Od dady do feminizmu: badanie wpływu słynnych artystów kolażowych
Sztuka kolażowa jest unikalną formą artystycznej ekspresji, która obejmuje łączenie różnych elementów i materiałów w celu stworzenia spójnego i oszałamiającego wizualnie obrazu.
Sztuka kolażowa ma bogata historia randki Powrót do XII wieku Japonia - LOOOONON TIME przed Pablo Picasso i Georges Braque ponownie wymienili formularz jako technika Papier Collé (wklejony papier) W latach 1910. Przez lata było wielu artystów kolażowych, którzy wywarli znaczący wpływ na świat sztuki dzięki ich innowacyjnymi stylami i technikami.
W tym artykule spotkamy 11 znanych artystów kolażowych, którzy odnieśli niezatarty ślad w świecie sztuki. Istnienie sam artysta kolażowyByłem zaskoczony, jak niewielu z tych konkretnych artystów znałem.
Jak o tobie?
11 słynnych artystów kolażu, którzy zdefiniowali formę sztuki
1
Hannah Höch
Hannah Höch, Pokrój nożem kuchennym Dada Przez ostatnią epokę kulturową piwną Weimar w Niemczech, 1919. kolaż. 44 9/10 × 35 2/5 in | 114 × 90 cm.
...
Hannah Höch (ur. 1 listopada 1889 r. Gotha, Niemcy i zmarły 31 maja 1978 r. W Berlin) był Niemcem Artystka Dada najbardziej znana ze swoich politycznych fotomontażu wykonanych z wycinków z gazet i znaleziono obiekty. Uczęszczała Berlin College of Arts i Rzemiosła i szkoła Royal Museum of Applied Arts. Praca Höcha często zaangażowała się w z początku XX wieku ideał tego ”Nowa kobieta, „rzucając wyzwanie tradycyjnym domowym role kobiet.
Była związana z ruchem Berlin Dada i współpracowali z artystami takimi jak Raoul Hausmann. Podczas Republika Weimar, Höch kwitła w liberalizowanej atmosferze, produkując dowcipne i subtelne fotomontaże skomentował główne problemy dnia. Jej prace były innowacyjne w użyciu materiałów zebranych z kultury popularnej i jest uważana za jednego z pomysłodawców fotomontażu.
Sztuka Höcha została uznana za zdegenerowaną przez nazistowski reżim i żyła w względnej zapomnieniu podczas II wojny światowej. Mimo to jej wpływ można zobaczyć w pracach późniejszych artystów, takich jak Cindy Sherman i Hannah Wilke. Sztuka Höcha odbywa się obecnie w kolekcjach Metropolitan Museum of Art and the Museum of Modern Art w Nowym Jorku oraz Berlinische Galerie.
Najsłynniejszą dziełem Hannah Höch jest fotomontaż z 1919 roku zatytułowany „Cut with the Kiten Knife Dada przez ostatnią epokę kulturową Beer Beer Belly w Niemcze Twórz sztukę prowokującą do myślenia. Fotomontage zawiera kolaż obrazów z gazet, czasopism i innych źródeł mediów, rekonteksualizując je w celu stworzenia wizualnie uderzającej i krytycznej reprezentacji tego okresu. Ta praca jest doskonałym przykładem pionierskiego wkładu Höcha w ruch Dada i jej umiejętności w zakresie fotomontażu jako potężnego medium artystycznego.
2
Romare Bearden
Romare Bearden, Cesarzowa bluesa, 1974, akryl i ołówek na papierze i drukowanym papierze na tekturze, 36 X 48 W. (91.4 X 121.9 cm.)
...
Romare Bearden (1911–1988) był artystą afroamerykańską znaną ze swoich potężnych dzieł kolażowych, które przedstawiały doświadczenie Afroamerykanów za jego życie. Urodzony w Charlotte, Karolina Północna, Bearden dorastał w Nowym Jorku i Pittsburghui studiowałem w Art Students League w Nowym Jorku z George Gros i AT Uniwersytet Columbia. Pracował z różnymi mediami, w tym kreskówki, oleje i kolaże.
