, e viene celebrato come precursore per quasi tutti i movimenti artistici dall'espressionismo astratto.

I contributi di Robert Rauschenberg al mondo dell'arte furono significativi e trasformativi. Era una figura primaria negli anni '50 e '60 e divenne riconosciuto come un importante precursore di American Pop art, accanto a contemporanei come Andy Warhol e Jasper Johns. Gli approcci innovativi di Rauschenberg, visto in opere come Monogramma, ampliato i confini tradizionali dell'arte. Aprire nuove strade di esplorazione per futuri artisti.

La sua "combinazione" funziona Sflubbre le distinzioni tra pittura e scultura, incorporando oggetti quotidiani come materiali artistici e sfidare lo status quo. La pratica artistica di Rauschenberg e l'energia creativa non si sarebbero mai adattate alle scatole preconcette. Storico dell'arte Branden W. Joseph ha osservato che il lavoro di Rauschenberg è stato uno stimolo, uno slancio e una sfida per gli artisti su tutta la linea.

Durante la sua carriera, Rauschenberg ha lavorato in vari mezzi, tra cui pittura, scultura, stampe, Fotografiae prestazioni. Ha collaborato con coreografi come Merce Cunningham, Paul Taylor, e Trisha Brown, ed era membro fondatore degli innovativi esperimenti di gruppo in arte e tecnologia (E.A.T.) nel 1966.

Rauschenberg's Approccio rivoluzionario e energia creativa Ha avuto un'influenza duratura sulle generazioni di artisti. Ascolta come Rauschenberg "riscrivere le regole del gioco " Da suo figlio, il fotografo Chris Rauschenberg.

6

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters, Difficile, 1942-43. Collage. 31,25 x 24 pollici (79,37 x 60,96 cm).

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Kurt Schwitters (1887-1948) era un Artista tedesco coinvolto sia nel dadaismo che nel costruttivismo, meglio conosciuto per le sue opere Merz e Merzbau. Ha coniato il termine "Merz" Descrivere il suo stile d'arte unico che ha comportato l'uso di oggetti quotidiani per creare le sue opere. Schwitters ha creato MerzBild (Merz-Pinintings), che erano collage e assemblaggi realizzati con vari materiali di scarto, come Stampe, etichette, sfondi e pezzi di legno. E non si è mai allontanato dall'argomento appuntito e bruciante, incluso il suo tempo nel campo di internamento di Hutchinson.

Concetto Merz di Schwitters era un sottosezione del movimento DADA, adattato alle sue filosofie e visioni artistiche. Il nome Merz è stato generato per caso attraverso un collage che ha incorporato la parola tedesca "Kommerz "(Commerce). Questa parola senza senso e spontaneamente era simile in origine e filosofia al titolo di Dada.

Mentre Merz e Dada Art sono strettamente correlati, ci sono alcune differenze tra i due. Merz è un sottosezione del movimento DADA su misura per le filosofie e le visioni artistiche di Schwitters. D'altra parte, Dada era un movimento artistico più ampio che comprendeva varie forme d'arte, tra cui performance art, poesia, fotografia, scultura, pittura e collage. L'estetica di Dada era contrassegnata dalla sua beffa di atteggiamenti materialistici e nazionalistici.

Durante la sua vita, Schwitters ha creato oltre 8.000 opere, con circa 2.500 rimanenti oggi. Il suo approccio innovativo all'arte, fondere il collage e l'astrazione, artisti influenzati come Robert Rauschenberg. Schwitters era un estraneo e individualista, scegliendo di non trasferirsi nei principali centri artistici come Berlino o Parigi dopo aver completato i suoi studi presso la Dresda Academy.

7

Eduardo Paolozzi

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Eduardo Paolozzi (1924-2005) era un Artista scozzese noto per le sue innovative opere di collage Ciò ha incorporato un mix di immagini dalla cultura e dalla tecnologia popolari. Nato in Leith vicino Edimburgo ai genitori italiani, Paolozzi ha studiato a Edimburgo e Londra prima di trascorrere due anni in Parigi. È ampiamente considerato essere uno dei pionieri della pop art.

