Pop Art: Ένας καθρέφτης στην κοινωνία και στον καταλύτη για αλλαγή
Η ποπ τέχνη ήταν πάντα μία για να προωθήσει τα όρια και να καταστρέψει τις προκαταρκτικές αντιλήψεις. Η αποπροσανατολιστική εξερεύνηση του καταναλωτισμού και της πολιτικής ταυτότητας έχει αφήσει βαθιά αντίκτυπο στον κόσμο της τέχνης. Αυτό το άρθρο θα βυθιστεί στην προέλευση και την ανάπτυξη των ανατρεπτικών και επαναστατικών της Pop Art. Επιπλέον, οι θεμελιώδεις δεσμοί του με την κοινότητα queer και τη διαρκή μαζική έκκληση μιας μορφής τέχνης που παίζει με την ίδια την έννοια της ίδιας της τέχνης ...
Η προέλευση και η ανάπτυξη της ποπ τέχνης
Η σκηνή του Λονδίνου
Η ποπ τέχνη εμφανίστηκε στο Ηνωμένο Βασίλειο και το Ηνωμένες Πολιτείες κατά τη διάρκεια των μέσων τέλη της δεκαετίας του 1950 ως πρόκληση για την παραδοσιακή τέχνη. Σε Λονδίνο, η ποπ τέχνη αναπτύχθηκε σχεδόν ταυτόχρονα με την εμφάνισή της στις Ηνωμένες Πολιτείες1.
Το κίνημα ήταν εμπνευσμένο από τη λαϊκή και εμπορική κουλτούρα και οι καλλιτέχνες επιδιώκουν να ενσωματώσουν καθημερινά αντικείμενα και εικόνες στο έργο τους2. Η Pop Art χαρακτηρίστηκε από τη χρήση φωτεινών χρωμάτων, έντονων γραμμών και γραφικών εικόνων και συχνά ενσωματώθηκαν στοιχεία διαφήμισης, κωμικών βιβλίων και λαϊκής κουλτούρας3.
Στο Λονδίνο, το Ανεξάρτητη ομάδα, η οποία περιελάμβανε καλλιτέχνες, συγγραφείς και αρχιτέκτονες, διαδραμάτισαν καθοριστικό ρόλο στην ανάπτυξη της ποπ τέχνης. Η ομάδα πραγματοποίησε μια σειρά εκθέσεων στο Ινστιτούτο Σύγχρονων Τεχνών στο Λονδίνο, το οποίο παρουσίασε το έργο καλλιτεχνών όπως Ρίτσαρντ Χάμιλτον, Eduardo Paolozzi, και Πέτρος Μπλέικ1. Αυτοί οι καλλιτέχνες ενδιαφέρονται για τη σχέση μεταξύ τέχνης και μαζικής κουλτούρας και προσπάθησαν να αμφισβητήσουν τις παραδοσιακές αντιλήψεις της τέχνης ενσωματώνοντας καθημερινά αντικείμενα και εικόνες στη δουλειά τους4.
Η ποπ τέχνη στο Λονδίνο επηρεάστηκε επίσης από την αναδυόμενη νεανική κουλτούρα της δεκαετίας του 1950 και του 1960, η οποία χαρακτηρίστηκε από απόρριψη παραδοσιακών αξιών και γιορτή του λαϊκού πολιτισμού5.
Ποπ τέχνη στις Ηνωμένες Πολιτείες
Η ποπ τέχνη εμφανίστηκε στο Ηνωμένες Πολιτείες κατά τη διάρκεια των μέσων τέλη της δεκαετίας του 1950 ως απάντηση στο μεταβαλλόμενο πολιτιστικό τοπίο του μεταπολεμική Αμερική. Στις Ηνωμένες Πολιτείες, η ποπ τέχνη έλαβε τη μεγαλύτερη ώθηση της κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1960 και ο όρος "ποπ τέχνης" εισήχθη επίσημα τον Δεκέμβριο του 1962 σε ένα συμπόσιο που διοργάνωσε το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης2.
Η αμερικανική ποπ τέχνη χαρακτηρίστηκε από τη χρήση δημοφιλών συμβόλων καταναλωτών, όπως τα οικιακά αντικείμενα και τις εικονικές διασημότητες, και συχνά ενσωματώνει τεχνικές και υλικά από τον εμπορικό κόσμο, όπως η εκτύπωση οθόνης35. Η ποπ τέχνη στις Ηνωμένες Πολιτείες επηρεάστηκε επίσης από την αναδυόμενη νεανική κουλτούρα της δεκαετίας του 1950 και του 1960, η οποία χαρακτηρίστηκε από απόρριψη παραδοσιακών αξιών και γιορτή του λαϊκού πολιτισμού4.
Επέκταση στη Γαλλία, τη Δυτική Γερμανία και τη Σοβιετική Ένωση
Στη Γαλλία, η ποπ τέχνη χαρακτηρίστηκε από τη χρήση φωτεινών χρωμάτων και τολμηρών γραμμών και συχνά ενσωματώνει στοιχεία διαφήμισης και λαϊκού πολιτισμού1. Γάλλοι καλλιτέχνες ποπ όπως Yves Κλέπινος και Daniel Spoerri ενδιαφέρθηκαν για τη σχέση μεταξύ τέχνης και καθημερινής ζωής και επιδίωξαν να αμφισβητήσουν τις παραδοσιακές αντιλήψεις της καλής τέχνης ενσωματώνοντας καθημερινά αντικείμενα και εικόνες στη δουλειά τους1.