Grafika Beardena konsekwentnie przedstawiała kulturę i doświadczenie Afroamerykanów, obejmując tematy wiejskie oparte na jego wspomnieniach o Południe, a także Życie miejskie i jazz. Jego dzieła kolażowe często odzwierciedlały elementy jazzu, z wzajemną zależnością od postaci i improwizacja materiałów. W latach 80. wyprodukował dużą pracę zawierającą przekonujące obrazy kobiet.
Podczas Harlem Renaissance, Dom rodzinny Romare Bearden w Nowy Jork stał się miejscem spotkań wybitnych intelektualistów i artystów, takich jak W. E. B. du Bois, Paul Robeson i Hrabie cullen. Dorastając w tym środowisku, Bearden był narażony na różne formy sztuki, w tym muzykę, i spotkał wiele znanych legend muzycznych tamtych czasów.
Mimo że jest płodny, Bearden stał przed wyzwaniami w uznaniu jako główny amerykański artysta z powodu uprzedzeń i segregacji w amerykańskim świecie sztuki. Jednak jego wystawy otrzymały entuzjastyczne odpowiedzi, aw 1987 r. Otrzymał National Medal of Arts. Bearden wniósł także jako autor tekstów, ilustrator książki i scenariusz dla Alvin Ailey American Dance Company. W 1990 r. Fundacja Romare Bearden została założona w celu wspierania młodych lub wschodzących artystów i uczonych.
W 1964 roku Bearden został mianowany pierwszym dyrektorem artystycznym Harlem Cultural Council, wybitna afroamerykańska grupa rzecznictwa. Był zaangażowany w założenie kilku ważnych miejsc artystycznych, takich jak Muzeum Studio w Harlemie i Galeria Cinque. Wkład Beardena w renesans Harlemu wykraczał poza jego dzieła, ponieważ aktywnie wspierał młodych, wschodzących artystów i opowiadał się za kulturą i doświadczeniami z Afroamerykanów.
Chociaż Bearden jest najbardziej znany ze swojej sztuki wizualnej, był także zapalonym studentem muzyki, autorem tekstów oraz kostiumem i scenografem. Jego dzieła często przedstawiały kulturę i doświadczenia Afroamerykanów, czerpiąc inspirację z jego życia w Harlemie i Pittsburgh.
3
John Heartfield
John Heartfield, Okładka dla Kurta Tucholsky'ego, Deutschland, Deutschland über Alles, 1929 © The Heartfield Community of Heirs / VG Bild-Kunst, Bonn 2020 Akademie der Künste, Berlin.
...
John Heartfield (urodzony Helmut Herzfeld; 1891-1968) był niemieckim artystą wizualnym, który był pionierką użycia sztuki jako broni politycznej, szczególnie poprzez jego anty-nazistowskie i antyfaszystowskie fotomontaże. Prace Heartfielda często wykorzystywały satyryczne obrazy i hasła do krytykowania politycznego klimatu swoich czasów, zwłaszcza przeciw powstaniu Adolf Hitler i trzecia Rzesza.
Fotomontaże Heartfield przypisuje się tworzeniu Niektóre z najbardziej kultowych plakatów politycznych XX wieku Ze względu na ich silny wpływ wizualny i zdolność do przekazywania silnych przesłania politycznego. W latach 1930–1938 zaprojektował 240 dzieł sztuki antynazistowskiej, które zostały opublikowane w Magazyn AIZ. Te prace zostały przemycone w Niemcy z Czechosłowacja, Austria, Szwajcaria i Po wschodniej Francji po Krajowi socjaliści przejęli kontrolę.
Odwaga artystyczna Heartfielda była równa jego fizycznej odwagi, ponieważ nadal tworzył gwałtownie antyfaszystowskie kolaże, mieszkając w Berlinie do 1933 roku zapowiadał okropności nazistowskiego reżimu i służył jako potężna forma protestu politycznego, co czyni go Znacząca liczba w historii sztuki politycznej.
Prace Johna Heartfielda wpłynęły na wielu artystów, grafików, typografów, reklamodawców, filmowców, pisarzy i innych, którzy znaleźli inspirację w jego spuściźnie. Artyści z całego Blok wschodni, sowiecki Rosja i Stany Zjednoczone znalazły inspirację w fotomontażach Heartfield pod koniec lat 60. i 70. XX wieku. Dla artystów Klaus Staeck, László Lakner, i Martha Rosler, między innymi, jego praca pomogła im skonfrontować się zużytymi lewicowymi ideologiami z nowym językiem wizualnym.