Paolozzi funziona spesso sfidate nozioni tradizionali di arte e bellezza Combinando elementi di surrealismo con cultura popolare, macchinari moderni e tecnologia. Il suo primo amore per la cultura americana lo ha portato a creare collage usando immagini da pubblicità, rappresentando gli stili di vita più lucidi e più felici che stavano emergendo America postbellica. Ma ha anche giocato con quella forma e stile - trasmutando le sue superiori sensibilità nei suoi mosaici e sculture, in particolare a Stazione della metropolitana del Tottenham Court Road.

Le sue opere erano di natura surreale, come lui Annunci di riviste combinate, cartoni animati e parti della macchina nella sua arte, anticipando le preoccupazioni della pop art. Paolozzi è stato particolarmente interessato ai mass media e alla scienza e alla tecnologia, che ha influenzato la sua arte durante la sua carriera. Oltre alle sue opere di collage, Paolozzi ha anche prodotto sculture figurative su larga scala, stampe e Mosaici murali - Il loro vibrante appello prestito "una sorta di attenzione al caos".

8

Martha Rosler

Martha Rosler, Culto di carico, dal corpo della serie Beautiful o Beauty non conosce alcun dolore, 1966-1972. PHotomontage stampato come fotografia. 39 1/2 x 30 1/4 in.

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Martha Rosler, nata nel 1943 in Brooklyn, New York, è un Artista concettuale americano noto per i suoi collage e fotomontaggi femministi. Lavora su vari mezzi, tra cui fotografia, testo fotografico, video, installazione, scultura e performance, nonché a scrivere su arte e cultura. Il lavoro di Rosler spesso incorpora immagini dalla cultura e dalla pubblicità popolari a mettere in discussione il ruolo delle donne nella società e sfida i ruoli di genere tradizionali.

Il lavoro di Martha Rosler ha influenzato significativamente il movimento artistico femminista mettendo in discussione la rappresentazione delle donne nella società. Ha anche usato nuove tecnologie, come il video, per differenziarsi dagli artisti maschi e dai mezzi più tradizionali del mondo dell'arte. A metà degli anni '60, iniziò a creare fotomontaggi esplorando la sottomissione materiale e psichica delle donne, manipolando gli annunci popolari per esporre le loro ideologie sottostanti. Il suo lavoro, come il "corpo bello, o Beauty Knows No Pain "Series (1966-1972), combinato varie pratiche di arte concettuale in sintonia con la politica femminista.

Una delle sue opere ampiamente conosciute "Semiotica della cucina"(1975), è una parodia video di cucina che mostra che si occupa umoristico delle implicazioni dei ruoli femminili tradizionali. Appropriando elementi della cultura pop, come la pubblicità televisiva e delle riviste, le norme sociali e le aspettative di Rosler di Rosler che circondano le donne.

La pratica artistica di Rosler si estendeva oltre l'argomento, poiché credeva che l'arte potesse davvero occupare un ruolo sociale e provocare empatia e disidentificazione nello spettatore. Il suo video funziona dagli anni '70 e '80 esaminava le operazioni dei mass media per rivelare come coltivavano un pubblico compiacente. Influenzato dall'ondata di prestazioni femministe che emergono da spazi artistici alternativi in La California, il lavoro di Rosler ha contribuito allo sviluppo dell'arte concettuale femminista e ha lasciato un segno indelebile sulla scena delle arti contemporanee.

9

John Heartfield

John Heartfield, Copertina per Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über Alles, 1929 © The Heartfield Community of Heirs / Vg Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie Der Künste, Berlino.

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John Heartfield (nato Helmut Herzfeld; 1891-1968) era un artista visivo tedesco che ha aperto la strada all'uso dell'arte come un'arma politica, in particolare attraverso i suoi fotomontaggi anti-nazisti e antifascisti. Le opere di Heartfield usavano spesso immagini satiriche e slogan per criticare il clima politico del suo tempo, soprattutto contro l'ascesa di Adolf Hitler e il Terzo Reich.