Στη Δυτική Γερμανία, η ποπ τέχνη επηρεάστηκε από την αναδυόμενη νεανική κουλτούρα της δεκαετίας του 1950 και της δεκαετίας του 1960 και συχνά ενσωμάτωσε στοιχεία πολιτικής σάτιρας και κοινωνικών σχολίων2. Γερμανοί καλλιτέχνες ποπ όπως Sigmar Polke και Γκέρταρ Ρίχτερ ενδιαφέρθηκαν για τη σχέση μεταξύ τέχνης και κοινωνίας και επιδίωξαν να αμφισβητήσουν τις παραδοσιακές αντιλήψεις της καλής τέχνης ενσωματώνοντας καθημερινά αντικείμενα και εικόνες στη δουλειά τους2.
Στη Σοβιετική Ένωση, η ποπ τέχνη εμφανίστηκε αργότερα από ό, τι στη Δύση και επηρεάστηκε έντονα από το πολιτικό και κοινωνικό κλίμα της εποχής. Η σοβιετική ποπ τέχνη χαρακτηρίστηκε από τη χρήση των εικόνων με θέμα τη Σοβιετική και την εστίασή της στα κοινωνικά και πολιτικά σχόλια3.
Το καλλιτεχνικό δίλημμα και η αναγκαιότητα του υποκειμένου
Καταναλωτισμός έναντι ανατροπής
Ένα από τα βασικά ερωτήματα που αντιμετωπίζουν οι καλλιτέχνες της ποπ ήταν το αν θα αγκαλιάσουμε τη διάχυτη καταναλωτική κουλτούρα ή θα την υπονομεύσει.
Οι καλλιτέχνες ποπ χρησιμοποίησαν τις εικόνες της καταναλωτικής κουλτούρας για να δημιουργήσουν έργα που ήταν τόσο εορταστικά όσο και επικριτικά για τον καταναλωτισμό1. Η ποπ τέχνη ήταν ένας τρόπος να υπονομεύσουμε τον κυρίαρχο πολιτισμό χρησιμοποιώντας τις δικές της εικόνες εναντίον της και ήταν ένας τρόπος για να γιορτάσουμε τα καθημερινά αντικείμενα και εικόνες που συχνά παραβλέπονται από την παραδοσιακή τέχνη4. Μερικοί καλλιτέχνες, όπως ο Warhol, επέλεξαν να κάνουν όλα αυτά και στη συνέχεια μερικοί. Θολώνοντας τις γραμμές μεταξύ τέχνης και εμπορίου και προκαλώντας τον θεατή να αμφισβητήσει τις υποθέσεις τους σχετικά με τον κόσμο της τέχνης γενικότερα.
Μερικά από τα πιο διάσημα κομμάτια ποπ τέχνης που επικρίνουν τον καταναλωτισμό περιλαμβάνουν:
• Αντυ Γουόρχολ"S"Σούπα του Campbell" και "Μέριλιν Μονροε"Σειρά, η οποία χρησιμοποίησε την απεικόνιση της καταναλωτικής κουλτούρας για να δημιουργήσει έργα που ήταν τόσο εορταστικά και επικριτικά για τον καταναλωτισμό1. Η τέχνη του Warhol χαρακτηρίστηκε επίσης από τη χρήση της επανάληψης και της σεροληψίας, η οποία αμφισβήτησε τις παραδοσιακές έννοιες της μοναδικότητας και της πρωτοτυπίας στην τέχνη3.
• Roy Lichtenstein"S" Whaam! " και "Πνιγμός κορίτσι"Μεταχειρισμένες εικόνες κωμικών βιβλίων για να επικρίνουν την αντικειμενοποίηση των γυναικών στη λαϊκή κουλτούρα2.
• Claes Oldenburg"S"Γιγαντιαίο χάμπουργκερ" και "Γιγαντιαία μαλακή τουαλέτα"Χρησιμοποιούνται καθημερινά αντικείμενα για να επικρίνουν τις υπερβολές της καταναλωτικής κουλτούρας3.
• Ρίτσαρντ Χάμιλτον"ακριβώς τι είναι αυτό που κάνει τα σημερινά σπίτια τόσο διαφορετικά, τόσο ελκυστικά;" Χρησιμοποιήθηκε κολάζ για να επικρίνει την καταναλωτική κουλτούρα της δεκαετίας του 19504.
Andy Warhol και το εργοστάσιο
Ο Warhol, αυτός ο αινιγματικός αριθμός που έπεσε μεγάλος πάνω από το κίνημα της ποπ τέχνης, ονόμασε περίφημα το στούντιο του στο εργοστάσιο. Με αυτόν τον τρόπο, αναγνώρισε την επιχειρηματική πλευρά της τέχνης και θολή τα όρια μεταξύ τέχνης και εμπορίου. Ωστόσο, κάτω από την επιφάνεια του έργου του Warhol, υπήρχαν ανατρεπτικά στοιχεία που αψήφησαν την εύκολη κατηγοριοποίηση. Το εργοστάσιο ήταν ένα χωνευτήριο των αντιφάσεων, όπου η καθημερινή και η έκτακτη συγκρούστηκε, και όπου η τέχνη ήταν τόσο ένα εμπόρευμα όσο και ένα μέσο αμφισβήτησης του status quo.
Η επιρροή της τέχνης και του υπαρξιακού χαρακτήρα
Η ποπ τέχνη επηρεάστηκε επίσης βαθιά από το Dada, ένα προηγούμενο καλλιτεχνικό κίνημα που αναπτύχθηκε στο χάος και τον παραλογισμό. Οι καλλιτέχνες της Dada, όπως ο Marcel Duchamp, έκαναν μια ψευδαίσθηση του παραδοσιακού κόσμου της τέχνης, δημιουργώντας έργα που αμφισβήτησαν την ίδια τη φύση της τέχνης. Ομοίως, οι υπαρξιακοί φιλόσοφοι της εποχής, όπως ο Jean-Paul Sartre και ο Albert Camus, αγωνίστηκαν με ερωτήσεις σχετικά με το νόημα και τον σκοπό της ανθρώπινης ύπαρξης. Αυτά τα δίδυμα ρεύματα σκέψης παρείχαν γόνιμο έδαφος για την ανάπτυξη της ποπ τέχνης και τις ανατρεπτικές βάσεις της.
