पॉप कला: समाज के लिए एक दर्पण और परिवर्तन के लिए उत्प्रेरक
पॉप आर्ट हमेशा सीमाओं को आगे बढ़ाने और पूर्ववर्ती धारणाओं को चकनाचूर करने के लिए एक रहा है। उपभोक्तावाद और पहचान की राजनीति की इसकी अप्राप्य अन्वेषण ने कला की दुनिया पर गहरा प्रभाव डाला है। यह लेख पॉप आर्ट के विध्वयों और विद्रोह की उत्पत्ति और विकास में बदल जाएगा। प्लस कतार समुदाय के लिए इसके मूल संबंध, और एक कला के रूप में स्थायी जन अपील जो कला की बहुत धारणा के साथ खेलता है ...
पॉप आर्ट की उत्पत्ति और विकास
लंदन का दृश्य
पॉप आर्ट में उभरा यूनाइटेड किंगडम और यह संयुक्त राज्य अमेरिका मध्य के दौरान 1950 के दशक के अंत में पारंपरिक ललित कला के लिए एक चुनौती के रूप में। में लंडन, पॉप आर्ट संयुक्त राज्य अमेरिका में इसके उद्भव के साथ लगभग एक साथ विकसित हुआ1.
आंदोलन लोकप्रिय और वाणिज्यिक संस्कृति से प्रेरित था, और कलाकारों ने रोजमर्रा की वस्तुओं और छवियों को अपने काम में शामिल करने की मांग की2। पॉप आर्ट को चमकीले रंगों, बोल्ड लाइनों और ग्राफिक इमेजरी के उपयोग की विशेषता थी, और यह अक्सर विज्ञापन, कॉमिक बुक्स और लोकप्रिय संस्कृति के तत्वों को शामिल करता है3.
लंदन में, स्वतंत्र समूह, जिसमें कलाकार, लेखक और आर्किटेक्ट शामिल थे, ने पॉप आर्ट के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। समूह ने प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला आयोजित की समकालीन कला संस्थान लंदन में, जिसने कलाकारों के काम को दिखाया था रिचर्ड हैमिल्टन, एडुआर्डो पाओलोज़ी, और पीटर ब्लेक1। ये कलाकार कला और जन संस्कृति के बीच संबंधों में रुचि रखते थे, और उन्होंने रोजमर्रा की वस्तुओं और छवियों को अपने काम में शामिल करके ललित कला की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती देने की मांग की4.
लंदन में पॉप कला भी 1950 और 1960 के दशक की उभरती हुई युवा संस्कृति से प्रभावित थी, जिसे पारंपरिक मूल्यों की अस्वीकृति और लोकप्रिय संस्कृति के उत्सव की विशेषता थी5.
संयुक्त राज्य अमेरिका में पॉप कला
पॉप आर्ट में उभरा संयुक्त राज्य अमेरिका मध्य के दौरान 1950 के दशक के अंत में के बदलते सांस्कृतिक परिदृश्य की प्रतिक्रिया के रूप में युद्ध के बाद अमेरिका. संयुक्त राज्य अमेरिका में, 1960 के दशक के दौरान पॉप आर्ट को अपनी सबसे बड़ी प्रेरणा दी गई थी, और "पॉप आर्ट" शब्द को आधिकारिक तौर पर दिसंबर 1962 में एक संगोष्ठी में आयोजित किया गया था। आधुनिक कला का संग्रहालय2.
अमेरिकी पॉप कला को लोकप्रिय उपभोक्ता प्रतीकों, जैसे घरेलू वस्तुओं और प्रतिष्ठित हस्तियों के उपयोग की विशेषता थी, और यह अक्सर वाणिज्यिक दुनिया से तकनीकों और सामग्रियों को शामिल करता है, जैसे कि स्क्रीन-प्रिंटिंग35। संयुक्त राज्य अमेरिका में पॉप कला भी 1950 और 1960 के दशक की उभरती हुई युवा संस्कृति से प्रभावित थी, जिसे पारंपरिक मूल्यों की अस्वीकृति और लोकप्रिय संस्कृति के उत्सव की विशेषता थी4.
फ्रांस, पश्चिम जर्मनी और सोवियत संघ का विस्तार
फ्रांस में, पॉप आर्ट को चमकीले रंगों और बोल्ड लाइनों के उपयोग की विशेषता थी, और यह अक्सर विज्ञापन और लोकप्रिय संस्कृति के तत्वों को शामिल करता था1। फ्रांसीसी पॉप कलाकार जैसे कि यवेस क्लीन और डैनियल स्पोरी कला और रोजमर्रा की जिंदगी के बीच संबंधों में रुचि रखते थे, और उन्होंने रोजमर्रा की वस्तुओं और छवियों को अपने काम में शामिल करके ललित कला की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती देने की मांग की1.
पश्चिम जर्मनी में, पॉप कला 1950 और 1960 के दशक की उभरती हुई युवा संस्कृति से प्रभावित थी, और इसमें अक्सर राजनीतिक व्यंग्य और सामाजिक टिप्पणी के तत्वों को शामिल किया गया था2। जर्मन पॉप कलाकार जैसे सिग्मर पोल्के और गेरहार्ड रिक्टर कला और समाज के बीच संबंधों में रुचि रखते थे, और उन्होंने रोजमर्रा की वस्तुओं और छवियों को अपने काम में शामिल करके ललित कला की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती देने की मांग की2.
