Od Dady po feminismus: Zkoumání dopadu slavných kolážských umělců
Kolážní umění je jedinečná forma uměleckého výrazu, která zahrnuje kombinaci různých prvků a materiálů k vytvoření soudržného a vizuálně ohromujícího obrazu.
Kolážní umění má a bohatá historie chodit s někým zpět do 12. století Japonsko - Loooong čas před Pablo Picasso a Georges Braque reimaginoval formu jako Technika Papír Collé (vložený papír) Zpátky v roce 1910. V průběhu let existuje mnoho umělců koláží, kteří měli významný dopad na umělecký svět svými inovativními styly a technikami.
V tomto článku potkáme 11 slavných kolážských umělců, kteří udělali nesmazatelnou známku ve světě umění. Bytost Sám kolážní umělec, Byl jsem překvapen, jak málo z těchto konkrétních umělců, které jsem věděl.
A co ty?
11 slavných umělců koláže, kteří definovali artform
1
Hannah Höch
Hannah Höch, Střih s kuchyňským nožem Dada Prostřednictvím poslední kulturní epochy Weimar Beer-Belly v Německu, 1919. Collage. 44 9/10 × 35 2/5 v | 114 × 90 cm.
...
Hannah Höch (narozená 1. listopadu 1889, v Gotha, Německo, a zemřel 31. května 1978, v Berlín) byl Němce Umělec Dada nejlépe známý pro její politické fotomonty vyrobené z novinových výstřižků a nalezených předmětů. Zúčastnila se Berlínská vysoká škola umění a Řemesla a škola královského muzea aplikovaného umění. Höchova práce se často zabývala ideálem „počátkem 20. století“Nová žena, „Vyzývající tradiční domácí role žen.
Byla spojena s hnutím Berlin Dada a spolupracoval s umělci, jako je Raoul Hausmann. Během Weimarská republika, Höch prosperovala v liberalizované atmosféře a produkovala vtipné a jemné fotomontáže komentoval hlavní problémy dne. Její díla byla inovativní při používání materiálů získaných z populární kultury a je považována za jednu z původců fotomontáže.
Höchovo umění bylo nacistickým režimem považováno za degenerované a během druhé světové války žila v relativní nejasnosti. Přesto je její vliv vidět v dílech pozdějších umělců, jako jsou Cindy Sherman a Hannah Wilke. Höchovo umění se v současné době koná ve sbírkách Metropolitního muzea umění a Muzea moderního umění v New Yorku a Berlinische Galerie.
Nejslavnější dílo Hannah Höch je fotomontáž z roku 1919 s názvem „Cut with the Kitchen Knife Dada skrze poslední Weimar Beer Belly kulturní epocha Německa “. Tento kus je satirickým komentářem k politickým a sociálním otázkám Weimarské republiky a ukazuje její inovativní využití materiálů a její schopnost Vytvořte umění provokující myšlenky. Fotomontáž obsahuje koláž obrázků z novin, časopisů a dalších mediálních zdrojů, které je rekontextualizují tak, aby vytvořily vizuálně nápadné a kritické reprezentace období. Tato práce je příkladem Höchových průkopnických příspěvků k hnutí Dada a její dovednost při použití fotomontáže jako silného uměleckého média.
2
Romare Bearden
Romare Bearden, Císařovna Blues, 1974, akrylová a tužka na papíře a tištěném papíru na lepenině, 36 X 48 v. (91.4 X 121.9 cm.)
...
Romare Bearden (1911-1988) byl africký americký umělec známý pro jeho mocná kolážová umělecká díla, která během jeho života zobrazovala africkou americkou zkušenost. Narozen v Charlotte, Severní Karolina, Bearden vyrostl v New Yorku a Pittsburghu, a studoval na Art Student League v New Yorku s George Grosz a na Columbia University. Pracoval s různými médii, včetně karikatury, oleje a koláže.
Beardenovo umělecké dílo důsledně zobrazovalo africkou americkou kulturu a zkušenosti, které pokrývaly venkovská témata na základě jeho vzpomínek na Jižně městský život a jazz. Jeho umělecká díla koláže často odrážejí prvky jazzu, s souhrou mezi postavami a improvizace materiálů. V 80. letech produkoval velké množství práce s přesvědčivými obrazy žen.