Η αισθητική και η πολιτική ταυτότητας
Οι σημειώσεις του Susan Sontag στο στρατόπεδο
Το 1964, ο πολιτιστικός κριτικός Susan Sontag δημοσίευσε το επιρροή δοκίμιό της, σημειώνει στο στρατόπεδο. Σε αυτό, περιέγραψε μια νέα avant-garde ευαισθησία που ήταν τόσο ανατρεπτική όσο και ασεβής. Το στρατόπεδο, όπως το καθόρισε ο Sontag, ήταν μια αισθητική που γιόρτασε το τεχνητό, το υπερβολικό και το θεατρικό. Ήταν ένας τρόπος για να δείτε τον κόσμο μέσα από ένα φακό ειρωνείας και αποσύνδεσης.
Το δοκίμιο δημοσιεύθηκε για πρώτη φορά το 1964 και ήταν η πρώτη συμβολή του Sontag στο The Ανταρτική κριτική1. Το δοκίμιο εξετάζει τις έννοιες και τις χροιά της λέξης "στρατόπεδο" και πώς χρησιμοποιείται στη λαϊκή κουλτούρα2.
Ο Sontag ισχυρίστηκε ότι το στρατόπεδο είναι μια ευαισθησία, όχι μια ιδέα και ότι χαρακτηρίζεται από την αγάπη του υπερβολικού, του "off", και των πραγμάτων-όσων είναι-δεν είναι όχι3. Υποστήριξε επίσης ότι το Camp είναι ένας τρόπος εξουδετέρωσης της ηθικής αγανάκτησης προωθώντας μια παιχνιδιάρικη προσέγγιση σε αυτό που οι άλλοι παίρνουν σοβαρά4.
Το δοκίμιο του Sontag είχε βαθιές επιπτώσεις στην ανάπτυξη της αισθητικής του στρατοπέδου και στη σχέση του με την πολιτική ταυτότητας. Το αισθητικό στρατόπεδο αγκαλιάστηκε από το LGBTQ Η κοινότητα ως τρόπος προώθησης μιας παιχνιδιάρικης προσέγγισης στην ταυτότητα και τη σεξουαλικότητα4.
Το δοκίμιο του Sontag βοήθησε επίσης στην καθιέρωση της αισθητικής του στρατοπέδου ως μια μεγάλη δύναμη στον λαϊκό πολιτισμό και είχε βαθιές επιπτώσεις στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης και της μόδας3.
Η σύνδεση μεταξύ κατασκήνωσης και ποπ τέχνης
Οι συνδέσεις μεταξύ της ποπ τέχνης και της αισθητικής του στρατοπέδου βρίσκονται στον κοινό εορτασμό του λαϊκού πολιτισμού, του Kitsch και της θολότητας των ορίων μεταξύ "υψηλών" και "χαμηλών" τέχνης12.
Τόσο η ποπ τέχνη όσο και η αισθητική του στρατοπέδου προέκυψαν ως αντιδράσεις στα κυρίαρχα νεωτεριστικά κινήματα τέχνης, τα οποία έδωσαν προτεραιότητα στην αφαίρεση και τις παραδοσιακές καλλιτεχνικές αξίες34. Η ποπ τέχνη ενσωματώνει τα αντικείμενα μαζικής καλλιέργειας και τα αστέρια των μέσων ενημέρωσης στα έργα της, ενώ η αισθητική του στρατοπέδου αποκαλύφθηκε με αυτοσυγκρασιακά δοξασμένα λαϊκό πολιτισμό και kitsch12.
Με την επανασύνδεση της "χαμηλής" τέχνης σε ένα "υψηλό" πλαίσιο τέχνης, οι καλλιτέχνες Pop ήταν παράλληλα με τον εορτασμό και τη δέσμευση του στρατοπέδου για το περιθωριακό2. Η σχέση μεταξύ της ποπ τέχνης και της αισθητικής του στρατοπέδου υπογραμμίζει την επιρροή των περιθωριοποιημένων κοινοτήτων στον κόσμο της τέχνης και την κοινή πρόκληση στις παραδοσιακές καλλιτεχνικές ιεραρχίες2.
Ο ρόλος της ταυτότητας και της απόδοσης
Το στρατόπεδο παρείχε επίσης ένα πλαίσιο για την εξερεύνηση των ζητημάτων ταυτότητας, φύλου και σεξουαλικότητας. Για τους καλλιτέχνες όπως ο Warhol, οι οποίοι πλοηγούν στην πολυπλοκότητα του να είναι ένας νέος, ομοφυλόφιλος στη δεκαετία του 1950, η Camp προσέφερε ένα μέσο έκφρασης της ταυτότητάς τους και της εμπλοκής με τον κόσμο με τους δικούς τους όρους. Ήταν ένας τρόπος εκτέλεσης ταυτότητας, τόσο ως άτομο όσο και ως καλλιτέχνης.
Οι εμμονές και οι αποκαλύψεις του Andy Warhol
Superman ως επαναλαμβανόμενο μοτίβο
Στο έργο του Warhol, ο εικονικός Superhero Superman εμφανίζεται ως επαναλαμβανόμενο μοτίβο. Στην επιφάνεια, αυτό μπορεί να φαίνεται σαν ένα άλλο νεύμα για τη λαϊκή κουλτούρα, αλλά μια πιο προσεκτική εξέταση αποκαλύπτει μια βαθύτερη, πιο προσωπική σύνδεση. Ο Σούπερμαν, ο αλλοδαπός μετανάστης που μεταμορφώνεται στη μεγάλη πόλη, αντικατοπτρίζει το ταξίδι του Warhol ως νεαρός ομοφυλόφιλος που σφυρηλατεί την ταυτότητά του στο αστικό τοπίο.