सोवियत संघ में, पॉप आर्ट पश्चिम की तुलना में बाद में उभरा, और यह उस समय की राजनीतिक और सामाजिक जलवायु से बहुत प्रभावित था। सोवियत पॉप आर्ट को सोवियत-थीम वाली इमेजरी के उपयोग और सामाजिक और राजनीतिक टिप्पणी पर इसका ध्यान केंद्रित करने की विशेषता थी3.
कलात्मक दुविधा और सबटेक्स्ट की कतार की आवश्यकता
उपभोक्तावाद बनाम तोड़फोड़
पॉप कला कलाकारों द्वारा सामना किए जाने वाले प्रमुख प्रश्नों में से एक यह था कि क्या व्यापक उपभोक्ता संस्कृति को गले लगाना है या इसे खत्म करना है।
पॉप कलाकारों ने उपभोक्ता संस्कृति की कल्पना का उपयोग उन कार्यों को बनाने के लिए किया जो उपभोक्तावाद के उत्सव और महत्वपूर्ण थे1. पॉप आर्ट इसके खिलाफ अपनी कल्पना का उपयोग करके प्रमुख संस्कृति को खत्म करने का एक तरीका था, और यह रोजमर्रा की वस्तुओं और छवियों को मनाने का एक तरीका था जिसे अक्सर पारंपरिक ललित कला द्वारा अनदेखा किया जाता था4. वारहोल जैसे कुछ कलाकारों ने वह सब करने के लिए चुना और फिर कुछ। कला और वाणिज्य के बीच की रेखाओं को धुंधला करना और दर्शक को चुनौती देना बड़े पैमाने पर कला की दुनिया के बारे में उनकी धारणाओं पर सवाल उठाने के लिए।
सबसे प्रसिद्ध पॉप कला के कुछ टुकड़े जो उपभोक्तावाद की आलोचना करते हैं, उनमें शामिल हैं:
• एंडी वारहोल'एस "कैंपबेल के सूप के डिब्बे" और "मेरिलिन मन्रो"श्रृंखला, जिसने उपभोक्ता संस्कृति की कल्पना का उपयोग उन कार्यों को बनाने के लिए किया जो उपभोक्तावाद के उत्सव और आलोचना दोनों थे1. वारहोल की कला को भी दोहराव और सेरियलिटी के उपयोग की विशेषता थी, जिसने कला में विशिष्टता और मौलिकता की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती दी थी3.
• रो लिचटेंस्टीन"वाम!" और "डूबने वाली लड़की"लोकप्रिय संस्कृति में महिलाओं के ऑब्जेक्टिफिकेशन की आलोचना करने के लिए कॉमिक बुक इमेजरी का इस्तेमाल किया2.
• क्लेस ओल्डेनबर्ग'एस "विशालकाय हैमबर्गर" और "विशाल नरम शौचालय“उपभोक्ता संस्कृति की ज्यादतियों की आलोचना करने के लिए रोजमर्रा की वस्तुओं का उपयोग किया3.
• रिचर्ड हैमिल्टन"बस यह क्या है जो आज के घरों को इतना अलग बनाता है, इतना आकर्षक है?" 1950 के दशक की उपभोक्ता संस्कृति की आलोचना करने के लिए कोलाज का उपयोग किया4.
एंडी वारहोल और कारखाना
वारहोल, वह गूढ़ आकृति जिसने पॉप आर्ट आंदोलन पर बड़े पैमाने पर लूम किया, प्रसिद्ध रूप से अपने स्टूडियो द फैक्ट्री का नाम दिया। ऐसा करने में, उन्होंने कला के व्यापार पक्ष को स्वीकार किया और कला और वाणिज्य के बीच की सीमाओं को धुंधला कर दिया। फिर भी, वारहोल के काम की सतह के नीचे, विध्वंसक तत्व थे जो आसान वर्गीकरण को परिभाषित करते थे। कारखाना विरोधाभासों का एक क्रूसिबल था, जहां हर रोज और असाधारण टकराया, और जहां कला एक वस्तु और यथास्थिति को चुनौती देने का एक साधन था।
दादा कला और अस्तित्ववाद का प्रभाव
पॉप आर्ट भी दादा से गहराई से प्रभावित था, जो पहले का एक कलात्मक आंदोलन था जो अराजकता और गैरबराबरी पर संपन्न हुआ था। मार्सेल डुचैम्प की तरह दादा कलाकारों ने पारंपरिक कला की दुनिया का मजाक उड़ाया, जो ऐसे कामों का निर्माण करते हैं जो कला की बहुत प्रकृति पर सवाल उठाते थे। इसी तरह, उस समय के अस्तित्ववादी दार्शनिक, जैसे कि जीन-पॉल सार्त्र और अल्बर्ट कैमस, मानव अस्तित्व के अर्थ और उद्देश्य के बारे में सवालों से जूझ रहे थे। विचार की इन जुड़वां धाराओं ने पॉप कला और इसके विध्वंसक अंडरपिनिंग के विकास के लिए उपजाऊ जमीन प्रदान की।
शिविर सौंदर्य और पहचान की राजनीति
शिविर में सुसान सोंटाग के नोट्स
1964 में, सांस्कृतिक आलोचक सुसान सोंटेग ने अपने प्रभावशाली निबंध, नोट्स पर नोट्स प्रकाशित किए। इसमें, उसने एक नई अवंत-गार्डे संवेदनशीलता का वर्णन किया जो विध्वंसक और अपरिवर्तनीय था। कैंप, जैसा कि सोंटग ने इसे परिभाषित किया था, एक सौंदर्य था जिसने कृत्रिम, अतिरंजित और नाटकीय रूप से मनाया। यह विडंबना और टुकड़ी के एक लेंस के माध्यम से दुनिया को देखने का एक तरीका था।
निबंध पहली बार 1964 में प्रकाशित हुआ था और सोंटाग का पहला योगदान था पक्षपातपूर्ण समीक्षा1। निबंध "शिविर" शब्द के अर्थों और अर्थों पर विचार करता है और यह लोकप्रिय संस्कृति में कैसे उपयोग किया जाता है2.