Během Harlem Renaissance, Rodinný dům Romare Bearden New York City se stal místem pro prominentní intelektuály a umělce, jako například W. E. B. du Bois, Paul Robeson a Countee Cullen. Bearden byl vystaven v tomto prostředí a byl vystaven různým uměleckým formám, včetně hudby, a setkal se s mnoha známými hudebními legendami té doby.
Přestože byl Bearden plodný, čelil Bearden výzvy při získávání uznání jako hlavního amerického umělce kvůli předsudkům a segregaci v americkém uměleckém světě. Jeho výstavy však obdržely nadšené reakce a v roce 1987 byl udělen Národní medaili umění. Bearden také přispěl jako skladatel, ilustrátor knih a návrhář pro americkou taneční společnost Alvin Ailey. V roce 1990 byla založena nadace Romare Bearden nadace na podporu mladých nebo rozvíjejících se umělců a vědců.
V roce 1964 byl Bearden jmenován prvním uměleckým ředitelem Harlemská kulturní rada, prominentní afroamerická advokátní skupina. Byl zapojen do založení několika důležitých uměleckých míst, jako je například Studiové muzeum v Harlemu a Cinque Gallery. Beardenovy příspěvky do Harlemské renesance přesahovaly jeho umělecké dílo, když aktivně podporoval mladé, rozvíjející se umělce a obhajoval africkou americkou kulturu a zkušenosti.
Přestože je Bearden nejlépe známý pro své vizuální umění, byl také horlivým studentem hudby, lyricistou a kostýmem a scénografií. Jeho umělecká díla často zobrazovala africkou americkou kulturu a zkušenosti, čerpalo inspiraci z jeho života v Harlemu a Pittsburgh.
3
John Heartfield
John Heartfield, Obal umění pro Kurt Tucholsky, Deutschland, Deutschland über alles, 1929 © Komunita Heartfield dědiců / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlín.
...
John Heartfield (narozen Helmut Herzfeld; 1891-1968) byl německý vizuální umělec, který propagoval použití umění jako politické zbraně, zejména prostřednictvím jeho anti-nacistických a antifašistických fotomontáží. Srdeční díla často používala satirické obrazy a slogany k kritice politického klimatu své doby, zejména proti vzestupu Adolf Hitler a Třetí říše.
Fotomontáže Heartfieldu jsou připisovány s vytvářením některé z nejznámějších politických plakátů 20. století Vzhledem k jejich silnému vizuálnímu dopadu a schopnosti zprostředkovat silné politické zprávy. Od roku 1930 do roku 1938 navrhl 240 kusů antinazického umění, které byly publikovány v Aiz Magazine. Tato díla byla pašována do Německo od Československo, Rakousko, Švýcarsko a Východní Francie po National socialisté převzali kontrolu.
Umělecká odvaha Heartfieldu se rovnala jeho fyzické odvaze, když pokračoval ve vytváření vehementně antifašistických koláží, když žil v Berlíně až do roku 1933. Jeho fotomontáže Předstíral hrůzy nacistického režimu a sloužil jako silná forma politického protestu, což z něj činí významná postava v historii politického umění.
Práce Johna Heartfielda ovlivnila řadu umělců, grafických designérů, typografů, inzerentů, filmařů, spisovatelů a dalších, kteří našli inspiraci ve svém dědictví. Umělci z celého Východní blok, sovět Rusko a Spojené státy našly inspiraci ve fotomontážích Heartfieldu na konci 60. a 70. let. Pro umělce jako Klaus Staeck, László Lakner a Martha Roslerová, mimo jiné, jim jeho práce pomohla čelit opotřebovaným levicovým ideologiím s novým vizuálním jazykem.
Inovativní použití Heartfieldu transformovaná fotomontáž na silnou formu masové komunikacen. Jeho jedinečná metoda přivlastňování a opětovného použití fotografií pro politický efekt inspirovala současné umělce k použití podobných technik k boji proti bigotně, nevědomosti, násilí a nesmyslné válce za zisk. Výstava John Heartfield obsahuje práce od umělců koláže, jako jsou Winston Smith, Thomas Young a David King, který pokračuje a rozšiřuje průkopnickou práci Heartfieldu.
4
Barbara Kruger
Barbara Kruger, Bez názvu (vaše tělo je bojiště), 1989. Fotografický siluscreen na vinylu. 112 x 112 palců (284,48 x 284,48 cm).
...