I fotomontaggi di Heartfield sono attribuiti alla creazione Alcuni dei poster politici più iconici del 20 ° secolo A causa del loro potente impatto visivo e della capacità di trasmettere messaggi politici forti. Dal 1930 al 1938, ha progettato 240 pezzi di arte anti-nazista, che sono stati pubblicati nel Rivista Aiz. Queste opere sono state introdotte clandestinamente Germania da Cecoslovacchia, Austria, Svizzera, e Francia orientale dopo il I socialisti nazionali hanno preso il controllo.

Il coraggio artistico di Heartfield era uguale al suo coraggio fisico, mentre continuava a creare collage antifascisti con veemenza mentre viveva a Berlino fino al 1933. I suoi fotomontaggi Prefisso gli orrori del regime nazista e serviva da potente forma di protesta politica, rendendolo un Figura significativa nella storia dell'arte politica.

Il lavoro di John Heartfield ha influenzato numerosi artisti, grafici, tipografi, inserzionisti, cineasti, scrittori e altri che hanno trovato ispirazione nella sua eredità. Artisti provenienti da tutto il Blocco orientale, sovietico Russia e il Gli Stati Uniti hanno trovato ispirazione nei fotomontaggi di Heartfield alla fine degli anni '60 e '70. Per artisti come Klaus Staeck, László Lakner e Martha Rosler, tra gli altri, il suo lavoro li ha aiutati a confrontarsi con le ideologie di sinistra consumate con un nuovo linguaggio visivo.

L'uso innovativo da parte di Heartfield di trasformato il fotomontaggio in una potente forma di comunicazione di massaN. Il suo metodo unico di appropriazione e riutilizzo delle fotografie per l'effetto politico ha ispirato artisti contemporanei a utilizzare tecniche simili per combattere il bigottismo, l'ignoranza, la violenza e la guerra insensata a scopo di lucro. La mostra di John Heartfield presenta opere di artisti di collage come Winston Smith, Thomas Young, e David King, che continua e si espande sul rivoluzionario lavoro di Heartfield.

10

Pablo Picasso

Pablo Picasso, La bottiglia di Vieux Marc, 1913. Sfondi stampati, giornali, carbone, gouache e pin con carta, 24 13/16 × 19 5/16 in. (63 × 49 cm).

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Pablo Picasso, insieme a Georges Braque, ha svolto un ruolo cruciale nell'evoluzione dell'arte del collage. Hanno sviluppato la tecnica di PAPIER Collé (carta incollata) nel 1912, che segnò a rivoluzionario cambiamento nel mondo dell'arte. L'approccio innovativo di Picasso all'arte del collage ha ispirato altri artisti ed è diventato un catalizzatore per movimenti artistici come cubismo, dada e surrealismo.

Uno di Picasso Primo lavoro di collage, "Chitarra e bicchiere da vino, "Dimostra la sua capacità di creare ombre e struttura incollando e stratificando carta. La sua opera d'arte del 1912"Still Life con legno di sedia"È un altro esempio significativo del suo lavoro di collage. In questo pezzo, Picasso ha incorporato un pezzo di tela petrolifero con motivo di bomba sedia e una corda per inquadrare la composizione. Questa opera d'arte ha sfidato le idee tradizionali dell'arte combinando materiali quotidiani con elementi dipinti, offuscando i confini tra cultura alta e bassa.

I lavori di collage di Picasso avevano un profondo impatto sul mondo dell'arte, artisti stimolanti in vari movimenti, mezzi e stili per esplorare la pratica dell'arte del collage. Il suo approccio inventivo e innovativo all'arte ha attirato artisti a causa del suo processo estetico unico e strappato. Di conseguenza, l'influenza di Picasso sull'evoluzione dell'arte del collage è evidente nelle opere di molti artisti che hanno seguito, come David Hockney, Jasper Johns e Martin Kippenberger.