Innowacyjne wykorzystanie Heartfield przekształcona fotomontaż w potężną formę masowego komunikatoN. Jego unikalna metoda zawłaszczania i ponownego wykorzystania zdjęć dla efektów politycznych zainspirowała współczesnych artystów do wykorzystania podobnych technik do zwalczania bigoterii, ignorancji, przemocy i bezsensownej wojny o zysk. Wystawa John Heartfield zawiera prace artystów kolażowych, takich jak Winston Smith, Thomas Young i David King, który kontynuuje i rozwijają przełomową pracę Heartfield.
4
Barbara Kruger
Barbara Kruger, Untitled (twoje ciało jest polem bitwy), 1989. Fotograficzny ekran jedwabia na winylu. 112 x 112 cali (284,48 x 284,48 cm).
...
Barbara Kruger (ur. 26 stycznia 1945 r.) Jest Amerykański artysta koncepcyjny i kolagista związany z Generowanie zdjęć. Jest znana ze swoich odważnych i prowokujących dzieł kolażowych, które kwestionują rolę kobiet w społeczeństwie, przy użyciu czarno-białych fotografii nałożonych na deklaratywne podpisy w biało-czerwonej futura Bold skoś lub Helvetica ultra skondensowany tekst. Praca Krugera często obejmuje na dużych tekstach na zdjęciach, aby rzucić wyzwanie Założenia kulturowe i zachęcić widzów do Pytanie wiadomości o głównym nurcie oraz ich wpływ na tożsamość i społeczeństwo.
Charakterystyczny styl Krugera był pod wpływem jej klasycznego treningu w zakresie projektowania oraz jej doświadczenie w branży modowej, szczególnie jako główny projektant w Mademoiselle Magazine. Jej prace zostały ukształtowane przez feministyczną krytykę filmową i strukturalistyczną teorię literacką, którą napotkała poprzez swój udział w grupie artystów na spotkanie na temat zmian społecznych.
Sztuka Krugera rozwiązuje takie kwestie, jak konsumpcjonizm, seksualność, polityka i związek między władzą a społeczeństwem, Zacieranie granic między sztuką a komercyjnością. Jest uważana za jedną z najważniejszych artystów feministycznych XX wieku ze względu na jej zdolność do kwestionowania i kwestionowania pojęć tożsamości i struktur władzy poprzez jej prowokujące do myślenia i uderzające wizualnie dzieła.
Posłuchaj, jak Kruger mówi o swojej sztuce własnymi słowami.
Niektóre z najważniejszych prac Kruger obejmują:
"Untitled (twoje ciało jest polem bitwy)„(1989): Ta praca zawiera czarno-białą fotografię twarzy kobiety, podzielona na pół, z tekstem„ Twoje ciało jest polem bitwy ”. Zostało utworzone w odpowiedzi na debatę polityczną dotyczącą praw reprodukcyjnych kobiet i praw reprodukcyjnych kobiet i praw reprodukcyjnych kobiet i Służy jako potężny komentarz do walki o kontrolę nad ciałami kobiet.
"Untitled (robię zakupy, dlatego jestem)„(1987): Ten utwór zawiera frazę„ I Support, dlatego mam ”nałożone na rękę trzymającą kartę kredytową. Krytykuje konsumpcjonizm i sposób kształtowania naszej tożsamości i wartości.
5
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg, Buffalo II, 1964. Olej i atrament z ekranu na płótnie
96 x 72 cali (243,8 x 183,8 cm).
...
Robert Rauschenberg (1925-2008) był Amerykański malarz i graficzny artysta Znany ze swoich dzieł „kombajn”, które zatarły rozróżnienia między malarstwem a rzeźbą, włączając codzienne przedmioty jako materiały artystyczne. Studiował sztukę w Kansas City Art Institute, Akademie Julian w Paryż i Black Mountain College w Karolina Północna wcześniej przeprowadzka do Nowy Jork w 1949 roku.