Barbara Kruger (narozen 26. ledna 1945) je Americký koncepční umělec a kolagista spojené s Generování obrázků. Je známá svými odvážnými a provokativními kolážovými uměleckými díly, která zpochybňují roli žen ve společnosti, pomocí černobílých fotografií překrývaných s deklarativními titulky v bílém červeném futuře odvážné šikmé nebo nebo Helvetica Ultra Condensed Text. Krugerova práce často zahrnuje rozsáhlý text překrytý na obrázcích na výzvu Kulturní předpoklady a rychlé diváky zpochybňující mediální zprávy z hlavního proudu a jejich dopad na identitu a společnost.
Krugerův styl podpisu byl ovlivněno jejím klasickým tréninkem v designu a její zkušenosti v módním průmyslu, zejména jako hlavní návrhářka Mademoiselle Magazine. Její práce byla formována feministickou filmovou kritikou a strukturalistickou literární teorií, se kterou se setkala při její účasti na setkání umělců pro skupinu sociálních změn.
Krugerovo umění se zabývá otázkami, jako je konzumerismus, sexualita, politika a vztah mezi mocí a společností, rozmazání hranic mezi uměním a komercialitou. Ona je považována za jednu z nejdůležitějších feministických umělců 20. století kvůli její schopnosti zpochybnit a zpochybňovat představy o strukturách identity a moci prostřednictvím jejích provokujících a vizuálně nápadných děl.
Slyšte Kruger mluvit o svém umění vlastními slovy.
Některé z nejdůležitějších Krugerových prací zahrnují:
"Bez názvu (vaše tělo je bojiště)„(1989): Tato práce obsahuje černobílou fotografii ženské tváře, rozděleno na polovinu, s textem„ Vaše tělo je bojiště “. Slouží jako silný komentář k boji o kontrolu nad ženskými těly.
"Bez názvu (nakupuji proto jsem)„(1987): Tento kus obsahuje frázi„ Nakupuji proto, že jsem “se překrývá na ruce, která drží kreditní kartu. Kritizuje konzumu a způsob, jakým formuje naši identitu a hodnoty.
5
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Inkoust oleje a hedvábí na plátně
96 x 72 palců (243,8 x 183,8 cm.).
...
Robert Rauschenberg (1925-2008) byl Americký malíř a grafik Známý pro své „kombinované“ díla, která rozmazala rozdíly mezi malbou a sochařstvím začleněním každodenních předmětů jako uměleckých materiálů. Studoval umění na Kansas City Art Institute, Akademie Julian in Paříž a Black Mountain College v Severní Karolína dříve stěhovat do New York City v roce 1949.
Rauschenberg's kombinuje integrované vyřazené předměty, které shromáždil z ulic New Yorku, jako například výstřižky z novin, fotografie a nalezené objekty. Věřil, že používání materiálů v reálném světě udělalo jeho umění více relativní a odrážející realitu. Některá z jeho raných děl předvídala hnutí pop art a je oslavován jako předchůdce pro téměř každé umělecké hnutí od abstraktního expresionismu.
Příspěvky Roberta Rauschenberga do uměleckého světa byly významné a transformační. Během padesátých a šedesátých let byl primární postavou a stal se uznán jako hlavní předchůdce American Populární umění, vedle současníků jako Andy Warhol a Jasper Johns. Inovativní přístupy Rauschenbergu, vidět v dílech jako Monogram, rozšířil tradiční hranice umění. Otevření nových cest průzkumu pro budoucí umělce.
Jeho práce „kombinovat“ rozmazané rozdíly mezi malbou a sochařstvím a začleněním každodenních předmětů jako uměleckých materiálů a výzvu status quo. Rauschenbergova umělecká praxe a kreativní energie se nikdy nezapadly do předsudků. Historik umění Branden W. Joseph poznamenal, že Rauschenbergova práce sloužila jako stimul, impuls a výzva pro umělce napříč deskou.
Během své kariéry pracoval Rauschenberg v různých médiích, včetně malby, sochy, tisků, fotografie a výkonu. Spolupracoval s choreografy jako Merce Cunningham, Paul Taylor a Trisha Brown a byla zakládajícím členem experimentů inovativních skupin v oboru umění a technologie (E.A.T.) v roce 1966.