Sontag ने तर्क दिया कि शिविर एक संवेदनशीलता है, एक विचार नहीं है, और यह कि यह अतिरंजित, "बंद," और चीजों के एक प्रेम की विशेषता है, जो-वे-वे-वे-नहीं-नहीं-नहीं हैं।3। उन्होंने यह भी तर्क दिया कि शिविर एक चंचल दृष्टिकोण को बढ़ावा देकर नैतिक आक्रोश को बेअसर करने का एक तरीका है, जो दूसरों को गंभीरता से लेते हैं4.
SONTAG के निबंध का शिविर सौंदर्य के विकास और पहचान की राजनीति के लिए इसके संबंध पर गहरा प्रभाव पड़ा। शिविर सौंदर्य द्वारा गले लगा लिया गया था LGBTQ पहचान और कामुकता के लिए एक चंचल दृष्टिकोण को बढ़ावा देने के तरीके के रूप में समुदाय4.
Sontag के निबंध ने भी लोकप्रिय संस्कृति में एक प्रमुख बल के रूप में शिविर सौंदर्य को स्थापित करने में मदद की, और इसका समकालीन कला और फैशन के विकास पर गहरा प्रभाव पड़ा3.
शिविर और पॉप कला के बीच संबंध
पॉप आर्ट और कैंप सौंदर्यशास्त्र के बीच संबंध लोकप्रिय संस्कृति, किट्सच और "हाई" और "लो" आर्ट के बीच की सीमाओं के अपने साझा उत्सव में निहित हैं12.
दोनों पॉप आर्ट और सीएमपी सौंदर्यशास्त्र प्रमुख आधुनिकतावादी कला आंदोलनों की प्रतिक्रिया के रूप में उभरे, जिन्होंने अमूर्त और पारंपरिक कलात्मक मूल्यों को प्राथमिकता दी34. पॉप आर्ट ने अपने कार्यों में मास कल्चर ऑब्जेक्ट्स और मीडिया सितारों को शामिल किया, जबकि CAMP AESTHETICS ने आत्म-सचेत रूप से लोकप्रिय संस्कृति और Kitsch को महिमामंडित किया12.
"कम" कला को एक "उच्च" कला संदर्भ में पुन: व्यवस्थित करके, पॉप कलाकारों ने सीमांत के लिए शिविर उत्सव और प्रतिबद्धता के लिए समानता की।2. पॉप आर्ट और सीएमपी सौंदर्यशास्त्र के बीच संबंध कला की दुनिया पर हाशिए के समुदायों के प्रभाव और पारंपरिक कलात्मक पदानुक्रमों के लिए साझा चुनौती पर प्रकाश डालता है2.
पहचान और प्रदर्शन की भूमिका
शिविर ने पहचान, लिंग और कामुकता के मुद्दों की खोज के लिए एक रूपरेखा भी प्रदान की। वारहोल जैसे कलाकारों के लिए, जिन्होंने 1950 के दशक में एक युवा, समलैंगिक व्यक्ति होने की जटिलताओं को नेविगेट किया, शिविर ने अपनी पहचान व्यक्त करने और दुनिया के साथ अपनी शर्तों पर संलग्न होने का एक साधन पेश किया। यह एक व्यक्ति के रूप में और एक कलाकार के रूप में पहचान करने का एक तरीका था।
एंडी वारहोल के जुनून और खुलासे
एक आवर्ती आकृति के रूप में सुपरमैन
वारहोल के काम में, प्रतिष्ठित सुपरहीरो सुपरमैन एक आवर्ती रूपांकनों के रूप में दिखाई देता है। सतह पर, यह लोकप्रिय संस्कृति के लिए सिर्फ एक और नोड की तरह लग सकता है, लेकिन एक करीबी परीक्षा से एक गहरे, अधिक व्यक्तिगत संबंध का पता चलता है। सुपरमैन, एलियन आप्रवासी जो खुद को बड़े शहर में बदल देता है, वह एक युवा समलैंगिक व्यक्ति के रूप में वारहोल की अपनी यात्रा को दर्शाता है, जो शहरी परिदृश्य में अपनी पहचान बनाने के लिए है।
इसके अलावा, अमेरिकी कॉमिक पुस्तकों में एक लोकप्रिय सुपरहीरो चरित्र के रूप में, सुपरमैन का एक सांस्कृतिक आइकन जो स्वाभाविक रूप से वारहोल की सेलिब्रिटी संस्कृति और मास मीडिया की खोज में फिट होगा2. सुपरमैन मोटिफ, अपने बोल्ड रंगों और पहचानने योग्य प्रतीक के साथ, वारहोल की कलात्मक शैली के साथ भी संरेखित करता है और उनकी दृश्य भाषा के लिए एक प्राकृतिक विकल्प के रूप में देखा जा सकता है1.