11

Georges Braque

Georges Braque, Piatto di frutta e bicchiere, 1912. Carbone, sfondo, gouache, carta, cartone.

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Georges Braque, insieme a Pablo Picasso, ha giocato a ruolo significativo nell'evoluzione dell'arte del collage. Hanno inventato la tecnica di PAPIER Collé (carta incollata) Nel 1912, che segnò un cambiamento rivoluzionario nel mondo dell'arte. Braque ha fatto un ulteriore passo avanti Incollare annunci tagliati nelle sue tele. Ha anche lettere in lettere su dipinti, i pigmenti miscelati con sabbia e il grano in legno e il marmo hanno copiato per raggiungere grandi livelli di dimensione nei suoi dipinti. Ovviamente, Il collage esisteva molto prima di allora In altre forme ...

Le opere d'arte del collage di Braque, come la sua Opere d'arte del 1912 "Piatto di frutta e vetro", pezzi combinati di carta da parati in finto legno con il suo Rappresentazioni cubiste di oggetti. Questa tecnica ha messo in discussione le idee formali di prospettiva e spazio all'interno dell'arte, poiché ha creato aree intersecanti di elementi di collage e disegno all'interno del suo lavoro. Il suo approccio innovativo all'arte del collage ha influenzato molti artisti contemporanei e ha contribuito alla crescita e all'espansione della forma d'arte del collage.

Durante la fase di collage del cubismo dal 1912 al 1914, gli oggetti inanimati dominarono le immagini di Picasso, Braque e Juan Gris. Braque's Still Lives posseduto un Undercurrent of Human Drama, grazie alla geniale combinazione di cose e testo. L'uso di materiali e trame reali nelle loro composizioni di collage ha introdotto una nuova dimensione al dipinto occidentale, le cui ripercussioni sono ancora sentite oggi.

Il lavoro di Braque con Collage ha avuto un impatto duraturo sul mondo dell'arte, ispirando artisti in vari movimenti, mezzi e stili Esplora la pratica dell'arte del collage. L'approccio inventivo e innovativo all'arte ha attirato artisti a causa del suo processo estetico unico nel suo genere e unico e strappato. Di conseguenza, l'influenza di Braque sull'evoluzione dell'arte del collage è evidente nelle opere di molti artisti che seguirono, come la azionista di Jessica, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters e John Stezaker.

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Collage Art è un mezzo unico e versatile che consente infinite possibilità creative. Le famose opere d'arte di collage menzionate in questo articolo hanno dato un contributo significativo al mondo dell'arte attraverso i loro stili e tecniche innovativi. Ogni artista ha la propria prospettiva unica e il loro impatto sul mondo dell'arte ha risuonato con altri artisti e influenzato il loro lavoro.

Icymi

Quale artista trasformò il concetto di collage in una forma d'arte nel 1912?

Nel 1912, l'artista pionieristico che trasformò il concetto di collage In una forma artistica distinta non era altro che Pablo Picasso. Durante quest'anno, Picasso ha svelato "Still Life with Chair Caning", un'opera straordinaria che ha segnato l'avvento del collage come un'espressione artistica significativa e ha segnato l'iniziazione di una nuova fase nel movimento cubista.

"Still Life with Chair Caning" presentava una combinazione non convenzionale di materiali e tecniche. Picasso incorporava una striscia di tela di petrolio stampato con un motivo di bombe sedia su una tela a forma di ovale. Il dipinto è stato ulteriormente incorniciato con una corda. Questa fusione innovativa di vari elementi, insieme all'incorporazione di materiali non tradizionali, come la tela petrolifero, ha sfidato le norme artistiche convenzionali e ha introdotto un approccio all'avanguardia alla produzione artistica. Questa innovativa opere d'arte ha spianato la strada all'esplorazione di nuove possibilità nella rappresentazione visiva e ha ampliato significativamente i confini dell'espressione artistica.