Επίσης, ως δημοφιλής υπερήρωας χαρακτήρας στα αμερικανικά κωμικά βιβλία, μια πολιτιστική εικόνα του Superman που θα ταιριάζει φυσικά στην εξερεύνηση του Warhol για την κουλτούρα διασημοτήτων και τα μέσα μαζικής ενημέρωσης2. Το μοτίβο Superman, με τα έντονα χρώματα και το αναγνωρίσιμο έμβλημα, ευθυγραμμίζεται επίσης με το καλλιτεχνικό ύφος του Warhol και μπορεί να θεωρηθεί ως φυσική επιλογή για την οπτική του γλώσσα1.
Η περίοδος pop pop του Warhol
Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1970, ο Warhol εισήλθε σε μια περίοδο καλλιτεχνικού πειραματισμού γνωστού ως punk pop φάση του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, έπεσε στις πιο σκοτεινές γωνιές της σεξουαλικότητας και της επιθυμίας, παράγοντας έργα όπως οι περίφημοι πίνακες του "Piss". Μέσα από αυτά τα προκλητικά κομμάτια, ο Warhol συνέχισε να αμφισβητεί τα όρια της καλλιτεχνικής έκφρασης και να διερευνήσει την πολυπλοκότητα της ταυτότητας και της σεξουαλικότητας.
Υπάρχει μια punk pop σύνδεση με το παρελθόν του, φυσικά ... με κάποιο τρόπο. Η μουσική του Velvet Underground, την οποία διαχειριζόταν και παράγεται ο Warhol, χαρακτηρίστηκε από μια εξέγερση της εργατικής τάξης κατά των αστικών γεύσεων και των διεφθαρμένων συστημάτων κατανάλωσης1. Warhol's Εκρηκτικό πλαστικό αναπόφευκτο, μια εκδήλωση πολυμέσων που χαρακτηρίζει τη μπάντα, περιγράφηκε ως "Ηλεκτρονική: Intermedia: Total Scale" και περιβάλλει το Βελούδο Σε ένα σκοτεινό, θολό, στροβοσκόπιο τσίρκο1. Ενώ αυτή η σύνδεση με το Punk Rock προηγείται της δεκαετίας του 1970, αποδεικνύει την επιρροή του Warhol στο κίνημα. Πειραματική και επαναστατική ... τι είναι περισσότερο πανκ από αυτό;
Το Commodore Amiga 1000 και η ψηφιακή απόδοση
Το 1985, Άντυ Γουόρχολ προσεγγίστηκε από Commodore International Για να παρουσιάσουμε τις προηγμένες δυνατότητες γραφικών του νέου προσωπικού υπολογιστή τους, το Αμίγκας 10001.
Ο Warhol αγκάλιασε με ενθουσιασμό την ευκαιρία και δημιούργησε μια σειρά ψηφιακών έργων χρησιμοποιώντας τα υπερσύγχρονα εργαλεία απεικόνισης λογισμικού της Amiga 1000, όπως το "Pattern Flood Fills", το "Palletized Color" και το "Copy-Paste Collage"1.
Αυτά τα ψηφιακά έργα θεωρήθηκαν πολύ καιρό ότι χάθηκαν, αλλά ανακαλύφθηκαν ξανά το 2014 στα αρχεία του Μουσείο Andy Warhol1.Για την εκτόξευση της Amiga 1000, ο Commodore σχεδίασε μια θεατρική παράσταση στο Κέντρο Λίνκολν σε Νέα Υόρκη, όπου ο Warhol συνέθεσε ένα πορτρέτο υπολογιστή του Ντέμπι Χάρι23.
Τα ψηφιακά έργα του Warhol που δημιουργήθηκαν στο Amiga 1000 περιελάμβαναν παραλλαγές του εικονικού του Σούπα του Campbell, λουλούδια και πορτρέτα3. Η ψηφιακή τέχνη ανακαλύφθηκε αργότερα στο Μουσείο Warhol2.
Άλλοι ανατρεπτικοί ποπ καλλιτέχνες
Marisol, Nikki de Saint Phalle και Dorothy Grebenak
Πολλοί καλλιτέχνες χρησιμοποιούν / χρησιμοποιούν ποπ τέχνη ως μέσο εξερεύνησης και προκλητικών συμβατικών ιδεών. Σχετικά με την τέχνη, την πολιτική, το φύλο, τη σεξουαλικότητα και πολλά άλλα. Καλλιτέχνες όπως η Marisol, η Nikki de Saint Phalle και η Dorothy Grebenak, εξέφρασαν το καθένα τους σκαλισμένους μοναδικούς κόγχες μέσα στο κίνημα, δημιουργώντας ισχυρά σώματα εργασίας που αξίζουν μεγαλύτερη αναγνώριση και εκτίμηση.
Μαρισόλη
Marisol Escobar, γνωστή απλώς ως Marisol, ήταν ένας γεννημένος γλύπτης της Βενεζουέλας-Αμερικανών Παρίσι που κέρδισε φήμη στη δεκαετία του 1960 για τις μοναδικές συναρμολογήσεις και γλυπτά της1. Το έργο της συχνά συνδυάζει εικόνες ποπ τέχνης με στοιχεία λαϊκής τέχνης, θολώνοντας τα όρια μεταξύ των δύο στυλ1.
Η τέχνη της Marisol χρησιμοποιείται συχνά αντικείμενα και έμπνευση από φωτογραφίες ή προσωπικές αναμνήσεις2. Τα γλυπτά της Marisol συχνά χαρακτήρισαν το πρόσωπο της, όπως φαίνεται σε μια ομάδα εγκατάστασης αριθμών στο The Μουσείο Τέχνης του Τολέδο1. Ένα από τα αξιοσημείωτα έργα της, "το Οικογένεια"(1962), εμπνεύστηκε από μια φωτογραφία μιας οικογένειας που βρήκε στο στούντιο της Νέας Υόρκης4. Τα γλυπτά της συχνά ενήργησαν ως σατιρικές επικρίσεις της σύγχρονης ζωής, συμπεριλαμβανομένων των παραστάσεις της κοινωνίας ανώτερης μεσαίας τάξης2.