वारहोल का पंक पॉप अवधि
1970 के दशक के दौरान, वारहोल ने कलात्मक प्रयोग की अवधि में प्रवेश किया, जिसे उनके पंक पॉप चरण के रूप में जाना जाता है। इस समय के दौरान, उन्होंने कामुकता और इच्छा के गहरे कोनों में प्रवेश किया, उनके कुख्यात "पेशाब" चित्रों की तरह काम करता है। इन उत्तेजक टुकड़ों के माध्यम से, वारहोल ने कलात्मक अभिव्यक्ति की सीमाओं को चुनौती देना जारी रखा और पहचान और कामुकता की जटिलताओं का पता लगाया।
उसके अतीत के साथ एक पंक पॉप कनेक्शन है, निश्चित रूप से ... एक तरह से। वेलवेट अंडरग्राउंड का संगीत, जिसे वारहोल ने प्रबंधित किया और उत्पादित किया, को बुर्जुआ स्वाद और उपभोग के भ्रष्ट प्रणालियों के खिलाफ एक श्रमिक वर्ग के विद्रोह की विशेषता थी1. वारहोल प्लास्टिक अपरिहार्य विस्फोट, बैंड की विशेषता वाले एक मल्टीमीडिया इवेंट को "इलेक्ट्रॉनिक: इंटरमीडिया: टोटल स्केल" के रूप में वर्णित किया गया था और इसे कवर किया गया था मखमली एक अंधेरे, धुंधले, स्ट्रोब-लिट सर्कस में1। जबकि पंक रॉक का यह संबंध 1970 के दशक से पहले है, यह आंदोलन पर वारहोल के प्रभाव को प्रदर्शित करता है। प्रायोगिक और विद्रोही ... इससे ज्यादा पंक क्या है?
कमोडोर अमीगा 1000 और डिजिटल प्रदर्शन
1985 में, एंडी वारहोल द्वारा संपर्क किया गया था कमोडोर इंटरनेशनल अपने नए व्यक्तिगत कंप्यूटर की उन्नत ग्राफिक्स क्षमताओं का प्रदर्शन करने के लिए, अमीगा 10001.
वारहोल ने उत्साह से अवसर को अपनाया और अमीगा 1000 के अत्याधुनिक सॉफ़्टवेयर इमेजिंग टूल्स, जैसे "पैटर्न फ्लड फिल्स," "पैलेटाइज्ड कलर," और "कॉपी-पेस्ट कोलाज" का उपयोग करके डिजिटल कार्यों की एक श्रृंखला बनाई।1.
इन डिजिटल कार्यों को लंबे समय से खो दिया गया था, लेकिन 2014 में अभिलेखागार में फिर से खोजा गया था एंडी वारहोल म्युज़ियम1.अमीगा 1000 के लॉन्च के लिए, कमोडोर ने एक नाटकीय प्रदर्शन की योजना बनाई लिंकन सेंटर में न्यूयॉर्क, जहां वारहोल ने एक कंप्यूटर चित्र की रचना की डेबी हैरी23.
Amiga 1000 पर बनाई गई Warhol के डिजिटल कार्यों में उनके प्रतिष्ठित की विविधताएं शामिल थीं कैंपबेल के सूप के डिब्बे, फूल, और चित्र3। फिर से प्राप्त डिजिटल कला को बाद में वारहोल संग्रहालय में प्रदर्शित किया गया था2.
अन्य विध्वंसक पॉप कलाकार
मैरिसोल, निक्की डी सेंट फालले, और डोरोथी ग्रेबेनक
कई कलाकार पारंपरिक विचारों की खोज और चुनौती देने के साधन के रूप में पॉप आर्ट का उपयोग / उपयोग करते हैं। कला, राजनीति, लिंग, कामुकता और बहुत कुछ के बारे में। मैरिसोल, निक्की डी सेंट फालले, और डोरोथी ग्रेबेनक जैसे कलाकारों ने आंदोलन के भीतर अपने स्वयं के अनूठे niches को उकेरा, काम के शक्तिशाली निकायों का निर्माण किया जो अधिक से अधिक मान्यता और प्रशंसा के लायक हैं।
मरिसोल
मैरिसोल एस्कोबार, बस मैरिसोल के रूप में जाना जाता था, एक वेनेजुएला-अमेरिकी मूर्तिकार था पेरिस जिन्होंने 1960 के दशक में अपने अनूठे असेंबलियों और मूर्तियों के लिए प्रसिद्धि प्राप्त की1। उनके काम ने अक्सर लोक कला तत्वों के साथ पॉप आर्ट इमेजरी को जोड़ा, दो शैलियों के बीच की सीमाओं को धुंधला कर दिया1.
Marisol की कला में अक्सर वस्तुओं और व्यक्तिगत यादों से वस्तुओं और प्रेरणा का उपयोग किया जाता है2. Marisol की मूर्तियों में अक्सर उसका अपना चेहरा दिखाया गया था, जैसा कि एक समूह की स्थापना में देखा गया था टोलेडो म्युज़ियम ऑफ आर्ट1. उसके उल्लेखनीय कामों में से एक, " परिवार"(1962), एक परिवार की एक तस्वीर से प्रेरित था जो उसने अपने न्यूयॉर्क स्टूडियो में पाया था4. उनकी मूर्तियों ने अक्सर समकालीन जीवन की व्यंग्यपूर्ण आलोचनाओं के रूप में काम किया, जिसमें ऊपरी-मध्य-वर्ग के समाज का प्रतिनिधित्व भी शामिल है2.
मैरिसोल का कलात्मक प्रशिक्षण अनियमित और उदार था, जैसा कि उसने अध्ययन किया था Beaux-Arts 1949 में पेरिस में जाने से पहले न्यूयॉर्क3. उसका काम उस समय के अन्य पॉप कलाकारों से अलग था, जो उसकी मूर्तियों के भीतर लोक और बचपन के गुणों के कारण था2। कउसके बॉक्स-जैसे आलंकारिक कार्यों के लिए, लकड़ी और अन्य सामग्रियों के संयोजन के लिए, जिसे अक्सर Tableax के रूप में वर्गीकृत किया जाता है3. कला के लिए उसका अभिनव दृष्टिकोण और सामाजिक मानदंडों को चुनौती देने की उसकी क्षमता उसे आज तक एक सम्मोहक आंकड़ा बनाती है1.