Rauschenberg's průkopnický přístup a kreativní energie měl trvalý vliv na generace umělců. Slyšte, jak Rauschenberg "přepsat pravidla hry " Od svého syna, fotograf Chris Rauschenberg.
6
Kurt Schwitters
Kurt Schwitters, Obtížný, 1942-43. COlge. 31,25 x 24 palců (79,37 x 60,96 cm).
...
Kurt Schwitters (1887-1948) byl a Německý umělec zapojený do dadaismu i konstruktivismu, nejlépe známý pro své práce Merz a Merzbau. Vytvořil termín „Merz“ popsat jeho jedinečný styl umění, který zahrnoval použití každodenních objektů k vytvoření jeho dílů. Schwitters vytvořil Merzbild (Merz-Paintings), což byly koláže a shromáždění vyrobené z různých odpadních materiálů, například tisky, štítky, tapety a kousky dřeva. A nikdy se nevyhýbal špičatému, jako je předmět, včetně Jeho čas v internačním táboře Hutchinson.
Koncept Merz Schwitters byla podmota hnutí Dada, přizpůsobená jeho vlastním uměleckým filozofiím a vizím. Jméno Merz bylo vytvořeno náhodou prostřednictvím koláže, která zahrnovala německé slovo “Kommerz "(Commerce). Toto nesmyslné a spontánně generované slovo bylo podobné původu a filozofii jako titul Dada.
Zatímco Merz a Dada Art jsou úzce spjato, mezi nimi jsou určité rozdíly. Merz je podřízená hnutí Dada, která byla přizpůsobena Schwittersovým vlastním uměleckým filozofiím a vizím. Na druhé straně, Dada byla širší umělecká hnutí, které zahrnovalo různé formy umění, včetně performance, poezie, fotografie, sochařství, malby a koláže. Estetika Dada byla poznamenána výsměchem materialistických a nacionalistických postojů.
Během svého života vytvořil Schwitters přes 8 000 děl, přičemž dnes zbývá asi 2 500. Jeho inovativní přístup k umění, spojující koláž a abstrakce, ovlivnili umělci jako Robert Rauschenberg. Schwitters byl outsider a individualista, rozhodl se nepřestěhovat do hlavních uměleckých center, jako je Berlín nebo Paříž po dokončení studia na Drážďanské akademii.
7
Eduardo Paolozzi
...
Eduardo Paolozzi (1924-2005) byl a Skotský umělec známý pro své inovativní kolážní práce To zahrnovalo kombinaci obrázků z populární kultury a technologie. Narozen v Leith poblíž Edinburgh pro italské rodiče, Paolozzi studoval v Edinburghu a Londýn před strávením dva roky Paříž. On je široce považován za Jeden z průkopníků popového umění.
Paolozziho díla často napadlo tradiční představy o umění a kráse Kombinací prvků surrealismu s populární kulturou, moderním strojem a technologií. Jeho raná láska k americké kultuře ho vedla k vytvoření koláží pomocí obrázků z reklamy, což představuje lesklejší a šťastnější životní styl, který se objevil Poválečná Amerika. Ale také hrál s touto formou a stylem - přeměnu jeho nad nejlepší citlivosti do jeho mozaiky a soch, zejména na Stanice trubice Tottenham Court Road.
Jeho díla byla v přírodě neskutečná, jako on Kombinované reklamy na časopisy, karikatury a díly strojů do jeho umění, předvídání obav popového umění. Paolozzi se obzvláště zajímal o masmédia a vědu a technologii, která ovlivnila jeho umění během jeho kariéry. Kromě svých kolážských prací produkoval Paolozzi také rozsáhlé fiativní sochy, tisky a Mozaické nástěnné malby - jejich živé přitažlivé půjčky “druh zaměření na chaos".
8
Martha Rosler
Martha Rosler, Kult nákladu, z těla série krásná, nebo krása nezná žádnou bolest, 1966–72. StrHomomontage vytištěno jako fotografie. 39 1/2 x 30 1/4 palce.
...
Martha Rosler, narozená v roce 1943 v Brooklyn, New York, je Americký koncepční umělec známá pro své feministické koláže a fotomontáže. Pracuje v různých médiích, včetně fotografie, textu fotografií, videa, instalace, sochy a výkonu, jakož i psaní o umění a kultuře. Roslerova práce často zahrnuje obrázky z populární kultury a reklamy do zpochybnit roli žen ve společnosti a zpochybnit tradiční genderové role.