Rauschenberg łączy zintegrowane odrzucone przedmioty, które zebrał z ulic Nowego Jorku, takie jak wycinki z gazet, fotografie i znalezione przedmioty. Uważał, że użycie materiałów w świecie rzeczywistym sprawiło, że jego sztuka była bardziej powiązane i odzwierciedlające rzeczywistość. Niektóre z jego wczesnych dzieł spodziewały się ruchu popowego i jest obchodzony jako prekursor prawie każdego ruchu sztuki od czasu ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Wkład Roberta Rauschenberga w świat sztuki był znaczący i transformacyjny. Był pierwotną postacią w latach 50. i 60. XX wieku i został uznany za głównego prekursora Ameryki Pop Art, obok współczesnych, takich jak Andy Warhol i Jasper Johns. Innowacyjne podejścia Rauschenberga, widoczne w pracach takich jak Monogram, rozszerzył tradycyjne granice sztuki. Otwieranie nowych możliwości eksploracji dla przyszłych artystów.
Jego „kombajn” działa zamazało rozróżnienia między malarstwem a rzeźbą, zawierając codzienne przedmioty jako materiały artystyczne i kwestionowanie status quo. Praktyka artystyczna Rauschenberga i kreatywna energia nigdy nie będą pasować do z góry przyjętych pudełek. Historyk sztuki Branden W. Joseph zauważył, że praca Rauschenberga służyła jako bodziec, impuls i wyzwanie dla artystów.
W trakcie swojej kariery Rauschenberg pracował w różnych mediach, w tym w malarstwie, rzeźbie, wydrukach, fotografii i wydajności. Współpracował z choreografami Merce Cunningham, Paul Taylor i Trisha Brown i był członkiem założycielem innowacyjnych eksperymentów grupowych w dziedzinie sztuki i technologii (E.A.T.) w 1966 r.
Rauschenberg's Przełomowe podejście i kreatywna energia miał trwały wpływ na pokolenia artystów. Usłyszysz, jak Rauschenberg "przepisaj zasady gry ” Od jego syna, fotografa Chrisa Rauschenberga.
6
Kurt Schwitters
Kurt Schwitters, Trudny, 1942-43. COllage. 31,25 x 24 cale (79,37 x 60,96 cm).
...
Kurt Schwitters (1887-1948) był Niemiecki artysta zaangażowany zarówno w dadaizm, jak i konstruktywizm, najbardziej znany ze swoich prac Merz i Merzbau. Ukuł termin „merz” Aby opisać jego unikalny styl sztuki, który wiązał się z użyciem codziennych obiektów do tworzenia jego dzieł. Schwitters utworzył Merzbild (Merz-Paintings), które były kolażem i zespołami wykonanymi z różnych odpadów, takich jak odbitki, etykiety, tapety i kawałki drewna. I nigdy nie unikał spiczastego, palącego tematu, w tym jego czas w Hutchinson Internment Camp.
Koncepcja Merz Schwitters był podsekcją ruchu Dada, dostosowanego do własnych filozofii artystycznych i wizji. Nazwa Merz została wygenerowana przez przypadek poprzez kolaż, który włączył niemieckie słowo ”Kommerz "(handel). To nonsensowne i spontanicznie wygenerowane słowo było podobne i filozofia do tytułu Dada.
Chwila Art Merz i Dada są ściśle powiązane, istnieją pewne różnice między nimi. Merz jest podsekcją ruchu Dada, który został dostosowany do własnych filozofii artystycznych i wizji Schwitters. Z drugiej strony Dada był szerszym ruchem sztuki, który obejmował różne formy sztuki, w tym sztukę performance, poezję, fotografię, rzeźbę, malarstwo i kolaż. Estetyka Dady naznaczała kpina materialistycznych i nacjonalistycznych postaw.
Przez całe życie Schwitters stworzył ponad 8 000 dzieł, a dziś pozostało około 2500. Jego innowacyjne podejście do sztuki, łączenie kolażu i abstrakcji, Wpływaci artyści, tacy jak Robert Rauschenberg. Schwitters był z zewnątrz i indywidualistą, wybierając nie przeprowadzanie się do głównych centrów artystycznych, takich jak Berlin lub Paryż po ukończeniu studiów w Drezno Academy.
7
Eduardo Paolozzi
...