निक्की डे सेंट फालले
निकी डे सेंट फालले (1930-2002) एक फ्रांसीसी-अमेरिकी मूर्तिकार, चित्रकार, फिल्म निर्माता, और लेखक थे जो उनके रंगीन और अभिनव कार्यों के लिए जाने जाते हैं1। जन्म कैथरीन-मैरी-अग्न्स फाल डे सेंट फेलले, एसउनके पास कला में कोई औपचारिक प्रशिक्षण नहीं था, लेकिन कई समकालीन कलाकारों के साथ जुड़ा हुआ था, एक अज्ञात शैली विकसित करना अक्सर "बाहरी कला" के रूप में संदर्भित किया जाता है।2.
डी सेंट फाललेपारंपरिक कलात्मक मानदंडों और अपेक्षाओं को पूरा करता है। 1960 के दशक की शुरुआत में, उसने अपने "टीआईआर" या के लिए ध्यान आकर्षित किया “शूटिंग पेंटिंग"3। बाद में उसने अपना ध्यान मूर्तियों पर स्थानांतरित कर दिया, जिससे "नानास" श्रृंखला बन गई, जिसमें हल्के-फुल्के, सनकी और रंगीन बड़े पैमाने पर जानवरों, राक्षसों और महिला आंकड़े थे2.
उसका सबसे व्यापक काम, टैरो गार्डन, एक बड़ा मूर्तिकला उद्यान था जिसमें कई काम थे, जो घर के आकार की रचनाओं तक से प्रेरित थे, जो प्रेरित था एंटोनी गौडी'एस पारक ग्यूएल और पारो देई मोसस्ट्री में बोमरजो, इटली4.
अपने करियर के दौरान, डी सेंट फेलले ने सक्रियता के लिए अपनी कला का इस्तेमाल किया, सामाजिक और राजनीतिक मुद्दों को संबोधित किया, और खुशी और सकारात्मकता को बढ़ावा दिया3.
डोरोथी ग्रेबेनक
डोरोथी ग्रेबेनक । ज्वार-भाटा बक्से, और डॉलर बिल12.
बड़े पैमाने पर स्व-सिखाया जाता है, ग्रेबेनक के काम ने रोजमर्रा की वाणिज्यिक इमेजरी लेने और इसे एक पारंपरिक शिल्प माध्यम में अनुवाद करके मानदंडों को बदल दिया, जिसे अक्सर विध्वंसक के बजाय शिविर माना जाता था2.
जबकि पॉप आर्ट आंदोलन में उसके पुरुष साथियों की तरह एंडी वारहोल और रो लिचटेंस्टीन, वाणिज्यिक इमेजरी के उपयोग के लिए प्रसिद्धि प्राप्त हुई, ग्रेबेनक के काम को काफी हद तक अनदेखा कर दिया गया और उसके समय में अवमूल्यन किया गया2। हालांकि, उनकी कला अभ्यास ने उनके समकालीनों के साथ एक समान केंद्रीय आधार साझा किया, वाणिज्यिक मीडिया से पाठ और कल्पना को खींचना और इसे दूसरे माध्यम में अनुवाद किया2.
उसकी मामूली महत्वपूर्ण और व्यावसायिक सफलता के बावजूद, मिड-सेंचुरी, ग्रेबेनक सभी लेकिन जल्द ही कला की दुनिया से गायब हो गए2। उसके कई आसनों या तो गायब हो गए हैं या समय के साथ अलग हो गए हैं2। 1971 में अपने पति की मृत्यु के बाद, वह स्थानांतरित हो गई लंडन, जहां 1990 में उसकी मृत्यु हो गई2.
ग्रेबेनक के काम को उपभोक्ता संस्कृति और रोजमर्रा की वस्तुओं के मूल्य पर एक टिप्पणी के रूप में देखा जा सकता है, जो कि कलात्मक मानदंडों को चुनौती देने के लिए हास्य और एक अद्वितीय माध्यम का उपयोग कर रहा है2। ग्रेबेनक के काम को अक्सर पॉप आर्ट आंदोलन के भीतर अनदेखा किया जाता है, और कला की दुनिया छोड़ने के उनके कारणों पर बहस होती है2.
बहन कोरिता केंट, मार्था रोसलर और इडेल वेबर
इसी तरह, सिस्टर कोरिटा केंट, मार्था रोसलर, और इडेल वेबर ने अपने आसपास की दुनिया से पूछताछ करने के लिए अपनी कला का इस्तेमाल किया, जो सामाजिक मानदंडों और अपेक्षाओं पर सवाल उठाते थे जो महिलाओं और कलाकारों के रूप में उनके जीवन को नियंत्रित करते थे। उनका काम कला की परिवर्तनकारी शक्ति और दुनिया को देखने के तरीके को बदलने की क्षमता के लिए एक वसीयतनामा था।
सिस्टर कोरिता केंट
सिस्टर कोरिता केंट (1918-1986), जन्म फ्रांसिस एलिजाबेथ केंट, एक अमेरिकी कलाकार, डिजाइनर, शिक्षक, और पूर्व धार्मिक बहन थी जो अपने जीवंत और सामाजिक रूप से जागरूक पॉप आर्ट के लिए जानी जाती थी1.