Práce Marthy Roslerové výrazně ovlivnila feministické umělecké hnutí zpochybňováním zobrazení žen ve společnosti. Použila také nové technologie, jako je video, aby se odlišila od mužských umělců a tradičnějších médií uměleckého světa. V polovině šedesátých let začala vytvářet fotomontáže zkoumající ženský materiál a psychickou podrobení a manipulovala s populárními reklamami, aby odhalila své základní ideologie. Její práce, jako je „tělo krásné, nebo Beauty zná žádné bolesti “série (1966–72), kombinovala různé koncepční umělecké praktiky naladěné na feministickou politiku.
Jedna z jejích široce známých děl, “Sémiotika kuchyně"(1975), je video parodie na vaření, které vtipně řeší důsledky tradičních ženských rolí. Přivlastněním prvků popkultury, jako je televizní a časopisová reklama, Roslerovy pracovní kritiky společenské normy a očekávání obklopující ženy.
Roslerova umělecká praxe přesahovala předmět, protože věřila, že umění by mohlo skutečně zaujmout sociální roli a vyvolat empatii a dezidentifikaci v divákovi. Její video pracuje ze 70. a 80. let a zkoumalo operace masmédií, aby odhalilo, jak kultivovaly spokojenou veřejnost. Ovlivněno vlnou feministického výkonu vycházejícího z alternativních uměleckých prostor v Kalifornie, Roslerova práce přispěla k rozvoji feministického konceptuálního umění a zanechala nesmazatelnou známku na scéně současného umění.
9
Georges Braque
...
Georges Braque, spolu s Pablo Picasso, hrál a významná role ve vývoji kolážního umění. Vynalezli techniku Papír Collé (vložený papír) V roce 1912, který znamenal revoluční posun v uměleckém světě. Braque udělal koláž o krok dále Lepnutí inzerátů do jeho plátna. On také obklíčil dopisy na obrazy, smíšené pigmenty s pískem a zkopíroval dřevěné zrno a mramor, aby dosáhl velké úrovně dimenze v jeho obrazech. Samozřejmě, koláž předtím existovala dobře v jiných podobách ...
Braque's Collage umělecká díla, jako je jeho 1912 umělecká díla „Ovocné jídlo a sklo“, kombinované kousky tapety faux-dřeva s jeho Kubistické zobrazení objektů. Tato technika zpochybnila formální myšlenky perspektivy a prostoru v umění, protože vytvořila protínající oblasti kolážských prvků a v jeho práci kreslila. Jeho inovativní přístup k kolážním umění ovlivnil mnoho současných umělců a přispěl k růstu a rozšíření kolážního uměleckého formy.
Během kolážní fáze kubismu z let 1912–14 dominovaly neživé objekty snímky Picasso, Braque a Juan Gris. Braque's zátiší vlastnil podproud lidského dramatu, díky geniální kombinaci věcí a textu. Použití skutečných materiálů a textur v jejich kolážských kompozicích představilo nový dimenzi západnímu malbě, jehož důsledky jsou dodnes pociťovány.
Braqueova práce s koláží měla trvalý dopad na umělecký svět, inspirující umělce napříč různými pohyby, médií a styly Prozkoumejte praxi kolážského umění. Vynalézavý a inovativní přístup k umění přilákal umělce díky svému jedinečnému estetickému a jedinečnému procesu, který se vyskytl. V důsledku toho je vliv Braque na vývoj kolážského umění patrný v dílech mnoha umělců, kteří následovali, jako jsou akcionář Jessica, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters a John Stezaker.
10
Pablo Picasso
Pablo Picasso, Láhev Vieux Marc, 1913. Cut-and-based tištěné tapety, noviny, uhlí, gouache a kolíky na položeném papíru, 24 13/16 × 19 5/16 palce (63 × 49 cm).
...
Pablo Picasso, spolu s Georgesem Braque hrál klíčovou roli při vývoji kolážského umění. Vyvinuli techniku Papír Collé (vložený papír) v roce 1912, který označil a průkopnický posun ve světě umění. Inovativní přístup Picasso k kolážskému umění inspiroval další umělce a stal se Katalyzátor uměleckých hnutí jako je kubismus, dada a surrealismus.