Eduardo Paolozzi (1924-2005) był Szkocki artysta znany ze swoich innowacyjnych prac kolażowych To zawierało mieszankę obrazów z popularnej kultury i technologii. Urodzony w Leith blisko Edynburg do włoskich rodziców, Paolozzi studiował w Edynburgu i Londyn przed spędzeniem dwóch lat Paryż. Jest powszechnie uważany za jeden z pionierów pop.
Często prace Paolozzi zakwestionowane tradycyjne pojęcia sztuki i piękna Łącząc elementy surrealizmu z kulturą popularną, nowoczesnymi maszynami i technologią. Jego wczesna miłość do amerykańskiej kultury doprowadziła go do tworzenia kolaży za pomocą obrazów z reklam, reprezentujących lśniące, szczęśliwszy styl życia, który się pojawił Ameryka powojenna. Ale grał także z tą formą i stylem - przekazując swoją wrażliwość na jego mozaiki i rzeźby, w szczególności Stacja metra Tottenham Court Road.
Jego prace miały charakter surrealistyczny, tak jak on Połączone reklamy magazynu, kreskówki i części maszynowe w jego sztukę, przewidując obawy pop -art. Paolozzi był szczególnie zainteresowany środkami masowego przekazu oraz nauką i technologią, które wpłynęły na jego sztukę przez całą jego karierę. Oprócz swoich prac kolażowych, Paolozzi wyprodukował również duże rzeźby figuratywne, wydruki i MASAIC MALETA - Ich żywe pożyczki odwoławcze ”rodzaj skupienia się na chaosie".
8
Martha Rosler
Martha Rosler, Kult ładunkowy, z ciała serii piękne lub piękno nie zna bólu, 1966–72. PHotomontage wydrukowane jako zdjęcie. 39 1/2 x 30 1/4 cala.
...
Martha Rosler, urodzona w 1943 roku w Brooklyn, Nowy Jork, to Amerykański artysta konceptualny Znana ze swoich feministycznych kolegów i fotomontażu. Pracuje w różnych mediach, w tym w fotografii, tekstu, wideo, wideo, instalacji, rzeźbie i wydajności, a także pisaniu o sztuce i kulturze. Praca Roslera często zawiera obrazy od kultury popularnej i reklamy do kwestionuj rolę kobiet w społeczeństwie i rzuć wyzwanie tradycyjnym role płci.
Praca Marthy Rosler znacząco wpłynęła na feministyczny ruch sztuki, kwestionując przedstawienie kobiet w społeczeństwie. Korzystała również z nowych technologii, takich jak wideo, aby odróżnić się od artystów płci męskiej i bardziej tradycyjnych mediów świata sztuki. W połowie lat sześćdziesiątych zaczęła tworzyć fotomontaże badające materialne i psychiczne psychiczne, manipulując popularnymi reklamami w celu ujawnienia ich podstawowych ideologii. Jej praca, taka jak „ciało piękne, lub Beauty Know Know No Pain ”Seria (1966–72), połączyła różne koncepcyjne praktyki sztuki dostosowane do polityki feministycznej.
Jedna z jej powszechnie znanych dzieł ”Semiotyka kuchni„(1975), to parodia wideo gotowania pokazuje, że humorystycznie odnosi się do konsekwencji tradycyjnych ról żeńskich. Poprzez zawłaszczanie elementów popkultury, takich jak reklama telewizyjna i czasopisma, praca Roslera krytyka norm społecznych i oczekiwaniach związanych z kobietami.
Praktyka artystyczna Roslera rozciągała się ponad przedmiot, ponieważ wierzyła, że sztuka może naprawdę zajmować rolę społeczną i wywołać empatię i dezidentyfikację u widza. Jej wideo działa z lat 70. i 80. XX wieku, analizowało operacje środków masowego przekazu, aby ujawnić, w jaki sposób kultywowali samozadowolenie. Pod wpływem fali feministycznej występu wyłaniającego się z alternatywnych przestrzeni sztuki w Kalifornia, praca Roslera przyczyniła się do rozwoju feministycznej sztuki konceptualnej i pozostawiła niezatarty ślad na scenie sztuki współczesnej.
9
Georges Braque
...