वह शामिल हो गई बेदाग दिल की बहनें का मेरी 18 साल की उम्र में और बहन नाम लिया मैरी कोरिता केंट1। उसने कला का अध्ययन किया चौइनार्ड कला संस्थान (अब कैलार्ट्स) और से डिग्री अर्जित की लॉस एंजिल्स'एस बेदाग हार्ट कॉलेज2.
केंट की कलाकृति ने उद्धरणों से संयुक्त किया बाइबिल, आधुनिक कविता, और धार्मिक या धर्मनिरपेक्ष छवियों के साथ लोकप्रिय गीत के बोल3। उसके बोल्ड और रंगीन सिल्कस्क्रीन प्रिंट ने सामाजिक न्याय के कारणों को चैंपियन बनाया, जैसे कि गरीबी, भूख और शांति जैसे मुद्दों को संबोधित किया4। उन्होंने 1960 के दशक की शुरुआत में प्रसिद्धि प्राप्त की और अपने कॉन्वेंट को छोड़ने के बाद भी कला का निर्माण जारी रखा4.
कोरिता केंट का काम आशा, प्रेम और सामाजिक जागरूकता के शक्तिशाली संदेशों के लिए मनाया गया है4.
मार्था रोसलर
मार्था रोसलर 1943 में पैदा हुआ एक अमेरिकी कलाकार है, जिसे फोटोग्राफी, फोटो टेक्स्ट, वीडियो, इंस्टॉलेशन और प्रदर्शन कला में अपने काम के लिए जाना जाता है1। वह स्थित है ब्रुकलीन, न्यूयॉर्क2। रोसलर की कला अक्सर सामाजिक और राजनीतिक मुद्दों को संबोधित करती है, जैसे कि युद्ध, लिंग और उपभोक्ता संस्कृति3.
उनकी उल्लेखनीय श्रृंखला में से एक "हाउस ब्यूटीफुल: द वॉर द वॉर होम" कोलाज है, जो कि की छवियों को जोड़ता है वियतनाम युद्ध होम डेकोर पत्रिकाओं से चित्रों के साथ3। यह श्रृंखला युद्ध की हिंसा और घरेलू जीवन के आराम के बीच विपरीत पर प्रकाश डालती है, जो अमेरिकी साम्राज्यवाद की आलोचना के रूप में सेवा करती है3.
अपने करियर के दौरान, रोस्लर को उनके विचार-उत्तेजक और सामाजिक रूप से जागरूक कला के लिए मान्यता दी गई है2.
इडेल वेबर
इडेल वेबर (1932-2020) एक अमेरिकी कलाकार था जिसे पॉप आर्ट और फोटोरियलिज्म में अपने काम के लिए जाना जाता था1। उन्होंने 1960 और 70 के दशक से अपने शुरुआती सिल्हूट कार्यों के लिए मान्यता प्राप्त की, जिसमें कॉर्पोरेट और घरेलू सेटिंग्स में फेसलेस ब्लैक एंड व्हाइट कंटूरेड आंकड़े थे।1। इन कार्यों ने अक्सर विज्ञापन और उपभोक्ता संस्कृति की दृश्य भाषा को खत्म कर दिया, कॉर्पोरेट दुनिया की आलोचना और समाज पर इसके प्रभाव को आलोचना की21.
वेबर की कला को ग्राउंडब्रेकिंग 2010 प्रदर्शनी में चित्रित किया गया था ""मोहक तोड़फोड़: महिला पॉप कलाकार, 1958–1968"2। उसके बाद के काम का विस्तार फोटोरिअलिज्म में हुआ, जिसमें कचरा और शहरी परिदृश्य जैसे विषयों पर ध्यान केंद्रित किया गया3.
युद्ध के बाद के महिला कलाकारों के योगदान के रूप में फिर से जांच की गई है, वेबर के काम ने अपने अभिनव दृष्टिकोण और उपभोक्तावाद और सामाजिक मानदंडों पर महत्वपूर्ण टिप्पणी के लिए नए सिरे से मान्यता प्राप्त की है1.
रोजालिन ड्रेक्सलर, डेविड हॉकनी और रे जॉनसन
रोज़ालिन ड्रेक्सलर, डेविड हॉकनी और रे जॉनसन जैसे अन्य क्वीर कलाकारों ने लिंग, कामुकता और पहचान के सिर के मुद्दों का सामना करने के लिए अपनी कला का उपयोग करते हुए, अधिक प्रत्यक्ष दृष्टिकोण लिया। अपने काम के माध्यम से, उन्होंने हाशिए पर आवाज दी और मुख्यधारा को अपने स्वयं के पूर्वाग्रहों और मान्यताओं का सामना करने के लिए चुनौती दी।
रोज़ालिन ड्रेक्सलर
रोज़ालिन ड्रेक्सलर (जन्म 1926) एक अमेरिकी दृश्य कलाकार, उपन्यासकार है, ओबी पुरस्कार विजेता नाटककार, एमी अवार्ड-विनिंग पटकथा लेखक, और पूर्व पेशेवर पहलवान1। उसे पॉप आर्ट आंदोलन में एक प्रमुख नारीवादी आवाज माना जाता है2.
ड्रेक्सलर ने 1961 में लोकप्रिय संस्कृति से इमेजरी का उपयोग करना शुरू किया, उसी वर्ष एंडी वारहोल और रो लिचटेंस्टीन3। उनकी कलाकृति अक्सर मीडिया की छवियों को पुन: पेश करती है, जैसे कि फिल्मों के दृश्य, एक कोलाज फैशन में, उन्हें बोल्ड रंगों और हड़ताली रचनाओं के साथ संयोजित करते हैं2.