Oltre al suo impatto sulle arti visive, l'uso innovativo del collage di Picasso ha avuto implicazioni più ampie per la filosofia artistica e il pensiero creativo. L'introduzione del collage come forma d'arte praticabile ha sfidato idee consolidate sulla natura dei materiali artistici, della composizione e della rappresentazione. Questo approccio ha incoraggiato gli artisti a esplorare materiali, trame e forme non convenzionali, promuovendo uno spirito di sperimentazione e ridefinizione all'interno della comunità artistica.

L'opera di Hannah Höch è considerata parte di quale stile artistico?

Lo stile artistico di Hannah Höch è fermamente associato al dadaismo, un movimento d'avanguardia che mirava a sfidare le nozioni tradizionali di arte e società attraverso il suo abbraccio di assurdità, anti-conformità e sperimentazione.

Höch è noto soprattutto per le sue opere di Photomontage, una tecnica in cui ha abilmente combinato e giustapposto immagini ritagliate da riviste e giornali per creare collage intricati e stimolanti. I suoi fotomontaggi spesso presentavano un commento satirico e critico su questioni sociali e politiche, riflettendo il rifiuto dadaista di norme e valori stabiliti.

La partecipazione di Höch al dadaismo e la sua padronanza delle tecniche di fotomontaggio hanno svolto un ruolo significativo nell'espansione delle possibilità artistiche del movimento. Il suo lavoro ha sfidato le nozioni prevalenti di paternità e originalità appropriandosi e ricontestualizzando le immagini esistenti, che risuonano con l'etica di Subversion e iconoclastia di DADA.

Previsioni future

Perché il movimento artistico Dada era importante per i futuri artisti?

Il movimento artistico DADA ha un significato profondo per i futuri artisti a causa della sua radicale deviazione dalle norme artistiche convenzionali, della sua sovversione delle istituzioni consolidate e del suo ruolo nel aprire la strada alle successive forme d'arte d'avanguardia e sperimentali. Emergendo durante la prima guerra mondiale come una reazione contro gli orrori della guerra e le norme sociali che sembravano averlo portato ad esso, il dadaismo era una forza che frantumava i confini artistici tradizionali. Innumerevoli artisti sono stati ispirati dalle buffonate selvagge e dalla audace natura anti-autoritaria di Dada, motivandoli ad espandere gli orizzonti del mondo dell'arte.

Una delle figure più iconiche del dadaismo era Marcel Duchamp, noto per il suo rivoluzionario lavoro "Fountain", un orinatoio in porcellana firmato con lo pseudonimo "R. Mutt". La creazione di Duchamp ha incaricato l'etica anti-arte di Dada, sfidando le nozioni tradizionali di estetica e costringendo gli spettatori a mettere in discussione l'essenza stessa dell'arte. Questo atto audace ha avuto un profondo impatto sugli artisti futuri spingendoli a ripensare la definizione stessa e i confini dell'espressione artistica.

Il movimento DADA ha svolto un ruolo fondamentale nel cambiare la percezione dell'arte e della rottura delle regole stabilite. Ha interrotto i mezzi artistici tradizionali incorporando oggetti trovati, tecniche di collagee performance art, che stabilisce un precedente per gli artisti per sperimentare materiali e metodi non convenzionali. Il rifiuto della logica del dadaismo e il suo abbraccio di assurdità e irrazionalità hanno influenzato i movimenti successivi come Surrealismo, che mirava anche a attingere alla mente inconscio e sfidare la razionalità nell'arte.

L'influenza del movimento si estese oltre le pratiche artistiche per sfidare le norme e l'autorità sociali. Ridicolizzando e rifiutando le convenzioni, i dadaisti affrontarono lo status quo, ispirando le future generazioni di artisti a usare le loro espressioni creative come uno strumento di critica e cambiamento sociale. La posizione anti-establishment di Dada e la sua esplorazione della casualità, del caso e della spontaneità hanno anche contribuito allo sviluppo dell'arte concettuale e della performance art, entrambe le quali danno priorità alle idee e ai processi rispetto ai risultati estetici tradizionali.

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