Jeden z Picasso Brzy kolážní práce, "Kytara a sklenice na víno„Prokazuje jeho schopnost vytvářet stínování a strukturu vložením a vrstvením papíru. Jeho umělecká díla z roku 1912“Zátiší s židlí„Je dalším významným příkladem jeho kolážové práce. V tomto díle Picasso začlenil kus olejová praska se vzorcem židlí a lanem pro rámování složení. Toto umělecké dílo zpochybnilo tradiční myšlenky umění kombinováním každodenních materiálů s malovanými prvky a rozmazáním hranic mezi vysokou a nízkou kulturou.
Picasso's Collage Works měl a hluboký dopad na umělecký svět, inspirující umělce napříč různými pohyby, médií a styly k prozkoumání praxe kolážského umění. Jeho vynalézavý a inovativní přístup k umění přilákal umělce díky svému jedinečnému estetickému a souhrnnému procesu. Výsledkem je, že vliv Picasso na vývoj kolážního umění je evidentní v dílech mnoha umělců, kteří následovali, jako jsou David Hockney, Jasper Johns a Martin Kippenberger.
11
Henri Matisse
Henri Matisse, Zulma, 1950. Gouache na papíře. 108 x 60 palců.
...
Vytvořené výřezy Henriho Matisseho Během posledního desetiletí svého života, měl významný dopad na naše současné porozumění kolážskému umění. Na konci čtyřicátých let Matisse posunula svou uměleckou metodologii a otočil se na řezání papíru jako jeho primární médium a používal nůžky jako svůj nástroj. Jeho výřezy, často inspirované přírodním světem nebo abstraktními formami, byly uspořádány do živých složení, které přesahovaly hranice malby stojanu a umožnily mu pracovat s novým typem volné vlády. Mnozí považují toto období za „Druhý život“ pro umělce. V tom nevidíš jen vzhled spokojenosti na jeho tváři Vzácné záběry vytvářejí výřez papíru?
Matisseovy výřezy představil jeho neuvěřitelnou kreativitu a vitalitu, dokonce i za náročných okolností. Představovali vrchol jeho kariéry a označili konečný přechod na zcela abstraktní slovní zásobu. Jeho zvládnutí stylu výřezu mělo hluboký dopad na jeho uměleckou cestu. Výřezy také představily novou operaci v umění, která se stala známá jako “Kreslení s nůžkami„, Které představují své vlastní výzvy v ochraně, jak můžete vidět v Tento pečlivý proces obnovy.
Matisseovy výřezy ovlivnily mnoho moderních abstraktních umělců a Pokračujte v inspiraci umělců a kurátorů. Jednoduchost jeho výřezů byla ve světě uměleckého světa neočekávaná a byla zvážena V té době zcela jedinečné a radikální byly vyrobeny. Jeho výřezy se svlékly na základní barvu a tvar, přičemž přijímaly téměř grafickou povahu, což by mohlo vysvětlit oživení estetiky v ilustraci a grafickém designu.
...
Kolážové umění je jedinečné a všestranné médium, které umožňuje nekonečné kreativní možnosti. Slavná umělecká díla koláží uvedená v tomto článku významně přispěla do uměleckého světa prostřednictvím svých inovativních stylů a technik. Každý umělec má svou vlastní jedinečnou perspektivu a jejich dopad na umělecký svět rezonoval s jinými umělci a ovlivnil jejich práci.
Ať už to používá každodenní objekty, politická satira nebo zpochybňování tradičních genderových rolí, kolážní umění má schopnost komunikovat složité zprávy vizuálně ohromujícím způsobem. Tito umělci to ukázali kolážní umění je víc než jen řezání a vkládání, je to mocné médium pro sebevyjádření a sociální komentář.
—
Pro líné blbce a vizuální studenty
Slavní umělci koláže na YouTube
ICYMI
Který umělec učinil koncept koláže do formy umění v roce 1912?
V roce 1912 průkopnický umělec, který transformoval Koncept koláže Do výrazné formy umění nebyl nikdo jiný než Pablo Picasso. Během letošního roku Picasso představil „zátiší s židlí Caning“, pozoruhodné dílo, které znamenalo příchod koláže jako významného uměleckého vyjádření a označil zahájení nové fáze v kubistickém hnutí.