ड्रेक्सलर का काम अंतरंगता, हिंसा और मर्दानगी के विषयों की पड़ताल करता है, पॉप विनियोग पर एक व्यक्तिगत और कभी -कभी गहरे स्पिन की पेशकश करता है3। एक माँ, एक महिला पहलवान और एक लेखक के रूप में उनके अनुभव ने इन विषयों को प्रभावित किया3.
अपनी दृश्य कला के अलावा, ड्रेक्सलर को अपने पुरस्कार विजेता नाटकों और उपन्यासों के लिए जाना जाता है, जो अक्सर समान विषयों और अनुभवों को दर्शाते हैं3। उनके बहु -विषयक कलात्मक अभ्यास ने उनकी कलाकृति में तोड़फोड़ और सहजीवन के लिए उनके अनूठे दृष्टिकोण में योगदान दिया है2.
डेविड हॉकनी
डेविड हॉकनी ।1.
हॉकनी के काम ने अक्सर विभिन्न मीडिया, जैसे पेंटिंग, ड्राइंग, प्रिंटमेकिंग, फोटोग्राफी और डिजिटल कला को संयोजित करके मानदंडों को हटा दिया, ताकि अभिनव और विशिष्ट टुकड़े बना सकें1.
हॉकनी की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखला में से एक, उनके स्विमिंग पूल चित्रों ने, पानी पर प्रकाश के प्रभाव और जीवंत रंगों के साथ उनके आकर्षण को प्रदर्शित किया कैलिफोर्निया परिदृश्य2। इन कार्यों में अक्सर अलगाव और आत्मनिरीक्षण की भावना होती थी, जो अवकाश और अमेरिकी सपने के पारंपरिक प्रतिनिधित्व को चुनौती देती है2.
डेविड हॉकनीसमलैंगिकता की उनकी कला पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव रहा है, क्योंकि उन्होंने अपने काम में समलैंगिक प्रेम और इच्छा के खुले तौर पर खोज की थी, समलैंगिकता से पहले भी 1967 में समलैंगिकता को कम कर दिया गया था1। हॉकनी के शुरुआती कार्यों में अक्सर मॉडल की छवियां दिखाई जाती हैं काया, एक फिटनेस पत्रिका ने समलैंगिक पुरुषों की ओर विपणन किया1। उन्होंने अपनी कला के माध्यम से "समलैंगिकता का प्रचार" करने का लक्ष्य रखा, उनके कुछ शुरुआती चित्रों के साथ गायक के लिए उनकी इच्छा के लिए भारी संहिताबद्ध संदर्भ थे क्लिफ रिचर्ड2.
कवि के लिए हॉकनी की प्रशंसा सीपी.पी. कैवेफी उसे कयामत समलैंगिक प्रेम के बारे में कैवाफी की कविताओं से प्रेरित प्रिंट की एक श्रृंखला बनाने के लिए नेतृत्व किया2। उनकी कला ने अक्सर अंतरंग संबंधों और व्यक्तिगत अनुभवों को चित्रित किया, एक ऐसे समय के दौरान एक युवा समलैंगिक व्यक्ति के रूप में उनके जीवन को दर्शाते हुए जब समलैंगिकता अभी भी एक वर्जित विषय थी2.
उनकी कामुकता के बारे में हॉकनी के खुलेपन और उनकी कला में इसे संबोधित करने की उनकी इच्छा ने उन्हें एक ट्रेलब्लेज़र और LGBTQ+ समुदाय के लिए एक रोल मॉडल बना दिया2.
रॉबर्ट इंडियाना, डुआने मिशेल्स और कीथ हरिंग
रॉबर्ट इंडियाना, डुआने मिशेल्स, और कीथ ने प्रत्येक ने पॉप आर्ट आंदोलन पर अपनी छाप छोड़ी, सांस्कृतिक मार्जिन पर जीवन का पता लगाने के लिए अपनी विशिष्ट शैलियों का उपयोग किया। अपनी कला के माध्यम से, उन्होंने मानव अनुभव की समृद्धि और विविधता का जश्न मनाया और कला की सीमाओं को धक्का दिया कि कला क्या हो सकती है और क्या कर सकती है।
रॉबर्ट इंडियाना
रॉबर्ट इंडियाना पॉप आर्ट आंदोलन में एक केंद्रीय व्यक्ति था। उनकी कला अक्सर अमेरिकी संस्कृति में उपभोक्ता की प्रवृत्ति और राजनीतिक ज्यादतियों की आलोचना करती है, जो अमेरिकी सपने के गहरे पक्ष को दर्शाती है2। लेकिन वह अपने प्रतिष्ठित के लिए जाना जाता है प्यार शृंखला1.
इंडियाना की अपनी कलाकृति में सहजीवन का उपयोग उनकी प्रेम श्रृंखला में स्पष्ट था, जो 20 वीं शताब्दी की सबसे पहचानने योग्य कलाकृतियों में से एक बन गया3। बोल्ड में "प्रेम" शब्द की सरल लेकिन शक्तिशाली व्यवस्था, एक झुके हुए "ओ" के साथ पूंजीकृत पत्र शांति और एकता का प्रतीक बन गया, इसके मूल संदर्भ को पार करना और एक विस्तृत दर्शकों के साथ प्रतिध्वनित करना1.