Georges Braque wraz z Pablo Picasso grał Znacząca rola w ewolucji sztuki kolażowej. Wymyślili technikę Papier Collé (wklejony papier) w 1912 r., Która oznaczała rewolucyjną zmianę w świecie sztuki. Braque poszedł o krok dalej Klejąc wycięte reklamy w jego płótna. Zatrzymał także litery na obrazy, mieszał pigmenty z piaskiem oraz skopiował ziarno drewna i marmuru, aby osiągnąć wielki poziom wymiaru w swoich obrazach. Oczywiście, kolaż istniał na długo wcześniej W innych formach ...
Dzieło kolażowe Braque, takie jak jego Artwork 1912 „Owocowe danie i szkło”, połączone kawałki tapety ze sztucznego drewna z jego Kubistyczne przedstawienia przedmiotów. Ta technika zakwestionowała formalne idee perspektywy i przestrzeni w sztuce, ponieważ tworzyła przecinające obszary elementów kolażowych i rysowanie w jego pracy. Jego innowacyjne podejście do sztuki kolażowej wpłynęło na wielu współczesnych artystów i przyczyniło się do rozwoju i ekspansji formy sztuki kolażowej.
Podczas fazy kolażowej Kubizmu w latach 1912–14 obiekty nieożywione zdominowały obrazy Picassa, Braque i Juan Gris. Braque's Still Lifes opętał Podstawa ludzkiego dramatu, dzięki pomysłowej kombinacji rzeczy i tekstu. Zastosowanie prawdziwych materiałów i tekstur w ich kompozycjach kolażowych wprowadziło nowy wymiar dla zachodniego malarstwa, którego konsekwencje są nadal odczuwalne.
Praca Braque z kolażem miała trwały wpływ na świat sztuki, inspirując artystów w różnych ruchach, mediach i stylach Odkryj praktykę sztuki kolażowej. Informatywne i innowacyjne podejście do sztuki przyciągało artystów ze względu na jedyny w swoim rodzaju estetyczny i unikalny, złożony proces. W rezultacie wpływ Braque na ewolucję sztuki kolażowej jest widoczny w pracach wielu artystów, takich jak akcjonariuszy Jessica, Mark Bradford, Hannah Hoch, Kurt Schwitters i John Stezaker.
10
Pablo Picasso
Pablo Picasso, Butelka Vieux Marc, 1913. Wycięte i wysadzone w przepast tapety, gazeta, węgiel drzewny, gwasz i szpilki na złożonym papierze, 24 13/16 × 19 5/16 cala (63 × 49 cm).
...
Pablo PicassoWraz z Georgesem Braque odegrał kluczową rolę w ewolucji sztuki kolażowej. Opracowali technikę Papier Collé (wklejony papier) w 1912 roku, który oznaczał przełomowa zmiana w świecie sztuki. Innowacyjne podejście Picasso do kolażu inspirowało innych artystów i stało się katalizator ruchów artystycznych takie jak Kubizm, Dada i surrealizm.
Jeden z Picasso Wczesne prace kolażowe, "Kieliszek gitary i wina, „Pokazuje jego zdolność do tworzenia cieniowania i struktury poprzez wklejanie i nakładanie papieru. Jego dzieła z 1912 r.”Martwa natura z puszką krzesełkową„To kolejny znaczący przykład jego pracy kolażowej. W tym utworze Picasso włączył kawałek Oil -Cloth z kanałem krzesełkiem i liną w celu oprawu kompozycji. Ta grafika zakwestionowała tradycyjne idee sztuki, łącząc codzienne materiały z malowanymi elementami, rozmywając granice między kulturą o wysokiej i niskiej zawartości.
Prace kolażowe Picassa miały Głęboki wpływ na świat sztuki, inspirujący artystów z różnych ruchów, mediów i stylów do odkrywania praktyki sztuki kolażowej. Jego pomysłowe i innowacyjne podejście do sztuki przyciągało artystów ze względu na unikalny proces estetyczny i złożony. W rezultacie wpływ Picassa na ewolucję sztuki kolażowej jest widoczne w pracach wielu artystów, którzy śledzili, takie jak David Hockney, Jasper Johns i Martin Kippenberger.
11
Henri Matisse
Henri Matisse, Zulma, 1950. Gwasz na papierze. 108 x 60 cali.
...