Η καλλιτεχνική κατάρτιση της Marisol ήταν ακανόνιστη και εκλεκτική, καθώς σπούδασε στο Beaux-arts στο Παρίσι το 1949 πριν μετακομίσετε Νέα Υόρκη3. Το έργο της διακρίθηκε από άλλους ποπ καλλιτέχνες της εποχής λόγω των λαϊκών και παιδικών ιδιοτήτων μέσα στα γλυπτά της2. κΜη για τα εικονιστικά έργα της, συνδυάζοντας ξύλο και άλλα υλικά, συχνά ομαδοποιημένα ως tableaux3. Η καινοτόμος προσέγγισή της στην τέχνη και η ικανότητά της να αμφισβητεί τους κοινωνικούς κανόνες την καθιστούν μια συναρπαστική φιγούρα μέχρι σήμερα1.
Nikki de Saint Phalle
Νίκη de Saint Phalle (1930-2002) ήταν ένας γαλλικός γλύπτης, ζωγράφος, σκηνοθέτης και συγγραφέας γνωστός για τα πολύχρωμα και καινοτόμα έργα της1. Γεννημένος Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle, SΔεν είχε καμία επίσημη εκπαίδευση στην τέχνη, αλλά συνδέεται με πολλούς σύγχρονους καλλιτέχνες, αναπτύσσοντας ένα ιδιοσυγκρασιακό στυλ που συχνά αναφέρεται ως "outsider art"2.
De Saint PhalleΗ εργασία ανατρέπει τους παραδοσιακούς καλλιτεχνικούς κανόνες και προσδοκίες. Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, κέρδισε την προσοχή για τα "tirs" ή "Σκοποβολής πίνακες, "όπου πυροβόλησε σε παρασκευασμένα λευκά συγκροτήματα, δημιουργώντας μια αίσθηση βίας και καταστροφής στην τέχνη της3. Αργότερα μετατόπισε την εστίασή της στα γλυπτά, δημιουργώντας τη σειρά "Nanas", η οποία περιείχε ανοιχτόχρωμο, φανταστικό και πολύχρωμα γλυπτά από ζώα, τέρατα και γυναικείες φιγούρες2.
Το πιο ολοκληρωμένο έργο της, The Tarot Garden, ήταν ένας μεγάλος κήπος γλυπτικής που περιείχε πολλά έργα που κυμαίνονταν μέχρι δημιουργίες μεγέθους σπιτιού, εμπνευσμένα από Antoni Gaudí'μικρό Parc Güell και το Parco dei Mostri στο Βομάρζο, Ιταλία4.
Καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας της, ο De Saint Phalle χρησιμοποίησε την τέχνη της για ακτιβισμό, αντιμετωπίζοντας κοινωνικά και πολιτικά ζητήματα και προωθώντας τη χαρά και τη θετικότητα3.
Dorothy Grebenak
Dorothy Grebenak (1913-1990) ήταν ένας Αμερικανός ποπ καλλιτέχνης γνωστός για τα μεγάλα, χειροποίητα χαλιά μαλλιού που διαθέτουν γνωστά θέματα όπως κάρτες συναλλαγών μπέιζμπολ, Παλίρροια κουτιά και λογαριασμούς δολαρίων12.
Σε μεγάλο βαθμό αυτοδίδακτο, το έργο του Grebenak υπογράμμισαν τους κανόνες, λαμβάνοντας καθημερινές εμπορικές εικόνες και μεταφράζοντάς το σε ένα παραδοσιακό μέσο βιοτεχνίας, το οποίο συχνά θεωρήθηκε καμπυλωτό και όχι ανατρεπτικό2.
Ενώ οι άνδρες συμμαθούν στο κίνημα της ποπ τέχνης, όπως Άντυ Γουόρχολ και Roy Lichtenstein, κέρδισε φήμη για τη χρήση των εμπορικών εικόνων, το έργο του Grebenak παραβλέπεται και υποτιμήθηκε σε μεγάλο βαθμό στην εποχή της2. Ωστόσο, η πρακτική της τέχνης μοιράστηκε μια παρόμοια κεντρική προϋπόθεση με τους συγχρόνους της, τραβώντας κείμενο και εικόνες από εμπορικά μέσα και μεταφράζοντας τα σε άλλο μέσο2.
Παρά τη μέτρια κρίσιμη και εμπορική επιτυχία της στα μέσα του αιώνα, ο Grebenak εξαφανίστηκε από τον κόσμο της τέχνης σύντομα2. Πολλά από τα χαλιά της είτε έχουν εξαφανιστεί είτε έπεσαν με την πάροδο του χρόνου2. Μετά το θάνατο του συζύγου της το 1971, μετεγκαταστάθηκε Λονδίνο, όπου πέθανε το 19902.
Το έργο του Grebenak μπορεί να θεωρηθεί ως σχόλιο για την καταναλωτική κουλτούρα και την αξία των καθημερινών αντικειμένων, χρησιμοποιώντας το χιούμορ και ένα μοναδικό μέσο για την πρόκληση καλλιτεχνικών κανόνων2. Το έργο του Grebenak αναφέρεται συχνά ως παραβλεφθέ2.
Η αδερφή Corita Kent, Martha Rosler και Idelle Weber
Ομοίως, η αδελφή Corita Kent, η Martha Rosler και η Idelle Weber χρησιμοποίησαν την τέχνη τους για να ανακτήσουν τον κόσμο γύρω τους, αμφισβητώντας τους κοινωνικούς κανόνες και τις προσδοκίες που διέπουν τη ζωή τους ως γυναίκες και καλλιτέχνες. Το έργο τους ήταν μια απόδειξη για τη μετασχηματιστική δύναμη της τέχνης και την ικανότητά της να αλλάξει τον τρόπο που βλέπουμε τον κόσμο.