रॉबर्ट इंडियाना प्रभावी रूप से ब्रांडेड प्यार। उनकी कलाकृति के साथ 1960 के दशक में इसके निर्माण के बाद से लोकप्रिय संस्कृति में विभिन्न तरीकों से उपयोग किया गया था। प्रतिष्ठित डिजाइन को बड़े सार्वजनिक मूर्तियों से लेकर डाक टिकटों तक के प्रारूपों में पुन: पेश किया गया है1। दुनिया भर में 50 प्रेम मूर्तियां स्थापित हैं2। छवि को अनगिनत व्यापारिक वस्तुओं, जैसे कालीनों और स्केटबोर्ड पर भी चित्रित किया गया है3.
डुआने माइकल्स
डुआने माइकल्स एक अमेरिकी फोटोग्राफर है जो अनुक्रमिक तस्वीरों के माध्यम से अपनी अभिनव कहानी के लिए जाना जाता है, जो अक्सर आध्यात्मिक विषयों का पता लगाते हैं1। उनके काम ने एक माध्यम के रूप में फोटोग्राफी की सीमाओं को धक्का देकर सामाजिक मानदंडों को बदल दिया, केवल वास्तविकता का दस्तावेजीकरण करने के बजाय विचारों और भावनाओं को कैप्चर किया2.
मिशेल्स ने खुद को एक निर्देशक माना, जो स्टेज में काम कर रहा था, स्टेजिंग और फोटो खिंचवाता था, जिसकी उन्होंने कल्पना की थी1.
मिचल्स का काम अक्सर जीवन की विचित्रता और असंगति के विषयों से निपटता है, एक समलैंगिक व्यक्ति के रूप में उनके परिप्रेक्ष्य को दर्शाता है जब समलैंगिकता कम स्वीकार की गई थी3। वह अपनी कामुकता के बारे में खुला था और उसे अपनी कला में शामिल किया, मानव संबंधों और भावनाओं की जटिलताओं को संबोधित करते हुए3.
उनकी ग्राउंडब्रेकिंग अनुक्रमिक तस्वीरों के अलावा, एक पत्रिका के फोटोग्राफर के रूप में मिशेल्स के वाणिज्यिक काम ने भी एक अलग दृष्टिकोण लिया, एक स्टूडियो सेटिंग के बजाय अपने वातावरण में लोगों के चित्रों को कैप्चर किया।1.
जीन-मिशेल बासक्विएट
जीन-मिशेल बासक्विएट (1960-1988) एक प्यूर्टो रिकान/हाईटियन अमेरिकी कलाकार था जो अपने नव-अभिव्यक्तिवादी चित्रों के लिए जाना जाता था और भित्ति चित्र कला1। उन्होंने अपने कच्चे, अप्रकाशित शैली के माध्यम से सामाजिक मानदंडों को खत्म कर दिया, जिसमें अक्सर पाठ और कल्पना को शामिल किया गया था जो नस्ल, वर्ग, शक्ति और पहचान के मुद्दों से निपटा था2। Basquiat की कला ने धन बनाम गरीबी, एकीकरण बनाम अलगाव, और आंतरिक बनाम बाहरी अनुभव जैसे डाइकोटोमीज़ पर ध्यान केंद्रित किया3.
Basquiat ने अपने चित्रों में आत्मनिरीक्षण के लिए एक उपकरण के रूप में और अपने समय के काले समुदाय में अपने अनुभवों के साथ पहचान करने के लिए, साथ ही साथ बिजली संरचनाओं और नस्लवाद के प्रणालियों पर हमलों के साथ सामाजिक टिप्पणी का उपयोग किया।3। उनके दृश्य कविताएं उपनिवेशवाद और वर्ग संघर्ष के लिए समर्थन की आलोचना में तीव्रता से राजनीतिक और प्रत्यक्ष थीं4.
एक युवा अश्वेत कलाकार के रूप में, बासक्विएट के काम ने मुख्य रूप से श्वेत कला की दुनिया को चुनौती दी और हाशिए के समुदायों के अनुभवों पर ध्यान दिया1। कला के प्रति उनके ग्राउंडब्रेकिंग दृष्टिकोण और पारंपरिक कलात्मक मानदंडों की उनकी अवहेलना ने उन्हें नव-अभिव्यक्तिवादी आंदोलन में एक महत्वपूर्ण व्यक्ति बना दिया2.
पॉप आर्ट और इसकी कट्टरपंथी विरासत की स्थायी अपील
पॉप आर्ट, अपनी विडंबनापूर्ण जटिलता और आत्म-सचेत चंचलता के साथ, आज तक दर्शकों को बंदी और चुनौती देना जारी रखता है। इतने सारे अलग -अलग लोगों से बात करने की आंदोलन की क्षमता और स्थिति का सामना करने और वंचित करने की इच्छा की इच्छा इसके स्थायी अपील का हिस्सा है। और, जैसा कि हम इसके इतिहास को देखते हैं, यह स्पष्ट है कि पॉप आर्ट, अपने सभी कट्टरपंथी और विध्वंसक महिमा में, हमारी आधुनिक दुनिया को आकार देने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।
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जैसा कि हमने देखा है, पॉप आर्ट सिर्फ एक आकर्षक, सतही आंदोलन से कहीं अधिक था। यह उपभोक्तावाद, पहचान की राजनीति और कलात्मक अभिव्यक्ति की सीमाओं की एक जटिल और बहुमुखी अन्वेषण था। पॉप की विरासत कला और इसके कतार पायनियर्सएंडी वारहोल की तरह, कला की दुनिया के माध्यम से पुनर्जीवित करना जारी रखता है, हमें कला की परिवर्तनकारी शक्ति और हमारी मान्यताओं और पूर्वाग्रहों को चुनौती देने के महत्व की याद दिलाता है।
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