Utworzone wycięcia Henri Matisse W ostatniej dekadzie życia, miał znaczący wpływ na nasze współczesne zrozumienie sztuki kolażowej. Pod koniec lat 40. Matisse zmienił swoją metodologię artystyczną i odwrócił się, by przeciąć papier jako swoje podstawowe medium, używając nożyczek jako jego narzędzia. Jego wycięcia, często inspirowane światem przyrody lub postaciami abstrakcyjnymi, zostały ułożone w żywe kompozycje, które przekroczyły granice malarstwa sztalugi i pozwoliło mu pracować z nowym rodzajem wolnych panowania. Wielu uważa ten okres za „A Second Life” dla artysty. Czy nie możesz po prostu zobaczyć w tym wyrazie zadowolenia Rzadki materiał filmowy, który wycinał papier?
Wycięcia Matisse'a zaprezentował swoją niesamowitą kreatywność i witalność, nawet w trudnych okolicznościach. Reprezentowali szczyt jego kariery, oznaczając ostateczne przejście do całkowicie abstrakcyjnego słownictwa. Jego opanowanie stylu wycinanego miało głęboki wpływ na jego artystyczną podróż. Wycięcia wprowadziły także nową operację w sztuce, która okazała się znana jako "rysowanie nożyczkami". Które przedstawiają własne wyzwania związane z ochroną, jak widać Ten żmudny proces odbudowy.
Wycięcia Matisse'a wpłynęły na wielu współczesnych abstrakcyjnych artystów i nadal inspiruj artystów i kuratorów. Prostota jego wycięć była nieoczekiwana w świecie sztuki i zostały one uznane Całkowicie wyjątkowy i radykalny w tym czasie Byli wytwarzane. Jego wycięcia rozebrało się do podstawowego koloru i kształtu, przybierając niemal graficzną naturę, co może wyjaśniać odrodzenie estetyki w ilustracji i grafice.
...
Collage Art to wyjątkowe i wszechstronne medium, które pozwala na niekończące się możliwości kreatywne. Słynne dzieła kolażowe wymienione w tym artykule znaczący wkład w świat sztuki dzięki ich innowacyjnym stylom i technikom. Każdy artysta ma swoją wyjątkową perspektywę, a ich wpływ na świat sztuki rezonował z innymi artystami i wpłynął na ich pracę.
Niezależnie od tego, czy używa codziennych obiektów, satyry politycznej, czy kwestionowania tradycyjnych ról płciowych, kolaż ma zdolność komunikowania złożonych wiadomości w oszałamiający wizualnie. Ci artyści to pokazali Sztuka kolażowa To coś więcej niż po prostu cięcie i wklejanie, jest potężnym medium do wyrażania siebie i komentarzy społecznych.
—
Dla leniwych nerdów i uczniów wizualnych
Słynni artyści kolażu na YouTube
ICYMI
Który artysta stworzył koncepcję kolażu w formie sztuki w 1912 roku?
W 1912 roku pionierski artysta, który przekształcił koncepcja kolażu W wyraźnej formie sztuki nie był nikt inny jak Pablo Picasso. W tym roku Picasso zaprezentowało „martwe życie z kanałami krzeseł”, niezwykłą pracę, która oznaczała pojawienie się kolażu jako znaczącej ekspresji artystycznej i oznaczała inicjację nowej fazy w ruchu kubistycznym.
„Still Life with Frea Caning” zawierało niekonwencjonalne połączenie materiałów i technik. Picasso włączył pasek do oleju wydrukowanego wzorem puszczącego krzesła na płótnie owalne. Obraz był dalej sformułowany liną. To innowacyjne połączenie różnych elementów, wraz z włączeniem nietradycyjnych materiałów, takich jak olejka, zakwestionowała konwencjonalne normy artystyczne i wprowadziło awangardowe podejście do tworzenia sztuki. Ta przełomowa grafika utorowała drogę do eksploracji nowych możliwości reprezentacji wizualnej i znacznie rozszerzyły granice artystycznej ekspresji.