Αδερφή Corita Kent
Αδερφή Corita Kent (1918-1986), Born Frances Ελισάβετ Κεντ, ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης, σχεδιαστής, εκπαιδευτικός και πρώην θρησκευτική αδελφή που ήταν γνωστή για τη ζωντανή και κοινωνικά συνειδητή ποπ τέχνη της1.
Εντάχθηκε στο Αδελφές της άψογης καρδιάς του Μαρία στην ηλικία των 18 ετών και πήρε το όνομα αδερφή Mary Corita Kent1. Σπούδασε τέχνη στο Ινστιτούτο τέχνης Chouinard (τώρα Καλαμπόκι) και κέρδισε πτυχίο από Λος Άντζελες'μικρό Άψογος κολέγιο καρδιάς2.
Τα έργα τέχνης του Kent συνδυάζονται από το Αγια ΓΡΑΦΗ, σύγχρονη ποίηση και δημοφιλείς στίχοι τραγουδιών με θρησκευτικές ή κοσμικές εικόνες3. Οι τολμηρές και πολύχρωμες εκτυπώσεις της μεταξοτυπίας υπερασπίστηκαν αιτίες κοινωνικής δικαιοσύνης, αντιμετωπίζοντας ζητήματα όπως η φτώχεια, η πείνα και η ειρήνη4. Έλαβε φήμη στις αρχές της δεκαετίας του 1960 και συνέχισε να δημιουργεί τέχνη ακόμα και μετά την έξοδο από το μοναστήρι της4.
Το έργο της Corita Kent έχει γιορτάσει για τα ισχυρά μηνύματα της ελπίδας, της αγάπης και της κοινωνικής ευαισθητοποίησης4.
Μάρθα Ρόζερ
Μάρθα Ρόζερ είναι ένας Αμερικανός καλλιτέχνης που γεννήθηκε το 1943, γνωστός για το έργο της στη φωτογραφία, το κείμενο, το βίντεο, το βίντεο, την εγκατάσταση και την τέχνη της απόδοσης1. Εδρεύει στο Μπρούκλιν, Νέα Υόρκη2. Η τέχνη του Rosler αντιμετωπίζει συχνά κοινωνικά και πολιτικά ζητήματα, όπως ο πόλεμος, το φύλο και ο καταναλωτικός πολιτισμός3.
Μία από τις αξιοσημείωτες της σειράς είναι το "House Beautiful: φέρνοντας τα κολάζ του σπιτιού του πολέμου", τα οποία αντιπαραβάλλουν τις εικόνες του πόλεμος του Βιετνάμ με φωτογραφίες από περιοδικά διακόσμησης στο σπίτι3. Αυτή η σειρά υπογραμμίζει την αντίθεση μεταξύ της βίας του πολέμου και της άνεσης της εγχώριας ζωής, που χρησιμεύει ως κριτική του αμερικανικού ιμπεριαλισμού3.
Καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας της, η Rosler έχει αναγνωριστεί για την προκλητική και κοινωνικά συνειδητή τέχνη της2.
Idelle Weber
Idelle Weber (1932-2020) ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης γνωστός για το έργο της στην ποπ τέχνη και τον φωτορεαλισμό1. Έλαβε αναγνώριση για την πρώιμη σιλουέτα της από τη δεκαετία του 1960 και της δεκαετίας του '70, η οποία περιελάμβανε απρόσεκτα ασπρόμαυρα στοιχεία σε εταιρικές και εγχώριες ρυθμίσεις1. Αυτά τα έργα συχνά υπογράμμισαν την οπτική γλώσσα της διαφήμισης και της καταναλωτικής κουλτούρας, επικρίνοντας τον εταιρικό κόσμο και τον αντίκτυπό της στην κοινωνία21.
Η τέχνη του Weber παρουσιάστηκε στην πρωτοποριακή έκθεση του 2010 "Σαγηνευτική ανατροπή: Γυναίκες ποπ καλλιτέχνες, 1958–1968"2. Η μεταγενέστερη δουλειά της επεκτάθηκε σε φωτορεαλισμό, εστιάζοντας σε θέματα όπως τα σκουπίδια και τα αστικά τοπία3.
Καθώς οι συνεισφορές των μεταπολεμικών γυναικών καλλιτεχνών έχουν επανεξεταστεί, το έργο του Weber έχει αποκτήσει ανανεωμένη αναγνώριση για την καινοτόμο προσέγγισή του και το κριτικό σχόλιο για τον καταναλωτισμό και τους κοινωνικούς κανόνες1.
Rosalyn Drexler, David Hockney και Ray Johnson
Άλλοι καλλιτέχνες queer, όπως ο Rosalyn Drexler, ο David Hockney και ο Ray Johnson, ανέλαβαν μια πιο άμεση προσέγγιση, χρησιμοποιώντας την τέχνη τους για να αντιμετωπίσουν θέματα φύλου, σεξουαλικότητας και ταυτότητας. Μέσα από τη δουλειά τους, έδωσαν φωνή στο περιθωριοποιημένο και αμφισβήτησαν το mainstream για να αντιμετωπίσουν τις δικές της προκαταλήψεις και υποθέσεις.
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler (γεννημένος το 1926) είναι Αμερικανός εικαστικός καλλιτέχνης, μυθιστοριογράφος, Βραβευμένο βραβείο Obie θεατρικός συγγραφέας, Βραβείο Emmy-Winning Screenwriter και πρώην επαγγελματίας παλαιστής1. Θεωρείται βασική φεμινιστική φωνή στο κίνημα της ποπ τέχνης2.