„Zátiší s židli caning“ představoval nekonvenční kombinaci materiálů a technik. Picasso začlenil proužek olejové řeči vytištěného vzorcem židle na oválný plátno. Obraz byl dále orámován lanem. Tato inovativní fúze různých prvků spolu s začleněním netradičních materiálů, jako je olejová řeza, zpochybnila konvenční umělecké normy a zavedla avantgardní přístup k uměleckému tvorbě. Toto průlomové umělecké dílo připravilo cestu pro zkoumání nových možností ve vizuální reprezentaci a výrazně rozšířilo hranice uměleckého vyjádření.
Kromě dopadu na vizuální umění mělo Picasso inovativní použití koláže širší dopady pro uměleckou filozofii a tvůrčí myšlení. Zavedení koláže jako životaschopného umění napadlo zavedené představy o povaze uměleckých materiálů, složení a reprezentace. Tento přístup povzbudil umělce, aby prozkoumali nekonvenční materiály, textury a formy, podporovali ducha experimentování a redefinice v umělecké komunitě.
Práce Hannah Höch je považována za součást, jaký umělecký styl?
Umělecký styl Hannah Höchové je pevně spojen s dadaismem, avantgardním hnutím, jehož cílem bylo zpochybnit tradiční představy o umění a společnosti prostřednictvím svého objetí absurdity, anti-konformity a experimentování.
Höch je nejlépe známá pro její fotomontážní práce, techniku, kde dovedně kombinovala a jmenovala vyříznuté obrázky z časopisů a novin, aby vytvořila složité a vyvolávající koláže. Její fotomonty často představovaly satirický a kritický komentář k sociálním a politickým otázkám, což odráží dadaistické odmítnutí zavedených norem a hodnot.
Höchova účast na dadaismu a její mistrovství fotomontážních technik hrály významnou roli při rozšiřování uměleckých možností hnutí. Její práce zpochybnila převládající představy o autorství a originalitě tím, že si přivlastnily a rekontextualizovaly stávající snímky, které rezonovaly s dadským étosem podvracení a ikonoklasmy.
Budoucí předpověď
Proč bylo umělecké hnutí Dada důležité pro budoucí umělce?
Umělecké hnutí DADA má pro budoucí umělce hluboký význam díky svému radikálnímu odchodu od konvenčních uměleckých norem, podvracení zavedených institucí a jeho roli při vydláždění cesty pro následné avantgardní a experimentální umělecké formy. Dadaism, který se objevil během první světové války jako reakce proti válečným hrůzám a společenským normám, které se zdálo, že k tomu vedly, byl silou, která rozbila tradiční umělecké hranice. Nepočet umělců byl inspirován divokými antikami a odvážnými protiautoritárními povahami Dada, což je motivovalo k rozšíření obzorů uměleckého světa.
Jednou z nejznámějších postav dadaismu byl Marcel Duchamp, známý pro jeho průkopnickou práci „Fountain“, porcelánový pisoár podepsaný s pseudonymem „R. Mutt“. Duchampovo stvoření ztělesňovalo Dadaův anti-Art étos, zpochybňoval tradiční představy o estetice a nutil diváky, aby zpochybňovali samotnou podstatu umění. Tento odvážný akt měl hluboký dopad na budoucí umělce tím, že je tlačil, aby přehodnotili samotnou definici a hranice uměleckého vyjádření.
Hnutí Dada hrálo klíčovou roli při změně vnímání umění a porušování stanovených pravidel. Narušilo to tradiční umělecká média začleněním nalezených předmětů, Kolážní techniky, a performance umění, stanovení precedensu pro umělce experimentovat s nekonvenčními materiály a metodami. Odmítnutí logiky dadaismu a její objetí absurdity a iracionality ovlivnilo pozdější pohyby, jako je surrealismus, jejichž cílem bylo také napojit se do bezvědomí a zpochybnit racionalitu v umění.
Vliv hnutí přesahoval umělecké praktiky, aby zpochybnil společenské normy a autoritu. Zmírněním a odmítnutím konvencí konfrontovali dadaisté status quo a inspirovali budoucí generace umělců, aby používali své kreativní výrazy jako prostředky sociální kritiky a změny. K rozvoji konceptuálního umění a performance, které upřednostňují myšlenky a proces nad tradičními estetickými výsledky, přispěly také postoj DADA a jeho zkoumání náhodnosti, náhody a spontánnosti.
...
Hlavní obrázek: Eduardo Paolozzi, Turing 6, 2001. Color Photo-Screenprint. 64 × 53 cm.