Oprócz wpływu na sztuki wizualne, innowacyjne wykorzystanie kolażu przez Picasso miało szersze implikacje dla filozofii artystycznej i kreatywnej myśli. Wprowadzenie kolażu jako realnego kształtu sztuki zakwestionowało ustalone pomysły na temat natury materiałów artystycznych, kompozycji i reprezentacji. Takie podejście zachęciło artystów do odkrywania niekonwencjonalnych materiałów, tekstur i form, wspierania ducha eksperymentów i redefinicji w społeczności artystycznej.
Praca Hannah Höch jest uważana za część jakiego stylu artystycznego?
Artystyczny styl Hannah Höch jest mocno kojarzony z dadaismem, awangardowym ruchem, który miał na celu zakwestionowanie tradycyjnych pojęć sztuki i społeczeństwa poprzez objęcie absurdu, antykonformowości i eksperymentów.
Höch jest najbardziej znana ze swoich prac fotomontażowych, techniki, w której umiejętnie połączyła i zestawiła wycięte obrazy z czasopism i gazet, aby stworzyć skomplikowane i prowokujące do myślenia kolaże. Jej fotomontaże często zawierały satyryczny i krytyczny komentarz na kwestie społeczne i polityczne, odzwierciedlając odrzucenie dadaistyczne ustalone normy i wartości.
Udział Höcha w dadaizmie i jej opanowanie technik fotomontażu odegrały znaczącą rolę w poszerzeniu artystycznych możliwości ruchu. Jej praca zakwestionowała dominujące pojęcia autorstwa i oryginalności poprzez przywłaszczenie i rekonteksualizowanie istniejących obrazów, które rezonowały z etosem wywrotu i ikonoklazmy Dady.
Przyszła prognoza
Dlaczego ruch artystyczny Dada był ważny dla przyszłych artystów?
Ruch artystyczny Dada ma głębokie znaczenie dla przyszłych artystów ze względu na swoje radykalne odejście od konwencjonalnych norm artystycznych, wywrócenie ustalonych instytucji i jego rolę w torowaniu drogi dla kolejnych awangardowych i eksperymentalnych form sztuki. Pojawiając się podczas I wojny światowej jako reakcja na horrory wojny i norm społecznych, które wydawały się do niej doprowadzić, dadaizm był siłą, która zniszczyła tradycyjne granice artystyczne. Niezliczeni artyści zostali zainspirowani dzikimi wygłupami i odważną antyautorytarną naturą Dady, motywując ich do rozszerzenia horyzontów świata sztuki.
Jedną z najbardziej kultowych postaci dadaizmu był Marcel Duchamp, znany ze swojej przełomowej pracy „Fountain”, porcelanowego pisuaru podpisanego z pseudonimem „R. Mutt”. Stworzenie Duchampa uosobienie anty-art etos Dada, kwestionując tradycyjne pojęcia estetyki i zmuszając widzów do kwestionowania istoty sztuki. Ten odważny akt miał głęboki wpływ na przyszłych artystów, zmuszając ich do przemyślenia samej definicji i granic artystycznej ekspresji.
Ruch Dada odegrał kluczową rolę w zmianie postrzegania sztuki i łamaniu ustalonych zasad. Zakłócił tradycyjne medium artystyczne, włączając znalezione przedmioty, Techniki kolażoweoraz sztuka performance, ustanawiając precedens dla artystów do eksperymentowania z niekonwencjonalnymi materiałami i metodami. Odrzucenie logiki przez Dadaizmu i jej objęcie absurdalności i irracjonalności wpłynęły na późniejsze ruchy, takie jak surrealizm, które miały również na celu wykorzystanie nieświadomego umysłu i podważenie racjonalności w sztuce.
Wpływ ruchu wykraczał poza praktyki artystyczne, aby zakwestionować normy i autorytety społeczne. Wyśmiewając i odrzucając konwencje, Dadaistów skonfrontowali status quo, inspirując przyszłe pokolenia artystów do wykorzystania swoich kreatywnych wyrażeń jako środki krytyki społecznej i zmiany. Postawa anty-establishmentowa Dady i jej badanie losowości, szansy i spontaniczności również przyczyniły się do rozwoju sztuki konceptualnej i sztuki wydajności, które priorytetują pomysły i proces w stosunku do tradycyjnych wyników estetycznych.
...
Główny obraz: Eduardo Paolozzi, Turing 6, 2001. Kolor fotograficzny. 64 × 53 cm.