Ο Drexler άρχισε να χρησιμοποιεί εικόνες από τη λαϊκή κουλτούρα το 1961, την ίδια χρονιά Άντυ Γουόρχολ και Roy Lichtenstein3. Τα έργα τέχνης της αντιστρέφουν συχνά τις εικόνες των μέσων ενημέρωσης, όπως σκηνές από ταινίες, με τρόπο κολάζ, συνδυάζοντας τις με έντονα χρώματα και εντυπωσιακές συνθέσεις2.
Το έργο του Drexler διερευνά θέματα οικειότητας, βίας και αρρενωπότητας, προσφέροντας μια προσωπική και μερικές φορές πιο σκούρα περιστροφή στην ποπ πιστώσεων3. Οι εμπειρίες της ως μητέρα, ένας θηλυκός παλαιστής και ένας συγγραφέας επηρέασε αυτά τα θέματα3.
Εκτός από την εικαστική της τέχνη, η Drexler είναι γνωστή για τα βραβευμένα έργα και τα μυθιστορήματά της, τα οποία συχνά αντικατοπτρίζουν παρόμοια θέματα και εμπειρίες3. Η πολυεπιστημονική καλλιτεχνική της πρακτική συνέβαλε στη μοναδική της προσέγγιση στην ανατροπή και τη συμβολογία στα έργα της2.
Ντέιβιντ Χοκέι
Ντέιβιντ Χοκέι (γεννημένος το 1937) είναι ένας αγγλικός ζωγράφος, συντάκτης, εκτυπωτής, σχεδιαστής σκηνής και φωτογράφος, θεωρείται ένας από τους πιο σημαντικούς βρετανούς καλλιτέχνες του 20ού αιώνα και σημαντική συνεισφορά στο κίνημα της ποπ τέχνης1.
Το έργο του Hockney συχνά ανατρέπει τους κανόνες συνδυάζοντας διάφορα μέσα, όπως ζωγραφική, σχεδίαση, εκτύπωση, φωτογραφία και ψηφιακή τέχνη, για να δημιουργήσει καινοτόμα και διακριτικά κομμάτια1.
Μία από τις πιο διάσημες σειρές του Hockney, οι πίνακες πισίνας του, παρουσίασε τη γοητεία του με τα αποτελέσματα του φωτός στο νερό και τα ζωντανά χρώματα του Καλιφόρνια τοπίο2. Αυτά τα έργα συχνά περιείχαν μια αίσθηση απομόνωσης και ενδοσκόπησης, αμφισβητώντας την παραδοσιακή αναπαράσταση του ελεύθερου χρόνου και του αμερικανικού ονείρου2.
Ντέιβιντ ΧοκέιΗ ομοφυλοφιλία έχει σημαντική επίδραση στην τέχνη του, καθώς διερευνά ανοιχτά θέματα ομοφυλοφιλικής αγάπης και επιθυμίας στο έργο του, ακόμη και πριν η ομοφυλοφιλία αποποινικοποιήθηκε το 19671. Τα πρώτα έργα του Hockney εμφανίστηκαν συχνά εικόνες μοντέλων από Σωματική διάπλαση, ένα περιοδικό γυμναστικής που διατίθεται στο εμπόριο προς τους ομοφυλόφιλους1. Σκοπός του ήταν να «προπαγανδίσει την ομοφυλοφιλία» μέσω της τέχνης του, με μερικούς από τους πρώτους πίνακές του να περιέχουν έντονα κωδικοποιημένες αναφορές στην επιθυμία του για τραγουδιστή Βράχος Ρίτσαρντ2.
Ο θαυμασμός του Hockney για τον ποιητή C.P. Καραμέλα τον οδήγησε να δημιουργήσει μια σειρά από εκτυπώσεις εμπνευσμένες από τα ποιήματα του Cavafy για την καταδικασμένη ομοφυλοφιλική αγάπη2. Η τέχνη του συχνά απεικόνιζε οικείες σχέσεις και προσωπικές εμπειρίες, αντανακλώντας τη ζωή του ως νεαρός ομοφυλόφιλος σε μια εποχή που η ομοφυλοφιλία ήταν ακόμα ένα θέμα ταμπού2.
Το άνοιγμα του Hockney για τη σεξουαλικότητά του και την προθυμία του να το αντιμετωπίσει στην τέχνη του τον έκανε ένα trailblazer και ένα πρότυπο για την κοινότητα LGBTQ+2.
Robert Indiana, Duane Michels και Keith Haring
Ο Robert Indiana, ο Duane Michels και ο Keith Haring έκαναν το σημάδι τους στο κίνημα της ποπ τέχνης, χρησιμοποιώντας τα ξεχωριστά στυλ τους για να εξερευνήσουν τη ζωή στα πολιτιστικά περιθώρια. Μέσα από την τέχνη τους, γιόρτασαν τον πλούτο και την ποικιλομορφία της ανθρώπινης εμπειρίας και έσπρωξαν τα όρια της τέχνης που θα μπορούσε να είναι και να κάνει.
Ρόμπερτ Ιντιάνα
Ρόμπερτ Ιντιάνα ήταν μια κεντρική φιγούρα στο κίνημα της ποπ τέχνης. Η τέχνη του συχνά επικρίνει τις τάσεις των καταναλωτών και τις πολιτικές υπερβολές στον αμερικανικό πολιτισμό, αντανακλώντας μια πιο σκοτεινή πλευρά του αμερικανικού ονείρου2. Αλλά είναι πιο γνωστός για το εικονικό του ΑΓΑΠΗ σειρά1.
Η χρήση της Symbology από την Ιντιάνα στο έργο του ήταν εμφανής στη σειρά αγάπης του, η οποία έγινε ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα έργα τέχνης του 20ού αιώνα3. Η απλή αλλά ισχυρή ρύθμιση της λέξης "αγάπη" με έντονα, κεφαλαιοποιημένα γράμματα με ένα κεκλιμένο "o" έγινε σύμβολο της ειρήνης και της ενότητας, ξεπερνώντας το αρχικό της πλαίσιο και αντηχεί με ένα ευρύ κοινό1.
Ο Ρόμπερτ Ιντιάνα επωνυμία από την αγάπη. Με το έργο τέχνης του χρησιμοποιήθηκε με διάφορους τρόπους στον λαϊκό πολιτισμό από τη δημιουργία της στη δεκαετία του 1960. Ο εικονικός σχεδιασμός έχει αναπαραχθεί σε μορφές που κυμαίνονται από μεγάλα δημόσια γλυπτά έως γραμματόσημα1. Υπάρχουν 50 γλυπτά αγάπης που είναι εγκατεστημένα σε όλο τον κόσμο2. Η εικόνα παρουσιάστηκε επίσης σε αμέτρητα αντικείμενα εμπορευμάτων, όπως χαλιά και skateboards3.
Duane Michals
Duane Michals είναι ένας Αμερικανός φωτογράφος γνωστός για την καινοτόμο αφήγηση του μέσω διαδοχικών φωτογραφιών, οι οποίες συχνά διερευνούν μεταφυσικά θέματα1. Το έργο του ανέστειλε τους κοινωνικούς κανόνες πιέζοντας τα όρια της φωτογραφίας ως μέσο, καταγράφοντας ιδέες και συναισθήματα και όχι απλώς τεκμηρίωση της πραγματικότητας2.
Ο Michals θεωρούσε τον εαυτό του σκηνοθέτη που εργάζεται σε φωτογραφίες, διοργανώνοντας και φωτογράφηση ιστοριών που φανταζόταν1.
Το έργο του Michals ασχολήθηκε συχνά με θέματα της παράξενης και ασυμφωνίας της ζωής, αντανακλώντας την προοπτική του ως ομοφυλόφιλος σε μια εποχή που η ομοφυλοφιλία ήταν λιγότερο αποδεκτή3. Ήταν ανοιχτός για τη σεξουαλικότητά του και το ενσωμάτωσε στην τέχνη του, αντιμετωπίζοντας την πολυπλοκότητα των ανθρώπινων σχέσεων και συναισθημάτων3.
Εκτός από τις πρωτοποριακές διαδοχικές του φωτογραφίες, το εμπορικό έργο του Michals ως φωτογράφος περιοδικών υιοθέτησε επίσης μια διαφορετική προσέγγιση, καταγράφοντας πορτρέτα ανθρώπων στο περιβάλλον τους και όχι σε ένα στούντιο ρύθμιση1.
Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) ήταν ένας Αμερικανός καλλιτέχνης του Πουέρτο Ρίκο/Αϊτής γνωστός για τους νεο-εκφράσεις του και γκράφιτι τέχνη1. Ανατρέπει τους κοινωνικούς κανόνες μέσω του ακατέργαστου, αποπροσανατολισμού του, το οποίο συχνά ενσωμάτωσε το κείμενο και τις εικόνες που ασχολήθηκαν με θέματα φυλής, τάξης, εξουσίας και ταυτότητας2. Η τέχνη του Basquiat επικεντρώθηκε σε διχοτομίες όπως ο πλούτος έναντι της φτώχειας, η ολοκλήρωση έναντι του διαχωρισμού και η εσωτερική έναντι της εξωτερικής εμπειρίας3.
Ο Basquiat χρησιμοποίησε κοινωνικά σχόλια στους πίνακές του ως εργαλείο για την ενδοσκόπηση και για τον εντοπισμό με τις εμπειρίες του στη μαύρη κοινότητα της εποχής του, καθώς και επιθέσεις σε δομές εξουσίας και συστήματα ρατσισμού3. Η οπτική του ποιητική ήταν έντονα πολιτική και άμεση στην κριτική τους για την αποικιοκρατία και την υποστήριξη της ταξικής πάλης4.
Ως νεαρός μαύρος καλλιτέχνης, το έργο του Basquiat αμφισβήτησε τον κύριο κόσμο της λευκής τέχνης και έφερε την προσοχή στις εμπειρίες των περιθωριοποιημένων κοινοτήτων1. Η πρωτοποριακή του προσέγγιση στην τέχνη και η ανυπακοή του παραδοσιακών καλλιτεχνικών κανόνων τον καθιστούσαν σημαντική φιγούρα στο νεο-εξελικτικό κίνημα2.
Η διαρκή έκκληση της ποπ τέχνης και της ριζοσπαστικής κληρονομιάς της
Η ποπ τέχνη, με την ειρωνική πολυπλοκότητα και την αυτοσυνείδητη παιχνιδιάρικο, συνεχίζει να αιχμαλωτίζει και να αμφισβητεί το κοινό μέχρι σήμερα. Η ικανότητα του κινήματος να μιλάει σε τόσους πολλούς διαφορετικούς ανθρώπους και την προθυμία του να αντιμετωπίσει και να υπονομεύσει το status quo αποτελεί μέρος της διαρκούς προσφυγής του. Και, καθώς κοιτάμε πίσω στην ιστορία της, είναι σαφές ότι η ποπ τέχνη, σε όλη τη ριζοσπαστική και ανατρεπτική του δόξα, διαδραμάτισε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση του σύγχρονου κόσμου μας.
...
Όπως είδαμε, η ποπ τέχνη ήταν πολύ περισσότερο από ένα φανταχτερό, επιφανειακό κίνημα. Ήταν μια πολύπλοκη και πολύπλευρη εξερεύνηση του καταναλωτισμού, της πολιτικής ταυτότητας και των ορίων της καλλιτεχνικής έκφρασης. Η κληρονομιά του ποπ Η τέχνη και οι πρωτοπόροι της, όπως και ο Andy Warhol, συνεχίζει να αντηχεί στον κόσμο της τέχνης, υπενθυμίζοντας μας τη μετασχηματιστική δύναμη της τέχνης και τη σημασία της αμφισβήτησης των υποθέσεων και των προκαταλήψεων μας.
...
